Fueron los resúmenes de la Vuelta Ciclista de 1981 los que, del 21 de abril al 10 de mayo y a lo largo de los 3.446 kilómetros que unieron Santander y Madrid tras recorrer gran parte de la península, nos descubrieron en España este experimento. Como sintonía, Stars on 45 presentó un resumen de los principales éxitos de The Beatles, enganchados por un ‘vínculo’ obra del productor Jaap Eggermont. El resultado constituyó todo un éxito. Sin duda fue el tema del año en nuestro país.

Lo mismo ocurrió en el resto de Europa y en la mayor parte del mundo, incluido el exigente mercado estadounidense, que premió este innovador concepto musical con el número uno de la todopoderosa revista musical ‘Billboard’ en junio del mismo año. Arrebató la cima del hit parade a ‘Bette Davis eyes’, de Kim Carnes, que ya ha pasado por este blog.

La acogida de Stars on 45 al otro lado del Atlántico fue tal que incluso el Huntington Hartford Theater de Hollywood acogió un show del grupo, editado en vídeo por MCA Home en 1983.

La industria discográfica de Reino Unido asimismo premió el proyecto con los galardones al mejor álbum de música disco, al mejor single y al mejor productor revelación.

Sin solución de continuidad Stars on 45 versionó obras del inigualable cuarteto de Liverpool como ‘No Reply’, ‘I’ll Be Back’, ‘Drive My Car’, ‘Do You Want to Know a Secret’, ‘We Can Work It Out’, ‘I Should Have Known Better’, ‘Nowhere Man’, ‘You’re Going to Lose That Girl’ (hasta aquí la versión single), ‘Ticket to Ride’, ‘The Word’, ‘Eleanor Rigby’, ‘Every Little Thing’, ‘And Your Bird Can Sing’, ‘Get Back’, ‘Eight Days a Week’, ‘It Won’t Be Long’, ‘Day Tripper’, ‘Wait’, ‘Good Day Sunshine’, ‘My Sweet Lord’, ‘Here Comes the Sun’, ‘While My Guitar Gently Weeps’, ‘Taxman’, ‘A Hard Day’s Night’, ‘Things We Said Today’, ‘If I Fell’, ‘You Can’t Do That’, ‘Please Please Me’, ‘From Me to You’ o ‘I Want to Hold Your Hand’ (ya en el LP y el maxi).

La interpretación a cargo de siete músicos y cantantes de estudio de los Países Bajos, con voces muy similares a las originales, se redondeó gracias a una tecnología digital en su máximo esplendor. La mezcla fue perfecta. Hasta el punto de que gracias a Stars on 45 muchas canciones de The Beatles volvieron a las listas de éxitos musicales de Estados Unidos y Reino Unido. Y hasta la discográfica de los genios de Liverpool realizó su propia mezcla de éxitos en 1982, con el título «The Beatles Movie Medley».

Todo comenzó cuando Willem van Kooten, director gerente de la discográfica Red Bullet Production, descubrió un maxisingle pirata llamado ‘Let’s Do It In the 60’s’, que se constituía en torno a un poutpourri con canciones de The Beatles, The Buggles, The Archies, Madness… Entre ellos estaba el tema ‘Venus’, del grupo local The Shocking Blue, cuyos derechos pertenecían al empresario, aunque no cobraba ningún royalti por él.

Van Kooten contactó con Eggermont, que había tocado la batería en el grupo Golden Earring, para intentar repetir aquel mosaico musical, ya de forma legal y profesional para la discográfica CNR. El secreto era configurar una obra fácil de bailar y de éxito seguro porque incluía temas atemporales que todos conocíamos.

Como curiosidad hay que destacar que el título legal de aquel primer single fue “Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I’ll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You’re Going to Lose That Girl / Stars on 45”. La normativa obligada a citar todas las canciones que se mezclaban y ello hizo que Stars on 45 firmara el vinilo de 45 revoluciones con el título más largo de la historia que alcanzara el número uno mundial.

De cualquier manera, como en este mundo todo parece inventado ya, hay quien encuentra un precedente a este género musical en el cantante francés LAURENT VOULZY, quien un verano de los años sesenta logró rentabilizar un tema que decía “y Bob Dylan cantaba”, para continuar versionando trozos de los principales hits del cantautor norteamericano. Igual fórmula utilizó, más tarde inspirándose en The Beatles. Tituló el invento ‘Rockollection’.

El conjunto CAFÉ CRÈME también mezcló a The Beatles, aunque sin claps y dando un toque personal a los temas. Este producto nació con el título ‘Unlimited Citations (non-stop beatles disco medley)’.

Tras la estela de Stars on 45 surgieron nuevos intentos de rentabilizar una fórmula que se demostró exitosas. Algunos de ellos fueron:

JIVE BUNNY & THE MASTER MIXERS, con ‘Hit Mix’.

THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA, con sus Hooked on Classics.

Lo mismo hizo LARRY ELGART Y SU MANHATTAN SWING ORCHESTRA, pero con música swing.

En España Luis Eduardo Aute intentó experimentar asimismo con retales de canciones de rock clásicas. Entre las elegidas estaba ‘Love me tender’ de Elvis Presley, pero la familia del rey del rock se negó a versiones de trozos.

Más suerte tuvo el saxofonista y director de orquesta LUIS COBOS, que supo rentabilizar mezclas de clásicos, zarzuela o corridos mejicanos.

Todos los cantantes de STARS ON 45 procedían de los Países Bajos. Bas Muys imitó a John Lennon, Hans Vermeulen a Paul McCartney y Okkie Huysdens a George Harrison. En el proyecto también participaron Albert West, Arnie Treffers, Jody Pijper, Peter Vermeij y Tony Sherman.

Se dieron a conocer con el medley del mítico cuarteto británico, que les permitió editar sus dos primeros singles y la cara A del álbum de debut ‘Stars on Long Play’.

Después de estos primeros éxitos, bajo la dirección de Jaap Eggermont lanzaron al mercado nuevas ediciones monográficas con temas de Abba ‘Stars on Long Play II’ (número 2 en Reino Unido), de la Motown (número 55 en Estados Unidos), The Rolling Stones, Sam and Dave y James Brown. Ediciones europeas incluyeron “Stars on Frankie” como homenaje a Sinatra.

Una secuela femenina de Stars on 45 fue el grupo The Star Sisters, que cantaba temas de los 40 y se hizo famoso en Europa con el éxito del single ‘Andrews Sisters Medley’y el álbum ‘Stars on 45 Presents The Star Sisters’.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Abba, Albert West, Arnie Treffers, Bas Muys, Billboard, Café Crèm, George Harrison, Golden Earring, Hans Vermeulen, Hollywood, Huntington Hartford Theater, Jaap Eggermont, James Brown, Jive Bunny & The Master Mixers, Jody Pijper, John Lennon, Kim Carnes, Larry Elgart y su Manhattan Swing Orchestra, Laurent Voulzy, Luis Cobos, Madness, MCA, Okkie Huysdens, Paul McCartney, Peter Vermeij, Red Bullet Production, Sam and Dave, sinatra, Spargo, Stevie Wonder, The Archies, The Art Company, The Beatles, The Buggles, The Rolling Stones, The Royal Philharmonic Orchestra, The Shocking Blue, Tony Sherman, Willem van Kooten

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Bill Dees, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Elvis Presley, Garry Marshall, George Harrison, Grammy, Jeff Lynne, Jim Keltner, John Fogerty, Julia Roberts, Monument Records, Nashville, Richard Gere, Tennesse, The Beatles, The Traveling Wilburys, Tom Petty, Van Halen

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’–o simplemente, ‘Rock ‘n’ roll radio’– constituye un homenaje al sonido de los años cincuenta, década en la que Spector asentó su popularidad. El productor obtuvo absoluta libertad para alterar la dinámica en la que se movían hasta entonces Ramones. Para ello añadió instrumentos ajenos al universo de los neoyorquinos como el saxofón, la trompeta o el piano, que supieron convivir con la guitarra, la batería y el bajo, tradicionales armas del cuarteto.(...)
Read the rest of Ramones – Do you remember rock ‘n’ roll radio? (¿Te acuerdas de las radios rock?) (1,396 words)

Spector también convenció a la ‘familia Ramone’ para que abandonara su natural tendencia a los temas de tres acordes y una melodía, para apostar por una composición más compleja, sustentada sobre un arquetipo que recordaba al estilo de mediados del siglo pasado, siempre sin olvidar el uso del muro de sonido que le hizo famoso. También apostó por una frivolité, al introducir en la apertura y el cierre del tema una grabación de una emisora de rock ‘n’ roll de aquella época.

Los Ramones recurrieron a Spector en un claro intento –muy criticado por sus seguidores primitivos–, aunque nunca confesado, de alcanzar el éxito comercial que se les había negado hasta entonces. Siempre fue un grupo admirado, pero pocas veces, hasta crear la canción que hoy analizamos, logró un sitio destacado en las listas de discos más vendidos. El desgaste causado por los conciertos y los muchos kilómetros de carretera recorridos para satisfacer en directo a sus fieles les llevó a claudicar y a cambiar de planes.

El objetivo se consiguió y ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ se erigió en uno de los temas franquicia de los Ramones, gracias, tal vez, a esa batería inicial que da pie al aplastante ritmo que preside sus casi cuatro minutos de duración.

Pero en el camino hacia el apoyo de la masa hubo que soportar largas sesiones de estudio que evidenciaron las distancias entre banda y productor. Las repetidas grabaciones que ordenaba Spector hasta que se conseguía el sonido que perseguía acabaron por desesperar a los miembros de la banda. Aún se recuerda en los estudios cómo Spector –cuya estabilidad psicológica siempre ha sido cuestionada– tenía la costumbre de colocar su pistola sobre la mesa de mezclas.

El experimento –y sus protagonistas– lograron sobrevivir a aquel clima. Ninguna víctima quedó por el sendero. Sin embargo, según algunas versiones, se rozó la tragedia. Dícese que tras una de las sesiones de grabación, Spector convocó a Joey Ramone, líder del cuarteto, para debatir. El encuentro se alargó sobremanera porque el productor no quería darlo por finalizado hasta que se alcanzara un acuerdo. Para ello, esgrimió su arma cada vez que el rockero intentaba marcharse. «Tú te quedas aquí y no vas a ninguna parte o te pego un tiro», aseguran que fue su frase literal.

De cualquier manera, la repercusión del tema fue tal que incluso ha generado un profuso anecdotario. Por ejemplo, en 2005 comenzó a emitirse un programa de radio llamado ‘Rock ‘n’ roll radio’ en una radioemisora de Connecticut y en los partidos de nuestro Alavés se pincha esta canción para celebrar los goles del equipo de Vitoria.

La letra de ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ es una declaración de intenciones sobre la conveniencia de volver a las raíces del rock. Explica, además, las bases de la filosofía que regó el crecimiento de Ramones, evidenciando por qué optaron por labrar un estilo musical de rock primitivo, confesando que su devenir tuvo mucho que ver con las influencias que recibieron durante su juventud de artistas como John Lennon, Jerry Lee Lewis, T. Rex o The Barbarians, así como de conocidos programas de radio y televisión.

En el videoclip promocional se puede observar a los Ramones viendo una actuación propia, que no debe gustarles porque Johnny Ramone acaba por estrellar su guitarra contra el televisor. Esta secuencia fue utilizada por la cadena musical MTV para la promoción.

¿Te acuerdas de las radios de rock’n’roll?
Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Te acuerdas de ‘Hullabaloo’? (show televisivo
estadounidense de los años 60)
¿también de ‘Upbeat’ (emisora de radio famosa en los 70),
‘Shinding’ (show de los años 70) y de
Ed Sullivan (famoso presentador estadounidense)?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’roll?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’ roll?

¿Te acuerdas de Murray K (presentador experto en rock),
Alan Freed (histórico presentador de radio musical) y de high energy (estilo musical)?
Es el fin, el fin de los años 70
Es el fin, el fin del siglo
¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con la radio escondida de manera
que nadie pudiera verla

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Recordarás a Jerry Lee Lewis,
John Lennon, T. Rex y Old Moulty?
es el fin, el fin de los 70’s
es el fin, el fin del siglo

¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con el radio prendido de manera que nadie pudiera ver

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

Ésta es la radio del rock and roll
manténganse sintonizado para más rock and roll

VERSIONES

Otro grupo de los duros, KISS, realizó un cóver excepcional para el álbum homenaje de los Ramones ‘We’re a happy family: a tribute to The Ramones’.

JESSE MALIN Y BRUCE SPRINGSTEEN también sucumbieron ante ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ durante una actuación benéfica de 2014.

El grupo de Melbourne PAINTERS AND DOCKERS incorporó este tema a las actuaciones que realizaba en directo en los ochenta. Alteró la letra para hacer referencia a emisoras y presentadores australianos.

Curiosa la interpretación que ofreció la ORQUESTA SINFÓNICA DE SAO PAULO.

Durante una de sus giras GREEN DAY utilizó ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ para iniciar sus conciertos.

En el mundo del cine esta canción también ha sido repetidamente utilizada, sobre todo en las que películas recrean los años cincuenta.

Joey Ramone (Jeffrey Hyman), Dee Dee Ramone (Douglas Calvin), Johnny Ramone (John Cummings) y Tommy Ramone (Tom Endelvi) –luego reemplazado por Marky Ramone (Mark Bel)– crearon RAMONES en 1974 en Forest Hill, pequeña localidad neoyorquina famosa por su torneo de tenis. El nombre que eligieron para bautizar a la banda constituyó un homenaje a The Beatles, porque Phil Ramone fue el nombre que utilizó Paul McCartney cuando formó parte del mítico cuerteto de Liverpool para viajar de incógnito y eludir a prensa y fans en los hoteles.

Nacieron enfundados en una imagen de rockeros primitivos –chaquetas de cuero, tejanos y zapatillas– que han mantenido a lo largo de toda una trayectoria basada en canciones veloces de poco más de dos minutos de duración, un sonido desgarrador y letras sencillas.

Apenas dos años después de aquel concierto de debut que protagonizaron en una sala de Manhattan ante escasamente treinta espectadores y con un repertorio de versiones de canciones de los cincuenta, se erigieron como la mayor aportación del punk-rock americano. Poco a poco, vinilo a vinilo, fueron creando clásicos del minimalismo que cosecharon un reconocimiento mundial.

Temas como ‘Now I wanna sniff some glue’, ‘Blitzkrieg bap’ o ‘Sheena is a punk rocker’ consitituyeron lecciones de cultura urbana, sobre todo en los directos que abrían con el grito de guerra ‘gabba, gabba, hey’.

Pero la decadencia del punk a finales de la década de los setenta les obligó a buscar un nuevo rumbo. Para trazarlo apostaron por Phil Spector, que consiguió elevar a Ramones a los puestos altos de las listas.

Desde entonces mantuvieron una trayectoria uniforme, sin grandes éxitos pero con una legión de fans, a los que vincularon mediante álbumes que siempre mantenían un nivel rudo y uniforme. Sin embargo, desavenencias entre sus miembros y problemas de salud llevaron a la disolución del grupo en 1996. De hecho, en los siguientes años fallecieron tres de los miembros de la banda tras una vida de excesos. Hoy son una leyenda inmortal.

Aún así, todavía mantienen su reinado. Sus camisetas son tan famosas como su música, aunque muchos de los jóvenes que las lucen no conozcan la obra de los Ramones o incluso piensen que se trata de una marca de ropa. Vendieron miles de discos, pero sus prenden se distribuyen por millones.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Alan Freed, Bruce Springsteen, Dee Dee Ramone, Douglas Calvin, Ed Sullivan, Forest Hill, George Harrison, Green Day, Ike and Tina Turner, Jeffrey Hyman, Jerry Lee Lewis, Jesse Malin, Joey Ramone, John Cummings, John Lennon, Johnny Ramone, Kiss, Liverpool, Mark Bel, Marky Ramone, Melbourne, Murray K, Old Moulty, Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, Painters and Dockers, Paul McCartney, Phil Spector, T. Rex, The Barbarians, The Beatles, The Crystals, The Righteous Brothers, The Ronettes, Tom Endelvi, Tommy Ramone

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

La británica utilizó su voz fantástica, semirota y muy personal para contarnos una historia de engaños y mentiras dentro de una pareja. Es igual que el protagonista del amor roto fuera hombre o mujer. No importa el género del traicionado. Duele igual cuando se ha dado todo y te fracturan el corazón.

Un mensaje que San Brown sustentó sobre un gran acompañamiento musical e interpretó con una garganta dolida y enrabiada, con convencimiento cercano al dramatismo. La canción transita a través de una vereda ornamentada con un preludio de cuerdas de los violines, una tranquila batería y un piano soul apenas perceptible pero constante. A la postre, un conjunto tan simple como efectista que derivó en una obra elegante, de sensibilidad extrema, resolutiva, universal…(...)
Read the rest of Sam Brown – Stop (Para) (654 words)

Una fórmula que resultó entonces y que mantiene su magia ahora, más de dos décadas después, cuando la rubia intérprete aún sigue emocionando cuando pide clemencia: «Será mejor que pares». ‘Stop’ nació en 1988, pero aún sigue creciendo, porque se mantiene viva. Lo demuestra cada vez que la volvemos a escuchar, cada vez que hace que nuestra imaginación vuele, cada vez que se convierte en banda sonora de nuestras existencias.

Producida por Pete Brown y ella misma para la multinacional A&M Records, ‘Stop’ contó con la participación de cuarenta cuarenta músicos, entre los que destacaban el exPink Floyd David Gilmour, Jon Lord o Fish (exMarillion). Cuando salió al mercado no obtuvo excesiva repercusión, pero un año más tarde si logró encaramarse a puestos altos de las listas de singles británicas, en las que permaneció doce semanas.

Todo lo que tengo es todo lo que me has dado
¿nunca te preocupó que llegara a depender de ti?
te di todo el amor que había en mí

Ahora me encuentro que has mentido
y no puedo creer que esto sea verdad…
Envuelta en sus brazos os veo cruzar la calle
y no puedo evitarlo, pero me pregunto
si ella sabe lo que está pasando…

Tú hablas de amor pero no sabes lo que se siente
cuando te das cuenta que no eres la única…
Hubiera sido mejor que pararas
antes de que me destrozaras completamente
hubiera sido mejor que pararas antes
de que vinieras a romperme el corazón
hubiera sido mejor que pararas…

Una y otra vez, he intentado alejarme,
pero no es tan sencillo cuando tienes
tu alma atormentada en dos,
así que sencillamente me resigno a esto cada día,
ahora todo lo que puedo hacer es dejarte a ti la elección

Hubiera sido mejor que pararas
antes de que me destrozaras completamente
hubiera sido mejor que pararas antes
de que vinieras a romperme el corazón
hubiera sido mejor que pararas…

Para si me quieres,
ahora es el momento de disculparse,
no me creeré que me abandonarás

Hubiera sido mejor que pararas antes
de que me destrozaras completamente
hubiera sido mejor que pararas antes
de que vinieras a romperme el corazón
hubiera sido mejor que pararas…

VERSIONES
La también cantante británica JAMELIA realizó en 2004 una nueva interpretación pop para la banda sonora de la película ‘Bridget Jones’.

El cantante de blues JOE BONMASSA llevó a cabo una revisión de casi siete minutos en 2009.

La noruega ANE BRUN firmó un dúo con LIV MIDELL en 2005.

La vocalista indie islandesa HAFDIS HULD también cantó este tema, en 2008.

La vietnamita MY TAM interpretó otro cover en 2010.

SAM BROWN y su privilegiada voz se han paseado por el pop, el soul, el rock, el blues o el gospel sin complejos a lo largo de una carrera basada tanto en su trabajo personal como en las colaboraciones con importantes nombres del rock. De hecho, comenzó haciendo coros para Small Faces, con sólo 12 años. Gracias a sus muchos registros y un timbre muy soul, a los 20 había prestado ya su voz para discos de Steve Marriott, Sade, George Harrison, Spandau Ballet, Barclay James Harvest, Adam Ant, Dexys Midnight Runners, Roger Champan, Jimmy Page o Paul Rodgers.

Samantha (Stratford, 1964) es hija del rockero Joe Brown y de la cantante de música clásica Vicky Brown, lo que le aportó los genes necesarios para encarnar la gran artista que anida en su ser. Pero eso no le posibilitó que su trayectoria hasta el éxito fuera una senda florida. De hecho, hasta ‘Stop’ no consiguió enfocar una vida musical en solitario.

A la vera de esa aureola, jamás repetida en la misma proporción, Sam Brown publicó varios discos más, siempre con referencia al cuidado de la calidad y de sus selectos seguidores.

Posteriormente se retiró durante un tiempo para formar familia, aunque volvió con un estilo más personal e intimista, hasta oscuro. Ahora camina alejada de los circuitos comerciales.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: A&M Records, Adam Ant, Barclay James Harvest, David Gilmour, Dexys Midnight Runners, Fish, George Harrison, Hafdís Huld, Jamelia, Jimmy Page, Joe Bonamassa, Joe Brown, Jon Lord, Marillion, My Tâm, Paul Rodgers, Pete Brown, Pink Floyd, Roger Champan, Sade, Small Faces, Spandau Ballet, Steve Marriott, Stratford, Vicky Brown

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

A Harrison su compañía discográfica le había solicitado una canción sin demasiadas pretenciones para que ocupara la cara B de un single que quería promocionar. El tercer beatle aprovechó una cena con Lynne –su productor– y Orbison para hablar del tema y sus dos comensales ofrecieron su ayuda para solventar la urgencia.

Contactaron con Dylan para que les prestara su estudio de Santa Mónica (California) y éste se presentó acompañado por Tom Petty, quien quería entregar a Harrison una guitarra que le había prestado. El quinteto ya estaba constituido y nació ‘Handle with care’.

El resultado gustó tanto a la discográfica que optó por no desperdiciar el tema en el lado oculto de un single y acabó por convencer a todos para que integraron un grupo para grabar un disco entero que estaría encabezado por ‘Handle with care’.

George, Jeff, Roy, Tom y Bob prefirieron abordar el proyecto amparados en el anonimato y en el disco aparecen con nuevas identidades: las de los hijos del personaje ficticio Charles Truscott Wilbury. Así Harrison fue rebautizado como Nelson Wilbury, Petty como Charlie T. Wilbury Jr., Lynne como Otis Wilbury, Dylan como Lucky Wilbury y Orbison como Lefty Wilbury. Juntos conformaban The Traveling Wilburys. A su lado tocaría la batería Jim Keltner, convertido en Buster Sidebury.

‘Handle with care’ constituyó un éxito inmediato y se mantuvo durante casi un año en las listas de popularidad de Estados Unidos, vendió dos millones de ejemplares y ganó varios premios incluyendo un Grammy. Pero su parto no fue tan fácil. Con la melodía dieron pronto, pero la letra costó más. «Andaba por el garaje de Dylan con un trozo de papel y un lápiz intentando pensar en algo cuando detrás de la puerta vi una gran caja de cartón que decía ‘Handle with care’. Ya teníamos el título. El resto salió solo», explicó años más tarde Harrison.

Armónicamente ‘Handle with care’ tiene ritmo country, suena también a folk por el uso de la guitarras, y su energía y potencia asimismo permiten que pueda ser considerada rockabilly. Los coros asemejan conversaciones, con eco en la voz principal.

En cuanto al contenido de la canción poco hay que decir porque su letra es diáfana. Nos refleja un sentimiento universal que vive el ser humano cuando se hace mayor y se enfrenta a nuevas relaciones tanto humanas como amorosas. Has vivido tanto y te han engañado tantas veces que tienes que andar con mucho ojo. Porque las heridas ya tardan mucho más en curar y evitas en todo momento que te rompan el corazón una vez más.

Trátame con cuidado
Me han dado una paliza y me han arrollado
Me han tirado y me han disparado
Eres lo mejor que he encontrado en mi vida

Trátame con cuidado
Reputación variable
Situaciones tolerables
Cariño, eres adorable

Trátame con cuidado
Estoy tan cansado de estar solo
Todavía tengo algo de amor para dar
¿Me demostrarás que realmente te importa?

Todo el mundo tiene a alguien de quien depende
Acerca tu cuerpo al mío y sueña
He sido engañado y tomado por tonto
He sido robado y ridiculizado
En centros de acogida de día y escuelas nocturnas
Trátame con cuidado

He estado retenido en aeropuertos, aterrorizado
Enviado a reuniones, hipnotizado
Sobreexpuesto, comercializado
Trátame con cuidado

He estado atado, y me he sentido confuso
Pero lo superaré por mí mismo, supongo
Oh, el dulce aroma del éxito
Trátame con cuidado

VERSIONES

Tom Petty y Jeff Lynne cantaron ‘Handle with care’ en un concierto en HOMENAJE A GEORGE HARRISON que tuvo lugar en el Royal Albert Hall de Londres en 2002.

La banda danesa HOBO-EKSPRESEEN firmó en 1989 una recuperación del tema que tituló ‘En at bli’ som’.

En 2005 el grupo JENNY LEWIS AND THE WATSON TWINS amoldó también ‘Handle with care’.

THE TRAVELING WILBURYS estaba considerado el supergrupo por antonomasia y quien así lo estimaba andaba cargado de toda la razón. Una reunión de genios de este nivel no puede ser calificada de otra forma. George Harrison, Roy Orbison, Tom Petty, Bob Dylan y Jeff Lynne personificaron un corto e irrepetible momento de la historia de la música pop-rock a la que no pusieron fin los egos, como ocurre en la mayoría de los casos, sino la muerte.

Comenzaron su andadura en 1988 con el disco ‘The Traveling Wilburys, Vol. 1’, grabado en diez días –a cadencia de canción por jornada– porque ése era el tiempo de que disponía Dylan antes de partir de gira. Surgieron una decena de obras maestras que simplemente hablan de la vida. El éxito fue inmediato y rotundo gracias a temas como el mencionado ‘Handle with care’, ‘End of the line’ o ‘Not alone anymore’.

Desgraciadamente dos semanas después del lanzamiento del LP, el corazón de Orbison dijo basta, pero la ‘pandilla de capos’ superó la pérdida y en 1990 grabaron ‘The Traveling Wilburys, Vol. 3’, también dotado de mucho talento en canciones como ‘She’s my baby’ o ‘Wilbury twist’.

El ya cuarteto no volvió a los estudios, aunque tiempo después aparecieron grabaciones piratas con demos, otras versiones y rarezas que tuvieron por título ‘Volume 2’ y ‘Volume 4’. Cualquier posibilidad de reunión se abortó en 2001, cuando George Harrison también falleció a causa de un cáncer de pulmón.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | 48 comments | Add to del.icio.us
Post tags: Bob Dylan, California, Cruyff, George Harrison, Grammy, Hobo-Ekspressen, Jeff Lynne, Jenny Lewis and The Watson Twins, Jim Keltner, Londres, Maradona, Messi, Pelé, Roy Orbison, Royal Albert Hall, Santa Mónica, Tom Petty, Zidane

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Pero lo cierto es que fue una canción que rompió sus moldes, consiguiendo el apoyo del público en 1981, año en el que escaló a los lugares más elevados de las listas de éxitos mundiales. De hecho constituyó su single más vendido. Nos quiso representar una llegada desde el futuro gracias a una máquina del tiempo para darnos un concierto de música clásica interpretado por una banda de rock and roll de los años cincuenta.

El tema fue apoyado por un videoclip que innovó desde su primera escena gracias a un presupuesto estratosférico a pesar de que fue filmado parcialmente en blanco y negro, a imagen de las viejas películas de Hollywood.

El mensaje por contra era de lo más terrenal, de lo más humano. El grupo británico nos invitaba a agarrarnos a nuestros sueños cuando la realidad nos traicionaba. A aferrarnos a ellos cuando vemos partir el barco del amor sin que nosotros estemos a bordo. A confiar en ellos cuando nuestro corazón está roto. A soñar mientras el tiempo transcurre y aparece un nuevo hombro sobre el que llorar.

Como curiosidad cabe señalar que en su letra, lógicamente escrita en inglés, se incluyó un verso en francés, que básicamente venía a repetir el primero de la canción. Con el experimento lograron una de sus mejores canciones. Lo mejor de la ELO llegó en su mejor momento.

Hmm …. agárrate fuerte a tus sueños 
Sí … agárrate fuerte a tus sueños 
Cuando ves que el barco parte
Cuando sientas que tu corazón se está rompiendo 
Agárrate fuerte .. oh .. a tus sueños 

Hmm …. es ya mucho tiempo desde que se ha ido 
El tiempo pasa y pasa
Cuando necesites un hombro para llorar 
Cuando estés harto de tratar de remontar
Agárrate fuerte a tus sueños 

Cuando estés tan deprimido que no puedas levantarte
Y cuando quieras tanto, pero no tengas suerte
Cuando te sientas rechazado y nadie te entiende
Mi sueño más grande es no defraudarte
Una y otra vez puedes

Accroches-toi un reve tonelada 
Accroches-toi un reve tonelada 
Quand tu vois ton bateau Partir 
Quand tu senta ton coeur sí briser 
Accroches-toi un reve tonelada 

Cuando estés tan deprimido que no puedas levantarte
Y cuando quieras tanto, pero no tengas suerte
Cuando te sientas rechazado y nadie te entiende
Mi sueño más grande es no defraudarte
Una y otra vez puedes
Sí …. agárrate fuerte a tus sueños
Sí …. agárrate fuerte a tus sueños

Cuando ves las sombras caer
Cuando escuches al frío viento llamarte
Agárrate fuerte a tus sueños 
Ooh sí… Agárrate fuerte a tus sueños

VERSIONES

En el mundo de la PUBLICIDAD y LA TELEVISIÓN ‘Hold on tight’ ha sido muy utilizado. Por ejemplo, en una campaña realizada para fomentar el consumo de café.

También la marca automovilística japonesa HONDA recurrió al tema de ELO para promocionar un modelo.

La serie infantil ‘ALVIN Y LAS ARDILLAS’ realizó su versión en 1982.

La banda británica formada en Birmingham en 1971 dedicó la primera parte de su andadura a emular las grandes interpretaciones del rock clásico, pero poco a poco evolucionó hacia una música más sinfónica hasta conseguir finalmente una sonoridad electrónica propia y peculiar.

Bajo el liderato de Jeff Lynne la ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA fue sumando éxitos, especialmente en Estados Unidos, llegando a su nivel más alto de influencia con ‘Hold on tight’. Los primeros ochenta acogieron sus mejores momentos y a mediados de la década protagonizaron importantes diferencias que llevaron a su separación en 1986. Sin embargo, algunos de los músicos de la primera época intentaron prolongar el invento con el nombre de The Electric Light Orchestra Part II. Fracasaron.

Ya a lo largo de su historia, la ELO había sufrido continuos cambios de formación, rotando un gran número de músicos, siempre bajo la estrella de Jeff Lynne. Juntó a sus compañeros en 2001 para publicar un trabajo que tampoco funcionó pese a contar con colaboraciones de George Harrison y Ringo Starr.

En 2010 se reunieron integrantes del grupo como Mik Kaminski, Louis Clark, Eric Troyer, Phil Bates, Gordon Townsend y Glen Burtnick para ofrecer algunos conciertos por América Latina con motivo del cuarenta aniversario de la salida al mercado de su primer disco.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | One comment | Add to del.icio.us
Post tags: Alvin y las Ardillas, Birmingham, Eric Troyer, George Harrison, Glen Burtnick, Gordon Townsen, Hollywood, Jeff Lynne, Louis Clark, Mik Kaminski, Phil Bates, Publicidad, Ringo Starr, Rocker, televisión

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Con su estilo de poeta urbano, su rudeza y sus frases contundentes, este tema fue el primero que me emocionó de los muchos que me han tocado de este creador canalla. Y me ha emocionado tantas veces con su eterna poesía de amores perdidos y caros. Es el reflejo de lo cotidiano.

Este canto a la melancolía, ésa que todos tenemos de vez en cuando aunque cada una sea distinta y personal, nos hace rememorar cuántas veces nos hemos sentido así. No podemos evitar la melancolía, o la nostalgia, o la desazón. Ese estado mental que nos corroe aunque no se refleje en nuestro físico. Porque quién no ha estado alguna vez encerrado en la melancolía, divisando al fondo la alegría, pero sin poder llegar a ella.

He leído por ahí que «consciente de que la felicidad es una montaña de difícil o imposible ascensión, Sabina se empapa de la tristeza con la que ha regado una gran extensión de su jardín poético». Pero el Sabina inicial, el de la balada, la cadencia lenta y una cierta ternura amarga, nos habla de amor, de ese amor que duele cuando se pierde, de ése que sólo se valora cuando provoca heridas en el corazón que no detectan los electros.

De ése en el que uno se entrega por completo, aceptando que existe la posibilidad de que vaya acompañado de sufrimiento y valorando también la opción de que nada es eterno porque todos somos susceptibles de cambiar.

Es uno de los temas emblemáticos del madrileño-andaluz. Lo demuestra el hecho de que en sus conciertos se ve obligado a callar para que sea el público quien la cante por él. Todos sus fans conocen letra metafórica, dura, tierna, de asfalto, de ‘Calle melancolía’. Es una composición inmortal.

«Como quien viaja a lomos de una yegua sombría,
por la ciudad camino, no preguntéis adónde.
Busco acaso un encuentro que me ilumine el día,
y no hallo más que puertas que niegan lo que esconden.

Las chimeneas vierten su vómito de humo
a un cielo cada vez más lejano y más alto.
Por las paredes ocres se desparrama el zumo
de una fruta de sangre crecida en el asfalto.

Ya el campo estará verde, debe ser primavera,
cruza por mi mirada un tren interminable,
el barrio donde habito no es ninguna pradera,
desolado paisaje de antenas y de cables.
Vivo en el número siete, calle Melancolía.

Quiero mudarme hace años al barrio de la alegría.
Pero siempre que lo intento ha salido ya el tranvía
y en la escalera me siento a silbar mi melodía.

Como quien viaja a bordo de un barco enloquecido,
que viene de la noche y va a ninguna parte,
así mis pies descienden la cuesta del olvido,
fatigados de tanto andar sin encontrarte.

Luego, de vuelta a casa, enciendo un cigarrillo,
ordeno mis papeles, resuelvo un crucigrama;
me enfado con las sombras que pueblan los pasillos
y me abrazo a la ausencia que dejas en mi cama.

Trepo por tu recuerdo como una enredadera
que no encuentra ventanas donde agarrarse, soy
esa absurda epidemia que sufren las aceras,
si quieres encontrarme, ya sabes dónde estoy.

Vivo en el número siete, calle Melancolía.
Quiero mudarme hace años al barrio de la alegría.
Pero siempre que lo intento ha salido ya el tranvía
y en la escalera me siento a silbar mi melodía».

VERSIONES

Entre sus millones de seguidores hay muchos que creen que la mejor versión de ‘Calle melancolía’ es la que ofreció en vivo para el disco ‘Nos sobran los motivos’.

Es fantástica la interpretación sencilla de Ismael Serrano.

Joaquín Sabina es referente de millones de seguidores de su verso cruel. Sus sonetos, sus canciones, son pura vida. Este cantautor, músico y poeta jienense tropezó pronto con la poesía y se quedó enganchada en ella en los años sesenta. Ya en los setenta comenzó a colaborar en publicaciones junto a Luis Eduardo Aute o Carlos Cano, pero tuvo que abandonar España tras lanzar un cóctel molotov contra una sucursal del Banco de Bilbao en Granada como protesta por el Proceso de Burgos.

Se fue a París con un pasaporte prestado y de allí saltó el Canal de la Mancha hasta Londres, donde vivió como okupa mientras cantaba en el metro, donde pronto olvida sus estudios con las monjas Carmelitas y los sacerdotes Salesianos. Allí conoció al ex beatle George Harrison, que le dio una propina de cinco libras cuando Sabina tocó para él en su cumpleaños.

Volvió con la muerte de Franco para comenzar una carrera literaria y musical que ha llegado hasta nuestros días. Del resto mejor me callo porque todos conocéis su historia tanto como yo.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: George Harrison, Ismael Serrano, Londres, París

Feed enhanced by Better Feed from Ozh