De esta última canción hablaremos hoy. ‘Too Much Heaven’ llegó al numero uno estadounidense a comienzos de aquel año que cerró la década de los setenta, concretamente en enero, y se apalancó en esa posición durante muchas semanas. También alcanzó el puesto más alto de la escala de éxitos en Canadá, Italia, Noruega, Suecia, España, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Brasil y Argentina, aunque algo más tarde.

Sus ventas fueron estratósfericas en un período en el que reinaba la música disco. Sin embargo, hablamos de una balada, de esas canciones que valen para cualquier época creativa. Romanticismo internacional tan incomparable como incontestable que garantiza la llegada al corazón a través de voces en falsete dotadas de una afinación casi insultante.

La creación de Barry y Maurice Gibb está a la altura de los mejores clásicos del pop. De hecho ya puede ser calificado como tal tras conseguir aunar una poética composición de gran calidad, una refinada producción y una talentosa interpretación de casi cinco minutos de duración a cargo de los hermanos.

Editada por la discográfica RSO de Robert Stigwood, ‘Too Much Heaven’ constituyó asimismo la aportación de The Bee Gees al filantrópico proyecto de ‘Music For Unicef Fund’, destinado a recoger dinero para Unicef mediante un concierto que tuvo lugar en Nueva York el 9 de enero de 1979. Fue retransmitido por televisión a todo el mundo. Algunas fechas más tarde llegó la publicación en un disco titulado ‘Music For Unicef’ de los temas aportados por diferentes artistas de forma altruista. Junto a los hermanos de nuestras antípodas participaron Abba, Rod Stewart, Olivia Newton-John, Andy Gibb o Kool and the Gang, entre otros. Ese año fue declarado Año Internacional del Niño por Naciones Unidas.

La canción recaudó más de siete millones de dólares. El entonces secretario general de la ONU, Kurt Waldheim, agradeció aquella “extraordinaria y generosa iniciativa”. The Bee Gees también fueron invitados a la Casa Blanca, donde les recibió el presidente Jimmy Carter, quien, aunque confesó que no era un fan de la música disco, conocía la calidad de la canción gracias a su hija Amy, gran aficionada a este estilo.

En un principio, la composición iba a formar parte de la banda sonora de la película ‘Moment by Moment’ de John Travolta, con el que coincidieron en ‘Fiebre del sábado noche’, pero finalmente la escasa calidad de la producción cinematográfica hizo que los Gibb y Stigwood cambiaran de opinión. Sin duda, acertaron.

La estructura de la canción es en principio sencilla. Su valor lo aporta la producción de Albhy Galuten y Karl Richardson y en una melodía sublime, ideal para una balada. Con un arranque suave a base de la sección de viento – a cargo de varios miembros de la legendaria banda Chicago, en concreto Lee Loughnane, James Pankow y Walter Parazaider- y el apoyo del bajo y la batería, se da paso a las voces del trío fraternal. Posteriormente se personan guitarra, teclados y otros instrumentos de cuerda para darle un toque de blues. La banda originaria de Manchester hizó así un guiño al rhythm and blues.

Todo ello tuvo como escenario los estudios Criteria de Miami en 1978. Allí coincidieron con sus respectivos discos del momento The Bee Gees y Chicago, posibilitándose un intercambio que llevó a los australianos a realizar coros en la canción ‘Little Miss Lovin’ del álbum ‘Hot Streets’ de la mítica banda norteamericana.

LETRA

‘Too Much Heaven’, traducida en España como ‘Demasiado cielo’ y en algún país sudamericano como ‘Todo el paraíso’, nos habla de desamor. Especula sobre la dificultad de alcanzar el paraíso a través del amor. Sólo puede lograrse si se encuentra a personas que hagan que ese sentimiento supremo fluya y posibilite que el verano sea eterno, sin lluvia (lágrimas).

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Oh, tú y yo chica
tenemos tanto amor guardado
y fluye a través de ti, y fluye a través de mí
y te amo muchísimo más
y mi amor… puedo ver más allá que todo
lo que somos es para siempre, nunca morirá
amar es una cosa tan maravillosa
oh tú haces de mi mundo un día de verano
eres justo un sueño que se esfuma

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Tú y yo chica
tenemos una carretera hacia el cielo
podemos aislarnos de la noche y del día
y de las lágrimas que teníamos por llorar
Tú eres mi vida
puedo ver un nuevo mañana
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa
cuando estás conmigo la luz hace
que todos vean nuestro precioso amor

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Amar es tan maravilloso
tú haces de mi mundo un día de verano
eres un sueño que se desvanece

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar
nadie consigue todo el amor
es tan ancho como un río y tan difícil de atravesar

Nadie consigue demasiado paraíso
es mucho más difícil de obtener, estoy esperando en la línea
nadie consigue demasiado amor
está tan alto como una montaña y difícil de escalar

Oh, tú y yo nena tenemos mucho amor guardado
y fluye dentro de ti y fluye dentro de mí
y te amo mucho más que mi vida.

Puedo ver más allá del ‘por siempre’
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa

Oh, haces de mi mundo un día de verano
¿eres tu un sueño que se desvanece?

Tú y yo Nena tenemos una autopista al cielo
Podemos dar la espalda a la noche y al día
y a las lágrimas que teníamos que llorar, tú eres mi vida

Puedo ver un nuevo mañana
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa
xuando estás conmigo, la luz arriba
hace que todos vean nuestro precioso amor

Amar es una cosa tan hermosa
haces de mi mundo un día de verano
¿eres tu un sueño que se desvanece?

VERSIONES

EIFFEL 65, trío electrónico italiano especializado en música eurodance, optó por realizar su propia interpretación de ‘Too Much Heaven’ en 1999.

Un año antes, el ghanés NANA ABROKWA, criado en Alemania, también aportó su visión a la canción de The Bee Gees.

La banda alemana HI-SPIRIT, formada por Matthias Wehrstedt, Normen Schmidt, Thomas Gesell y Willi Grossmann, modernizó en 1996 la composición de los hermanos Gibb.

CLAUDETTE MILLER AND THE EBONY SISTERS incorporaron ritmos reggae al tema en 1979.

Fueron innumerables las versiones orquestales. He aquí la de PAUL MAURIAT, datada también en 1979.

BIOGRAFIA
Son muchos los que dudan si THE BEE GEES son británicos o australianos. Musicalmente pueden ser considerados de ambas nacionalidades, pero lo cierto es que Barry, Robin y Maurice Gibb nacieron en Reino Unido, aunque su familia emigró al estado-continente a finales de los cincuenta, cuando ellos eran unos niños.

Nada más llegar formaron un grupo infantil que desde 1958 actuaba con regularidad en un circuito automovilístico. Allí les descubrió Bill Gates, propietario del óvalo que evidentemente nada tenía nada que ver con el fundador de Microsoft, y los puso en contacto con la discográfica local Festival, en la que grabaron sus primeros discos, en formato single. Obtuvieron un relativo éxito.

Ello les animó a volver a Inglaterra en 1967. De inmediato hicieron llegar a manos de Brian Epstein, mánager de The Beatles, varias maquetas. Este puso a The Bee Gees -por entonces un quinteto tras la incorporación del batería Colin Peterson y el guitarrista Vince Melouney-, en manos de Robert Stigwood y de la discográfica Polydor.

Su primer sencillo en las islas fue la magnífica ‘New York Mining Disaster 1941’, que alcanzó el número doce de las listas. Le siguieron una serie de grandes temas como ‘Massachusetts’, ‘Words’, ‘World’, ‘I Started A Joke’, ‘I’ve got a message to you’, ‘First of may’….

Pero llegaron los problemas. Primero se marchó Melouney. Luego Peterson demandó a los hermanos Gibb por los derechos del nombre y finalmente hasta Robin intento lanzarse en solitario con la exitosa canción ‘Saved by the bell’.

Con la llegada de los setenta los hermanos se reconciliaron y volvieron al hit parade como trío con ‘How Can You Mend A Broken Heart?’, que fue número uno en Estados Unidos, aunque un absoluto fracaso en Gran Bretaña. Fue un espejismo que abrió un período negro en el que probaron con el soul sin conseguir apenas repercusión.

Desde 1975 apostaron por la música disco con ‘Jive talkin’ y se convirtieron en profetas con el apoteosis de la banda sonora de ‘Fiebre Del Sábado Noche’ (1977), que incluía tres números uno como ‘How Deep Is Your Love’, ‘Stayin’ Alive’ y ‘Night Fever’ y que vendió más de treinta millones de copias en todo el mundo.

En el siguiente disco, ‘Spirits Having Flow’, otros tres temas -la analizada ‘Too Much Heaven’, ‘Tragedy’ y ‘Love You Inside Out’- alcanzaron la cima de nuevo. Fue su momento más algido (1977-1979), cuando incluso compusieron para muchas estrellas del momento como Barbra Streisand (‘Woman In Love’).

Pero la música disco decayó en los ochenta y con ellos The Bee Gees, que se dedicaron más a proyectos en solitario. Las sucesiva muertes de Maurice y Robin Gibb acabaron con el trío fraternal. Barry Gibb, ya mayor, se ha dedicado durante los ultimos años a ofrecer conciertos donde la melancolía es el principal ingrediente.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Abba, Albhy Galuten, Amy Carter, Andy Gibb, Barry, Bill Gates, Chicago, Claudette Miller and The Ebony Sisters, Colin Peterson, Criteria, Eiffel 65, Hi-Spirit, James Pankow, Jimmy Carter, John Travolta, Karl Richardson, Kool & The Gang, Kurt Waldheim, Lee Loughnane, Maurice y Robin Gibb, Nana Abrokwa, Olivia Newton-John, Paul Mauriat, Polydor, Robert Stigwood, Rod Stewart, RSO, The Beatles, UNICEF, Vince Melouney, Walter Parazaider, ‘Fiebre del sábado noche’

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Fueron los resúmenes de la Vuelta Ciclista de 1981 los que, del 21 de abril al 10 de mayo y a lo largo de los 3.446 kilómetros que unieron Santander y Madrid tras recorrer gran parte de la península, nos descubrieron en España este experimento. Como sintonía, Stars on 45 presentó un resumen de los principales éxitos de The Beatles, enganchados por un ‘vínculo’ obra del productor Jaap Eggermont. El resultado constituyó todo un éxito. Sin duda fue el tema del año en nuestro país.

Lo mismo ocurrió en el resto de Europa y en la mayor parte del mundo, incluido el exigente mercado estadounidense, que premió este innovador concepto musical con el número uno de la todopoderosa revista musical ‘Billboard’ en junio del mismo año. Arrebató la cima del hit parade a ‘Bette Davis eyes’, de Kim Carnes, que ya ha pasado por este blog.

La acogida de Stars on 45 al otro lado del Atlántico fue tal que incluso el Huntington Hartford Theater de Hollywood acogió un show del grupo, editado en vídeo por MCA Home en 1983.

La industria discográfica de Reino Unido asimismo premió el proyecto con los galardones al mejor álbum de música disco, al mejor single y al mejor productor revelación.

Sin solución de continuidad Stars on 45 versionó obras del inigualable cuarteto de Liverpool como ‘No Reply’, ‘I’ll Be Back’, ‘Drive My Car’, ‘Do You Want to Know a Secret’, ‘We Can Work It Out’, ‘I Should Have Known Better’, ‘Nowhere Man’, ‘You’re Going to Lose That Girl’ (hasta aquí la versión single), ‘Ticket to Ride’, ‘The Word’, ‘Eleanor Rigby’, ‘Every Little Thing’, ‘And Your Bird Can Sing’, ‘Get Back’, ‘Eight Days a Week’, ‘It Won’t Be Long’, ‘Day Tripper’, ‘Wait’, ‘Good Day Sunshine’, ‘My Sweet Lord’, ‘Here Comes the Sun’, ‘While My Guitar Gently Weeps’, ‘Taxman’, ‘A Hard Day’s Night’, ‘Things We Said Today’, ‘If I Fell’, ‘You Can’t Do That’, ‘Please Please Me’, ‘From Me to You’ o ‘I Want to Hold Your Hand’ (ya en el LP y el maxi).

La interpretación a cargo de siete músicos y cantantes de estudio de los Países Bajos, con voces muy similares a las originales, se redondeó gracias a una tecnología digital en su máximo esplendor. La mezcla fue perfecta. Hasta el punto de que gracias a Stars on 45 muchas canciones de The Beatles volvieron a las listas de éxitos musicales de Estados Unidos y Reino Unido. Y hasta la discográfica de los genios de Liverpool realizó su propia mezcla de éxitos en 1982, con el título «The Beatles Movie Medley».

Todo comenzó cuando Willem van Kooten, director gerente de la discográfica Red Bullet Production, descubrió un maxisingle pirata llamado ‘Let’s Do It In the 60’s’, que se constituía en torno a un poutpourri con canciones de The Beatles, The Buggles, The Archies, Madness… Entre ellos estaba el tema ‘Venus’, del grupo local The Shocking Blue, cuyos derechos pertenecían al empresario, aunque no cobraba ningún royalti por él.

Van Kooten contactó con Eggermont, que había tocado la batería en el grupo Golden Earring, para intentar repetir aquel mosaico musical, ya de forma legal y profesional para la discográfica CNR. El secreto era configurar una obra fácil de bailar y de éxito seguro porque incluía temas atemporales que todos conocíamos.

Como curiosidad hay que destacar que el título legal de aquel primer single fue “Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I’ll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You’re Going to Lose That Girl / Stars on 45”. La normativa obligada a citar todas las canciones que se mezclaban y ello hizo que Stars on 45 firmara el vinilo de 45 revoluciones con el título más largo de la historia que alcanzara el número uno mundial.

De cualquier manera, como en este mundo todo parece inventado ya, hay quien encuentra un precedente a este género musical en el cantante francés LAURENT VOULZY, quien un verano de los años sesenta logró rentabilizar un tema que decía “y Bob Dylan cantaba”, para continuar versionando trozos de los principales hits del cantautor norteamericano. Igual fórmula utilizó, más tarde inspirándose en The Beatles. Tituló el invento ‘Rockollection’.

El conjunto CAFÉ CRÈME también mezcló a The Beatles, aunque sin claps y dando un toque personal a los temas. Este producto nació con el título ‘Unlimited Citations (non-stop beatles disco medley)’.

Tras la estela de Stars on 45 surgieron nuevos intentos de rentabilizar una fórmula que se demostró exitosas. Algunos de ellos fueron:

JIVE BUNNY & THE MASTER MIXERS, con ‘Hit Mix’.

THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA, con sus Hooked on Classics.

Lo mismo hizo LARRY ELGART Y SU MANHATTAN SWING ORCHESTRA, pero con música swing.

En España Luis Eduardo Aute intentó experimentar asimismo con retales de canciones de rock clásicas. Entre las elegidas estaba ‘Love me tender’ de Elvis Presley, pero la familia del rey del rock se negó a versiones de trozos.

Más suerte tuvo el saxofonista y director de orquesta LUIS COBOS, que supo rentabilizar mezclas de clásicos, zarzuela o corridos mejicanos.

Todos los cantantes de STARS ON 45 procedían de los Países Bajos. Bas Muys imitó a John Lennon, Hans Vermeulen a Paul McCartney y Okkie Huysdens a George Harrison. En el proyecto también participaron Albert West, Arnie Treffers, Jody Pijper, Peter Vermeij y Tony Sherman.

Se dieron a conocer con el medley del mítico cuarteto británico, que les permitió editar sus dos primeros singles y la cara A del álbum de debut ‘Stars on Long Play’.

Después de estos primeros éxitos, bajo la dirección de Jaap Eggermont lanzaron al mercado nuevas ediciones monográficas con temas de Abba ‘Stars on Long Play II’ (número 2 en Reino Unido), de la Motown (número 55 en Estados Unidos), The Rolling Stones, Sam and Dave y James Brown. Ediciones europeas incluyeron “Stars on Frankie” como homenaje a Sinatra.

Una secuela femenina de Stars on 45 fue el grupo The Star Sisters, que cantaba temas de los 40 y se hizo famoso en Europa con el éxito del single ‘Andrews Sisters Medley’y el álbum ‘Stars on 45 Presents The Star Sisters’.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Abba, Albert West, Arnie Treffers, Bas Muys, Billboard, Café Crèm, George Harrison, Golden Earring, Hans Vermeulen, Hollywood, Huntington Hartford Theater, Jaap Eggermont, James Brown, Jive Bunny & The Master Mixers, Jody Pijper, John Lennon, Kim Carnes, Larry Elgart y su Manhattan Swing Orchestra, Laurent Voulzy, Luis Cobos, Madness, MCA, Okkie Huysdens, Paul McCartney, Peter Vermeij, Red Bullet Production, Sam and Dave, sinatra, Spargo, Stevie Wonder, The Archies, The Art Company, The Beatles, The Buggles, The Rolling Stones, The Royal Philharmonic Orchestra, The Shocking Blue, Tony Sherman, Willem van Kooten

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Bill Dees, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Elvis Presley, Garry Marshall, George Harrison, Grammy, Jeff Lynne, Jim Keltner, John Fogerty, Julia Roberts, Monument Records, Nashville, Richard Gere, Tennesse, The Beatles, The Traveling Wilburys, Tom Petty, Van Halen

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Con este tema de 2009 la banda rompía con el sonido al que nos tenía acostumbrados. Se atrevió con una composición para muchos oscura y densa, con slides de guitarra y bajo galopante, que podría pasar por cara B. Sin embargo, lo lanzaron como tema de presentación al parecer como parte de una estrategia de los ‘monos’ para que no se les viese el plumero comercial. ‘Humbug’, de hecho, se convirtió en el disco de la madurez definitiva del conjunto.(...)
Read the rest of Arctic Monkeys – Crying lightning (1,680 words)

De cualquier forma, a estas alturas de la película Arctic Monkeys ya nos tenía acostumbrados, de forma puntual, a cambios de sonido radical. Para muestra, otro botón. Entre las rarezas musicales de Arctic Monkeys, encontramos ‘Brianstorm’, que carece de estribillo.

‘Crying lightning’ es una canción que crece cuanto más se escucha y puede llegar a engancharte. Es conocida por la gran cantidad de ocasiones en que ha sido utilizada en anuncios publicitarios.

Mensaje escondido

En cuanto a su contenido, es difícil saber exactamente a qué se refieren los británicos con esta canción. ‘Crying lightning’ es complicada a la hora de ser leída, en el sentido literal del significado, o interpretada, a nivel figurativo. Las apreciaciones sobre su mensaje pueden ser muy variadas. A saber, relámpago llorón, lloviendo rayos, llanto relámpago o sin explicación son algunas de las traducciones más habituales. Quizás en esta ambigüedad resida parte de su magia.

Pero, ¿qué querían contarnos exactamente Alex Turner y los suyos? Si te guías por el texto literal, hablan de una persona que de forma histérica rompe a llorar repentinamente, en un intento premeditado de llamar la atención.

No obstante, si vamos más allá, y en sentido un tanto figurativo, parece que Alex Turner rememorara la relación rota con su expareja Alexa Chung. Pudiera ser la estrategia que ella utilizaba para llamar su atención. Este tipo de comportamiento, lejos de ser del agrado, Alex lo comparaba con el de una niña a la que le encantan las golosinas –refiriéndose en realidad a que le gustaba marear al personal–.

Otra interpretación podría llevar a pensar que la amiga de Alex Turner usaba esta estratagema –llorar de forma repentina e histérica– como un pequeño truco para tenerle controlado a su conveniencia. Cuando Alex cedía, ella tenía la frialdad de pasar de él, hasta que el músico se dio cuenta de que todo era una trampa y le dijo que iba a romper con ella –«hablabas y masticabas tu última golosina…»–.

Poco a poco el protagonista intenta estar menos involucrado con la chica –«…pensando en excusas para posponerlo»–, hasta que al final la deja. Sin embargo, aquí aparece también la ambigüedad, Alex Turner confiesa al principio de la canción que este jueguecito le encanta, aunque luego dice que lo odia. Puede ser una forma de afirmar que esta manera de actuar de algunas chicas para tenerlo todo controlado puede llegar a herir los sentimientos de su pareja. Y para rematar, le manda un mensaje nada sutil: «Con pinta de complicada, pero no tan imposible como todo el mundo asume que eres».

Otras teorías dicen que el significado de esta obra no tiene nada que ver con lo anterior, sino que en realidad estaba dedicada a un fan que el cuarteto conoció en Asia. Al parecer, el seguidor en un principio era encantador, pero terminó por amargarles la existencia.

Debut radiofónico

‘Crying Lightning’ fue interpretada por primera vez en el show de Zane Lowe, en BBC Radio, en julio de 2009. El día 12 de ese mismo mes el sencillo debutó en las listas británicas en el puesto 12, únicamente mediante descargas.

El videoclip oficial fue presentado el 24 de julio de 2009 en la cadena Channel 4. Para dirigirlo, el grupo de Sheffield contó con Richard Ayoade, que ya había trabajado en el DVD ‘At the Apollo’ y en el audiovisual de ‘Fluorescent adolescent’, y que más tarde también se encargaría la producción de ‘Cornerstone’.

La grabación, curiosamente, no refleja ninguna de las historias comentadas y, en cambio, muestra a los Arctic Monkeys interpretando la canción sobre un pequeño bote a la deriva. De repente, al comenzar el solo de guitarra, surge desde el fondo del mar la enorme figura del líder de la banda, Alex Turner, que cae sobre sus rodillas. A continuación, aparece el resto de miembros, cual enormes monstruos marinos.

LETRA

Fuera de la cafetería al lado de la fábrica de galletas
estabas practicando un truco de magia
y mis pensamientos se embrutecieron mientras hablabas
y masticabas la última de tus golosinas

Tú dijiste ‘te equivocas si crees que no me han llamado fría antes’
mientras comías tu último regaliz de fresa
entonces me ofreciste tu atención en forma de chicle de bola
es todo lo que te quedaba y estaba siendo desperdiciado

Tus pasatiempos consistían en lo extraño, y retorcido y perturbado
y me encantaba ese pequeño juego al que llamaste ‘relámpago de lágrimas’
y como te gustaba putear al hombre de los helados en las tardes lluviosas

La siguiente vez que vi mi propio reflejo fue de camino a verte,
pensando en excusas para posponer
nunca pareciste ser tú misma desde el lado que tu perfil no podía ocultar

El hecho de que sabías que estaba llegando a tu trono
con brazos cruzados te quedaste en el banquillo como un dolor de muelas
te quedaste y resoplaste como si nunca hubieras perdido una guerra
aunque intenté tanto no sufrir la indignidad de una reacción
no había grietas a las que aferrarse o huecos a los que agarrarse

Tus pasatiempos consistían en lo extraño, y retorcido y perturbado
y odio ese pequeño juego al que llamaste ‘relámpago de lágrimas’
y como te gusta putear al hombre de los helados en las tardes de lluvia
con pinta de complicada, pero no tan imposible como todo el mundo asume que eres

VERSIONES

El grupo británico interpretó el tema que analizamos EN DIRECTO en el programa de MTV ‘Revolution live sessions’.

Mucho más tranquila la modalidad ACÚSTICA. Se puede encontrar en el álbum no oficial ‘Straighten the rudder’.

El italiano DIEGO BARBORINI, también en acústico, reinterpretó un fiel reflejo de la original.

Más transalpinos intentándolo. Y parece que no se les da mal al conjunto DAMAISTE.

.
Y una sorprendente versión de los tailandeses SOMKIAT.

‘Crying Litghning’ se presta también a una interpretación mucho más radical, como la de los polacos FUMEZ.

http://youtu.be/RelKt-MpI6w

Los norteamericanos THE OUTLAND la bordan.

http://youtu.be/v6OqOCCiu7M

ARCTIC MONKEYS proceden de High Green, un barrio de Sheffield, en Inglaterra. Son un claro ejemplo de una nueva generación de músicos que irrumpe en las listas de éxitos gracias a las redes sociales, sin tener siquiera que editar un primer disco.

Sus orígenes se remontan a 2002, cuando Alex Turner y Jaime Cook reciben con apenas 20 años sendas guitarras como regalo navideño. Tras aprender a tocar con un libro de partituras del disco ‘Be here now’, de Oasis, a ellos pronto se les unió el resto de la banda, dos compañeros de clase de Turner, Andy Nicholson y Matt Helders, bajo y batería, respectivamente. Por aquel entonces, se hacían llamar Bang Bang, pero cambiaron a Arctic Monkeys por puro capricho de Cook, quien siempre quiso tocar en una banda con este nombre.

La formación, devota del indie rock, bebe directamente de ídolos como The Jam, The Clash o The Smiths, cuya influencia se deja notar en su repertorio.

Dada la falta de medios, decidieron colgar una maqueta en la red, consiguiendo una respuesta masiva e inesperada por parte de los internautas, así como por la prensa británica, que se volcó en ellos en su afán por encontrar la nueva sensación del momento. En junio de 2003 dieron su primer concierto en un local llamado The Grapes, en el centro de Sheffield.

Tras unos cuantas actuaciones más, a los ‘monos’ se les ocurrió grabar sus demos en cd’s que regalaban en sus conciertos. Pronto la gente empezó a pasar las canciones a sus ordenadores y éstas fueron extendiéndose. Según los miembros de la banda «nunca lo hicimos para hacer dinero o lo que sea. Las repartíamos gratis y eso era la mejor manera para que la gente las escuchara. Eso hizo mejores los conciertos ya que el público se sabía las letras y las cantaban».

Poco después, comenzaron a triunfar con temas como ‘Fake tales of San Francisco’ y ‘I bet you look good on the dancefloor’. Tal fue su éxito que la discográfica Domino les fichó por una jugoso contrato, aunque en un principio la banda se negó a firmar, en parte porque sus miembros no estaban dispuestos a cambiar sus canciones para adaptarlas a los gustos de la industria

Con este sello discográfico editaron en 2005 ‘Whatever people say I am that’s what i’m not’, que se convirtió en el álbum de debut más rápidamente vendido en la historia de Reino Unido, tras distribuir 363.735 copias en su primera semana. Fue lanzado un mes más tarde en Estados Unidos y vendió 34.000 en una semana, convirtiéndose en el segundo disco indie de inicio más comercial y estrenándose en el puesto 24 de la lista de álbumes de Billboard.

Este trabajo les llevó a ganar el premio Mercury en septiembre de 2006, galardón que nació en 2002 para recompensar la innovación y creatividad en la música británica. Algunos artistas distinguidos en anteriores ediciones fueron Primal Scream (1992), Suede (1993), Pulp (1996) o Franz Ferdinand (2004).

Después vinieron otros álbumes como ‘Who the vuck are Arctic Monkeys’, en 2006; ‘Favourite worst nightmare’, en 2007; ‘Humbug’, en 2009; ‘Suck it and see¡’, en 2011; y ‘AM’, en 2012.

Los ‘monos’ han recogido multitud de reconocimientos a lo largo de su carrera, como por ejemplo, al mejor artista nuevo en los estadounidenses PLUG Independent Awards, el premio al mejor álbum en Japón, Irlanda y Estados Unidos, y como mejor banda y mejor álbum británicos en los Brit Awards de 2007.

El 27 de julio de 2012 participaron en la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres, versionando ‘Come together’ de los Beatles y su primer éxito ‘I bet you look good on the dancefloor’.

En febrero de 2014 vuelven a asistir a la ceremonia de los Brit Awards, donde son nominados al mejor grupo y al mejor álbum del año, llevándose los dos galardones. Alex Turner, en su discurso de agradecimiento, rindió homenaje al rock & roll diciendo que «nunca moriré y no podéis hacer nada para evitarlo».

Desde entonces mantienen silencio sólo roto por proyectos personales. Seguro que protagonizan una fase creativa cuyo fruto pronto conoceremos.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Alex Turner, Andy Nicholson, Bang Bang, BBC Radio, Billboard, Channel 4, Damaiste, Diego Barborini, Fumez, High Green, Inglaterra, Jaime Cook, Matt Helders, MTV, PLUG Independent Awards, Richard Ayoade, Sheffield, Somkiat, The Beatles, The Clash, The Grapes, The Jam, The Outland, The Smiths, Zane Lowe, ‘Revolution live sessions’

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’–o simplemente, ‘Rock ‘n’ roll radio’– constituye un homenaje al sonido de los años cincuenta, década en la que Spector asentó su popularidad. El productor obtuvo absoluta libertad para alterar la dinámica en la que se movían hasta entonces Ramones. Para ello añadió instrumentos ajenos al universo de los neoyorquinos como el saxofón, la trompeta o el piano, que supieron convivir con la guitarra, la batería y el bajo, tradicionales armas del cuarteto.(...)
Read the rest of Ramones – Do you remember rock ‘n’ roll radio? (¿Te acuerdas de las radios rock?) (1,396 words)

Spector también convenció a la ‘familia Ramone’ para que abandonara su natural tendencia a los temas de tres acordes y una melodía, para apostar por una composición más compleja, sustentada sobre un arquetipo que recordaba al estilo de mediados del siglo pasado, siempre sin olvidar el uso del muro de sonido que le hizo famoso. También apostó por una frivolité, al introducir en la apertura y el cierre del tema una grabación de una emisora de rock ‘n’ roll de aquella época.

Los Ramones recurrieron a Spector en un claro intento –muy criticado por sus seguidores primitivos–, aunque nunca confesado, de alcanzar el éxito comercial que se les había negado hasta entonces. Siempre fue un grupo admirado, pero pocas veces, hasta crear la canción que hoy analizamos, logró un sitio destacado en las listas de discos más vendidos. El desgaste causado por los conciertos y los muchos kilómetros de carretera recorridos para satisfacer en directo a sus fieles les llevó a claudicar y a cambiar de planes.

El objetivo se consiguió y ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ se erigió en uno de los temas franquicia de los Ramones, gracias, tal vez, a esa batería inicial que da pie al aplastante ritmo que preside sus casi cuatro minutos de duración.

Pero en el camino hacia el apoyo de la masa hubo que soportar largas sesiones de estudio que evidenciaron las distancias entre banda y productor. Las repetidas grabaciones que ordenaba Spector hasta que se conseguía el sonido que perseguía acabaron por desesperar a los miembros de la banda. Aún se recuerda en los estudios cómo Spector –cuya estabilidad psicológica siempre ha sido cuestionada– tenía la costumbre de colocar su pistola sobre la mesa de mezclas.

El experimento –y sus protagonistas– lograron sobrevivir a aquel clima. Ninguna víctima quedó por el sendero. Sin embargo, según algunas versiones, se rozó la tragedia. Dícese que tras una de las sesiones de grabación, Spector convocó a Joey Ramone, líder del cuarteto, para debatir. El encuentro se alargó sobremanera porque el productor no quería darlo por finalizado hasta que se alcanzara un acuerdo. Para ello, esgrimió su arma cada vez que el rockero intentaba marcharse. «Tú te quedas aquí y no vas a ninguna parte o te pego un tiro», aseguran que fue su frase literal.

De cualquier manera, la repercusión del tema fue tal que incluso ha generado un profuso anecdotario. Por ejemplo, en 2005 comenzó a emitirse un programa de radio llamado ‘Rock ‘n’ roll radio’ en una radioemisora de Connecticut y en los partidos de nuestro Alavés se pincha esta canción para celebrar los goles del equipo de Vitoria.

La letra de ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ es una declaración de intenciones sobre la conveniencia de volver a las raíces del rock. Explica, además, las bases de la filosofía que regó el crecimiento de Ramones, evidenciando por qué optaron por labrar un estilo musical de rock primitivo, confesando que su devenir tuvo mucho que ver con las influencias que recibieron durante su juventud de artistas como John Lennon, Jerry Lee Lewis, T. Rex o The Barbarians, así como de conocidos programas de radio y televisión.

En el videoclip promocional se puede observar a los Ramones viendo una actuación propia, que no debe gustarles porque Johnny Ramone acaba por estrellar su guitarra contra el televisor. Esta secuencia fue utilizada por la cadena musical MTV para la promoción.

¿Te acuerdas de las radios de rock’n’roll?
Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Te acuerdas de ‘Hullabaloo’? (show televisivo
estadounidense de los años 60)
¿también de ‘Upbeat’ (emisora de radio famosa en los 70),
‘Shinding’ (show de los años 70) y de
Ed Sullivan (famoso presentador estadounidense)?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’roll?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’ roll?

¿Te acuerdas de Murray K (presentador experto en rock),
Alan Freed (histórico presentador de radio musical) y de high energy (estilo musical)?
Es el fin, el fin de los años 70
Es el fin, el fin del siglo
¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con la radio escondida de manera
que nadie pudiera verla

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Recordarás a Jerry Lee Lewis,
John Lennon, T. Rex y Old Moulty?
es el fin, el fin de los 70’s
es el fin, el fin del siglo

¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con el radio prendido de manera que nadie pudiera ver

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

Ésta es la radio del rock and roll
manténganse sintonizado para más rock and roll

VERSIONES

Otro grupo de los duros, KISS, realizó un cóver excepcional para el álbum homenaje de los Ramones ‘We’re a happy family: a tribute to The Ramones’.

JESSE MALIN Y BRUCE SPRINGSTEEN también sucumbieron ante ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ durante una actuación benéfica de 2014.

El grupo de Melbourne PAINTERS AND DOCKERS incorporó este tema a las actuaciones que realizaba en directo en los ochenta. Alteró la letra para hacer referencia a emisoras y presentadores australianos.

Curiosa la interpretación que ofreció la ORQUESTA SINFÓNICA DE SAO PAULO.

Durante una de sus giras GREEN DAY utilizó ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ para iniciar sus conciertos.

En el mundo del cine esta canción también ha sido repetidamente utilizada, sobre todo en las que películas recrean los años cincuenta.

Joey Ramone (Jeffrey Hyman), Dee Dee Ramone (Douglas Calvin), Johnny Ramone (John Cummings) y Tommy Ramone (Tom Endelvi) –luego reemplazado por Marky Ramone (Mark Bel)– crearon RAMONES en 1974 en Forest Hill, pequeña localidad neoyorquina famosa por su torneo de tenis. El nombre que eligieron para bautizar a la banda constituyó un homenaje a The Beatles, porque Phil Ramone fue el nombre que utilizó Paul McCartney cuando formó parte del mítico cuerteto de Liverpool para viajar de incógnito y eludir a prensa y fans en los hoteles.

Nacieron enfundados en una imagen de rockeros primitivos –chaquetas de cuero, tejanos y zapatillas– que han mantenido a lo largo de toda una trayectoria basada en canciones veloces de poco más de dos minutos de duración, un sonido desgarrador y letras sencillas.

Apenas dos años después de aquel concierto de debut que protagonizaron en una sala de Manhattan ante escasamente treinta espectadores y con un repertorio de versiones de canciones de los cincuenta, se erigieron como la mayor aportación del punk-rock americano. Poco a poco, vinilo a vinilo, fueron creando clásicos del minimalismo que cosecharon un reconocimiento mundial.

Temas como ‘Now I wanna sniff some glue’, ‘Blitzkrieg bap’ o ‘Sheena is a punk rocker’ consitituyeron lecciones de cultura urbana, sobre todo en los directos que abrían con el grito de guerra ‘gabba, gabba, hey’.

Pero la decadencia del punk a finales de la década de los setenta les obligó a buscar un nuevo rumbo. Para trazarlo apostaron por Phil Spector, que consiguió elevar a Ramones a los puestos altos de las listas.

Desde entonces mantuvieron una trayectoria uniforme, sin grandes éxitos pero con una legión de fans, a los que vincularon mediante álbumes que siempre mantenían un nivel rudo y uniforme. Sin embargo, desavenencias entre sus miembros y problemas de salud llevaron a la disolución del grupo en 1996. De hecho, en los siguientes años fallecieron tres de los miembros de la banda tras una vida de excesos. Hoy son una leyenda inmortal.

Aún así, todavía mantienen su reinado. Sus camisetas son tan famosas como su música, aunque muchos de los jóvenes que las lucen no conozcan la obra de los Ramones o incluso piensen que se trata de una marca de ropa. Vendieron miles de discos, pero sus prenden se distribuyen por millones.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Alan Freed, Bruce Springsteen, Dee Dee Ramone, Douglas Calvin, Ed Sullivan, Forest Hill, George Harrison, Green Day, Ike and Tina Turner, Jeffrey Hyman, Jerry Lee Lewis, Jesse Malin, Joey Ramone, John Cummings, John Lennon, Johnny Ramone, Kiss, Liverpool, Mark Bel, Marky Ramone, Melbourne, Murray K, Old Moulty, Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, Painters and Dockers, Paul McCartney, Phil Spector, T. Rex, The Barbarians, The Beatles, The Crystals, The Righteous Brothers, The Ronettes, Tom Endelvi, Tommy Ramone

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Su segundo single, ‘Never gonna give you up’, le catapultó en 1987 a la condición de estrella, alcanzando el número uno en Gran Bretaña y en otros dieciséis países europeos. Algo inhabitual. Pero, durante los siguientes años confirmó su idilio con el público, conquistando éxito tras éxito. Hoy incluso, casi treinta años después de su llegada al mundo músical, aún mantiene el récord de haber sido el único solista masculino que ha colocado sus primeros ocho singles en el top ten de Reino Unido.(...)
Read the rest of Rick Astley – Never gonna give you up (Nunca te abandonaré) (1,379 words)

Este artista sorprendió al demostrar que, tras una imagen cuasi infantil, con tupé pelirrojo y rostro imberbe, era poseedor de una profunda voz que encandiló al público amante del dance-pop gracias a una colección de canciones pegadizas. Sin duda, también influyó en la atracción que generó su imagen de niño bien, a menudo vestido con americanas y vaqueros de cintura alta. Todo constituyó una mezcla que le llevó a vender millones de copias. «Aquella canción cambió mi vida completamente y es algo que en su momento no aprecias», comenta en la actualidad el inglés.

Toda su obra relata amor y desamor, y nada más. Jamás se ha introducido en ningún otro tema más exigente, pero la fórmula ha funcionado siempre. Para muchos este intérprete es representante de las horteradas de los ochenta, pero para otros es un genio que sabe rentabilizar sus virtudes. De cualquier manera, sí es cierto que Astley no ha sabido renovarse.

‘Never gonna give you up’ es de esos temas que hacen sentir bien desde sus primeras notas. No hay ningún mensaje profundo en su desarrollo, no incluye tampoco apuestas innovadoras, ni se puede decir que quisiera abrir nuevas vías musicales. Habla de fidelidad y compromiso, temáticas quizá demasiado manidas en la música. Hay que tratarlas muy bien para no caer en tópicos.

No obstante, quizá por los recuerdos que nos trae, siempre se escucha con agrado. Hay quien dijo que era la obra ideal para explicar a los extraterrestres como fueron los ochenta en la Tierra. Es que hablamos de un icono de esa década. No eres de este mundo si nunca has escuchado esta canción, que no falta en los descansos de los espectacúlos deportivos británicos y estadounidenses.

La canción que hoy analizamos fue compuesta, arreglada y producida por el trío británico formado por Mike Stock, Matt Aitken y Pete Waterman, conocidos también por el acrónimo SAW y expertos en la explotación de la batería electrónica y los sintetizadores. Autores de más de cien canciones que entraron en el top 40 de las listas de éxitos de su país, han vendido cuarenta millones de álbumes y logrado ganancias de alrededor de cien millones de euros.

Stock, Aitken y Waterman también trabajaron para Kylie Minogue. De hecho algunos detractores de Astley sostienen que él canta como ella, pero a menos revoluciones. Estos críticos con la carrera del inglés son los mismos que incluyen a ‘Never gonna give you up’ en la lista de las peores canciones de los ochenta.

Cuando ‘Never gonna give you up’ y su intérprete parecían definitivamente olvidados, sólo ya útiles para recopilaciones nostálgicas y programaciones de cadenas de radio que sólo miran hacia el pasado, una broma de internet devolvió a la actualidad a Rick Astley y a su creación más afortunada. Juntos volvieron a convertirse en un fenómeno gracias a un ‘rickrolling’ de 2007.

Esta’travesura virtual’, que consiste en poner un enlace trampa ofreciendo supuestas noticias de gran interés pero que en realidad redirige al videoclip del hit de Astley, constituyó la resurrección del británico. En dos días la grabación en YouTube fue vista por más de trece millones de personas. Ocurrió en torno al 1 de abril de aquel año-Día de los Inocentes en Estados Unidos-. Luego se repitió en distintos momentos y con diferentes excusas. Por ejemplo, críticas a la iglesias de la cienciología. Incluso, un estudiante introdujo la letra de la canción en un trabajo de física cuántica.

«Me ha hecho mucho bien. Mucha gente conoce esa canción por aquello y estoy seguro de que ayudó a mi carrera en muchos sentidos», respondió Astley en una reciente entrevista. Lo cierto es que su presencia en los escenarios se multiplicó y desde entonces es reclamado constantemente desde distintas partes del mundo. Por ejemplo, fue la estrella de las fiestas del orgullo gay celebradas en Madrid en julio. El pasado mes ha protagonizado asimismo una gira por varias plazas musicales de España.

El vídeo, sencillo, muestra las nulas habilidades de Rick para bailar. Además, en él podemos comprobar la crueldad que atesora el paso del tiempo, que, casi treinta años después de la producción, nos recupera imágenes pasadas de moda. La grabación dirigida por Simon West nos presenta a un sonriente Astley que interpreta ‘Never gonna give you up’ en varios lugares, a veces acompañado por bailarines.
En poco más de tres minutos y medio resume la estética ochentera.

No somos extraños al amor
conoces las reglas y yo también
un compromiso total es en lo que estoy pensando
no obtendrías esto de ningún otro tipo
sólo quiero decirte cómo me estoy sintiendo
debo hacerte entender que

Nunca te dejaré
nunca te defraudaré
nunca saldré corriendo para abandonarte
nunca te haré llorar
nunca diré adiós
nunca diré una mentira para lastimarte

Nos conocemos hace tanto tiempo
tu corazón ha estado herido
pero eres demasiado tímida para decirlo
pero ambos sabemos lo que has estado pasando
conocemos el juego y lo jugaremos

Y si me preguntas cómo me estoy sintiendo
no me digas que eres demasiado ciega para no darte cuenta

VERSIONES

Como ‘Never gonna give you up’ parece que inspira todo tipo de innovaciones en la red, no podemos obviar el mashup -una forma de integración y reutilización virtual- que reúne a Rick Astley, AVICII, CHUMBAWAMBA Y JOHN TRAVOLTA bajo el título de ‘Tubthumping’.

El italiano adicto al eurobeat KEVIN JOHNSON -Davide Budriesi, de nombre real- es uno de los muchos que se han atrevido a reinterpretar este tema.

Bajo el pseudónimo de THE RICKROLLERZ, varios productores londinenses de dance publicaron en 2008 una mezcla house.

En el mundo hispano el productor y cantautor ecuatoriano JIMMY TAMAYO cantó también ‘Nunca te dejaré’.

La televisión ha recurrido a este tema en numerosas ocasiones, bien en su faceta publicitaria bien en diferentes series. El propio Astley destacó la inclusión de su tema franquicia en ‘MAD MEN’.

RICHARD PAUL ASTLEY (Newton-le-Willows, Merseyside, Gran Bretaña, 1966) dio sus primeros pasos en el seno del grupo de soul FBI, especialista en versiones de The Beatles y The Shadows. Fue en una de sus actuaciones cuando fue descubierto por el productor musical Pete Waterman, quien se lo llevó a Londres para ponerlo bajo la tutela del trío de productores Stock, Aitken y Waterman en los estudios de PWL.

Tras un período de aprendizaje corto dio el salto al mundo del disco con el single ‘When you gonna’, que pasó por las tiendas sin que ningún aficionado reparara en él. El siguiente, ‘Never fonna give you up’, ya en 1987, le convirtió en lo que hoy es. Su gran éxito tuvo continuidad en sucesivos trabajos como ‘Whenever you need somebody’, ‘Together forever’ o ‘Take me to your heart’, además de en colaboraciones con Elton John, Art of Noise, Ann Dudley o la estrella del gospel Andrae Crouch. Incluso fue nominado a los Grammy como mejor artista novel.

Su halo de fama decreció con el final de la década de los ochenta, cuando se separó de Stock, Aitken y Waterman para dirigir personalmente su carrera con moderado éxito gracias a ‘Cry for help’ (1991) y ‘Hopelessly’ (1993). Luego llegó una época de silenció hasta que en 2001 lanzó al mercado el ábum ‘Keep it turned on’, en el que apostó por sonidos más tecno y discotequeros. Cuatro años más tarde protagonizó un nuevo giro creativo para apostar por versiones de canciones clásicas de soul.

En 2006 decidió tomarse un descanso para dedicarse a su vida familiar y componer para el cine, donde creó la banda sonora de ‘ Cashback’, protagonizada por su pareja, Lene Bausager.

Regresó en 2008 al aprovechar la oportunidad de reverdecer laureles brindada por el ‘rickrolling’ antes mencionado. Ofreció conciertos por todo el mundo al volver al frente musical después de un amplio período de inactividad. Esta broma del destino le ofreció un nueva ocasión de llegar a público de nuevas generaciones, paradójicamente, como tótem de la canción protesta.

Rick Astley editó sus últimos singles en 2010 (‘Lights out’) y en 2012 (‘Superman’). Luego se ha dedicado a ofrecer conciertos, ya que sostiene que ahora es allí donde realmente debe residir la música, frente al público.

Si tuviéramos que resumir su carrera en números bastaría decir que ha vendido cuarenta millones de discos, entre álbumes y singles.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: 'Mad men', 'rickrolling', Avicii, Chumbawamba, Davide Budriesi, Gran Bretaña, Jimmy Tamayo, John Travolta, Kevin Johnson, Kylie Minogue, Lene Bausager, mashup, Matt Aitken, Merseyside, Mike Stock, Newton-le-Willows, Pete Waterman, SAW, The Beatles, The Rickrollerz, The Shadows

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Es el caso de ‘Blue velvet’ que triunfó casi treinta años después de que fuera escrita y doce años más tarde de que se publicara. Lo hizo en la voz de un autor que tuvo el valor de incorporarla a su repertorio a pesar de que otros fracasaron con anterioridad en su intento. Bobby Vinton lo logró y pasó a la historia unido a esta gran balada, cuando ni fue su autor ni el primero que se fijó en ella.(...)
Read the rest of Bobby Vinton – Blue velvet (Terciopelo azul) (777 words)

Con el tema compuesto por Bernie Wayne y Lee Morris en 1934 lo intentó en primer lugar Ray Mason, concretamente en 1950 y durante un desfile de modas en Boston, aunque nunca lo grabó. Fue Tony Bennett quien en 1951 lo convirtió en vinilo, pero la gran voz del crooner sólo logró aliar ‘Blue velvet’ con la popularidad en ligera medida. Luego asimismo The Clovers probaron suerte en 1955, sin encontrarla.

Sin embargo, en 1963 el carismático Vinton rompió records de audiencia y convirtió ‘Blue velvet’ en una de las melodías más pinchadas en los tocadiscos que sonaban en las fiestas de todo el mundo, en una época en la que todavía dominaban los solistas y los conjuntos musicales no habían iniciado su reinado impulsados por el surgimiento de The Beatles.

Ocurrió también en el mundo de habla hispana, a ambos lados del Atlántico, aunque nadie entendía la letra. El inglés era, por aquella época, tan desconocido como el mandarín para nosotros. Incluso, sólo los más avezados sabían que ‘Blue velvet’ se traducía como ‘terciopelo azul’. Las composiciones, por tanto, eran apreciadas por la melodía y el sentimiento que le imprimía su intérprete.

La voz melosa de Vinton rompió corazones con una balada cálida y refinada, orquestal y sentimental, amparada por brillantes arreglos orquestales. Por supuesto, llegó al número en las radios norteamericanas y británicas, sobre todo por su sugerente letra. Fue el último antes de la cataclísmica irrupción del mítico cuarteto de Liverpool, que eclipsó también a esta canción. No obstante, el tiempo, ese juez insobornable que da y quita razón, ha convertido a ‘Blue velvet’ en un clásico de la música popular que todo el mundo conoce.

Hay quien sostiene incluso que este tema generó un nuevo estilo de mujer, las llamadas amazing models, que se convirtieron en estrellas rutilantes de los años sesenta siguiendo los consejos de la letra.

Ella vestía de terciopelo azul
más azul que el terciopelo era la noche
más suave que el satén era la luz de las estrellas

Ella vestía terciopelo azul
más azules que el terciopelo eran sus ojos,
más cálidas que mayo eran sus miradas

El amor era nuestro
nuestro era un amor al que yo me aferré fuertemente,
sintiendo que el embeleso crecía
como la llama que arde vivamente

Pero cuando ella se fue,
desapareció el brillo del terciopelo azul
sin embargo, en mi corazón siempre permanecerá,
hermoso y cálido, el recuerdo a lo largo de los años

Y todavía veo el terciopelo azul
a través de mis lágrimas

VERSIONES

TONNY BENNETT fue el precursor a la hora de sacar al mercado esta canción.

THE CLOVERS le dieron un matiz jazz.

La cantante y compositora estadounidense Elizabeth Woolridge Grant, más conocida como LANA DEL REY, ha recuperado ‘Blue velvet’ recientemente.

LUIS VIVI HERNÁDEZ, cantante del histórico grupo mexicano Los Crazy Boys, se atrevió a cantarla en castellano.

Los artistas que han incorporado ‘Blue velvet’ a su repertorio son innumerables. Como ejemplo, basta citar a The Moonglows, Barry Manilow, Trini López, Jimmy Velvit, Jason Donovan, Thomas Truax, Brenda Lee, Leon Ware o Houston Person.

El cine pronto fue consciente del potencial del tema interpretado por Bobby Vinton, que ha formado parte de numerosas bandas sonoras. Pero fue el director David Lynch quien en 1986 montó toda una película en torno a ‘Blue velvet’, llegando a ser nominada al Óscar. ISABELLA ROSELLINI, actriz principal de la obra, cantó la composición de Wayne y Morris.

BOBBY VINTON fue uno de los cantantes pop más populares en Estados Unidos en los años sesenta, gracias a su aseada imagen de ídolo juvenil y baladas como la mencionada, ‘Roses are red’, ‘Blue on blue’, ‘I love how you love me’ o ‘Sealed with a kiss’. Stanley Robert Vintula Jr. –su verdadero nombre– nació el 16 de abril de 1935 en Canonsburg, Pennsylvania, en el seno de una familia de origen polaco.

Su padre fue líder de una notable big band y por ello creció en medio de un ambiente musical, aficionándose al clarinete y a la trompeta desde niño. Además, en el universidad estudió música y terminó por dominar varios instrumentos.

Su condición de ídolo adolescente también le llevó a actuar en el cine durante su período de gloria, que se extendió desde comienzos de los sesenta hasta 1967, cuando comenzó a declinar su fama. No obstante, supo sobrivivir y con el tiempo, ese incansable cirujano, derivó en cantante estándar, con estatus estelar en actuaciones en vivo, muchas de ellas realizadas en Las Vegas, Atlantic City o su propio teatro, creado en Missouri y denominado The Bobby Vinton Blue Velvet. También tuvo un programa en televisión.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Atlantic City, Barry Manilow, Bernie Wayne, Brenda Lee, Canonsburg, Crazy Boys, Elizabeth Woolridge Grant, Houston Person, Isabella Rosellini, Jason Donovan, Jimmy Velvit, Lana Del Rey, Las Vegas, Lee Morris, Leon Ware, Liverpool, Luis Vivi Hernádez, Missouri, Pennsylvania, Ray Mason, Stanley Robert Vintula Jr., The Beatles, The Clovers, The Moonglows, Thomas Truax, Tony Bennett, Trini Lopez

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

El tema original llegó a Estados Unidos de la mano de otro histórico crooner, Paul Anka, que por 2.000 dólares compró los derechos de la obra de François tras escucharla durante unas vacaciones en la tierra de los galos. Cambió su letra y hasta rehízo la música para transformarla en la obra que alcanzó la trascendencia que hoy goza. El canadiense, consciente de su potencial, se lo ofreció a Sinatra durante una cena en Florida y el italonoamericano acabó por redondear el producto con su garganta. La transacción se cerró por 40.000 dólares. Ahora es imposible calcular el dinero que obtuvo Sinatra con su explotación. Millones y millones.(...)
Read the rest of Frank Sinatra – My Way (A mi manera) (1,326 words)

‘My Way’ dio a Sinatra algo más que dinero. Por aquella época atravesaba uno de los momentos más duros de su carrera por el auge del rock, la estelar irrupción de The Beatles y la eclosión musical de los sesenta unida al movimiento hippy. Dicen que incluso llegó a barajar la posibilidad de retirarse. «Me salgo del negocio, estoy harto de esto», confesó a Anka, según desveló éste en una entrevista de 2007. Afortunadamente no lo hizo. Se apoyó en el sonido melódico de ‘My Way’, algo más moderno del que era habitual en su repertorio inicial, para volver a lo más alto. Ya nunca más se bajó del trono.

Aunque ‘My Way’ jamás estuvo en los puestos de cabecera de las listas de éxito de 1969 –cuando salió al mercado–, sí se ancló en ellas durante más de un año. Desde entonces la creación más representativa y emblemática de La Voz es considerada una de las creaciones musicales más hermosas de todos los tiempos. Todos conocemos ‘My Way’, todos hemos intentado entonarla alguna vez, todos reconocemos su calidad y hasta todos, aunque no lo admitamos en público, nos hemos visto alguna vez emocionados por sus notas.

Porque es la banda sonora de la historia de la música contemporánea siempre estará ahí por mucho que los años pasen. La trascendencia de este icono y su conversión en un símbolo musical y cultural en todo el mundo son tales que el Gobierno soviético de Mijaíl Gorbachov se refería a su política de no intervencionismo en los asuntos internos de los demás miembros del Pacto de Varsovia como la ‘doctrina Sinatra’, cada uno a su manera.

Aunque la composición primitiva de Claude François se refería a la reciente ruptura sentimental del artista con la también cantante France Gall, la adaptación de Anka versa acerca de un hombre que reflexiona sobre su vida con un amigo cuando se acerca a la muerte. Nos habla de opciones y del modo de decidir sobre ellas. A lo largo de nuestra existencia estamos obligados a elegir entre muchas alternativas. Cada una marca nuestro futuro. Cada determinación nos obliga a definirnos y escoger nos lleva a avanzar en nuestra evolución personal.

La vida es tan fácil como difícil, pero se convierte en muy complicada si nos engañamos a nosotros mismos. Las cosas podemos contarlas con mil verbos, pero el relato más válido es siempre el que realizas a tu manera. Los desafíos hay que resolverlos con nuestros propios medios. ‘My Way’, por tanto, es un culto a la personalidad. La ‘doctrina Sinatra’ exige ser también uno mismo cuando llega la hora de afrontar dificultades. ‘My way’ no deja de ser un ejercicio de autoayuda que apuesta por el valor de seguir un camino propio.

Y ahora el final está aquí,
y entonces enfrento el telón
mi amigo, lo diré sin rodeos,
hablaré de mi caso, del cual estoy seguro

He vivido una vida plena,
viajé por todos y cada uno de los caminos
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Arrepentimientos he tenido unos pocos
pero igualmente muy pocos como para mencionarlos
hice lo que debía hacer
y lo hice sin exenciones

Planeé cada programa de acción,
cada paso cuidadoso a lo largo del camino
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Sí, hubo oportunidades,
estoy seguro que lo sabían,
cuando mordí
más de lo que podía masticar

Pero al final,
cuando hubo duda,
me lo tragué todo y luego lo dije sin miedo
lo enfrenté todo y estuve orgulloso,
y lo hice a mi manera

He amado, he reído y llorado
tuve malas experiencias, me tocó perder
y ahora, que las lágrimas ceden,
lo encuentro tan divertido

Pensar que hice todo eso
y permítanme decir, sin timidez,
‘oh, no, oh, no, a mí no, yo sí lo hice a mi manera’

Pues, ¿qué es un hombre? ¿qué es lo que ha conseguido?
si no es a sí mismo, entonces no tiene nada
decir las cosas que realmente siente
y no las palabras de alguien que se arrodilla

Mi historia muestra que asumí los golpes
y lo hice a mi manera

Sí, fue a mi manera

VERSIONES

Sinatra canta ‘My Way’ como nadie, pero son muchos los que, sin éxito, han tratado de emularle. De hecho se dice que es una de las canciones más versionadas de la historia. Sin embargo, La Voz será muchas veces imitado, pero nunca igualado.

Justo parece empezar con la canción original francesa que inspiró el tema que analizamos. Recordemos que la interpretó CLAUDE FRANÇOIS en 1967, bajo el título ‘Comme d’abitude’.

También parece obligado incorporar la adaptación que hizo PAUL ANKA. El canadiense la grabó hasta tres veces: en 1996 haciendo dúo con Gabriel Byrne para la película ‘Mad Dog Time’, en 1998 junto a Julio Iglesias y en 2007 con Jon Bon Jovi.

Entre quienes interpretaron ‘My Way’ asimismo estuvo el gran ELVIS PRESLEY.

http://youtu.be/emSUMawB3Wo

La argentina ESTELA RAVAL, antigua voz de Los Cinco Latinos, asegura que fue la primera en grabar el tema en castellano en 1970. Lo tituló ‘A mi modo’.

Por último, veamos cómo ANDRÉS CALAMARO convirtió la canción en un reggae.

La lista de los que han interpretado la composición de François-Anka es interminable. He aquí algunos nombres: Radiohead, Ray Coniff, Celine Dion, Gipsy Kings, Tom Jones, Pearl Jam, Il Divo, Charles Aznavour, Ana Gabriel, Aretha Franklin, Arturo Sandoval, Barry Gibb, Bert Kaempfert, Banda Toro, Bethelem, Björn ‘Speed’ Strid, Bertín Osborne, Cacho Castaña, Carlos Torres Vila, César Costa, Cheo Feliciano, Christopher Lee, Cliff Richard, El noi del sucre, Florent Pagny, Franck Pourcel, Frankie Laine, Glen Campbell, Green Day, Greta Keller, Joan Baez, José Carreras, José José, Kalimba Marichal, Kanye West, Khaled, Los del Fuego, Los Panchos, Los Piratas, Luciano Pavarotti, María Marta Serra Lima, Manolo Muñoz, Michel Sardou, Mireille Mathieu, Mika Nakashima, Nana Mouskouri, Nina Hagen, Nina Simone, Northern Kings, Paska, Paul Potts, Pearl Jam, Plácido Domingo, Pocho La Pantera, Polysics, Raphael, Richard Clayderman, Robbie Williams, Sandro, Sex Pistols, Shane MacGowan, Shirley Bassey, Sid Vicious, Siempre Así, Simon Cowell, The Strokes, Tom Jones, True Symphonic Rockestra, Vicente Fernández…

El mundo de la PUBLICIDAD ha recurrido en numerosas ocasiones a ‘My Way’. Como ejemplo, este anuncio de un vehículo.

http://youtu.be/OrIRuWUTNuI

FRANCIS ALBERT SINATRA es, junto a Elvis Presley, el solista que más popularidad alcanzó a lo largo del siglo XX. Aunque lo mejor de su carrera lo ofreció en los años cuarenta y cincuenta, su trayectoria profesional se extendió hasta prácticamente su muerte, en 1998. Grabó más de 1.300 canciones y participó en medio centenar películas, además de recibir multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammy, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del Gobierno estadounidense. Como actor destacó por su gran actuación en la película ‘De aquí a la eternidad’, con la que obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto en 1953.

‘La Voz’ nació en 1915 en Hoboken, New Jersey, en el seno de una humilde familia de origen italiano. Inicialmente actuó como cantante de orquestas como las de Harry James y Tommy Dorsey, hasta que a finales de los treinta se convirtió ya en ídolo gracias a su voz melódica y los temas románticos que interpretaba. En los cuarenta comenzó a compaginar la música con el cine a través de un camino paralelo que prolongó hasta prácticamente su fallecimiento a causa de un ataque al corazón.

Durante su carrera lideró el célebre grupo de crápulas Rat Pack, formado por Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford, Shirley MacLaine, Angie Dickinson o Joey Bishop. Además fue colega de algunos de los mafiosos más célebres del momento.

Canciones como ‘My Way’, ‘Strangers in the Night’, ‘New York, New York’ o ‘I”ve got You under my Skin’ son reconocidas mundialmente y forman parte del acerbo cultural de todos los amantes de la música.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | One comment | Add to del.icio.us
Post tags: Ana Gabriel, Andrés Calamaro, Angie Dickinson, Aretha Franklin, Arturo Sandoval, Banda Toro, Barry Gibb, Bert Kaempfert, Bertín Osborne, Bethelem, Björn ‘Speed’ Strid, Cacho Castaña, Carlos Torres Vila, Celine Dion, César Costa, Charles Aznavour, Cheo Feliciano, Christopher Lee, Claude François, Cliff Richard, Dean Martin, El noi del sucre, Elvis Presley, Estela Raval, Florent Pagny, France Gall, Franck Pourcel, Frankie Laine, Gabriel Byrne, Gipsy Kings, Glen Campbell, Green Day, Greta Keller, Harry James, Il Divo, Joan Báez, Joey Bishop, Jon Bon Jovi, José Carreras, José José, Julio Iglesias, Kalimba Marichal, Kanye West, Khaled, Los Cinco Latinos, Los del Fuego, Los Panchos, Los Piratas, Luciano Pavarotti, Manolo Muñoz, María Marta Serra Lima, Michel Sardou, Mijaíl Gorbachov, Mika Nakashima, Mireille Mathieu, Nana Mouskouri, Nina Hagen, Nina Simone, Northern Kings, Pacto de Varsovia, Paska, Paul Anka, Paul Potts, Pearl Jam, Peter Lawford, Plácido Domingo, Pocho La Pantera, Polysics, Radiohead, Raphael, Ray Coniff, Richard Clayderman, Robbie Williams, Sammy Davis Jr., Sandro, Sex Pistols, Shane MacGowan, Shirley Bassey, Shirley MacLaine, Sid Vicious, Siempre Así, Simon Cowell, The Beatles, The Strokes, Tom Jones, Tommy Dorsey, True Symphonic Rockestra, Vicente Fernández

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Hablamos de una canción que conforma una simbiosis de sencillez, naturalidad, buen ritmo, innovación y personalidad. Partiendo de una primitiva base instrumental en la que Buddy Holly prescindió de sonidos habituales hasta aquel momento, como el viento y el propio piano, sustenta su esqueleto en guitarra, bajo y batería, los tres instrumentos básicos del rock.(...)
Read the rest of Buddy Holly – Words of love (Palabras de amor) (595 words)

Con un estilo híbrido entre el country y el rock, ‘Words of love’ es un tema plácido y tranquilo que concentra en menos de dos minutos todo el pop-rock que vino después, con preponderancia de las guitarras, una hermosa melodía y una base rítmica vibrante, elementos absolutamente novedosos por aquel entonces. La inocencia de su letra –un signo habitual en la música de los cincuenta– servía, sin embargo, para enamorar, algo que en la actualidad pocas obras consiguen.

Como anécdota hay que contar que esta canción inicialmente fue grabada por Buddy Holly para la discográfica Decca, que rechazó el material y acabó vendiéndolo a Coral, que sí la publicó. En un principio no fue un éxito, aunque con el paso del tiempo ha sido considerada como una de las mejores composiciones del malogrado cantautor estadounidense, imprescindible en sus recopilaciones.

Ponme cerca y dime cómo te sientes
dime que el amor es real
susurras palabras de amor suave y sinceramente
querida te amo

Déjame oírte decir las palabras que quiero escuchar
querida, cuando estás cerca
susurras palabras de amor suave y sinceramente
querida te amo

VERSIONES

THE BEATLES tenían idolatrado a Buddy Holly. Era su becerro de oro. Publicaron una versión de ‘Words of love’ para su disco ‘Beatles for sale’, de 1964. Trataron de imitar al máximo la interpretación del estadounidense.

PAUL MACCARTNEY compró los derechos de todas las canciones Holly. En 1985 firmó su propia revisión del tema que hoy analizamos.

http://youtu.be/ZRAv-7P0YKo

El cuartero canadiense THE DIAMONDS convirtió ‘Words of love’ en ‘Little darlin’, un año después de la publicación del original.

La veterana PATTY SMITH dio una muestra de su saber hacer las cosas al migrar la balada hacia una obra de arte con voz rasposa que se incluyó en un disco de tributo al artista de las gafas de pasta.

Más actual es la interpretación del argentino VALENTÍN PIÙ.

En castellano LOS SILVERTONS, de Perú, cantaron ‘Palabras de amor’.

En español también interpretaron esta obra Los 007, de Venezuela, la mexicana Angélica María y sus compatriotas Los Hermanos Carrión y Los Summers.

Sin BUDDY HOLLY las cosas habrían sido muy distintas. Fue un pionero enfundado en sus gafas de intelectual, modelador del rock and roll y de su espíritu, y uno de los innovadores que más aportó en los cincuenta, tanto en la concepción de los arreglos como en el uso de los instrumentos. Protagonizó una evolución que luego otros adoptaron, ya en los sesenta.

Sus inventos en materia de grabación y en la estructuración de su grupo –con sólo guitarras y batería–, le colocan entre los auténticos impulsores del rock y el más claro innovador blanco de su tiempo.

Su estilo con las cuerdas fue imitado por la mayoría de los conjuntos beat de ambos lados del Atlántico, empezando por The Beatles, como hemos señalado más arriba. Su muerte el 3 de febrero de 1959 en una accidente de aviación durante una de sus giras, cuando sólo contaba con 22 años, le convirtió en la primera víctimas de un largo proceso de los fallecimientos prematuros que ha marcado la historia del rock. Una leyenda caída mientras estaba en la cumbre.

Su progresión se frenó cerca de Fargo, en Dakota del Norte. Las ideas musicales encerradas en su mente murieron con él aquel día en que su aeroplano se estrelló. Corrió demasiado impulsado por el espíritu del rock and roll que le impregnaba. El sueño de la razón genera monstruos y principios que pocas veces acaban bien. De su mente, por contra, brotó rock del mejor.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Angélica María, Coral, Decca, Los 007, Los Hermanos Carrión, Los Silvertons, Los Summers, Patty Smith, Paul McCartney, The Beatles, The Diamonds, Valentín Piú

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

La música de America siempre fue muy estadounidense, comparable a la de Kansas o Eagles. Quizá por eso su lanzamiento en Europa pasó casi desapercibido. Por contra, al otro lado del Atlántico, pese a que fue vetada por algunas emisoras de radio por sus supuestas referencias al consumo de drogas, esta canción llegó al número uno y obtuvo el disco de platino al ser el single más vendido de 1972.

Sin duda fue un disco sublime que llenó los bolsillos de America –también hoy sus derechos suponen ingresos muy importantes– y que le colocó al frente del rock originario de la costa oeste gracias a su estilo depurado basado en guitarras acústicas que recuerdan mucho a Crosby, Stills, Nash & Young.

‘A horse with no name’ nos narra un viaje al desierto para hallar orígenes, pasado y raíces. Todo un ritual místico-surrealista escrito por Dewey Bunnell para describir el vuelco hacia nosotros mismos que en alguna ocasión todos nos hemos visto obligados a realizar cuando nos sentimos un caballo sin nombre que no sabe hacia donde caminar. Nadie nos comprende en esos momentos y somos nosotros mismos los que tenemos que encontrar el camino pese a que nos sintamos solos en el mundo.

Metafóricamente hace alusión al éxodo del pueblo comanche y realmente podría ser también una introducción en el ácido. Al parecer la inspiración llegó de un viaje que Bunnell realizó para visitar a sus familiares de Arizona, donde el mismo desierto que cabalgó John Wayne le dejó maravillado.

Ambiente bucólico y hechizante, y voces puras sumaron el mayor logro de la historia del conjunto, jamás superado por otras obras futuras, también de gran calidad pero carentes de la magia de ‘ A horse with no name’. Al oírla todos cabalgamos sin rumbo determinado, buscando la felicidad perdida.

Al principio del viaje, admiraba toda la vida
Había plantas, pájaros, rocas y cosas
había arena, colinas y anillos
lo primero que hallé fue el zumbido de una mosca
y el cielo sin nubes
el calor era insoportable y el suelo estaba seco
pero el aire estaba lleno de sonidos

He atravesado el desierto en un caballo sin nombre
se estaba bien fuera de la lluvia
en el desierto puedes recordar tu nombre
porque no hay nadie que te cause dolor

Tras dos días bajo el sol del desierto
mi piel comenzó a ponerse roja
tras tres días bajo la diversión del desierto
vi el cauce de un río
y la historia habló de un río que corría
entristecí al creer que estaba muerto

Entiende, fui al desierto en un caballo sin nombre
se estaba bien fuera de la lluvia
en el desierto puedes recordar tu nombre
porque no hay nadie que te cause dolor

Tras nueve días, dejé al caballo correr libre
porque el desierto se convirtió en mar
había plantas, aves, rocas y cosas
había arena, colinas y anillos
el desierto es un océano con vida bajo él
y un perfecto disfraz encima
bajo las ciudades, hay un corazón de tierra
al que el hombre no mostrará amor

Entiende, fui al desierto en un caballo sin nombre
se estaba bien fuera de la lluvia
en el desierto puedes recordar tu nombre
porque no hay nadie que te cause dolor

VERSIONES

La banda danesa de rock DAD (DISNEYLAND AFTER DARK) grabó una revisión en 1987.

http://youtu.be/x91cfcxPKaE

El cantante electrónico austriaco FLORIAN NORWATH también realizó una incursión sobre ‘Un caballo sin nombre’.

JAMES BLUNT asimismo la cantó en un concierto que ofreció en Francia.

GRIMBERG lo incorporó en su repertorio años más tarde.

AMERICA nació en Gran Bretaña pero puede ser considerado un grupo angloestadounidense, ya que dos de sus componentes originarios –Gerry Beckley y Dan Peek– eran norteamericanos, hijos de militares destinados en bases de las Fuerzas Aéreas del Pentágono en Inglaterra. Dewey Bunnell era el único aborigen de las islas.

Se juntaron en el colegio en 1967 bajo el nombre inicial de Daze of London, pero finalmente optaron por América, que erróneamente se atribuye a la nación de la que provenía dos de ellos cuando realmente hacía referencia a una máquina de discos de aquella época.

Bajo la dirección de George Martin, el famoso productor de The Beatles, pronto se convirtieron en teloneros de bandas como Pink Floyd, The Who o de Elton John, y se hicieron con un contrato que le permitió debutar discográficamente en 1971 con el éxito que ‘A horse with no name’.

Sus siguientes trabajos, pese a no reducir la calidad, ya no alcanzaron la fama del primer disco. En 1977 se convirtieron en un dúo tras el abandono de Dan Peek para abrazar la fe cristiana e intentaron abordar nuevos sonidos, pero sólo lo consiguieron parcialmente.

Su repercusión decayó aunque puntualmente sacaban nuevos discos con los que sólo lograban atraer a sus viejos y fieles seguidores.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | 43 comments | Add to del.icio.us
Post tags: Arizona, Crosby, DAD (Disneyland After Dark), Dan Peek, Dewey Bunnell, Eagles, Elton John, Florian Horwath, George Martin, Gerry Beckley, Gran Bretaña, Grimberg, Inglaterra, James Blunt, Kansas, Nash & Young, Pink Floyd, Stills, The Beatles, The Who

Feed enhanced by Better Feed from Ozh