Sin embargo, ‘Reet petite’ sorteó todos los obstáculos gracias a la voz de Jackie Wilson. No sólo fue un éxito en el mercado destinado a los estadounidenses afroamericanos, sino que también llegó a entrar en los hit parade nacionales. Los blancos comenzaban a comprar discos inicialmente destinados a los negros. Hasta entonces las creaciones de origen negro, por muy buenas que fueran, sólo trascendían de su ámbito si un interprete anglosajón las versionaba.(...)
Read the rest of Jackie Wilson – Reet petite (Tan hermosa) (1,371 words)

El éxito de ‘Reet petite’, que toma su título del tema de Louis Jordan ‘Reet, petite and gone’, fue de tal magnitud que dio origen al sonido que durante varias décadas llenó el mundo de hits con voces negroides y generó también el mito de Gordy Jr.

Nació entonces una canción que, casi sesenta años después, mantiene la misma frescura que arrojó la aguja del primer tocadiscos que pinchó su vinilo. Gracias los mil dólares que cobró por su trabajo y un dinero prestado por su familia, Gordy Jr.creó en un pequeño estudio la discográfica que fue la raíz de Tamla, en primer término, y Motown, después. En el local se recibía a los visitantes con un lema que suponía toda una declaración de principios: Hitsville U.S.A. (ciudad de los éxitos).

Hasta entonces Gordy Jr. era un compositor que peleaba por dar a conocer su obra presentándola a concursos y enviándola a artistas, mientras sobrevivía gracias a empleos precarios. En sus comienzos se hartó, sin éxito, de tocar las puertas de las grandes discográficascomo autor de canciones y demos. Sólo consiguió vender algunas de ellas en Nueva York, por cantidades ínfimas.

Pero en 1957 se topó con Jackie Wilson, recién separado de The Dominoes. La estrella de Detroit aportó la voz idónea para ‘Reet petite’, que se registró en el sello Brunswick con ayuda del también compositor Billy Davis. Fue el primero de una serie de aldabonazos que durante dos años les llevaron a asentarse en lo más alto de las listas. Con celeridad, Gordy Jr. se convirtió en un próspero y respetado compositor, un estatus que le permitió crear su propia casa editora, la mencionada Motown, con Smokey Robinson y sus Miracles como grandes estrellas.

Centrémonos en ‘Reet petite’, uno de los clásicos del rock primitivo, un tema vivaz que muchos han intentado bailar y pocos lo han conseguido por su exigente ritmo, propicio para crear más contracturas que premios de salón. Sólo está al alcance de unos pocos, entre ellos el propio Jackie Wilson. Sobre el escenario se convertía en un torbellino, en una fiera que no paraba de dar saltos y que se adaptaba con precisión matemática a los ritmos más movidos.

Tuvo gran repercusión en su lanzamientro original, como hemos dicho, pero por aquellos tiempos eran pocos los discos estadounidenses que conseguían pasar el Atlántico para ser oídos en una Europa que bastante tenía con recuperarse de la devastación generada por la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el legendario exponente del rhythm & blues tuvo que esperar tres décadas, concretamente veintinueve años, para ser número uno en Gran Bretaña durante cuatro semanas.

Lo hizo en 1987, cuando el disco fue reeditado con motivo del fallecimiento de Wilson y promocionado con un vídeo muy original, interpretado por figuras de plastilina que se movían gracias al método ‘claymation’ y producido por la BBC. Con él volvió a la actualidad el genial intérprete. Su éxito fue tal que ‘Reet petite’ llegó a ser incluido en el disco ‘Boom 3’, la biblia de las canciones más famosas de aquella época. Constituyó un tardío reconocimiento internacional, cuantificado en la distribución de 700.000 copias del single.

Su repercusión en el mundo de la música fue de tal nivel que han sido numerosos los artistas que la han mencionado en obras posteriores. Es el caso de Van Morrison, en ‘Jackie Wilson said (I’m in heaven when you smile)’, de 1972; o de David Bowie, en la canción ‘Red money’. También la publicidad ha utilizado ‘Reet petite’ hasta la saciedad.

LETRA

Bien, mira ahí, mira ahí
mira ahí, mira ahí, ooh wee
mira ahí, mira ahí
mira ahí, ooh wee
¡oh! ¡ah! ¡oh! ¡ah! ooh wee

Bien, ella es tan bella, bella, bella
ella es tan bella,
ella es tan hermosa
es tan bella

Ella es realmente dulce
la chica más bella que quieras conocer

Oh, oh, oh, oh
oh, oh, oh, oh
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer

Alguna vez has visto una chica por quien darías tu alma
por la que lucharías, por la que morirías,
por la que rezarías a dios para vivir

Porque ella es tan hermosa
ella es tan hermosa
ella es realmente dulce
la chica más bella que quieras conocer

Bien, realmente hace justicia a la ropa que lleva
quiero que el mundo sepa que la amo, que la amo tanto

Ella me corresponde
me corresponde
me corresponde
ella me ama día y noche

Oh, oh, oh, oh
oh, oh, oh, oh
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer, oh

Bien , ella es como la miel de abeja, como los melocotones en el árbol
la amo, la necesito, ella significa tanto para mí

Ella me corresponde
ella tiene lo que se precisa
ella tiene lo que se precisa
y conmigo ella realmente gana valor

Bien, ela es mi bombón, mi tutti frutti
mi corazón, mi amor, mi sirena bella

Ella me corresponde
ella tiene lo que se precisa
ella tiene lo que se precisa
y conmigo ella realmente gana valor

Oh, oh, oh, oh
oh, oh, oh, oh
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer

VERSIONES

El ‘Elvis galés’ SHAKIN’ STEVENS, acompañado de The Sunsets, dio su toque personal al tema en 1972.

Dione Larue, conocida artísticamente como DEE DEE SHARP y la primera mujer negra idolatrada por los adolescentes, incoporó ‘Reet petite’ a su repertorio en 1963.

El cantautor canadiense COLIN JAMES se acordó de esta canción en 2006.

El grupo de pop comercial británico DARTS, integrado por nueve miembros, realizó un pegadizo cóver en 1979.

La neozelandesa DINAH LEE ya en 1964 vio las posibilidades de ‘Reet petite’.

http://youtu.be/6uJJmpRnRCg

JACKIE ‘SONNY’ WILSON (Detroit, 1934-1984) era propietario de una de las mejores voces tenor de la música negra popular, del soul y del rhythm & blues. Ella le permitió protagonizar una carrera de éxitos que se prolongó durante dos décadas y que sólo su deterioro físico cercenó.

Como todos los intérpretes afroamericanos, sus primeros pasos los dio en coros eclesiásticos, para pasar luego a formar parte del grupo Ever Ready Gospel Singers y comenzar a grabar sus primeros discos en 1951, tras ser descubierto por el sello Dee Gee, de Dizzy Gillispie.

Conocido como ‘Mister Emotion’ o ‘Mr. Excitement’, en 1953 fue captado por Billy Ward para formar parte de la banda The Dominoes en sustitución del solista de Clyde McPhatter, fichado por los míticos The Drifters. La experiencia se prolongó durante cuatro años, hasta que en 1957 inició su carrera en solitario. Comenzó así el período de su vida artística de mayor éxito, gracias a constantes variaciones de estilo y a las canciones que le aportaron el dúo Berry Gordy Jr-Roquel ‘Billy’ Davis. Llegaron grandes discos como el mencionado ‘Reet petite’, ‘To be loved’, ‘That´s why’, ‘I´ll be satisfied’, ‘Whispers’, ‘Higher and higher’, ‘I get the sweetest feeling’ o la también genial ‘Lonely teardrops’.

En los setenta, alejado ya del público, buscó nuevas fórmulas musicales en pequeñas casas discográficas, sin obtener mucha repercusión salvo en el circuito ‘revival’. Todo acabó en 1975, cuando sufrió un infarto mientras cantaba en directo en New Jersey. Su cerebro resultó fuertemente afectado y quedó en coma durante tres meses. Luego se vio obligado a permanecer hospitalizado en estado vegetativo hasta que murió en 1984 acosado por el Gobierno, que le reclamaba alrededor de 250.000 dólares en impuestos, y por sus dos exesposas, que peleaban por heredar su patrimonio artístico.

Entonces acabó la historia de un personaje fascinante, capaz de lo mejor en el escenario y de lo peor en su vida privada. Representó a partes iguales la espiritualidad y la carnalidad de la música soul, colocando unos cincuenta discos en las listas durante veinte años después de haber coqueteado con el boxeo y de haber caminado siempre de forma paralela al escándado. Incluso, en 1961, una fan fuera de control le disparó, hiriéndole gravemente. Tuvo problemas con las mujeres en todo momento, casándose en varias ocasiones y coleccionando numerosas amantes. Su vida desordenada, que ya de niño le llevó a un correccional, sólo le permitía avanzar a fuerza de alcohol.

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Ahora debería continuar escribiendo de ‘Nine to five’ como canción, pero no puedo resistirme a introducir en este texto algunos asuntos candentes de nuestra sociedad en estos momentos y que vienen a cuento con la temática de esta obra musical.(...)
Read the rest of Dolly Parton – Nine to five (De nueve a cinco) (1,136 words)

Me refiero al empleo y a sus condiciones. ‘De nueve a cinco’ es el horario laboral habitual en Estados Unidos, impensable en nuestro entorno, donde se sabe cuándo empieza tu jornada, pero raras veces se conoce cuándo finaliza. Un título más español podría ser ‘De antes de las 9 a vete a saber cuándo’.

La crisis ha servido para acrecentar las tradicionales precarias condiciones del mercado laboral hispano y algunos empleadores –me niego a designarles como empresarios– se aprovechan de ello. Eso, por una parte. Por la otra, las mujeres siguen siendo las más damnificadas en este hábitat. Además de contar con peores remuneraciones, más de treinta años después de ‘Nine to five’, el sexismo sigue presente en su trabajo.

Para vencer esta situación desde 1973 en Estados Unidos funciona una organización también llamada ‘9 to 5’. Lucha por conseguir un mejor trato para la población femenina en el lugar de trabajo. Aquí esa idea ni siquiera ha sido planteada. Su germinación parece imposible en el actual escenario socioeconómico, donde tener un puesto de trabajo parece que te convierte en un afortunado y al mismo tiempo te invalida para reivindicaciones.

Satisfecha por hoy mi vena contestaria, volvamos a este tema musical, que, además de aparecer en la película a la que nos hemos referido, forma parte de un musical de teatro que obtuvo también gran éxito en Broadway casi tres décadas después. Su representación en ambas facetas artísticas fue muy taquillera. También la televisión acogió una serie basada en ‘De 9 a 5’.

La canción compuesta por Dolly Parton, y arreglada y producida por Gregg Perry, fue nominada sin éxito a los Oscar y a los Grammy, donde sí obtuvo los galardones al mejor tema country y a la mejor interpretación femenina. Sin embargo, donde cosechó verdadera repercusión fue entre el público y durante muchos años fue considerado el himno reivindicativo de quienes trabajaban en las miles de oficinas que asfaltan los rascacielos estadounidenses.

Fue número uno en su tierra y Dolly Parton se convirtió en la segunda americana que lo conseguía tras Jeannie C. Riley, que lo hizo en 1968. A este lado del Atlántico no tuvo tanto éxito, quizá porque reflejaba una visión muy americana del mundo laboral. Asimismo, ha sido incluida en la lista del centenar de temas fundamentales del cine confeccionada por el American Film Institute.

También el videoclip promocional de ‘9 to 5’ tenía mucho de cinematográfico, ya que al ritmo del tecleo de una máquina de escribir intercalaba imágenes de la película con otras de la interpretación que Parton y su banda realizaban del tema.

La canción a la que hoy nos referimos ha sido habitualmente confundida con otra que popularizó Sheena Easton. Inicialmente ambas se titularon ‘De nueve a cinco’, pero la cantante escocesa tuvo que renombrarla como ‘Morning train’ porque Parton poseía los derechos del título para el territorio norteamericano.

Mientras el tema que hoy analizamos habla de mujeres trabajadoras, ‘Tren de la mañana’ de Easton hace referencia a una chica enamorada que espera en casa todo el día el regreso del trabajo de su marido.

Me caigo de la cama y tropiezo hasta la cocina,
me sirvo una taza de ambición,
bostezo, me estiro e intento despertar a la vida

Salto a la ducha y la sangre comienza a circular,
fuera, en la calle, el tráfico empieza a rodar,
lleno de gente como yo,
en el trabajo, de nueve a cinco.

Trabajando de nueve a cinco,
qué manera de ganarse la vida
sobreviviendo justo, justo,
te cogen todo y te no dan nada

Usan tu mente,
y nunca te dan reconocimiento
suficiente para volverte loco si les dejas

De nueve a cinco, por servicio y lealtad,
Pienso que merezco una promoción justa
quiero seguir adelante,
pero el jefe no parece dispuesto a dejarme
algunas veces juraría que ese hombre me tiene manía

Te permiten soñar sólo para ver tus sueños hechos pedazos
estás a un solo peldaño en la carrera a ser jefe
pero tienes sueños que él nunca te va a quitar

En el mismo barco con un montón de amigos,
esperando al día en que tu barco zarpe,
y la marea se va a dar la vuelta,
y todo se va a poner de tu parte

De nueve a cinco,
te tienen donde quieren
hay una vida mejor,
y tu sueñas con ella, ¿no?

Es un juego de hombres ricos,
no importa cómo lo llamen,
y tú gastas tu vida metiendo el dinero en su cartera

De nueve a cinco,
qué manera de ganarse la vida
sobreviviendo justo justo,
te cogen todo y no te dan nada.

VERSIONES

La veterana cantante francesa RENÉE MARTEL ofreció la versión gala de la historia en 1981.

El mismo año la sueca KIKKI DANIELSSON, que formó parte del grupo eurovisivo Chips, también se fijó en este tema.

http://youtu.be/VUFuwnh78VQ

El tema de Dolly Parton recaló con éxito en tierras escandinavas, donde también la banda de punk sueca MILLENCOLIN se apropió de él.

En el cine, además de en la película ‘Como eliminar a su jefe’, de cuya banda sonora formó parte, ‘9 to 5’ apareció en las escenas iniciales de ‘The love guru’, de 2008, cantada por el personaje principal interpretado por MIKE MYERS acompañado por un sitar.

En la famosa serie ‘SESAME STREET’, ‘Los teleñecos’ en España, Polly Darton cantaba ‘One to five’.

DOLLY PARTON es un prodigio de la naturaleza musical que desde su Sevierville natal, en Tennesse, conquistó el panorama musical country estadounidense amparada por lapasión artística que heredó de su familia y que ejercitaba en la iglesia.

A los 12 años comenzó a interpretar algunos temas country en radio y televisión, y un año después ya grabó su primer disco y componía para otros artistas.

Vivió rodeada de pobreza hasta que se casó con Carl Dean, empresario del asfalto, quien impulsó su carrera. En los años siguientes llegaron los primeros éxitos, sobre todo ‘I will always love you’, tema por el que se interesó Elvis Presley, aunque el rey del rock nunca llegó a grabarlo porque no se alcanzó un acuerdo a la hora de repartir los derechos.

La fama mundial le llegó en la década de los ochenta del pasado siglo, cuando coqueteó con el pop por medio de canciones como la que hoy analizamos u otras como ‘Here you come again’, que vendió más de un millón de discos. Por entonces, también se especializó en fructíferos dúos y tríos musicales. Al mismo tiempo, compatibilizaba su carrera musical con intervenciones en películas.

Incansable, alcanzó el nuevo siglo cargada de energía y cosechó Grammys con su regreso al country con las canciones ‘The grass is blue’ y ‘Little sparrow’.

En la actualidad, con casi setenta años, sigue en los escenarios, en los platós y en la televisión. Aún le sobra fuerza.

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Post tags: Chips, Elvis Presley, Estados Unidos, Grammy, Gregg Perry, Jane Fonda, Jeannie C. Riley, Kikki Danielsson, Lily Tomlin, Mike Myers, Millencolin, Óscar, Polly Darton, Renée Martel, Sevierville, Tennesse, ‘Cómo eliminar a su jefe’, ‘The love guru’

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Pero la canción ‘L’été indien’ no está dedicada al clima, sino al amor. La letra defiende que este período es el mejor para enamorarse, porque recupera las fogosidades que provoca la canícula, pero también para llorar por el amor perdido. Dassin sostiene que el fenómeno sólo ocurre en América del Norte, pero lo cierto es que su canción tuvo éxito en países lejanos de aquellas latitudes.(...)
Read the rest of Joe Dassin – L’été indien (Verano indio) (701 words)

Hablamos, en cuanto a la melodía, de una composición erótica, a la imagen de ‘Je t’aime, moi non plus’, de Serge Gainsbourg y Jane Birkin, en Francia, o ‘Todo el tiempo del mundo’, de Manolo Otero, en España.

En 1975 Joe Dassin interpretó en francés esta especie de balada destinada a reinar entre las piezas lentas de las famosas ‘boites’ de los años setenta. La profunda voz del artista galo y los consabidos ‘na na nas’ del coro femenino supieron dotar del preciso matiz transpirenaico a una pegajosa melodía compuesta originalmente por los italianos Toto Cutugno, Vincenzo Pallavicini y Pino Massara bajo el título ‘África’. La letra para el mercado francófono la adaptaron el propio Dassin, Pierre Delanoe y Claude Lemesle.

‘L’été indien’ constituyó el mayor éxito de la carrera del malogrado intérprete francés y en la actualidad está considerado como un clásico del pop del país vecino del norte. Pero, asimismo, supo ganarse un público entre los hispanoparlantes, entre quienes esta obra se conoció como ‘Sólo puedo mirar atrás’ o ‘Aún vivo para el amor’. Siempre tratamos de vivir en el amor y, aunque el amor nos cierre la puerta, nosotros ponemos el pie para impedirlo.

Ya sabes, esta noche me siento tan solo
y perdido porque no estás
y esos recuerdos están llenos de ti
de tu primavera, de una playa nuestra
donde fui arena para sostenerte,
de un mar nuestro donde fui la ola que te llevaba

Tu presencia, tus pequeñas cosas,
y ahora este vacío, sin poder mirar
hacia el futuro, solo sin ti
hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor

Una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser
hoy estoy muy lejos de esos recuerdos

¿Dónde estás? ¿Te acuerdas de mí o te habrás olvidado?
Tal vez tú piensas que fue una tontería conocerme,
y aquella arena y aquel mar sólo fueron recuerdos

Cierro los ojos y te imagino
te esperaré un mes, un año, toda la vida,
porque lo que siento no tiene tiempo,
se llama amor.

Hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor,
una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser

VERSIONES

Para la traslación al CASTELLANO la letra de la canción fue adaptada en 1976 por J. Israel y los hermanos McCluskey.

La tecnología logró que el desaparecido Joe Dassin cantara el tema con su autor, TOTO CUTUGNO.

Las grandes orquestas pop, como la de PAUL MAURIAT, pronto vieron las virtudes de ‘L’été indien’.

Más moderna es la revisión que firmó en 2011 la cantautora italiana IN-GRID.

Por último, la banda rusa BONEY NEM –en clara parodia de Boney M– también nos ofreció su peculiar visión.

JOE DASSIN (1938-1980) murió joven, pero dejó para sus seguidores una actividad musical intensa. Aunque nació en Nueva York hijo de artistas –su padre era un director de cine ruso judío y su madre violinista húngara–, siempre se ha considerado francés ya que a los doce años se estableció en París porque su familia tuvo que huir a Europa acosada por el ‘macartismo’ debido a sus creencias políticas.

Inicialmente, no quiso seguir la vereda familiar y optó por estudiar Antropología tras regresar a Estados Unidos, aunque finalmente se doctoró en Filosofía. Durante su época estudiantil trabajó como disc jockey y fue entonces cuando el veneno musical prendió en su interior.

Otra vez en tierras galas fue contratado como secretario de la compañía CBS Records, donde tuvo sus primeras oportunidades para grabar canciones. Aunque los comienzos no fueron fáciles, llegaron los primeros éxitos en los sesenta. Sin embargo, su consolidación se produjo en la siguiente década con temas como ‘A ti’ o el analizado ‘L’ete indien’. Su condición de políglota le permitió sacar canciones al merado en inglés, alemán, español, italiano y griego.

Murió a los 41 años de un ataque cardíaco durante unas vacaciones en Tahití. Fue enterrado en el cementerio Hollywood Forever, ya que pasó gran parte de su niñez en la ciudad californiana. Es uno de los cantantes que hoy aún más ingresos genera por derechos de autor en Francia.

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Post tags: Boney M, Boney NEM, CBS Records, Claude Lemesle, Estados Unidos, Hollywood Forever, In-Grid, J. Israel, Jane Birkin, Manolo Otero, McCluskey, Nueva York, París, Paul Mauriat, Pierre Delanoe, Pino Massara, San Martín, San Miguel, Serge Gainsbourg, Toto Cutugno, Vincenzo Pallavicini

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Hoy toca describir cómo es la vida de muchas personas que a lo largo de tantos años –ahora hasta los 67 gracias a nuestros gobernantes– vamos y venimos, con las mismas rutinas, cada uno de los días de todos esos años. Deambulamos por la vida con una sintonía sistemática que se repite hasta la saciedad y que es siempre igual.

Caemos en la monotonía, nos dejamos llevar, todos los días son peligrosamente iguales, pasan como un anuncio de televisión, como el hojear de un periódico, como un programa de radio al que no prestamos atención por mero aburrimiento, como el piloto automático por el que te dejas llevar. La rutina de la vida cae como una losa triste y repetitiva de la que deseas escapar rabiosamente, pero no puedes y no debes, y menos aún tal y como anda el panorama. Es un lujo que no nos podemos permitir.(...)
Read the rest of Avicii – Levels (Niveles) (765 words)

Lo expresa muy bien el DJ y productor sueco Tim Berg (Bergling), conocido en el mundo como Avicii, en la canción ‘Levels’, bautizada en 2010 como ‘ID’ y que adquirió su actual denominación en 2011. En ella nos recuerda que todos los días son iguales. Levantarse a las seis y media de la mañana, desayunar y marcharse a trabajar. Apenas un adiós apresurado a tu pareja en la puerta mientras compruebas que te llevas las llaves para poder entrar a la vuelta.

Llegar a la oficina y seguir con el mismo quehacer de cada día… Y al terminar, regreso a tu casa para descansar y volver al día siguiente. Así pasan los días y los años. Y cuando quieres volver la vista atrás te das cuenta de que has hecho exactamente lo mismo todo el tiempo y te invade un sentimiento de gratitud, sí, pero a la vez de tristeza de ver que no has disfrutado del tiempo que tan rápidamente se va.

La primera vez que vi el vídeo de ‘Levels’ me llevó automáticamente a este escenario. Narra la forma enfermiza en la que desembarcamos en una rutina gris y tediosa que se rompe por un impulso tan desconocido como desmedido y contagioso. Es similar a un virus que te hace entrar en un estado tal de agitación que te lleva a romper tu saber estar y desmelenarte compulsivamente tal y como te pide el cuerpo.

Uno se imagina la escena en su propio trabajo: absolutamente todos pierden los papeles y se dejan llevar frenéticamente presos de un telele del que no pueden escapar. Parece que es contagioso y los que aún están inmunes, miran a los ‘infectados’ como si fueran bichos raros a los que hay que encerrar. La escena es insólita.

Si lo pensamos bien, el vídeo dirigido por Petro –nominado a los premios MTV Video– puede no ser ninguna ficción. Es una forma bastante imaginativa de llamar nuestra atención sobre la tristeza del día a día y sobre cómo el cuerpo humano inconscientemente se rebela y se expande a sus anchas.

Desde luego, el tema que lo adereza te lleva directo a moverte sin parar. Contiene una sintonía muy bailable que te hace disfrutar continuamente. El sonido de Avicii se caracteriza por sus cadencias pegadizas, muy actuales y llenas de ritmo.

‘Levels’ fue uno de sus primeros éxitos y uno de esos temas que te atrapa nada más oírlos. Tiene magia. Y es también una de esas canciones para escuchar a oscuras, pero sin dejar de moverte mientras cantas a coro lo que vienen a decirnos: nunca me he sentido como en este mismo instante… Y puede que, precisamente durante ese mismo instante, seamos capaces de desconectar y pasar a un nivel de súbita emoción.

Bajo la producción del propio Avicii y de Ash Pournouri, ‘Levels’ contiene ‘samples’ de la canción de rhythm & blues ‘Something’s Got A Hold On Me’ de Etta James, publicada en 1962. Ascendió hasta el puesto número uno de las listas de éxitos de Suecia, Noruega, Hungría y Escocia, y en las de dance de Estados Unidos y Reino Unido. Hasta fue nominada a los Grammy de 2013 en la categoría de mejor grabación dance.

Oh, a veces tengo una buena sensación, sí
tengo una sensación que yo nunca, nunca, nunca,
nunca había tenido antes, no, no

Tengo una buena sensación, sí

Oh, a veces tengo una buena sensación, sí

VERSIONES

‘Levels’ ha sido remezclado por numerosos artistas. CAZZETTE, el dúo escandinavo compuesto por Alexander Björklund and Sebastian Furrer, por ejemplo.

http://youtu.be/Yp6KZyNEkcU

El productor estadounidense de música electrónica SKRILLEX también dio su toque al tema.

El mitad australiano mitad belga GOTYE retituló la canción ‘Levels That I Used to Know’.

También firmó su remezcla el asimismo australiano de Melbourne GEORGE MONEY.

Hasta el cantante surcoreano K-POP se fijó en ‘Levels’.

Llámese AVICII –nombre del nivel más bajo del infierno budista– o Tim Berg, Tim Berling (Estocolmo, 1989) lanzó su carrera en las plataformas digitales o blogs musicales. Desde ese trampolín, el sueco se ha convertido en uno de los productores más prominentes de la corriente progressive house europea.

Comenzó remezclando temas en su habitación bajo la influencia de Daft Punk y Steve Angello, para derivar luego hacia un sonido house melódico que ya arrastra muchos seguidores y que le ha convertido en un destacado DJ.

En su corto currículum pueden encontrarse importantes hitos musicales como ‘Bromance’, ‘Fade Into Darkness’, ‘My Feelings for You’, ‘Street Dancer’, ‘Tweet It’, ‘Seek Bromance’, ‘2 Million’, el analizado ‘Levels’ –que le lanzó al estrellato–, ‘I Could Be The One’, ‘You Make Me’, ‘Hey Brother’, ‘3 Millones’ o ‘Wake Me Up’.

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Hablamos de ‘Voyage, voyage’, que se convirtió en un tremendo hit en muchos países europeos -incluido España y otras naciones tradicionalmente impermeables a la chançon- y que incluso logró saltar el océano Atlántico para llegar hasta Sudamérica y Estados Unidos, aunque allí en menor medida. Hasta una buena parte de los cinco millones de copias que distribuyó se vendieron en Asia, un mercado por aquella época todavía cerrado para el pop europeo.(...)
Read the rest of Desireless – Voyage, voyage (Vuela, vuela) (626 words)

Desireless nos recrea en poco más de cuatro minutos un viaje hacia la libertad. En el videoclip promocional podemos ver la huida de un microsistema autoritario, que bien podría ser también una metáfora de la soledad y melancolía, siempre latentes en el alma, dispuestas a aparecer en el presente y llenar nuestro interior de tristeza, con o sin motivo, como una certeza universal o vital. Viajar, volar…. son las formas de evadirse, según ‘Voyage, voyage’.

Sin embargo, hay quien ha querido ver en la obra escrita por Jean-Michel Rivat y Albert Dubois una sutil crítica al racismo que en los ochenta comenzó a impregnarse en la sociedad francesa. Viaja y ve otras culturas para dejar de ser xenófobo, parece recomendarnos. Sea cual sea el mensaje que se pretendía lanzar, lo cierto es que este tema de estilo synthpop y toques de high energy se convirtió en el himno de las vacaciones, de los viajes, del verano de aquel 1987.

Sobre los viejos volcanes
deslizando las alas sobre
la alfombra del viento, vuela, vuela
continuamente

Nubes sobre pantanos,
desde el viento de España, a la lluvia de Ecuador
vuela, vuela
vuela por las alturas

Sobre las capitales
con ideas fatales
miras el océano

Vuela, vuela
más lejos que la noche y el día
vuela, vuela
por el espacio lleno de amor
Vuela, vuela
sobre el agua sagrada de un río indio
vuela, vuela
para nunca volver

Sobre el Ganges o el Amazonas
con los blancos, con los indios, con los amarillos,
vuela, vuela, por todos los reinos
Sobre las dunas del Sahara
desde las islas Fiji al Fuji-Yama
vuela, vuela
no te pares

Sobre las alambradas
sobre corazones bombardeados,
mira el océano

VERSIONES

Desde que salió al mercado en 1986 muchos artistas han intentado hacer suya la canción ‘Voyage, voyage’ con distintas adaptaciones. La más popular es la que la artista belga KATE RYAN firmó en 2007. Incluso muchos jóvenes creeran que la de ella es la interpretación original. Tuvo mucho éxito.

Las chicas de BANANARAMA asimismo incorporaron el tema a su repertorio en directo.

En idioma castellano el grupo mexicano MAGNETO lanzó al mercado su revisión en 1991 bajo el título ‘Vuela, vuela’.

http://youtu.be/iI_Fp851zFI

Como curiosidad puede ser considerado el cóver del conjunto GREGORIAN y su soprano SARAH BRIGHTMAN.

http://youtu.be/hZ3NZMb34_I

Por último, hay que hacer un espacio al humor del grupo de freak rock LOS GANDULES y sus ‘Bayas, Bayas’.

La parisina Claudie Fritsch-Mentrop, DESIRELESS para el mundo musical, salió del anonimato en 1986 y volvió a él en 1988. Fue el período de vigencia de ‘Voyage, voyage’. Dos años en los que fue número uno en muchos países de Europa y Asia. Sin embargo, este tema resusita cada cierto tiempo y con ella su intérprete. Su imagen andrógina, con aquel peinado a lo cepillo, la convirtió en reina de las noches de aquel bienio.

Tras pasar por el ámbito de la moda como diseñadora, sus primeros pasos en el mundo de los escenarios datan de 1984, cuando descubrió sus posibilidades tras un viaje a India. Caminó inicialmente en el seno del grupo Air 89 de la mano de Jean-Michel Rivat, pero no fue hasta que llegó el éxito que analizamos hoy cuando fue descubierta por el gran público.

Luego lo volvió a intentar con el single ‘John’, que en 1988 se encaramó al número 5 en Francia, pero no logró ser exportado. Tampoco fue posible con ‘Qui sommes nous?’. Ello llevó a Fritsch-Mentrop a tomarse un descanso, durante el que nació su hija Lili.

Regresó al universo del espectáculo hacia 1994 con nuevos trabajos que, si bien el mundo no ha conocido, los franceses sí aceptaron en su ámbito nacional. Le perdí la pista hacia 2011, pero creo que sigue activa.

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Esta obra que escuchamos en el pasado y volvemos a escuchar ahora con la misma frescura, nació cargada de una energía positiva que no ha perdido intensidad y que incluso la ha elevado a la categoría de himno con el paso de los años. Lo dejaron siempre claro: la vida es vida cuando todo el mundo consigue algo.(...)
Read the rest of Opus – Live is life (Vida es vida) (952 words)

‘Live is life’ volverá a escucharse de nuevo ahora que se acercan el final del año y las fiestas que celebran la llegada de otros 365 días aún sin usar. Formará parte de la banda sonora del estertor de 2013 y del nacimiento de 2014. ¿Apostamos? No lo hagáis. Seguro perderéis.

Su presencia siempre agrada, como decía la campaña promocional de algún anís de mi niñez, y no faltará en los repertorios de los DJ’s. Estará entre los discos que llevarán debajo del brazo cuando lleguen a la mesa de mezclas. Opus colaborará una vez más a elevar el tono y contribuirá a acabar con la tristeza. Ocurrirá cuando el ritmo decaiga. Aparecerá para que la cadencia se incremente.

La historia de este clásico de los ochenta nació en 1984, aunque traspasó las barreras austríacas y llegó a las listas de popularidad del resto del continente europeo un año más tarde, sumando veinte números uno. Fue presentada en un concierto ofrecido en el Stadium of Oberwart con motivo del undécimo aniversario de la fundación de Opus.

Estaba escrita para ese momento, para que sus fans pudieran entonarla en grupo. Desde entonces y hasta casi finales de 1986 circuló como cabeza de lista en medio mundo (Canadá, Estados Unidos, Gran Bretaña, Austria, España, Italia, Alemania, Suiza…). En total, sus ventas han sumado desde entonces quince millones de copias.

Todo gracias a una música y un ritmo desbordantes, bulliciosos y contagiosos que la hicieron una canción muy idónea para ser interpretada en grupo bajo la dirección y la cadencia que impone su batería y el constante tono de las cuerdas y las palmas. Melodías, por tanto, que se transforman en un himno que te hace participar sin remisión en este alegato vital. Por ello, ‘Live is life’ ha sido utilizada hasta la saciedad en eventos deportivos de masas y hasta en mítines políticos.

La letra no pretende hacernos pensar. Es básica. Se limita a jugar con frases hechas que lo único que persiguen es extender el mensaje de que lo importante es vivir, de que potencia y energía se traducen en vida. Improvisación pura creada con la inmediatez del directo.

De hecho, los millones de personas que la cantaron por aquellas fechas y que todavía pueden hacerlo no seguíamos con ortodoxia sus estrofas. Es más era habitual inventar la prosa hasta que llegaba el estribillo. Eso sí todos respetábamos aquel ‘na-na na na na’.

Cuando todos damos energía
todos damos lo mejor
cada minuto de cada hora
no pienses en descansar
y todos ustedes obtienen energía
todos ustedes son los mejores

Cuando todo el mundo consigue cualquier cosa
y todo el mundo canta toda la canción
y esto es la vida
na na na na na

Vida es vida
na na na na na
vida es vida
na na na na na
labadab dab dab vida
na na na na na

Vivir es vida cuando todos sentimos el poder
vida es vida, ven, levántate y baila
vida es vida cuando sentimos a la gente
vida es vida cuando sentimos la banda

VERSIONES

‘Live is life’ ha sido versionada en más de treinta ocasiones en varios idiomas y estilos musicales, pero en mi opinión nadie ha conseguido hasta ahora mejorar el original. HERMES HOUSE BAND firmó una buena revisión en 2002 junto al DJ Ötzi.

El grupo italodisco STARGO se fijó en el tema de Opus nada más salir al mercado. Discreta, cuanto menos, su interpretación.

http://youtu.be/5shwdY3Ywqs

Los eslovenos de LAIBACH asimismo incorporaron esta canción a su repertorio. Peculiar versión.

En castellano se atrevieron RASEL Y JADEL. Su experimento se llamó ‘Viven’ y surgió tras su participación en un concurso televisivo. Buen rollo, energía y optimismo se unen en un tema cien por cien bailable

El mundo de la PUBLICIDAD pronto fue consciente del potencial vendedor de ‘Live is life’. Una marca de cervezas argentina, por ejemplo, la utilizó en sus promociones.

Además su carácter coral también le ha llevado a ser recurrente en celebraciones y animaciones deportivas. Por ejemplo, el equipo de hockey sobre hielo de los NEW YORK ISLANDERS lo utiliza para celebrar sus goles.

Y como curiosidad una unión entre fútbol y música. El vídeo del famoso calentamiento de MARADONA con el Nápoles al ritmo de los acordes de ‘Live is life’. ¡Espectacular!

Al hablar de OPUS se corre con facilidad el peligro de simplificar y señalar que se trata de una banda con una sola canción. Nada más lejos de la realidad aunque por estos lares sólo conozcamos ‘Live is life’. El conjunto austriaco llevaba ya tras de sí una larga trayectoria antes de que llegara el éxito. Esperaban su momento, a ese tema que les sacara del anonimato. El hit de su vida. Y llegó en 1984.

Integrado originalmente por Kurt Rene Plisnier (teclados), Former ‘Sängerknabe’ Walter Bachkönig (bajo) y Ewald Pfleger (guitarras), Opus dio sus primeros pasos con sesiones en un garaje interpretando a clásicos de Deep Purple hasta firmar sus primeras versiones rock. La incorporación de Herwig Rüdisser hizo que el grupo cambiara de sonido y se encaminara hacia sus primeros éxitos a comienzos de los ochenta, pero sin poder extrapolar su repercusión fuera de Austria.

Lo consiguieron en 1985 gracias a ‘Live is life’, que logró un gran impacto mediático primero en Europa y posteriormente en América. Hasta entonces sólo la emperatriz Sissi y el Hitler fueron los productos austriacos que se hicieron tan famosos en el mundo.

Su carrera continuó estable tras aquel hito y han llegado hasta la actualidad con una veintena de discos publicados y con recitales en todo el planeta junto a artistas de la talle de Stevie Niks, la cantante de Fleetwood Mac, entre otros.

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Con este tema, con el que en 1973 se impuso en el Festival de Benidorm, el cordobés huyó de la canción protesta, que era la corriente más abrazada en aquella época. Se limitó a hablar de una mujer, porque a él no le interesaba la política. Se circunscribía al amor, al mar y a las flores, sin más consideraciones metafísicas. Siempre ha querido ser autentico, sin parecerse a otros.(...)
Read the rest of Emilio José – Soledad (761 words)

Durante décadas siempre se habló de que Emilio José empleaba el nombre femenino que dio título a la canción como una metáfora del significado semiótico de la palabra. Hubo quienes quisieron leer entre sus estrofas el mensaje de lo natural que puede llegar a ser el convivir con la soledad y olvidar la búsqueda de aquél que nos justifique la existencia. «En las noches claras, resuelvo el problema de la soledad del ser. Invito a la luna y con mi sombra somos tres», decía la genial poetisa Gloria Fuertes.

Sin embargo, el propio Emilio José lo aclaró todo a uno de sus fans. «Soledad era una niña maravillosa que venía conmigo al colegio cuando éramos niños. Y desde la distancia, en época de emigrante andaluz a Cataluña, la nostalgia y el recuerdo me la traían a la memoria. Ella es como la ves en la canción, una criatura primorosa que no sabe que es hermosa, como tampoco lo sabe la flor. Simplemente lo es y así se muestra a la vida». Por supuesto, ya no queda nada por decir.

‘Soledad’ fue muy rentable para Emilio José. No sólo le dio el nombre que todavía tiene para los nostálgicos, sino que económicamente le proporcionó buenos resultados. Incluso en la actualidad sus royalties le dan beneficios, porque su composición es habitual en los repertorios de otros cantantes y de orquestas. Además, se vendió en numerosos países y fue grabada en diferentes idiomas.

‘Soledad’ asimismo cruzó los mares para conquistar corazones del otro lado del Atlántico. También realizó giras por Portugal, Francia, Grecia, Finlandia, Alemania y Estados Unidos. Sin duda ha sido el buque insignia de su carrera.

http://youtu.be/W_bYpZr6YCM

Soledad es tan tierna como la amapola
que vivió siempre en el trigo sola
sin necesitar de nadie, ay mi soledad

Soledad es criatura primorosa
que no sabe que es hermosa
ni sabe de amor ni engaños, ay mi soledad

Soledad vive como otra cualquiera
en la aldea donde naciera
lava, cose, llora y ríe, ay mi Soledad

Pero yo la quiero así distinta
porque es sincera
es natural como el agua que lleva
corriendo alegre desde el manantial
no sabiendo ni adonde va
que feliz vive mi soledad

Soledad es tan bella como una paloma
y tan clara como el sol que asoma
por entre matorrales, ay mi soledad….

VERSIONES

La cantante griega NANA MOUSKOURI grabó ‘Soledad ‘ en los ochenta y le dio una dimensión internacional con más dos millones de discos vendidos en Europa.

http://youtu.be/uEqdvgBhcRY

Muchos años después de su triunfo en Benidorm Emilio José regrabó la canción a dúo con la guipuzcoana AMAYA SAIZAR.

http://youtu.be/_ixE9wHj9oY

Y también eligió como pareja a PALOMA SAN BASILIO.

El desaparecido crooner catalán JOSÉ GUARDIOLA interpretó este tema junto al francés Robert Jeantal.

EMILIO JOSÉ fue, es y será un cantautor. Nació con esa condición en la localidad cordobesa de Fernán Núñez en 1950 y morirá sin poder desprenderse de ella. Hijo de maestros de escuela su destino parecía que también le encaminaba hacia la docencia, pero una guitarra se cruzó en su adolescencia y le convirtió en artista durante su estancia en Barcelona, adonde sus padres y sus seis hermanos se trasladaron en busca de una mejor vida. Pero al poco Emilio José recayó en Madrid.

Pronto comienza a componer, aunque sus primeros pasos profesionales los dio en trabajos de carácter administrativo, concretamente en banca. Aunque sus discos iniciales datan de 1972, no pudo abandonar esos empleos hasta que en 1973 ‘Soledad’ le convirtió en profesional de la música y construyó la fama que aún mantiene.

Sucesivas nuevas producciones, todas cargadas de calidad y mensaje, se sucedieron. Pero ninguna logró repiquetear como el tema que le dio el triunfo en Benidorm y en el resto del mundo hispano. Canciones como ‘Mi barca’, ‘Puerto de mar’, ‘Barrio de marineros’, ‘Campo herido’, ‘Por un adiós’, ‘Un paso adelante’… y más de una veintena de discos han forjado una carrera que todavía tiene campo en el que desarrollarse amparada en su creatividad, su originalidad y «una extraordinaria voz que puede acariciarte el alma o hacerte tocar el cielo con los dedos», como dijo el poeta y escritor andaluz Antonio Hernández.

Emilio José, primo del político Julio Anguita, recientemente ha vuelto a la actualidad gracias a una polémica con un joven cantante de igual nombre. El cordobés tiene registrado ese nombre en la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes (A.I.E.) desde hace cuatro décadas, pero el nuevo Emilio José también lo reivindica porque es así como le bautizaron. La cuestión parece que deberán aclararla los tribunales.

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Y en aquel filme también se dio a conocer Irene Cara, tanto en su faceta de actriz en el papel de Coco Hernández, como en la de cantante. Su voz convirtió el tema principal de ambas producciones en un éxito mundial, gracias a un ritmo que aún pervive en nuestros días. La canción fue galardonada con un Óscar en 1981, imponiéndose a otros títulos como ‘9 to 5’ de Dolly Parton o ‘On the road again’ de Willie Nelson. También se llevó un Globo de Oro y fue nominada para los Grammy. Además, alcanzó el número uno en varios países, incluyendo Estados Unidos y Gran Bretaña.(...)
Read the rest of Irene Cara – Fame (I’m gonna live forever) (Fama / Voy a vivir para siempre) (730 words)

‘Fame’ resume el espíritu de los compulsivos ochenta, en cuyo apartado musical tiene un hueco de honor. Compuesta por Michael Gore y Dean Pitchford, es una obra eminentemente pop, que se apoyó en ritmos de los sintetizadores espaciales que hicieron furor en toda esa década. El objetivo que se les marcó a los autores era trasmitir la esencia de la historia que pretendía hacer llegar al público Parker con su película.

Hace unos años contaba Pitchford que la versión definitiva costó un mes entero de trabajo. Cada palabra, cada nota, eran repetidas hasta la saciedad. Puestas al escrutinio de terceros, cambiadas, alteradas… Siempre en un intento de alcanzar la perfección para extender la idea que ambos compartían. Pitchford señaló asimismo que parte de la letra la rescató de su memoria, rememorando los tiempos que vivió en la Universidad de Yale estudiando la obra y la vida bohemia del poeta galés Dylan Thomas.

Gore y Pitchford consiguieron que el tema transpirara la energía y la ilusión de los jóvenes aspirantes a artista en las calles de Nueva York. Un himno al esfuerzo en buscar del arte. Como decía Lydia, la dura y sabia profesora de baile en la serie de televisión: “Queréis la fama, pero la fama cuesta y aquí es donde vais a empezar a pagar. Con sudor”.

Baby, mírame
y dime qué ves
aún no has visto lo mejor de mí
dame tiempo, te haré olvidar el resto

Tengo más que tú
y tú puedes desatarlo
puedo coger la luna en mi mano
¿no sabes quién soy yo?
recuerda mi nombre

Fama
Voy a vivir para siempre
voy a aprender cómo volar
siento cómo llega todo junto
la gente me verá y gritará

Voy a alcanzar el cielo
iluminar el cielo como una llama
voy a vivir para siempre
baby, recuerda mi nombre

Baby, me agarras con fuerza
porque puedes hacerlo bien
puedes dispararme directa a lo más alto
dame amor y toma todo lo que tengo

Baby, volveré
demasiado no es suficiente
puedo mover tu corazón hasta que se rompa
oh, tengo lo que hace falta

Fama
Voy a vivir para siempre
voy a aprender cómo volar
siento cómo llega todo junto
la gente me verá y gritará

VERSIONES

ERICA GIMPEL sustituyó a Irene Cara en la teleserie después de que la actriz que inicialmente realizó el papel de Coco se negara a prolongar el papel.

http://youtu.be/vNJtwFtmlz8

AMY GERHARTZ nos ofreció una revisión más relajada en la banda sonora de la película de televisión ‘The Anna Nicole story’, que narra la desgraciada vida de la famosa playmate.

La actriz, cantante y modelo neoyorquina HAYDEN PANATTIERE también se fijó en ‘Fame’.

Más fuerte es el remake firmado por la banda francesa de progressive metal ADAGIO.

MERCHE RUIZ interpretó una versión dance.

Irene T. Escalera, conocida mundialmente como IRENE CARA, no fue popular hasta que protagonizó ‘Fame’, pero su carrera artística había comenzado ya hace muchos años antes en televisiones hispanas de Estados Unidos, donde cantó y bailó desde niña. Nacida el 18 de marzo de 1959 en el populoso barrio neoyorquino de Bronx, ya a los 5 años debutó en un musical de Broadway y con 8 grabó un LP navideño.

Tras pasar sin mucho éxitos por diversos culebrones televisivos y series en las que interpretaba papeles secundarios, la fama le llegó con 21 años gracias a encarnar el papel de Coco Hernández en la película ‘Fama’, donde además de actuar interpretó la canción que hoy analizamos y la balada ‘Out here on my own’, temas que fueron superventas y que atesoraron dos candidaturas a los Óscar.

Tras rechazar volver a protagonizar el papel en la teleserie que siguió al filme, se volcó en el mundo musical, donde repitió al conseguir un bombazo con la canción ‘What a feeling’, perteneciente a la banda sonora de ‘Flashdance’. Con ella se llevó un segundo Óscar a la mejor canción, un Globo de oro y un Grammy.

Sus siguientes trabajos como actriz y cantante fueron más que discretos, circunscribiendo a obras insignificantes en la gran pantalla y diversas actuaciones en Atlantic City, en programas televisivos europeos, sudamericanos y japoneses.

En los noventa se retiró del mundo del espectáculo para regresar con el nuevo siglo como integrante de su propio grupo, llamado Hot Caramel. En su seno actualmente continúa en el mundo de la música dando recitales nostálgicos.

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Contemos la historia. Este vigoroso tema fue escrito por Florrie Palmer y producido por Christopher Neil para ser inicialmente lanzado en Reino Unido en 1980 como ‘9 to 5’. Llegó al número 3 del hit parade. Meses después, la multinacional EMI decidió volver a dar una oportunidad a la canción en Estados Unidos y allí llegó, ya como ‘Morning train’, a lo más alto de las listas de éxitos, como también hizo en Australia, Canadá o Nueva Zelanda.

No sé si fue por la polémica -quiero pensar que el motivo fue su gran calidad-, pero lo cierto es que esta canción se convirtió en la más importante en la carrera de la solista, manteniéndose durante dos semanas en el número uno norteamericano. Asimismo sobrevivió durante casi cuatro meses en el listado. Ocurrió en la primavera de 1981.

Estamos hablando de una canción de transfondo laboral, que puede retratarnos a cada uno de los trabajadores que cuando la noche apenas ha terminado tenemos que abandonar la cama porque el día se levanta puntual y con él nuestra obligación de acudir temprano a los respectivos puestos. Cuando las legañas aún impiden que nuestros párpados se despeguen pese a la celérica ducha, tenemos que salir corriendo cada día para, seguramente, llegar tarde a fichar.

Sin embargo, el mensaje literal del ‘Tren de la mañana’ de Easton hace referencia a una mujer espera en casa todo el día la llegada de su marido del trabajo. Lo hace en el tren de la tarde. También se fue en ferrocarril, en el primero de la mañana. El video fue filmado en el Blubell Railway, en Inglaterra.

http://youtu.be/huNejF17gzg

Me despierto muy temprano
salto de la cama
me estiro profundamente
otro día empieza
parecido al anterior
el tiempo pasa rapidamente
mientras mi chico y yo estamos juntos
luego sale corriendo

Porque el tiempo que él está conmigo vuela
en el tiempo en que él es mío todo va bien
la noche es el mejor momento
hacemos el amor
es su momento y el mío
nos los quitamos todo

Mi chico coge el tren de la mañana
trabaja de nueve a cinco
para volver a casa
donde le espero

Me lleva a ver una película
o a un restaurante o a bailar, lo que yo quiera
me ilumino cuando él está conmigo
sólo con lo que me da me hace sentirme fenomenal

Todo el día pienso en él
sueño con él constantemente
estoy realmente loca por él
y él está realmente loco por mí

Cuando sube al tren
me vuelvo loca
trabaja todo el día para ganarse el sueldo
luego podemos jugar toda la noche

El coge siempre ese tren de la mañana
trabaja muy duro
para encontrarme esperando por él

VERSIONES

Para el mercado hispano la propia Sheena Easton grabó la canción EN CASTELLANO. Tardó tres años porque fue en 1984 cuando se publicó ‘El primer tren’.

La cantante austriaca MARGOT WERNER nos ofreció su visión de ‘Morning train’ bajo el título ‘Du lebst nur einmal auf der welt’. Corría el año1981.

Las grandes orquestas tampoco dieron la espalda al tema, como por ejemplo la de JAMES LAST.

http://youtu.be/839W-5ZXAz4

La diva francesa SYLVIE VARTAN ofreció a los franceses su revisión, titulada ‘L’amour c’est comme une cigarette’. También en 1981.

El holandés BENNY NEYMAN convirtió ‘Morning train’ en ‘Liefde is als een sigaret’ en 1982.

http://youtu.be/Oy_2VjOivzA

SHEENA EASTON nació en 1959 en el seno de una familia escocesa con el nombre de Sheena Shirley Orr. Fue criada en el pueblo minero Belshill por su madre, que pronto se quedó viuda y tuvo que sacar adelante a sus seis hijos trabajando en una fábrica. Sheena cursó estudios en la Academia de Música nacional y intentó lanzarse a los escenarios nada más terminar su formación. Para ello integró sin mucho éxito del grupo ‘Something else’.

Su gran oportunidad llegó cuando cumplió 20 años y participó en el concurso de la BBC ‘The big game’ (El gran juego), que seguía durante un año completo la vida de una artista promesa. Allí se dio a conocer y llamó la atención de la discográfica EMI, que le ofreció un contrato para grabar sus discos iniciales.

Su primer trabajo se tituló ‘Modern girl’, que en 1980 cosechó un relativo éxito. Pero fue ‘9 to 5’ (Morning train) el que le dio a conocer un año más tarde y le permitió traspasar las fronteras de Gran Bretaña. Luego siguieron temas con cierta repercusión como ‘When he shines’ o, especialmente, ‘For your eyes only’, tema central de la película de la serie James Bond ‘Sólo para sus ojos’. Aunque nunca más llegó a estar tan alto en las listas como en esa época, su carrera se afianzó a medida que avanzaban los ochenta.

Por ese período también pasó al mundo de la televisión como actriz, interviniendo en varios episodios de la serie ‘Corrupción en Miami’, interpretando a la esposa del protagonista, Don Johnson.

En los noventa obtuvo la nacionalidad estadounidense y fijó su residencia al otro lado del Atlántico, donde decidió dar un vuelco a su carrera con temas tradicionales de los años 40 y 50. También interpretó pequeños papeles en películas y series de televisión, además de apariciones en Broadway y colaboraciones con Kenny Rogers, Prince, Al Jarreau, Barry Manilow, Dyango y Luis Miguel.

Acabó estableciéndose en Las Vegas, donde hasta que decidió tomarse un descanso, ya con el nuevo siglo, era estrella de numerosos shows. Actualmente continúa en activo, pero sus apariciones públicas son escasas, básicamente giras puntuales por Japón o Canadá.

Ha atesorado numerosos premios como dos Grammy y ha vendido más de veinte millones de discos en todo el mundo. Además colocó trece sencillos dentro del top 40 en la década de los 80. Asimismo, es considerada un ícono gay en Latinoamérica.

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Este inolvidable tema de 1974 cambió la vida del madrileño. La personal adaptación que realizó el productor Ray Girado del clásico ‘Soleado’, imitando en cierto modo al ‘Je t’aime, moi non plus’ de Gainsbourg y Jane Birkin, llegó al número uno de las listas por boca de Otero y le abrió las puertas de la fama en el mundo de la música. ‘Soleado’ era un instrumental compuesto por el italiano Ciro Dammicco bajo el seudónimo de Zacar. A su vez se basaba en un composición anterior del mismo autor titulada ‘Le rose blu’, ya publicada en 1972.

Otero por entonces era conocido como galán de teatro y por su reciente boda con la también actriz y precursora del destape en España María José Cantudo. Asimismo, ‘Todo el tiempo del mundo’, muestra del erotismo hecho canción, fue precursora en este campo en el panorama nacional y colgó sobre su intérprete el título de pionero del pop sensual español y de las canciones recitadas.

El éxito se trasladó de inmediato de España a América, actuando en Colombia, Bolivia, Perú, Venezuela, Argentina, Estados Unidos y, sobre todo, Brasil, donde era un ídolo y donde años más tarde estableció su residencia.

El terciopelo fraseado y la entonación falsa de ‘Todo el tiempo del mundo’ funcionó en gran medida gracias a la voz grave, profunda y radiofónica de Otero, que nos repartió en igual medida frases largas y susurros durante el tardofranquismo. Derritió a sus fans –popularmente le designaban como el Bello Otero– y se hizo rey de las pistas de baile más románticas, entre tragos de anís, Ricard y Licor 43 y esferas de espejos giratorias. Su oratoria aristotélica, fruto sin duda de sus estudios de Filosofía y Letras, las volvía locas.

Decían las críticas de la época y los textos promocionales, muy dados a la grandilocuencia y al barroquismo descriptivo, que la letra de esta canción era «una poesía melodiosa» que te transportaba a tu «naturaleza interior» y te llenaba «el alma de alegría». «Transmite ternura, respeto, melancolía, pero sobre todo amor», concluían. Pero no sin antes sentenciar que ‘Todo el tiempo del mundo’ es «100% poético, 100% excelente, 100% penetra el corazón».

Hoy tengo tiempo,
tengo todo el tiempo del mundo,
para pensar en nosotros,
para pensar en ti … y en mí,
y en todas las pequeñas cosas
que nos rodeaban
y que entonces no comprendí

Y es que aún te quiero,
sí … te quiero … ¡Te quiero!
Y pienso en aquellas mañanas
y siento aún el calor
de nuestros cuerpos,
que entre las sábanas
formaban una cárcel maravillosa
de la que nos resistíamos a huir

Recuerdo nuestro lenguaje
hecho de caricias y susurros
¡Cómo te echo de menos
y cuánto te quiero!

Sí
¿Recuerdas? … Sí
Pero aquello acabó, como acaba todo,
casi sin querer, igual que
el río se pierde en el mar

No, no … no fue culpa tuya ni mía,
pero con nuestro orgullo
perdimos mil cosas bellas

Hoy tengo tiempo,
tengo todo el tiempo del mundo,
y cuanto más pienso, más te añoro
y más te deseo…
Y es que aún te quiero …
¡Te quiero! ¡Te quiero!
Sí

VERSIONES

La primera vez que se grabó ‘Soleado’ fue también en 1974 a cargo de la DANIEL SANTACRUZ ENSEMBLE.

El primero en ponerle letra fue el alemán MICHAEL HOLM, asimismo en 1974. El título germánico fue ‘Tränen lügen nicht’.

La diva MIREILLE MATHIEU, hizo su revisión bajo la denominación de ‘On ne vit pas sans se dire adieu’. Fue en 1975.

http://youtu.be/fs_-3c4MS-Y

El crooner estadounidense JOHNNY MATHIS le dio un toque navideño en ‘When a child is born’, de 1976.

La cantautora murciana MARI TRINI, ya desaparecida, también se basó en soleado para su tema ‘Te amaré, te amo y te querré ‘.

Asimismo RAPHAEL la cantó con el título ‘Un nuevo sol’. Lo hizo hace un año para un disco de temas navideños.

Las versiones orquestales son innumerables como, por ejemplo, las firmadas por Percy Faith, Frank Pourcel, Fausto Papetti, Gigi Molly, Paul Mauriat, Sam Clayton Band, Elio e le Storie… Al inglés la adaptó Marwan, con ‘Another time’, en checo la cantó Karel Gott con el título ‘Mel jsem rád a mám’, en húngaro Zsuzsa Cserháti grabó ‘Édes kisfiam’ y en portugués lo hizo Francisco Cuoco en ‘Tudo tempo do mundo’.

También para el público teutón en 1995 Mark’Oh realizó una particular versión como ‘Tears don’t lie’ y asimismo incorporaron la composición a sus repertorios otros artistas como el filipino José Mari Chan , Kenny Rogers, Willie Nelson, Charles Aznavour, Cissy Houston, The Moody Blues y Bing Crosby. En clave humorística está la versión recitada de Andrés Pajares y el mundo cinematográfico formó parte de la banda sonora de la película argentina ‘Nazareno Cruz y el lobo’, dirigida por el genial cantante Leonardo Favio.

Por último merece la pena escuchar la adaptación que realizó IL DIVO. La denominó ‘When a child I born’, como ya hizo Mathis cuarenta años antes.

MANOLO OTERO nació en Madrid en 1942 en el seno de una familia vinculada al mundo de los escenarios. Su padre era como barítono de ópera y zarzuela, y su madre, actriz de revista. Aunque nunca le prohibieron que siguiera por su senda, si obligaron a su hijo que estudiara una carrera universitaria y él optó por cursar Filosofía y Letras en la Universidad Complutense.

Pero, una vez licenciado, se lanzó al teatro, siempre como galán, al ser un hombre de gran atractivo, en obras como ‘Tartufo’, ‘Madre Coraje’, ‘La zapatera prodigiosa’, ‘La llegada de los dioses’, ‘Don Juan o el amor a la geometría’, ‘La molinera de Arcos’ y ‘La muralla china’. El cine, las radionovelas y la televisión vinieron a continuación, con series como ‘La casa de la Troya’ películas como ‘Del amor y otras soledades’, ‘La Araucana’, ‘Fieras sin jaula’, ‘Venta por pisos’, ‘Mi querida señorita’, ‘Simón Bolivar’, ‘Marco Antonio y Cleopatra’, ‘Laia’, ‘La promesa’, ‘El libro del Buen Amor II’, ‘Juicio de faldas’ o ‘Cuentos de las sábanas blancas’.

De forma paralela realizó una incursión en la música al presentarse al concurso ‘La gran ocasión’ y probar suerte también en el Festival de Benidorm de 1968, que ganó Julio Iglesias. Ese año grabó un EP de escasa repercusión. Reapareció seis años más tarde con ‘Todo el tiempo del mundo’. Le lanzó al éxito y sirvió de cimientos de una próspera carrera musical.

Temas como ‘Qué he de hacer para olvidarte’, ‘Amor imposible’, ‘Viejo trovador’, ‘Mimí’, ‘Es bellísima’ , ‘Acércate más’, ‘Yo vendo unos ojos negros’, ‘Volver’, ‘Melancolía’ o ‘Sigo mi camino’ fueron muy bien aceptados por el público, sobre todo en Latinoamérica.

A mediados de los ochenta decidió abandonar España e instalarse en Brasil al casarse de Celeste Ferreira, su tercera esposa tras María José Cantudo y la colombiana Eddy Cano. Desde allí realizó giras por países como Estados Unidos, Colombia Venezuela y Bolivia hasta que en 2011 un cáncer hepático acabó con su vida.

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