Fueron los resúmenes de la Vuelta Ciclista de 1981 los que, del 21 de abril al 10 de mayo y a lo largo de los 3.446 kilómetros que unieron Santander y Madrid tras recorrer gran parte de la península, nos descubrieron en España este experimento. Como sintonía, Stars on 45 presentó un resumen de los principales éxitos de The Beatles, enganchados por un ‘vínculo’ obra del productor Jaap Eggermont. El resultado constituyó todo un éxito. Sin duda fue el tema del año en nuestro país.

Lo mismo ocurrió en el resto de Europa y en la mayor parte del mundo, incluido el exigente mercado estadounidense, que premió este innovador concepto musical con el número uno de la todopoderosa revista musical ‘Billboard’ en junio del mismo año. Arrebató la cima del hit parade a ‘Bette Davis eyes’, de Kim Carnes, que ya ha pasado por este blog.

La acogida de Stars on 45 al otro lado del Atlántico fue tal que incluso el Huntington Hartford Theater de Hollywood acogió un show del grupo, editado en vídeo por MCA Home en 1983.

La industria discográfica de Reino Unido asimismo premió el proyecto con los galardones al mejor álbum de música disco, al mejor single y al mejor productor revelación.

Sin solución de continuidad Stars on 45 versionó obras del inigualable cuarteto de Liverpool como ‘No Reply’, ‘I’ll Be Back’, ‘Drive My Car’, ‘Do You Want to Know a Secret’, ‘We Can Work It Out’, ‘I Should Have Known Better’, ‘Nowhere Man’, ‘You’re Going to Lose That Girl’ (hasta aquí la versión single), ‘Ticket to Ride’, ‘The Word’, ‘Eleanor Rigby’, ‘Every Little Thing’, ‘And Your Bird Can Sing’, ‘Get Back’, ‘Eight Days a Week’, ‘It Won’t Be Long’, ‘Day Tripper’, ‘Wait’, ‘Good Day Sunshine’, ‘My Sweet Lord’, ‘Here Comes the Sun’, ‘While My Guitar Gently Weeps’, ‘Taxman’, ‘A Hard Day’s Night’, ‘Things We Said Today’, ‘If I Fell’, ‘You Can’t Do That’, ‘Please Please Me’, ‘From Me to You’ o ‘I Want to Hold Your Hand’ (ya en el LP y el maxi).

La interpretación a cargo de siete músicos y cantantes de estudio de los Países Bajos, con voces muy similares a las originales, se redondeó gracias a una tecnología digital en su máximo esplendor. La mezcla fue perfecta. Hasta el punto de que gracias a Stars on 45 muchas canciones de The Beatles volvieron a las listas de éxitos musicales de Estados Unidos y Reino Unido. Y hasta la discográfica de los genios de Liverpool realizó su propia mezcla de éxitos en 1982, con el título «The Beatles Movie Medley».

Todo comenzó cuando Willem van Kooten, director gerente de la discográfica Red Bullet Production, descubrió un maxisingle pirata llamado ‘Let’s Do It In the 60’s’, que se constituía en torno a un poutpourri con canciones de The Beatles, The Buggles, The Archies, Madness… Entre ellos estaba el tema ‘Venus’, del grupo local The Shocking Blue, cuyos derechos pertenecían al empresario, aunque no cobraba ningún royalti por él.

Van Kooten contactó con Eggermont, que había tocado la batería en el grupo Golden Earring, para intentar repetir aquel mosaico musical, ya de forma legal y profesional para la discográfica CNR. El secreto era configurar una obra fácil de bailar y de éxito seguro porque incluía temas atemporales que todos conocíamos.

Como curiosidad hay que destacar que el título legal de aquel primer single fue “Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I’ll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You’re Going to Lose That Girl / Stars on 45”. La normativa obligada a citar todas las canciones que se mezclaban y ello hizo que Stars on 45 firmara el vinilo de 45 revoluciones con el título más largo de la historia que alcanzara el número uno mundial.

De cualquier manera, como en este mundo todo parece inventado ya, hay quien encuentra un precedente a este género musical en el cantante francés LAURENT VOULZY, quien un verano de los años sesenta logró rentabilizar un tema que decía “y Bob Dylan cantaba”, para continuar versionando trozos de los principales hits del cantautor norteamericano. Igual fórmula utilizó, más tarde inspirándose en The Beatles. Tituló el invento ‘Rockollection’.

El conjunto CAFÉ CRÈME también mezcló a The Beatles, aunque sin claps y dando un toque personal a los temas. Este producto nació con el título ‘Unlimited Citations (non-stop beatles disco medley)’.

Tras la estela de Stars on 45 surgieron nuevos intentos de rentabilizar una fórmula que se demostró exitosas. Algunos de ellos fueron:

JIVE BUNNY & THE MASTER MIXERS, con ‘Hit Mix’.

THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA, con sus Hooked on Classics.

Lo mismo hizo LARRY ELGART Y SU MANHATTAN SWING ORCHESTRA, pero con música swing.

En España Luis Eduardo Aute intentó experimentar asimismo con retales de canciones de rock clásicas. Entre las elegidas estaba ‘Love me tender’ de Elvis Presley, pero la familia del rey del rock se negó a versiones de trozos.

Más suerte tuvo el saxofonista y director de orquesta LUIS COBOS, que supo rentabilizar mezclas de clásicos, zarzuela o corridos mejicanos.

Todos los cantantes de STARS ON 45 procedían de los Países Bajos. Bas Muys imitó a John Lennon, Hans Vermeulen a Paul McCartney y Okkie Huysdens a George Harrison. En el proyecto también participaron Albert West, Arnie Treffers, Jody Pijper, Peter Vermeij y Tony Sherman.

Se dieron a conocer con el medley del mítico cuarteto británico, que les permitió editar sus dos primeros singles y la cara A del álbum de debut ‘Stars on Long Play’.

Después de estos primeros éxitos, bajo la dirección de Jaap Eggermont lanzaron al mercado nuevas ediciones monográficas con temas de Abba ‘Stars on Long Play II’ (número 2 en Reino Unido), de la Motown (número 55 en Estados Unidos), The Rolling Stones, Sam and Dave y James Brown. Ediciones europeas incluyeron “Stars on Frankie” como homenaje a Sinatra.

Una secuela femenina de Stars on 45 fue el grupo The Star Sisters, que cantaba temas de los 40 y se hizo famoso en Europa con el éxito del single ‘Andrews Sisters Medley’y el álbum ‘Stars on 45 Presents The Star Sisters’.

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Se vio obligado a refugiarse en casa de su familia. Y allí encontró la muerte, poco más de un año después, concretamente el 1 de abril de 1984, un día antes de cumplir 45 años. Fue asesinado por su padre, que en su demencia de excéntrico ministro de una secta que combinaba el judaísmo ortodoxo con el fundamentalismo cristiano, le veía como un demonio. Lo mató de dos tiros después de una discusión. Cuatro meses antes él mismo había regalado el arma a su progenitor, que nunca aprobó el estilo de vida de su hijo.(...)
Read the rest of Marvin Gaye – Sexual healing (Terapia sexual) (1,499 words)

Hablamos de Marvin Gaye, el genio de Washington DC, que la cocaína y al alcohol nos arrebató a los melómanos cuando su creatividad estaba de nuevo en la cima del mundo de la música pop tras cinco años de transitar errático.

Pero antes de dejarnos, el norteamericano supo plasmar en su obra más popular, en su tema franquicia, la elegancia de unos arreglos pausados, bondadosos, característicos de su devenir artístico hasta lograr un sonido que supo envolver a millones de personas en un ambiente sensual que ha hecho que ‘Sexual healing’ haya sido considerada como la número uno de las canciones para escuchar mientras se practica sexo. Su ritmo cadencioso, la mezcla de soul, funk, reggae, boogie… y un toque gospel, le da un aura única.

Desde que salió al mercado hace treinta y dos años ‘Sexual healing’, compuesta en Bélgica, ha sido la banda sonora de numerosas cenas para dos, de otros tantos bailes agarrados y de, como mínimo, otras tantas escenas de cama, tantos momentos íntimos, placeres carnales, disfrutes nocturnos, incrementos de la libido… Se ha encargado de poner el tono en el seno de las parejas durante tres décadas, según un estudio titulado ‘La ciencia detrás de una canción’. Todo es explícito. Hasta los susurros de Harvey Fuqua, amigo y mentor de Marvin Gaye.

Es el mejor ejemplo para apoyar la teoría del psicólogo musical Daniel Müllensiefen, que consideró que «la música es capaz de activar las mismas zonas de placer del cerebro que la comida o el sexo».

Dentro de su clasicismo, la obra culmen de Gaye fue revolucionaria. Los expertos musicólogos la ‘culpan’ de partir en dos la historia de las baladas. Desde ‘Sexual healing’, uno de los grandes éxitos de todos los tiempos, la temperatura media de las composiciones subió, sin olvidar nunca la música negra, el soul, el pop y el blues. También cambiaron los videoclips después del que ilustró esta obra, de estética inspirada en las películas para mayores.

‘Sexual healing’ llegó a la mente de Marvin Gaye en abril de 1982, cuando su biógrafo, David Ritz, descubrió en la habitación del artista gran cantidad de revistas pornográficas y de cómics de temática sadomasoquista. «Tal vez necesites terapia sexual», le comentó. A Gaye le gustó cómo sonaba aquella frase y pidió a Ritz que escribiera un poema sobre el tema.

La letra encajó en las reflexiones filosóficas y las necesidades personales y emocionales del cantante, que plasmó la idea con ritmo reggae. La siguiente estación fue el lugar más alto de las listas de éxitos y la consecución de un premio ‘grammy’, el único que logró en su carrera.

En ello colaboró el promotor belga Freddy Cousaert, que supo convencerle para recomenzar su carrera. Materializó el milagro de recuperarle cuando ya parecía alejado del mundo y vivía como un hippy en Hawaii. Gaye resurgió de sus cenizas artísticas al instalarse en Ostende y fichar por Columbia, multinacional con la que convirtió ‘Sexual healing’ en vinilo.

Pero el éxito no fue ajeno a la polémica porque Ritz acabó demandando a Gaye por no incluirle en los créditos del tema. Durante el proceso se barajaron varias teorías. Hay quien sostuvo que el cantante quería conocer el barrio rojo de Ámsterdam y el biógrafo le respondió que necesitaba una terapia sexual.

Por contra, el hermano del artista, Frankie Gaye, dijo que la conversación versó sobre otro tema. «No sólo eres sexy, tu música es una terapia», dice que le dijo Ritz. Además, el teclista Odell Brown, coautor de la melodía, nunca consideró que el escritor hubiera tenido algo que ver con la canción: «Jamás conocí a ese tío. Lo único que me dijeron es que estaba haciendo una entrevista para ‘Rolling Stone’». Pero los jueces dieron la razón al periodista, que finalmente consiguió que su nombre apareciera en los créditos.

Termómetro para medir la transcendencia de Marvin Gaye y ‘Sexual healing’ puede ser el hecho de que dio lugar a un ‘biopic’ protagonizado por el actor Jesse L. Martin, que finalmente reemplazó a Lenny Kravitz como protagonista, al ser vetado éste por la familia del hombre que inspiró su guión.

Oh, nena, vamos a ir al grano esta noche
necesito amor y, nena, no puedo aguantar mucho más tiempo
se va haciendo cada vez más y más fuerte

Y cuando tengo este sentimiento
necesito una terapia sexual
la terapia sexual, oh, nena
me hace sentir muy bien

Me ayuda a aliviar mi cabeza
la terapia sexual, nena, es buena para mí
la terapia sexual es algo que es bueno para mí

En cuanto las lágrimas de tristeza caen
y mi estabilidad emocional me abandona
hay algo que puedo hacer
puedo coger el teléfono y llamarte, nena

Y cariño, ya sé que estarás ahí para aliviarme
el amor que me des me liberará
si no sabes qué es lo que estás tratando
Ohh, puedo decirte, cariño, que es una terapia sexual

Levántate, levántate, levántate, levántate
vamos a hacer el amor esta noche
despierta, despierta, despierta, despierta
porque lo haces muy bien

Nena, me encuentro mal esta mañana
un mar tormentoso dentro de mí
nena, creo que estoy zozobrando
las olas están creciendo más y más

Y cuando me siento así
busco una terapia sexual
la terapia sexual es buena para mí
me hace sentir muy bien, va tan deprisa
me ayuda a aliviar mi cabeza, y es bueno para nosotros

La terapia sexual, nena, es buena para mí
la terapia sexual es algo bueno par mí
Y es buena para mí, y es muy buena para mí, nena, ooh

Venga, toma el control, agárrate
a mi cuerpo y mente, pronto lo estaremos haciendo, cariño
me estaré sintiendo bien, así me estás curando
de la manera en que me emocionas, mantenme cerca de ti
para que me llenes sexualmente

Eres mi medicina, abre y déjame entrar
cariño, eres tan buena, no puedo esperar a que te pongas en marcha
no puedo esperar a que te pongas en marcha, nena
no puedo esperar a que te pongas en marcha

Y nena, cuando te quedes dormida por la noche
me quedaré despierto y leeré
y nena, nena, nena, no puede estar más que tenso
por las necesidades de mi pasión

Y cuando siento esto
necesito una terapia sexual
cuando siento esto
necesito una terapia sexual

Nena, no puedo esperar mucho más tiempo
se va volviendo más y más fuerte

Y cuando siento esto
necesito una terapia sexual
Ohh, cuando siento esto
necesito una terapia sexual

Tengo que conseguir una terapia sexual, amor
porque estoy solo
y necesito una terapia sexual, amor
hasta que vuelvas a casa

Por favor, no lo dejes para más tarde
no es bueno masturbarse

VERSIONES

La revisión que protagonizó BEN HARPER en 2001 tiene un estilo propio. Incluyó el tema en su décimo álbum.

MICHAEL BOLTON supo valorar el impulso que esta obra daría a sus interpretaciones. Lo hizo en 2009.

GEORGE MICHAEL, asimismo, la incorporó a su repertorio en 1988.

http://youtu.be/P1G8NXR96sQ

Fue muy conocida la visión que ofreció SARAH CONNOR de esta canción en 2007.

Entre los incontables artistas que han cantado ‘Sexual healing’ cabe recordar a Ne-Yo, Big Daddy Kane, Fat Joe, Bone Thugs N´Harmony, Clam, Kate Bush, Darren Hayes, Anita Lane, Soul Asylum, Fourplay, Slaves On Dope, Craig T. Cooper, Morgan Evans, The Hot 8 Brass Band, Hot Chip, Joan Caramba…

‘Sexual healing’ también ha formado parte de las bandas sonoras de películas como ‘I spy’, de Owen Wilson y Eddy Murphy; y en series como ‘South Park’. Pero es muy conocida la interpretación de Herbert Viola a Agnes DiPesto en la mítica ‘Luz de luna’.

MARVIN GAYE, llamado el Sinatra negro, forma parte del Olimpo de la música soul, como Stevie Wonder, James Brown, Little Richard, Aretha Franklin, Otis Redding o Sam Cooke. Su historia, sus éxitos, sus problemas y su trágico final le convirtieron en un mito que en los escasos 45 años de vida nos dejó creaciones inolvidables.

Compositor de alta calidad, su carrera comenzó de forma modesta en la familia Motown y acabó siendo una estrella fuera de la firma que reunía a los mejores cantantes afroamericanos. Supo rentabilizar su alta calidad vocal para superar la barrera de los prejuicios raciales y ganarse el respeto de todo el mercado, también el blanco.

Sin embargo, su vida privada le traicionó y le sumió en la ruina personal. Sexo, alcohol y drogas pudieron con él. Quizás en ello pudo influir su niñez tortuosa, donde fue criado por un padre que era ministro de una secta cristiana tan austera y fanática que incluso condenaba a las celebraciones religiosas, pero que luego no dudaba en vestirse de mujer a escondidas. Su terapia se basaba en una paliza diaria.

Pero nada impidió que nos haya regalado joyas musicales como ‘Stubborn kind of fellow’, ‘I heard it through the grapevine’, What’s going on’, ‘Too busy thinking about my baby’, ‘Mercy mercy me’, ‘Let’s get it on’, ‘Got to give it up. Pt. 1’ o la analizada ‘Sexual healing’.

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Todo ello a pesar de que Lennox se recuperaba de unos nódulos en las cuerdas vocales que le impidieron emprender una gira e incluso participar en el multitudinario concierto de Live Aid. La fórmula de la comercialidad quizá se debió a que redujeron su uso habitual de sintetizadores, incorporaron ciertas gotas de blues y se apoyaron en instrumentos tradicionales como las guitarras, la trompeta o el saxo.

Inicialmente Eurythmics, también compositores de la canción, tenían destinado el tema al cantante invidente norteamericano Stevie Wonder, pero finalmente tuvieron que conformarse con que la estrella de la Motown colaborara tocando un solo de armónica que rivalizó con las cualidades vocales de Annie.

El fondo de la trama de ‘There must be an angel’ no es sencillo. Versa sobre la búsqueda personal y espiritual en los momentos en que nos encontramos sentimentalmente más débiles. En apenas un puñado de párrafos, su ánimo es intentar subir la moral y la autoestima de quienes la escuchan en esos días malos que todos tenemos de vez en cuando.

La protagonista se siente sola, pero se cree bendecida por un ángel, por multitud de ángeles que reavivan su corazón y establecen una conexión celestial con quien ella ama. Pese a la profundidad del intento se convirtió en uno de los éxitos más comerciales de la carrera de Eurythmics. De esos que provocan sonrisas inmediatas.

El videoclip se hizo muy popular. En él Dave Stewart interpreta a Luis XIV y Annie Lennox a una cantante que ha sido llevada ante el Rey Sol para entretenerle con una melodía tan bien construida.

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Entro en una habitación vacía
y de repente mi corazón retumba
es una orquesta de ángeles
y están tocando con mi corazón
debo estar hablando a un ángel

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Y cuando creo que estoy sola
parece que hay alguien más en casa
es una multitud de ángeles
y están tocando con mi corazón

Debo estar teniendo alucinaciones
viendo a los ángeles de fiesta
podría ser esto estar reactivando
dislocando mis sentimientos?

Debe ser una desconocida ilusión
por intervención celestial
dejándome el recuerdo
de tu celestial conexión.

VERSIONES

Annie Lennox, ya roto el dúo con Stewart, firmó una revisión de corte RHYTHM & BLUES. La interpretó en directo en Londres en 2009. Sin igual.

El quinteto de rock alemán NO ANGELS supo aprovechar también la comercialidad de ‘There must be an angel (Playing with my heart)’. Llevó el tema al número uno en su país y en Austria en 2001.

KYLIE MINOGUE la canta en sus giras.

Como rareza esta interpretación que realizó el difunto tenor PAVAROTTI con Eurythmics.

La banda CELTIC WOMAN nos ha hecho llegar una versión preciosa.

Por último reseñar que en 1999 Eurythmics se reunió para cantar con el gran STEVIE WONDER.

La escocesa Annie Lennox (vocalista) y Dave Stewart (guitarrista y compositor) comenzaron su andadura musical en la vía del punk londinense a mediados de los 70. Pero evolucionaron con facilidad hacia el technopop con su primer grupo, Tourists, banda que rompieron en 1980 para fundar el dúo EURYTHMICS. Eligieron el nombre inspirándose en la palabra latina Eurythmia, cuyas raíces provienen del griego Eu (Bien o bueno) y Rythmes (ritmo),

El éxito llegó en 1983 con ‘Sweet dreams’, disco de oro, y siguió con ‘Who’s that girl?’, ‘Are made of this’, ‘Would I lie to you?’ o ‘Here comes the rain again’. Aunque fue en 1985 cuando tocaron la gloria con ‘There must be an angel’. El tema al que hoy nos referimos marcó un punto de inflexión en su carrera pasado a un estilo new wave que levemente incluso se encaminó hacia el rhythm and blues.

Toda una cadena de temas con gran repercusión les colocó frente a la década de los noventa, cuando decidieron separarse para emprender carreras en solitario. Stewart se centró en la producción, mientras que Lennox cosechó numerosos éxitos discográficos y acentuó su faceta activista solidaria.

Intermitentemente se reunieron para grabar dos discos en 1999 y 2001, y siempre corre el rumor de que resucitarán el dúo.

Eurythmics llegó a vender unos 75 millones de discos en todo el mundo. Además cosechó cuatro Grammys, dos Globos de Oro e incluso un Oscar.

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El brillo de la guitarra de Jim McGuinn sobresalió en un tema producido para la discográfica CBS por el hijo de la famosa cantante Doris Day, Terry Melcher. Apoyaron el sonido músicos de prestigio como Hal Blaine (batería), Larry Knechtel (bajo), Jerry Cole (guitarra rítmica) y Leon Russell (piano eléctrico). Sus arreglos y las ricas armonías vocales enriquecieron el tema original de Dylan.

Aunque el propio autor dijo en alguna ocasión que se inspiró en la imagen de un músico agitando la pandereta, otras versiones apuntan que describe un viaje que realizó en su juventud desde Los Ángeles a Nueva York. Para amenizarlo envió paquetes de marihuana a distintas oficinas postales a lo largo de la ruta, evitando así el peligro de que fuera detenido por la Policía en poder de los estupefacientes. Por lo tanto, el señor de la pandereta bien pudiera ser el ‘camello’ de Dylan. La versión de la droga es asimismo la que mantiene la película ‘Mentes peligrosas’.

Una tercera hipótesis especula con que ‘Mr. tambourine man’ hace alusión a un personaje de cómics muy popular en los sesenta, muy similar en su vestimenta al sombrerero loco de Alicia en el país de las maravillas, que, por cierto, también hacía reiteradas referencias al consumo de alucinógenos. Incluso hay quien piensa que se refiere al niño de la canción navideña ‘El pequeño tamborilero’ o que incluso está dedicada a Jesucristo.

La verdadera historia queda aún por confirmarse cuando ya han pasado casi cincuenta años desde que fue escrita la canción, pero lo único cierto es que, sea cual sea su mensaje primitivo, cada vez que se interpreta extiende una sensación de alegría y paz pese a la profunda soledad, tristeza y desconsuelo que nos pretende transmitir.

Al margen de dobles sentidos, sismologías o interpretaciones abiertas, la letra nos relata la historia de un hombre solo y triste que tiene problemas para conciliar el sueño y que le pide al señor de la pandereta que toque una canción para él.

Oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
sigo despierto y no tengo a dónde ir,
oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
y te seguiré a lo largo de esta madrugada ligera

Aunque sé que los imperios de anoche
ya se han convertido en arena,
se han esfumado entre mis manos,
déjame aquí a ciegas, pero sin estar dormido

Me sorprende el hastío que siento,
me han marcado los pies,
no tengo que encontrarme con nadie,
y la calle ancestral y vacía
está demasiado muerta para soñar

Llévame de viaje en tu barco mágico y arremolinado,
he sido despojado de mis sentidos,
mis manos inertes no consiguen agarrarse a nada,
y mis dedos son demasiado torpes para tocar,
no esperes más que ver deambular los tacones de mis botas

Estoy listo para ir a donde sea,
preparado para desvanecerme
dentro de mi propio desfile, así que
lanza tu hechizo danzante sobre mí,
y prometo que me someteré a él

Aunque escuches risas, bailes, y
movimientos febriles atravesando el sol,
no es intención de nadie, sólo huyen a la desesperada,
y, excepto para el cielo, no hay vallas enfrente suyo

Y si crees escuchar vagos trazos de rimas inconexas
acompañando el sonido de tu pandereta,
sólo hay un payaso andrajoso detrás,
no pagaría por ellas ni por asomo,
son sólo las sombras que está persiguiendo

Luego hazme desaparecer a través
de los anillos de humo de mi mente,
bajo las neblinosas ruinas del tiempo,
más allá de las hojas congeladas
de los árboles embrujados y asustados,
a merced del viento de la costa,
lejos del retorcido alcance de la pena demente

Sí, para bailar agitando una mano
al aire bajo el cielo de diamantes,
perfilada por el mar, rodeada de montañas de arena,
con los recuerdos y el destino
hundiéndome hasta las profundidades, bajo las olas,
deja que me olvide de hoy hasta mañana

Oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
sigo despierto, y no tengo a dónde ir,
oye, señor de la pandereta, toca una canción para mí,
y te seguiré a lo largo de esta madrugada ligera

VERSIONES

Son incontables. Cómo no, hay que ofrecer la original de BOB DYLAN.

Entre tantas revisiones destacó, por ejemplo, la que realizó STEVIE WONDER.

No olvidemos la de JUDY COLLINS.

También os ofrezco la del grupo THE FOUR SEASONS. Peculiar, sobre todo los coros.

Para los interesados en algo más moderno, conviene buscar también las revisiones realizadas por TEENAGE FANCLUB, JUNIOR o SOLAR.

THE BYRDS fue una de las bandas fundamentales de la historia del pop estadounidense, influyendo en infinidad de músicos. Nacieron a mediados de los sesenta para contrarrestar la oleada del pop británico que invadió el nuevo continente. Sus acordes autóctonos del folk americano marcaron las directrices del folk rock que trató de frenar la avalancha que siguió a The Beatles desde 1964.

Jim McGuinn (banjo y voz), Chris Hillman (bajo y mandolina), Gene Clark (guitarra, armónica y pandereta), Michael Clarke (batería y armónica) y David Crosby (guitarra y voz) se unieron en 1964 y un año más tarde llegaron n al estrellato con ‘Mr. Tambourine man’, al que siguieron otros singles de éxito como ‘A ll I really want to do’ o ‘Turn! Turn! Turn!’. Tres años de pop folk brillante dieron paso a cambios de formación y una nueva orientación hacia el country-rock hasta que en 1968 se separan.

McGuinn intentó seguir formando los nuevos Byrds, grupo con el que sobrevive hasta 1972. Un año más tarde los integrantes originales se reunieron para grabar un LP de despedida. Dejaron atrás un gran legado que, afortunadamente, aún sobrevive para que podamos degustarlo en la actualidad.

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El argentino firma un bello homenaje en poco menos de tres minutos. Un tema conmovedor, original, tierno… desnudo en su estructura, permite que un genio rinda pleitesía a otro. Ambos comparten carisma, talento y excentricidad

Calamaro resucita a Elvis jugando con esa leyenda urbana que mantiene que el de Tupelo nunca murió, si no que simplemente simuló su fallecimiento para disfrutar de un tranquilo retiro en Graceland o que todo fue una operación montada por el FBI y la CIA para proteger al músico de los intentos de asesinato de la Mafia.

Los que no reconocen que su vida se acabó el 16 de agosto de 1977 son los mismos que, como John Lennon, creen que «antes de Elvis no había nada», aquellos que no aceptaron la idea de perder a uno de sus mayores ídolos. Algunos, incluso, aseguran haber visto con vida al Rey. Calamaro es de ésos y lo plasmó en los siguientes versos:

No sólo está vivo en el corazón del rock,
mucha gente lo ve…
en Buenos Aires,
en Memphis,
en Graceland.

Viva el rey,
el que encendió la mecha que encendió el fuego.
El rock ‘n’ roll es rock,
y es poesía, y es caderas…
y es blanco y es negro,
porque hay un Elvis
que un día 16 se escondió
en el cuarto forrado de leopardo dorado
viendo su propio rock ‘n’ roll.

Pues claro que Elvis está vivo. Queda demostrado con cada recopilación que se publica. Vende millones de copias. Está más vivo que nunca. Y si no escuchen a Calamaro.

Elvis está vivo
me lo dijo un amigo
cuando el sol empezaba a caer

Está en el cuarto forrado de leopardo dorado
se queda viendo su propio funeral

En Memphis lo saben todos
pero es gente muy discreta y no dicen nada
será mejor así, será mejor así

Elvis está vivo
eternamente dormido
en un inodoro de cristal

Elvis está vivo
se escribe cartas conmigo
cuando el sol empieza a caer

Bob Dylan también lo sabe
pero Bob es muy discreto y no dice nada
será mejor así
será mejor así

Elvis está vivo
está lavando la limo
cuando el sol empieza a caer

Supongo que está en su casa
en una bata de seda
mirando diez canales a la vez

Elvis está vivo
Elvis es un buen tío
espero que me
invite a comer.

VERSIONES

CANDY CARAMELO nos ofreció una revisión rockabilly.

Con motivo del trigésimo aniversario de la muerte de Elvis, la televisión pública británica BBC difundió un anuncio en el que también participaban Noel Gallaher, Keith Moon, Stevie Wonder o Jimmy Page, entre otros.

También DIRE STRAITS volvió a dar vida a Elvis en ‘Calling Elvis’.

La canción ‘Crash’ de PROPELLER HEADS ofrece una reencarnación hogareña del Rey del Rock finales del siglo XX.

ANDRÉS CALAMARO dicen que nació de la unión entre una guitarra y unas gafas oscuras, pero no es cierto. Se casó con ellas un poco más tarde. Vio la luz en Buenos Aires allá por 1961 y sin llegar todavía a la década de los ochenta ya se lanzó a intentar vivir de la música con el grupo Raíces.

No obstante, su primer dinero no lo cobró hasta 1981, cuando se integró en Los Abuelos de la Nada, con quienes compartió banda cuatro años. Se dio cuenta de que cuando se gana poco lo mejor es no repartir y por eso decidió caminar en solitario gracias a su primer disco ‘Hotel Calamaro’. Vendió pocos y vio cómo su discográfica cerraba.

En 1985 llegó otro disco sin mucho éxito pese a contar con la colaboración de famosos compatriotas. Tres años de errática andadura le colocaron a las puertas de la fama en 1988, cuando ‘Por mirarte’ le consagró.

Su fama le permitió dar el salto a España en 1990 para formar Los Rodríguez, grupo con el que nos ofreció un lustro de gloria. Su prestigio posibilitó que volviera a cantar sin compañía y sin perder el lugar que se ha ganado con creces. Y ahí sigue escribiendo temas excepcionales, relativos a lo que le interesa a él, no a su discográfica.

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Así descubrimos que el llamado Joe Cocker transalpino era poseedor de una de las voces más destacadas del panorama musical europeo. Pronto también valoraron su potencial artistas consagrados como Bono, Eric Clapton, Sting, Elton John, John Lee Hooker o Stevie Wonder, que colaboraron en algunas de sus canciones. Asimismo el divo Luciano Pavarotti se dignó a rozarse con Zucchero y su mezcla de música soul y blues.

En ‘Senza una donna’ canta a la tristeza que siente un hombre que camina errante sin descubrir el amor. Lo hace con una descripción que acaricia el alma y la traspasa con su voz rota. Para muchos fue uno de los mejores temas románticos de los ochenta, dotado de una delicada sensibilidad que triunfó en los distintos idiomas en que se interpretó el tema. Destacable es asimismo un grandioso solo de guitarra.

«Esta composición nació en una etapa difícil de mi vida. Me estaba separando de mi mujer e imaginaba un mundo sin ella ¿Quién me prepararía la comida? De golpe fue un éxito en todo el mundo», explicó durante una gira por Argentina el propio Zucchero (azúcar) con su imagen perenne, totalmente vestida de negro y coronada con su característico sombrero ya inconfundible

Yo siento que estoy gastando el tiempo… ¿Como estás?
Fuiste con él; ahora vuelves a verme… ¿Y qué tal?
Pero aquí, yo miro el mar
y ya ves: hasta me hice la comida

Aunque haya una herida más,
no voy a asustarme por vivir
Sin una mujer
no más pena, y sin dolor.
Sin una mujer

Voy a empezar mañana
Sin una mujer
es mi tortura y placer
Sin una dama, ja! Mejor así
No aceptaré
que quieras sobornarme

No insistas
Debes buscar un poquito más al fondo (del corazón)
Sí, aún lo tienes
Mi amor incandescente
mírame (mírame) ja, está ardiente

Aunque haya una herida más,
no voy asustarme por vivir
sin una mujer
no más pena, y sin dolor.
Sin una mujer

Voy a empezar mañana
Sin una mujer
es mi tortura y placer
Sin una dama, ja! mejor así

Y aquí miro el mar inmenso
y no se cuál es mi objetivo
Aunque haya una herida más,
no voy asustarme por vivir

Zucchero también grabó el tema EN CASTELLANO.

Para el mercado anglosajón se realizó EN INGLÉS ‘Without a woman’.

En 1991 PAUL YOUNG pidió a Zucchero grabar juntos una versión a dúo.

Recientemente SERGIO DALMA ha publicado ‘Senza una donna- Estoy bien así’, una revisión más que digna.

ZUCCHERO –nombre que le puso uno de sus maestros– Fornaciari es natural de un pequeño pueblo de escasamente mil habitantes incrustado en la Toscana, donde el rockero formó sus primeros grupos de rhythm y blues armado con una guitarra.

Algunas participaciones y éxitos en los tradicionales festivales veraniegos italianos le dieron la posibilidad de acceder al mundo del disco en 1983. Varios intentos sin demasiado éxito precedieron a la llegada de ‘Senza una donna’, el tema que le consagró y le permitió protagonizar una gira junto a Joe Cocker y Miles Davis.

Posteriormente, una vez adquirido el rango de estrella internacional, también actúo con Eric Captan y forjó una firme carrera con trabajos de gran calidad, reconocidos en todo el mundo.

En 1992 incluso aparece junto a los miembros de Queen en el concierto de tributo a Freddie Mercury en el estadio Wembley de Londres y consigue vender tres millones de copias con un álbum que recopila sus mejores obras.

Giras mundiales le permiten ya ser reconocido en todo el planeta, circunstancia que se apuntala con la publicación de ‘Baila (sexy thing)’, que, al igual que ‘Senza una donna’, fue número uno en infinidad de países. Su carrera sigue firme e incluso cuenta ya con continuación en la figura de su hija Irene Fornaciari, una gran voz que ya ha destacado en los escenarios con temas mayormente compuestos por su padre.

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