Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Bill Dees, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Elvis Presley, Garry Marshall, George Harrison, Grammy, Jeff Lynne, Jim Keltner, John Fogerty, Julia Roberts, Monument Records, Nashville, Richard Gere, Tennesse, The Beatles, The Traveling Wilburys, Tom Petty, Van Halen

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Hay pocas composiciones que describen mejor un afecto. Bien sea hacia todas las madres personificadas en la Virgen María, como defienden en la mayoría de las hipótesis sobre su dedicatoria, o bien hacia la entonces pequeña hija de Francis Cabrel o también hacia la madre naturaleza, como creen otras teorías. Incluso hay argumentaciones más arriesgadas sobre el origen de la inspiración del cantautor galo. Aquellas que sostienen que realmente se refería a las drogas, marihuana o heroína, concretamente.(...)
Read the rest of Francis Cabrel – La quiero a morir (1,388 words)

Por último, la desaparecida actriz mexicana María Félix se atribuyó también ser la fuente de la inspiración de ‘La quiero a morir’. En una entrevista para la televisión azteca aseguró que el tema fue escrito por un joven amante de la época en la que vivió en París. Según la diva del séptimo arte, el autor, debido a las penurias económicas que pasaba, se vio obligado a venderlo a Francis Cabrel. Existen serias dudas sobre la veracidad de esta afirmación.

Sea cual sea la verdad –el cantante siempre ha guardado silencio, aumentando así el halo de misterio y la ambigüedad de la letra facilita diferentes interpretaciones–, lo cierto es que cada vez que se confecciona una lista de las canciones de amor más festejadas del continente europeo, ‘La quiero a morir’ forma parte de ella. Porque su poesía es interpretada por cada uno de nosotros con nuestras propias variantes. Ése es el secreto de ‘La quiero a morir’, composición abierta y subjetiva.

Pero, como somos unos románticos, quedémonos con la literalidad de la letra. Con ese amor hacia la persona que lo constituye todo para nosotros, que hace que cada mañana acumulemos fuerzas para abandonar la cama, la que nos invita a movernos, la que se ha convertido en diosa de nuestro Olimpo personal. Ella todo lo puede, es la propietaria de nuestro espacio y de nuestro tiempo. Somos esclavos consentidos de su tiranía y su belleza, de su sabiduría y de su carácter.

Nos gustan su mirada, sus palabras y sus silencios, sus reposos y sus movimientos, su risa y su llanto. Nos gusta hasta cuando nos miente. Cómo se cae y, sobre todo, cómo se levanta. Es que la vida es mejor desde que ella forma parte de nuestra existencia. Todos los días son luminosos aunque llueva. ‘La quiero a morir’ es una declaración de amor capaz de ablandar al corazón más pétreo, un desgarrador ejercicio de confesión.

No importan los obstáculos, porque ella conseguirá que todos sean sorteados gracias a un amor que atrapa. A la vez fuerte y delicado. Nuestro propio reflejo en sus ojos hace que alcancemos la eternidad, aunque el reloj sólo recoja el transcurrir de unos segundos. Un momento que queremos no acabe jamás, que no queremos que se consuma. No estamos completos sin ella. La queremos a morir.

Éxito internacional

‘Je l’aime à mourir’ lógicamente vio la luz en el mercado de nuestro país vecino del norte. Allí encandiló de Hendaya a Nomandía gracias a una letra sin igual y a los arreglos y la dirección orquestal de Glen Spreen y la realización de Jean-Jacques Souplet. En 1979 –el año de su lanzamiento– el single que incluía la canción en su cara A llegó a vender 600.000 copias en Francia, obteniendo el galardón de disco de platino. Las estadísticas se elevaron considerablemente con las adquisiciones que realizaron los admiradores del resto del mundo. Por supuesto, fue el tema con mayor repercusión en la carrera de Cabrel. Su magia, desde entonces, es universal.

Dos minutos y cuarenta y dos segundos de obra de arte bastaron para encabezar el hit parade francés durante cinco semanas consecutivas. En España la estancia en la cima de los éxitos se prolongó catorce días. Quizá fue por la sonoridad de ese bajo que secunda con fervor la guitarra o quizá por esos violines que se apoderan de la melodía a medida que avanza para convertirse finalmente en protagonistas absolutos de esta genialidad. En ella el artista genera sensaciones nada tangibles. No quiere revelarnos todo lo que esconde su mente. Nos da la oportunidad de que nosotros rellenemos los puntos suspensivos con nuestras propias sensaciones, que pongamos parte de nosotros. Una canción para dedicar a alguien con nombre y apellidos.

LETRA

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán
y hoy soy el guardián de sus sueños de amor
La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis
porque ella de un soplo lo vuelve a crear
como si nada, como si nada
La quiero a morir

Ella borra las horas de cada reloj
me enseña a pintar transparente el dolor
con su sonrisa

Y levanta una torre desde el cielo hasta aquí
y me cose unas alas y me ayuda a subir
a toda prisa, a toda prisa
La quiero a morir

Conoce bien cada guerra
cada herida, cada sed
conoce bien cada guerra
de la vida y del amor también

Me dibuja un paisaje y me lo hace vivir
en un bosque de lápices se apodera de mí
La quiero a morir

Y me atrapa en un lazo que no aprieta jamás
como un hilo de seda que no puedo soltar
no quiero soltar, no quiero soltar
La quiero a morir

Cuando trepo a sus ojos me enfrento al mar
dos espejos de agua encerrada en cristal
La quiero a morir

Sólo puedo sentarme, solo puedo charlar
sólo puedo enredarme, solo puedo aceptar
ser sólo suyo, sólo suyo
La quiero a morir

Conoce bien cada guerra
cada herida, cada sed
conoce bien cada guerra
de la vida y del amor también

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán
y hoy soy el guardián de sus sueños de amor
La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis
porque ella de un soplo lo vuelve a crear
como si nada, como si nada
La quiero a morir

VERSIONES

La obra original, bajo el título ‘JE L’AIME À MOURIR’, es, a mi entender, mejor que la que Francis Cabrel grabó en castellano. Además, su letra se corresponde en escasa medida con la difundida para el público hispanoparlante.

SHAKIRA actualizó el tema en 2011, volviéndo a elevarlo hasta el número uno de las listas de éxitos galas. Permaneció en la cima durante siete semanas, superando al original de Cabrel. La colombina ofreció una versión bilingüe –castellano y francés– en sus conciertos en ciudades de habla gala –Francia y Suiza– dentro de la gira que realizó aquel año por Europa.

Una de las interpretaciones más sentimentales fue la que realizó el difunto MANZANITA. A diferencia de la original, su tono es creciente. La voz y la entonación del malagueño es impactante, aunque ya para entonces su salud comenzaba a ser endeble.

El crooner catalán SERGIO DALMA, especializado en reinterpretar clásicos del pop, no desaprovechó la oportunidad de ofrecer su visión de ‘La quiero a morir’. Lo hizo en 2005 con dudoso éxito, en mi opinión.

SERGIO VARGAS acercó ‘La quiero a morir’ al merengue dominicano

Para los que quieran conocer otras revisiones pueden recurrir a las que realizaron Jackito, Alliage, Carole Ferederiks, Marc Antoine, Muchachito, Camilo Sesto, Daniel Betancourt, Quentin Mosimann, Dark Latin Groove (DLG), Giselle, Raphael, Niña Pastori, Jarabe de Palo y Alejandro Sanz, María Carrasco, Nicola di Bari, Joaquín Sabina, Manu Chao, Don Tetto, Conchita, Forraje, Puchero del Hortelano, Gustavo Botero, Pelaos con Salsa o Lenka Filipová-Zamilovaná.

BIOGRAFÍA

FRANCIS CABREL es un baladista, un romántico, un lírico y en esa esfera ha trazado toda su carrera. Nació el 23 de noviembre de 1953 en Astaffort, en el sur de Francia, en el seno de una familia originaria de Italia. Aunque comenzó a componer a los dieciséis años, cuando estaba en el instituto, su debut profesional llegó cuando contaba con dieciocho. Sin embargo, por aquella época tuvo que compaginar la música con otros oficios, como el de dependiente de una zapatería.

Dejó los estudios obnubilado por Bob Dylan, Neil Young y Leonard Cohen, sus tres grandes ídolos. Sus primeros escenarios fueron bares y pubs, por donde dio tumbos como guitarrista del grupo Ray Frank et les Jazzmen, que más tarde pasó a llamarse Les Gaulois.

Transcurrieron varios años hasta que logró emprender una trayectoria en solitario tras presentar varias composiciones de matiz político a un concurso de cantautores celebrado en Toulousse. Allí fue descubierto por un cazatalentos, que se lo llevó a París y lo convirtió en un autor romántico.

Su trabajo discográfico inicial apareció en 1977, titulado ‘Petite Marie’. Pero su primer impacto en las listas llegó en 1979, con la canción ‘Les chemins de traverse’. A continuación publicó ‘Je l’aime à mourir’ y ya nada fue igual. El disco de platino que premió sus ventas cambió su vida. Desde entonces su caminar artístico ha girado en torno a este tema, aunque después compuso otras grandes obras.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Alliage, Bob Dylan, Camilo Sesto, Carole Ferederiks, Conchita, Daniel Betancourt, Dark Latin Groove (DLG), Don Tetto, Forraje, Giselle, Glen Spreen, Gustavo Botero, Jackito, Jarabe de Palo y Alejandro Sanz, Jean-Jacques Souplet, Joaquín Sabina, Lenka Filipová-Zamilovaná, Leonard Cohen, Les Gaulois, Manu Chao, Manzanita, Marc Antoine, María Carrasco, María Félix, Muchachito, Neil Young, Nicola di Bari, Niña Pastori, Pelaos con Salsa, Puchero del Hortelano, Quentin Mosimann, Raphael, Ray Frank et les Jazzmen, Sergio Dalma, Sergio Vargas, Shakira

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

La banda británica llegó sigilosamente, dio la campanada y se fue como vino, sin hacer ruido. Pero el año al que nos referimos provocó un terremoto en el panorama musical de los ambientes más restringidos del rock europeo. Algo menos en el americano. En España se reconoció más que en ningún otro sitio la calidad de ‘Immaculate fools’ y de sus autores. Ahora nadie sabe de ellos. Se diluyeron como si fueran víctimas de una maldición.(...)
Read the rest of Immaculate Fools – Immaculate fools (Locos inmaculados) (881 words)

Sin embargo, nos dejaron su obra en forma de pocos, pero excelentes, temas. ‘Immaculate fools’ es mi favorito. Mi elección se sustenta en simples y egoístas criterios personales. Nada empírico. Llega hoy a este blog porque una emisora de radio la rescató del limbo de mi memoria musical mientras conducía.

Al escucharla –creo que varias décadas después de hacerlo por última vez– rememoré que se trataba de una obra atípica, adjetivo con el que también podría calificarse al propio grupo pop-rock de Kent. La mirada hacia atrás asimismo me sirvió para comprobar que ‘Immaculate fools’ ha resistido bien el paso de los años. Podría ser la novedad de cualquier formación alternativa actual. Su sonoridad sigue siendo contemporánea.

La voz grave, raspante y melancólica de Kevin Weatherill no parece que saliera de su garganta hace exactamente treinta años. Se asemeja a algo actual, de hoy mismo. Incluso, las notas recuperan en mi mente la imagen de la escuálida figura del cantante, siempre vestido de negro y dotado de sus personales gafas de sol. Las guitarras se escuchan aún cristalinas.

No obstante, también he de reconocer que ‘Immaculate fools’ no es un tema fácil ni contagioso. Siempre ha marcado distancias, siendo capaz de ser amado y odiado al mismo tiempo. La innegable influencia del folk británico se combinó con la línea aperturista de los ochenta, materializada en un pop derivado del post-punk. La correcta y académica producción de Colin Thurston cuidó con esmero su sonido, a la vez intimista, oscuro y desencantado. A veces, hasta deprimente. Era la seña de identidad, el estilo peculiar de Immaculate Fools. Cualquier dulzura la aderezaba con un toque amargo.

La letra de Weatherill caminaba por la misma espinosa vereda. Complejidad a la vuelta de cada curva para describir esas promesas contaminadas del desamor. Comprobadlo vosotros mismos en este magnífico vídeo, con estética cinematográfica y bañado por un barniz de tristeza insuperable.

http://youtu.be/r5MC64Qj1Jk

Hablamos de cambios
hablamos de muchas cosas
cuando hay tristeza…

Cambiamos de sueño
esas promesas sucias
se desvanecen y mueren
nos olvidamos tan fácilmente….
del amor latente

Estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos
estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos

Miré por la ventana
creí oírte venir
miré mi reflejo
para ver lo que había hecho
fe, esperanza y caridad
pasaron ante ti

Llámalas ahora que no pueden negarse
pilladas, una junto a la otra

Estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos
estamos encantados
somos inmaculados
tontos inmaculados
tontos inmaculados

La hermosa melodía ha terminado
depende de nosotros de nuevo
todas las cosas que no necesito
siempre parecen seguirme

Todos los días son fiesta
nadar o hundirse
riendo cuando el barco se hunde
reviviremos

Estamos encantados
somos inmaculados
somos distinguidos
estamos encantados
somos inmaculados
tontos inmaculados
tontos inmaculados

VERSIONES

La interpretación ACÚSTICA de nuestro tema de hoy que realiza el grupo inglés es muy recomendable.

La banda británica tenía un gran DIRECTO, como lo demostró con su canción franquicia.

La dificultad que entrañaba la interpretación de ‘Immaculate fools’ ha dado lugar a que pocos se hayan atrevido a realizar algún cóver. La banda tributo RADIO KAOS nos hizo disfrutar al versionar este histórico himno en el Black Note Club de Valencia.

Los escasos pasos exitosos dados por IMMACULATE FOOLS en el mundo de la música partieron de Kent allá por 1984. Dos parejas de hermanos –Kevin (voz, guitarra, armónica, mandolina) y Paul Weatherill (bajo, voz), por un lado, y Andy (guitarra) y Peter Ross (batería), por otro– pusieron en marcha un proyecto musical tan arriesgado que pasó del cielo al infierno en tan sólo dos años.

Su mayor repercusión tuvo lugar entre 1985 y 1987 con el sencillo que hoy destacamos, ‘Save it’ y ‘Heart of fortuna’, otra canción más que destacable. Durante ese bienio realizaron muchas giras por Europa, con especial atención a España, donde llegaron a residir durante un tiempo y llegaron a grabar en un estudio de Vigo.

Cogieron la ola del éxito para cruzar el Atlántico y enrolarse en una aventura americana. Fracasaron a pesar de que fueron teloneros de artistas de la talla de Iggy Pop, Bob Dylan o los Rolling Stones.

Tras el disco homónimo de debut, el segundo, pese a estar dotado de gran calidad, no consiguió la repercusión inicial. ‘Dumb poet’ (1987), dedicado a Federico García Lorca, tuvo críticas muy positivas, pero sólo el tema ‘Tragic comedy’ fue apreciado por el público.

La crisis provocó cambios en la formación. Los hermanos Ross dejaron el grupo, incorporándose Barry Wickens, Paul Skidmore y Ian Devlin. Lo intentaron todo –metieron violines, gaitas y acordeones en un intento de hacer folk-pop que desbarató el sonido que portaba su seña de identidad– hasta que en 1997 arrojaron la toalla después de publicar media docena de LP’s.

En sus últimas formaciones también participaron Brian Betts (guitarra) y Nick Thomas (batería) hasta que desaparecieron de repente, sin dejar apenas rastro. Reaparecen de vez en cuando con giras que realizan por España, su Eldorado. De hecho, a principios de mes han actuado en Barcelona y Madrid.

Además de las composiciones señaladas con anterioridad también dejaron para la historia otras como ‘Nothing means nothing’, ‘Searching for sparks’, ‘Wish you were here’, ‘Girl’, ‘Sad’, ‘What about me’, ‘Counting you’, ‘Day by day’, ‘Never give less than everything’, ‘The prince’, ‘Stand down’, ‘Rain’ o ‘Ready for me’.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Barry Wickens, Bob Dylan, Colin Thurston, Federico García Lorca, Iggy Pop, Kent, Kevin Weatherill, Nick Thomas, Paul Skidmore, Paul Weatherill, Peter Ross, Radio Kaos, Rolling Stones

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

La muerte de Holly en un accidente de aviación dejó huérfanos a The Crickets, que se vieron obligados a seguir en solitario su carrera. Fue entonces cuando recuperaron la canción que hoy analizamos. Salió al mercado en 1960, sin mayor éxito. Ni siquiera consiguió clasificarse entre las primeras cuarenta plazas del hit parade estadounidense.(...)
Read the rest of Leo Sayer – More than I can say (Más de lo que puedo decir) (885 words)

Pero, por esos caprichos de la vida imposibles de explicar, dos décadas después, concretamente en 1980, el cantautor británico Leo Sayer quiso dar su visión de esta obra y la convirtió en uno de los grandes éxitos del milenio pasado. Arrasó en todo el mundo el año en que se publicó y, como ocurrió en España, en el siguiente ejercicio. Fue un rotundo éxito, manteniéndose cinco semanas en el número dos de la lista Billboard. Igual posición alcanzó en la lista británica. Por supuesto, fue disco de oro.

Sayer, que ya gozaba de un reconocido prestigio en el mundo del pop de ambos lados del Atlántico, quería dar un giro a su carrera mediante un disco que realizara nuevas lecturas de éxitos antiguos. En ello estaba cuando una mañana vio en televisión un anuncio en el que aparecía la canción –en versión de Bobby Vee– a la que hoy nos referimos. «Entré en una tienda por la tarde, compré el disco y la grabé esa misma noche», declaró hace un tiempo a una revista especializada.

‘More than I can say’ es de esas composiciones que pretenden dejarnos claro que a veces las palabras no bastan para expresar nuestros sentimientos. Se quedan cortas. Ocurre casi siempre cuando tratamos de describir el amor. «Te quiero más de lo que te puedo decir», podría ser la frase que resume esta filosofía.

Esta canción también ha inspirado, según sostienen algunos críticos, a Police, que incluyó alguna de sus notas en la parte del coro de ‘Every breath you take’, publicada un par de años más tarde que la ‘More than I can say’ de Sayer.

Oh, oh, oh, oh, sí
te quiero más de lo que puedo decir
te querré el doble mañana
oh, te quiero más de lo que puedo decir

Te echo de menos cada día
¿por qué la vida tiene que estar llena de tristeza?
te quiero más de lo que puedo decir
¿por qué no sabes que te necesito demasiado?

Ah, ¡vamos, dímelo por favor, lo tengo que saber!
¿quieres hacerme llorar?
¿soy yo tan sólo otro chico más?

Oh, oh, oh, oh, sí
te quiero más de lo que puedo decir
te querré el doble mañana

Oh, te quiero más de lo que puedo decir
te quiero más de lo que te puedo decir
te quiero más de lo que te puedo decir.

VERSIONES

Obligado es fijarse en primer lugar en la interpretación primitiva de ‘More than I can say’, obra de THE CRICKETS. Deliciosa.

Tampoco está mal la revisión firmada en 1961 por BOBBY VEE, al que también hemos hecho referencia más arriba. Producto típicamente melódico para las adolescentes de los sesenta.

El veterano grupo de pop-rock británico THE SHADOWS realizó una versión instrumental en 1981.

Los mexicanos de LOS BABY’S la tradujeron al castellano bajo el título ‘Vives en mi ser’.

También Bobbysocks!, Sammy Kershaw, June Lodge, Lawrence Ng Wai Kok, Mark Haze o Dozi & Ghapi incorporaron ‘More than I can say’ a su repertorio.

La carrera del británico LEO SAYER (Shoreham, 1948) comenzó en los sesenta, década en la que corrió grandes riesgos para triunfar. Llegó incluso a disfrazarse de payaso para actuar en la calle. El éxito le llegó a mediados de los setenta a base de baladas, pasó al olvidó a finales de la década con la irrupción del pop y volvió a la actualidad en los ochenta.

Sus inicios, aún en época escolar, bebieron de la influencia de artistas como Buddy Holly, Elvis Presley o Bob Dylan. Aprendió a tocar el órgano y la armónica mientras participaba en diversos grupos locales hasta que en 967 decidió dar el salto a Londres.

En la capital pronto se introdujo en el mundo del arte, codeándose con músicos, pintores o poetas del Soho y Kensington. La aventura no fue muy bien y se vio obligado a volver a casa, donde comenzó a trabajar en una fábrica de coches.

Su pasión musical y sus composiciones las compartió con el grupo Patches. Fue entonces cuando conoció al músico y agente Dave Courtney y al productor Adam Faith. A partir de ese momento el triunfo acompañó su caminar, ya en solitario.

Temas como ‘The snow must go on’, ‘One man band’, ‘Long tall glasses’ o ‘Moonlighting’ le hicieron un hueco en las listas británicas gracias a su estilo de voz peculiar y su alegre personalidad. Por aquellos tiempos las apariciones en televisión fueron constantes.

Su año mágico fue 1976, cuando pasó a trabajar con el productor Richard Perry y dio el campanazo con el single discotequero ‘You make me feel like dancing’, que consiguió otro número uno en Reino Unido y la segunda posición en las listas estadounidenses. La conquista definitiva del mercado americano se produjo un año más tarde con la balada ‘When I need you’ y su participación en la serie de Los Teleñecos.

Éxitos como ‘How much love’, ‘I can’t stop loving you’ o la analizada ‘More than I can say’ le introdujeron en los ochenta, donde incluso llegó a tener su propio programa en la televisión británica. Ante las cámaras dio muestras de su simpática personalidad y su destacado talento musical.

Poco a poco, después de publicar varios trabajos que pasaron desapercibidos, Leo Sayer abandonó las grabaciones discográficas y se centró en circuitos minoritarios.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Adam Faith, Billboard, Bob Dylan, Bobby Vee, Bobbysocks!, Buddy Holly, Dave Courtney, Dozi & Ghapi, Elvis Presley, Jerry Allison, June Lodge, Kensington, Lawrence Ng Wai Kok, Los Baby's, Mark Haze, Patches, Police, Sammy Kershaw, Shoreham, Soho, Sonny Curtis, The Crickets, The Shadows

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Aunque la composición data de 1969, la incomunicación humana que narra ‘The boxer’, y que también podemos encontrar de forma habitual en casi todas las creaciones del dúo estadounidense, está cargada de actualidad. Al igual que aquel púgil derrotado en el cuadrilátero y aplastado por la vida que caminaba solitario por las calles sumido en su soledad y superado por el terror, ¿cuántos hoy en día sufren este síndrome de la modernidad?(...)
Read the rest of Simon & Garfunkel – The boxer (El boxeador) (1,441 words)

Idéntica sensación, seguro, experimentan muchas personas que, en estos tiempos de crisis económica y social, transitan infectadas por la terrible enfermedad del paro. Me refiero a esos que se ven obligados a trasnochar en cajeros automáticos o en bancos de parques. A esa gente que hasta hace muy poco eran trabajadores como nosotros. Un golpe de mala suerte les colocó en el filo de una navaja que está a punto de degollarles.

‘The boxer’ retrató con crueldad a los millones de víctimas inocentes del sistema deshumanizado que preconizan nuestros gobernantes y que el resto estamos obligados a aceptar. Pero, no nos equivoquemos, la culpa es siempre nuestra. Tenemos lo que nos merecemos, porque somos una mayoría silenciosa que acepta cualquier cosa con el argumento de que nada se puede hacer ante los poderosos. Así siempre estaremos condenados.

Es hora de combatir a los que piensan por nosotros, a los que pretenden convencernos de que la sociedad es fruto de la evolución, que es natural que todo se compre y se venda, que es natural que haya ricos y pobres, que es natural que la dignidad no esté al alcance de todos… Y, sobre todo, que un modelo justo y humano constituye sólo una utopía.

Pero volvamos a ‘The boxer’. Narra el devenir en Nueva York de un joven que abandona su mundo rural con la esperanza de triunfar entre las doce cuerdas. No ocurrió y pronto se vio sumido en el hoyo de la pobreza y el desamparo. Pero todo era una simple metáfora, porque en realidad la balada es autobiográfica. Simon, que dijo haberse inspirado en la Biblia, esconde sus propias experiencias en la figura de un púgil que se pelea con el mundo, recibiendo y dando golpes para sobrevivir.

No deja de ser una dura crítica social, dotada de una carga emocional digna que elevó el nivel de los temas que, por aquellos tiempos, pululaban entre las creaciones de la llamada canción protesta. En el fondo, el objetivo era, según confesó años más tarde el autor, reflexionar sobre la maldad que anida detrás de críticas absurdas.

Hay que recordar que la prensa especializada fue muy cruel con los trabajos que antecedieron a esta canción. En ella se analiza el peso de la fama y la influencia, casi siempre negativa, que tiene sobre algunas personas. Pero, finalmente, como moraleja, Simon nos recuerda que lo importante siempre es no tirar la toalla y enfrentarse a los problemas.

«En esos días todo el mundo nos golpeaba y con esta canción les decía que si seguían con sus críticas ibamos a desaparecer, ya que en un principio todo eran alabanzas, pero de pronto arremetieron contra nuestro arte. Nos llevó casi tres años que las personas nos dejaran de mirar como criaturas extrañas e incluso algunos pensaron que procedíamos de Inglaterra, pero éramos de Queens, de Nueva York, a pesar de que no hacíamos rock and roll», declaró a la revista ‘Playboy’ en 1984.

Aunque ‘The boxer’ no llegó a los puestos más altos de las listas de éxitos de la época en la que salió al mercado –de hecho no pasó del séptimo lugar–, hoy es uno de los temas más recordados del dúo norteamericano. ¿Quién no recuerda o quién no ha coreado alguna vez el ‘lie a lie’ de su estribillo? Fruto, según el propio Simon, de una falta de inspiración momentánea. Sin embargo, la imaginación del público convirtió aquella onomatopeya en la palabra inglesa que designa la mentira.

¿Quién, asimismo, no ha gozado con sus arreglos –dicen que se emplearon más de cien horas de grabación en Nashville, la iglesia St. Paul en Nueva York y los estudios del sello Columbia–, con sus excelentes solos instrumentales, con una percusión inimitable o con la utilización del theremin, al parecer uno de los primeros instrumentos electrónicos?

La música transita sobre la autopista que trazan una guitarra acústica fenomenal, una llamativa intervención del bajo y la percusión que Hal Blaine logró extraer de su batería. También fue él quien utilizó una cadena y la azotó contra una pared para incorporar un sonido hasta entonces impensable en una canción. Hoy ese efecto se puede obtener gracias a la electrónica y a la informática, pero entonces fue todo un invento.

Como curiosidad cabe destacar que en el famoso concierto de Central Park, que escenificó la reunión del dúo en 1982, tras un largo período de separación, Garfunkel alteró el tercer verso de ‘The boxer’ e interpretó una estrofa que no aparecía en la versión original.

Soy un pobre diablo
y de mí nada sabréis
malgasté todas mis fuerzas
en montones de promesas que eran burlas
ni una verdad pero un hombre
sólo escucha lo que quiere escuchar
na na na…

Y dejé familia y casa
era apenas un chaval
para mi todo era extraño
en la paz de una estación
perdido y asustado
respirar, frecuentar los barrios bajos
su miseria y suciedad
entre vagabundos prefería estar
Lai la lai…

Voy buscando algún trabajo
pido paga sindical
pero no hay ofertas
sólo una proposición de prostitutas
he de admitir que hubo veces
solo y triste que encontré
consuelo allí
na na na…

Lai la lai…
Preparando el nuevo invierno
pienso en casa y en volver
vuelta atrás
donde el viento de ciudad
no me desangre más
vuelta a casa otra vez

En el ring un boxeador
un luchador de profesión
lleva huellas en la cara
del guante que le pegó
y que le cortó hasta que gritara
de vergüenza y de rabia

Yo me marcho
yo me marcho
pega duro y no se va
lai la lai…
lai la lai…

VERSIONES

El trío madrileño LAREDO firmó en 1978 una revisión en castellano más que apreciable. La adaptación de la letra la realizó Miguel Bosé. Es la que ofrecemos más arriba.

http://youtu.be/dwAgNomGaqw

Los geniales MARTES Y 13 realizaron una parodia a principios de la década de los noventa. Supieron explotar de forma magistral el famoso golpe reverberado de la mencionada cadena durante el estribillo.

Casi todos los grandes han interpretado alguna vez ‘The boxer’. La mayoría también ha grabado el tema, como, por ejemplo, NEIL DIAMOND.

JOAN BAEZ convirtió el tema de Simon en un elemento habitual de sus conciertos.

En una época más moderna destaca la interpretación de ALLISON KRAUUS, JERRY DOUGLAS y SHAWN COLVIN con motivo de la entrega a Paul Simon del Premio Gershwin en 2007. Sencillamente deliciosa.

Tampoco han resistido la tentación de incorporar ‘The boxer’ a su repertorio artistas como Emmylou Harris, Tommy Fleming, Bob Dylan, Mumford & Sons, The Samples, Paula Fernandes, Hell or Highwater, Chet Atkins o Bruce Hornsby, entre otros muchos.

SIMON AND GARFUNKEL conforman, tal vez, el dúo más famoso de la historia de la música moderna, una referencia para generaciones posteriores. Canciones como la analizada, ‘The sounds of silence’, ‘Bridge over troubled water’ o ‘Mrs. Robinson’ forman parte del acerbo cultural de todos nosotros.

La combinación de dos gargantas tan distintas y unos arreglos vocales fantásticos rozaron la perfección en melodías perfectamente engarzadas por los estadounidenses. Además, la mezcla de los textos comprometidos de Simon y la dulzura interpretativa de Garfunkel les convirtieron en inimitables.

Sus primeros pasos a finales de los cincuenta los dieron durante sus estudios escolares, influenciados por Pete Seeger y Bob Dylan. Bajo el nombre de Tom and Jerry grabaron su primer tema, ‘Hey schoolgirl’, sin mayor repercusión. Pero en 1963 la multinacional Columbia se percató de su talento y les editó un primer álbum. Tampoco lograron el éxito y se separaron temporalmente.

Pero dos años más tarde, sin informar a los autores, la discográfica realizó una mezcla diferente de ‘The sounds of silence’, incluido en ese primer LP. El single llegó al número uno y la pareja volvió a juntarse unida por el éxito. Ya nada detuvo al dúo, sobre todo desde que la película ‘El graduado’, del recientemente fallecido Mike Nichols, hizo famosa la canción ‘Mrs. Robinson’. Fueron los años dorados Simon & Garfunkel.

Pero sus distintos pareceres musicales, evidenciados sobre todo en las grabaciones, deterioraron las relaciones, con desacuerdos constantes. La separación llegó en 1971, aunque posteriormente volvieron a actuar juntos en el concierto de Central Park de 1982, que les llevó a emprender una gira al año siguiente. Antes se habían dado también algunos esporádicos reencuentros. Por ejemplo, en 1975 se reunieron para un programa de televisión.

Volvieron a chocar en 1983 y ambos artistas iniciaron un larga carrera en solitario. Una década después, actuaron en la gala de los premios Grammy y, en septiembre de 2003, anunciaron la puesta en marcha de Old Friends, una gira de conciertos por treinta y tres escenarios estadounidenses.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Allison Krauus, Bob Dylan, Bruce Hornsby, Chet Atkins, Columbia, Emmylou Harris, Hell or Highwater, Jerry Douglas, Joan Báez, Laredo, Martes y 13, Miguel Bosé, Mumford & Sons, Nashville, Neil Diamond, Nueva York, Paul Simon, Paula Fernandes, Queens, Shawn Colvin, The Samples, Tommy Fleming

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Al Stewart nos ofrece una de sus mejores composiciones pop con rasgos folk, basada en una glamurosa expresión vocal y asentada sobre una melodía que nos seduce desde la primera vez que escuchamos el piano y que acaba de enamorarnos con su solo de saxo. En cierta forma nos recuerda a ‘Baker street’ de Gerry Rafferty.

No es jazz, ni power ballad, ni blues, ni pop, ni rock. Es ‘Year of the cat’, una mezcla de instrumentos genial. Unos van cediendo protagonismo a los otros de una manera absolutamente enlazada.

Este tema está dotado asimismo de algunos tintes progresivos, ideales para disfrutar de un momento tranquilo. Tema inmenso, sublime, principalmente seductor del público estadounidense, al que le recordó al primer Bob Dylan.

La letra, escrita conjuntamente con Peter Wood e interpretada con agradable voz nasal, es otra obra maestra destinada a quienes se sienten poetas y a los amantes de la música melódica. Toda una experiencia espiritual que tiene su origen en la película ‘Casablanca’ de Michael Curtiz, genialmente interpretada por Humphrey Bogart y Ingrid Bergman.

Nos habla de una mujer misteriosa, difícil de describir y descubrir. Del amor que experimenta en el año del gato de la astrología vietnamita, el año sin estrés y relajado que se da cada doce primaveras. Es la historia de una hippie que enamora a un turista tras compartir una noche apasionada. A él le lleva a perder el transporte mediante el cual debía regresar a casa.

No estamos en un nuevo ‘Año del gato’, pero al escuchar ‘Year of the cat’ sentimos una sensación placentera. Desde que escuchamos sus primeros compases, históricos e inconfundibles.

Una mañana de una película de Bogart
en un país donde van para atrás en el tiempo
vas paseando por una multitud como Peter Lorre
contemplando un crimen

Ella sale del sol con un vestido de seda, corriendo
como una acuarela bajo la lluvia
no te molestes en pedir explicaciones
ella sólo te dirá que vino
en el año del gato

No te da tiempo para preguntas
mientras entrecruzas tu brazo con el suyo
y sigues hasta que tu sentido de la dirección
desaparece por completo

Al lado de los muros de azulejo azul cerca de los puestos del mercadillo
hay una puerta escondida a la que te dirige
estos días, dice, siento mi vida
igual que un río que fluye a través
del año del gato

Te mira con tanta frialdad
y sus ojos brillan como la Luna sobre el mar
viene con incienso y esencia de pachulí
así que te las llevas para descubrir lo que te espera dentro
el año del gato

Pues llega la mañana y aún estás con ella
y el autobús y los turistas se han ido
y has perdido tu billete
así que no te puedes subir

Pero los rastros de los latidos del tambor de la noche aún permanecen
en el ritmo del día recién nacido
sabes que en algún momento seguro la vas a dejar
pero por ahora te vas a quedar
en el año del gato

VERSIONES

La gran complejidad tanto musical como lírica de ‘Year of the cat’ ha propiciado que apenas haya sido versionada. Sin embargo, la bonaerense ERICA GARCÍA se atrevió poco antes del 2000.

Un caso de ejemplo negativo, en mi opinión, lo encontramos el mix de VASSILIS KOULIANOS.

Como curiosidad os ofrezco esta revisión en directo que realizó el propio Al Stewart con un niño de 15 años llamado MATT SAVAGE al piano. El pequeño es autista, pero pese a sus limitaciones es considerado un sabio prodigioso.

AL STEWART Al Stewart (Alastair Ian Stewart) es más escocés que el whisky de malta. Nacido en Glasgow justo nada más terminar la Segunda Guerra Mundial, dio sus primeros pasos en el grupo The Sabres, a los que abandonó a mediados de la década de los sesenta para trasladarse a Londres. En la capital británica se introdujo en el folk, actuando en clubes hasta que en 1966 pudo grabar un single sin repercusión comercial.

Ese tropiezo no le desalentó y un año más tarde volvió a probar con un nuevo vinilo que le envolvió en un ligero prestigio sobre el que cimentó su carrera, ya asentado en Estados Unidos. Luego llegaron otros trabajos de gran calidad que le convirtieron en la referencia folk de las isla de los setenta. Su cénit llegó con ‘Year of the cat’, que le hizo famoso y supuso su mayor éxito de ventas.

Poco a poco su trayectoria fue cayendo a pesar de publicar obras de gran interés pero que no consiguieron llamar la atención del público. No obstante, incluso hoy en día conserva su más leales admiradores. Aunque los álbumes de estudio son ya escasos, todavía lleva a cabo extensas y multitudinarias giras.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | 2 comments | Add to del.icio.us
Post tags: Alan Parsons, Bob Dylan, Erica García, Gerry Rafferty, Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Matt Savage, Vassilis Koulianos

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

A Harrison su compañía discográfica le había solicitado una canción sin demasiadas pretenciones para que ocupara la cara B de un single que quería promocionar. El tercer beatle aprovechó una cena con Lynne –su productor– y Orbison para hablar del tema y sus dos comensales ofrecieron su ayuda para solventar la urgencia.

Contactaron con Dylan para que les prestara su estudio de Santa Mónica (California) y éste se presentó acompañado por Tom Petty, quien quería entregar a Harrison una guitarra que le había prestado. El quinteto ya estaba constituido y nació ‘Handle with care’.

El resultado gustó tanto a la discográfica que optó por no desperdiciar el tema en el lado oculto de un single y acabó por convencer a todos para que integraron un grupo para grabar un disco entero que estaría encabezado por ‘Handle with care’.

George, Jeff, Roy, Tom y Bob prefirieron abordar el proyecto amparados en el anonimato y en el disco aparecen con nuevas identidades: las de los hijos del personaje ficticio Charles Truscott Wilbury. Así Harrison fue rebautizado como Nelson Wilbury, Petty como Charlie T. Wilbury Jr., Lynne como Otis Wilbury, Dylan como Lucky Wilbury y Orbison como Lefty Wilbury. Juntos conformaban The Traveling Wilburys. A su lado tocaría la batería Jim Keltner, convertido en Buster Sidebury.

‘Handle with care’ constituyó un éxito inmediato y se mantuvo durante casi un año en las listas de popularidad de Estados Unidos, vendió dos millones de ejemplares y ganó varios premios incluyendo un Grammy. Pero su parto no fue tan fácil. Con la melodía dieron pronto, pero la letra costó más. «Andaba por el garaje de Dylan con un trozo de papel y un lápiz intentando pensar en algo cuando detrás de la puerta vi una gran caja de cartón que decía ‘Handle with care’. Ya teníamos el título. El resto salió solo», explicó años más tarde Harrison.

Armónicamente ‘Handle with care’ tiene ritmo country, suena también a folk por el uso de la guitarras, y su energía y potencia asimismo permiten que pueda ser considerada rockabilly. Los coros asemejan conversaciones, con eco en la voz principal.

En cuanto al contenido de la canción poco hay que decir porque su letra es diáfana. Nos refleja un sentimiento universal que vive el ser humano cuando se hace mayor y se enfrenta a nuevas relaciones tanto humanas como amorosas. Has vivido tanto y te han engañado tantas veces que tienes que andar con mucho ojo. Porque las heridas ya tardan mucho más en curar y evitas en todo momento que te rompan el corazón una vez más.

Trátame con cuidado
Me han dado una paliza y me han arrollado
Me han tirado y me han disparado
Eres lo mejor que he encontrado en mi vida

Trátame con cuidado
Reputación variable
Situaciones tolerables
Cariño, eres adorable

Trátame con cuidado
Estoy tan cansado de estar solo
Todavía tengo algo de amor para dar
¿Me demostrarás que realmente te importa?

Todo el mundo tiene a alguien de quien depende
Acerca tu cuerpo al mío y sueña
He sido engañado y tomado por tonto
He sido robado y ridiculizado
En centros de acogida de día y escuelas nocturnas
Trátame con cuidado

He estado retenido en aeropuertos, aterrorizado
Enviado a reuniones, hipnotizado
Sobreexpuesto, comercializado
Trátame con cuidado

He estado atado, y me he sentido confuso
Pero lo superaré por mí mismo, supongo
Oh, el dulce aroma del éxito
Trátame con cuidado

VERSIONES

Tom Petty y Jeff Lynne cantaron ‘Handle with care’ en un concierto en HOMENAJE A GEORGE HARRISON que tuvo lugar en el Royal Albert Hall de Londres en 2002.

La banda danesa HOBO-EKSPRESEEN firmó en 1989 una recuperación del tema que tituló ‘En at bli’ som’.

En 2005 el grupo JENNY LEWIS AND THE WATSON TWINS amoldó también ‘Handle with care’.

THE TRAVELING WILBURYS estaba considerado el supergrupo por antonomasia y quien así lo estimaba andaba cargado de toda la razón. Una reunión de genios de este nivel no puede ser calificada de otra forma. George Harrison, Roy Orbison, Tom Petty, Bob Dylan y Jeff Lynne personificaron un corto e irrepetible momento de la historia de la música pop-rock a la que no pusieron fin los egos, como ocurre en la mayoría de los casos, sino la muerte.

Comenzaron su andadura en 1988 con el disco ‘The Traveling Wilburys, Vol. 1’, grabado en diez días –a cadencia de canción por jornada– porque ése era el tiempo de que disponía Dylan antes de partir de gira. Surgieron una decena de obras maestras que simplemente hablan de la vida. El éxito fue inmediato y rotundo gracias a temas como el mencionado ‘Handle with care’, ‘End of the line’ o ‘Not alone anymore’.

Desgraciadamente dos semanas después del lanzamiento del LP, el corazón de Orbison dijo basta, pero la ‘pandilla de capos’ superó la pérdida y en 1990 grabaron ‘The Traveling Wilburys, Vol. 3’, también dotado de mucho talento en canciones como ‘She’s my baby’ o ‘Wilbury twist’.

El ya cuarteto no volvió a los estudios, aunque tiempo después aparecieron grabaciones piratas con demos, otras versiones y rarezas que tuvieron por título ‘Volume 2’ y ‘Volume 4’. Cualquier posibilidad de reunión se abortó en 2001, cuando George Harrison también falleció a causa de un cáncer de pulmón.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | 48 comments | Add to del.icio.us
Post tags: Bob Dylan, California, Cruyff, George Harrison, Grammy, Hobo-Ekspressen, Jeff Lynne, Jenny Lewis and The Watson Twins, Jim Keltner, Londres, Maradona, Messi, Pelé, Roy Orbison, Royal Albert Hall, Santa Mónica, Tom Petty, Zidane

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

El brillo de la guitarra de Jim McGuinn sobresalió en un tema producido para la discográfica CBS por el hijo de la famosa cantante Doris Day, Terry Melcher. Apoyaron el sonido músicos de prestigio como Hal Blaine (batería), Larry Knechtel (bajo), Jerry Cole (guitarra rítmica) y Leon Russell (piano eléctrico). Sus arreglos y las ricas armonías vocales enriquecieron el tema original de Dylan.

Aunque el propio autor dijo en alguna ocasión que se inspiró en la imagen de un músico agitando la pandereta, otras versiones apuntan que describe un viaje que realizó en su juventud desde Los Ángeles a Nueva York. Para amenizarlo envió paquetes de marihuana a distintas oficinas postales a lo largo de la ruta, evitando así el peligro de que fuera detenido por la Policía en poder de los estupefacientes. Por lo tanto, el señor de la pandereta bien pudiera ser el ‘camello’ de Dylan. La versión de la droga es asimismo la que mantiene la película ‘Mentes peligrosas’.

Una tercera hipótesis especula con que ‘Mr. tambourine man’ hace alusión a un personaje de cómics muy popular en los sesenta, muy similar en su vestimenta al sombrerero loco de Alicia en el país de las maravillas, que, por cierto, también hacía reiteradas referencias al consumo de alucinógenos. Incluso hay quien piensa que se refiere al niño de la canción navideña ‘El pequeño tamborilero’ o que incluso está dedicada a Jesucristo.

La verdadera historia queda aún por confirmarse cuando ya han pasado casi cincuenta años desde que fue escrita la canción, pero lo único cierto es que, sea cual sea su mensaje primitivo, cada vez que se interpreta extiende una sensación de alegría y paz pese a la profunda soledad, tristeza y desconsuelo que nos pretende transmitir.

Al margen de dobles sentidos, sismologías o interpretaciones abiertas, la letra nos relata la historia de un hombre solo y triste que tiene problemas para conciliar el sueño y que le pide al señor de la pandereta que toque una canción para él.

Oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
sigo despierto y no tengo a dónde ir,
oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
y te seguiré a lo largo de esta madrugada ligera

Aunque sé que los imperios de anoche
ya se han convertido en arena,
se han esfumado entre mis manos,
déjame aquí a ciegas, pero sin estar dormido

Me sorprende el hastío que siento,
me han marcado los pies,
no tengo que encontrarme con nadie,
y la calle ancestral y vacía
está demasiado muerta para soñar

Llévame de viaje en tu barco mágico y arremolinado,
he sido despojado de mis sentidos,
mis manos inertes no consiguen agarrarse a nada,
y mis dedos son demasiado torpes para tocar,
no esperes más que ver deambular los tacones de mis botas

Estoy listo para ir a donde sea,
preparado para desvanecerme
dentro de mi propio desfile, así que
lanza tu hechizo danzante sobre mí,
y prometo que me someteré a él

Aunque escuches risas, bailes, y
movimientos febriles atravesando el sol,
no es intención de nadie, sólo huyen a la desesperada,
y, excepto para el cielo, no hay vallas enfrente suyo

Y si crees escuchar vagos trazos de rimas inconexas
acompañando el sonido de tu pandereta,
sólo hay un payaso andrajoso detrás,
no pagaría por ellas ni por asomo,
son sólo las sombras que está persiguiendo

Luego hazme desaparecer a través
de los anillos de humo de mi mente,
bajo las neblinosas ruinas del tiempo,
más allá de las hojas congeladas
de los árboles embrujados y asustados,
a merced del viento de la costa,
lejos del retorcido alcance de la pena demente

Sí, para bailar agitando una mano
al aire bajo el cielo de diamantes,
perfilada por el mar, rodeada de montañas de arena,
con los recuerdos y el destino
hundiéndome hasta las profundidades, bajo las olas,
deja que me olvide de hoy hasta mañana

Oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
sigo despierto, y no tengo a dónde ir,
oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
y te seguiré a lo largo de esta madrugada ligera

VERSIONES

Son incontables. Cómo no, hay que ofrecer la original de BOB DYLAN.

Entre tantas revisiones destacó, por ejemplo, la que realizó STEVIE WONDER.

No olvidemos la de JUDY COLLINS.

También os ofrezco la del grupo THE FOUR SEASONS. Peculiar, sobre todo los coros.

Para los interesados en algo más moderno, conviene buscar también las revisiones realizadas por TEENAGE FANCLUB, JUNIOR o SOLAR.

THE BYRDS fue una de las bandas fundamentales de la historia del pop estadounidense, influyendo en infinidad de músicos. Nacieron a mediados de los sesenta para contrarrestar la oleada del pop británico que invadió el nuevo continente. Sus acordes autóctonos del folk americano marcaron las directrices del folk rock que trató de frenar la avalancha que siguió a The Beatles desde 1964.

Jim McGuinn (banjo y voz), Chris Hillman (bajo y mandolina), Gene Clark (guitarra, armónica y pandereta), Michael Clarke (batería y armónica) y David Crosby (guitarra y voz) se unieron en 1964 y un año más tarde llegaron n al estrellato con ‘Mr. Tambourine man’, al que siguieron otros singles de éxito como ‘A ll I really want to do’ o ‘Turn! Turn! Turn!’. Tres años de pop folk brillante dieron paso a cambios de formación y una nueva orientación hacia el country-rock hasta que en 1968 se separan.

McGuinn intentó seguir formando los nuevos Byrds, grupo con el que sobrevive hasta 1972. Un año más tarde los integrantes originales se reunieron para grabar un LP de despedida. Dejaron atrás un gran legado que, afortunadamente, aún sobrevive para que podamos degustarlo en la actualidad.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Bob Dylan, Chris Hillman, David Crosby, Doris Day, Hal Blaine, Jerry Cole, Jim McGuinn, Judy Collins, Larry Knechtel, Leon Russell, Los Ángeles, Michael Clarke, Nueva York, Stevie Wonder, Terry Melcher, The Four Seasons

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

La morriña gallega la sintió en esa ocasión un vasco de Hondarribia, obligado a alejarse de casa por un mandato que no entendía y que poco más tarde fue eliminado: la famosa mili. Pero Artola nos escribió ya entonces, en los setenta, de un fenómeno que todavía no se había manifestado en nuestra tierra. La llegada de inmigrantes a Euskadi era algo impensable, a pesar de que los vascos hemos tenido gran vocación emigrante a lo largo de nuestra historia.

Con un sonido principalmente acústico basado en la guitarra, la voz limpia de Txomin Artola, a la altura de las mejores cantantes del folk-rock anglosajón, nos traslada la inspiración abrumadora que otorga la distancia de los tuyos y de tu entorno. Todavía exhibió en esta creación las influencias de los norteamericanos Bob Dylan y Simon & Garfunkel, sus grandes ídolos junto con el británico John Renbourn, Las materializó con una voz dulce, tranquila, con modulación lenta, sin estridencias.

http://youtu.be/3Ud_E2PL2-0

Bajo la lluvia de la mañana, sin paraguas,
con las manos en los bolsillos
y una pena en el corazón, estoy lejos
de casa, bajo la lluvia de la mañana,
sólo con mi guitarra

Tengo que encontrar un trabajo para comer
algo hoy, pero es difícil porque soy extranjero,
he cantado en la calle canciones de mi país
y la gente me ha dejado algo en la lluvia de la mañana

«No andes así vagando, mejor quédate conmigo»
dice una chica. A veces me pregunto que hago aquí,
y para qué le doy tantas vueltas a todo

Pero tengo que seguir adelante hasta encontrar
mi camino, tengo que estar solo hasta conseguirlo,
y un día veré feliz cómo sale el sol de entre
la lluvia de la mañana

VERSIONES

El grupo joven de Astigarraga EIRA ofreció ‘Goizeko euri artean’ durante un concierto navideño interpretado en Escuela de Música Norberto Almandoz de su pueblo.

El grupo de folk progresivo HAIZEA nació en 1975 basado en las voces de Txomin Artola y la genial Amaia Zubiria. El éxito fue inmediato y arrollador dentro del pequeño universo de la música en euskera. Fue el primer ‘supergrupo’ vasco al completar una alineación de diseño con grandes músicos como Xavier Lasa (guitarra y flauta), Gabriel F. Berrena (bajo y contrabajo) y Carlos Busto (batería, percusión y xilófono).

Con un bagaje de sólo dos discos dejaron para el recuerdo canciones inolvidables como la mencionada ‘Goizeko euri artean’, ‘Brodatzen ari nintzen’, ‘Loa loa’, ‘Arnaki’… Todas muestras de una gran creatividad cargada de un ambiente mágico y poético, con música tranquila, dulce y dotada de efectos especiales. La magnífica combinación de guitarras eléctricas y acústicas y voces masculinas y femeninas produjo dos discos excelentes en 1978 y 1979. Reeditados por una compañía catalana, son aún muy apreciados. Sus vinilos constituyen piezas muy apreciadas por los coleccionistas.

Fue un grupo fuera de tiempo, ya que nació, se desarrolló y murió en una época en la que la música vasca sólo se utilizaba para difundir mensajes políticos o con fines reivindicativos. Ellos, embargo, obviaron esas corrientes y se dedicaron al folk, con un estilo muy parecido al del conjunto inglés Pentangle.

Haizea falleció cuando Txomin Artola emprendió el camino en solitario. Inicialmente fue sustituido por Xabier Iriondo, pero al poco tiempo el quinteto se disolvió.

© jugalde_1441670400 for Música callada, get_post_time('Y'). | Permalink | 3 comments | Add to del.icio.us
Post tags: Bob Dylan, Eira, Hondarribia, John Renbourn, Sáhara, Simon & Garfunkel

Feed enhanced by Better Feed from Ozh