Por ejemplo, ¿a qué mujer no le gustaría ser una preciosa modelo, con un cuerpo estupendo, tener bonitas joyas y lujosos vestidos, asistir a fiestas maravillosas…? En fin, reinar en un mundo de cuento de hadas. ¿A qué hombre no le agradaría encarnarse en un gran deportista o en un profesional de prestigio, con un gran coche, y tener un éxito arrollador? Y viceversa, por supuesto. Es muy posible que a la mayoría.(...)
Read the rest of Alicia Keys – This girl is on fire (Esta mujer está en llamas) (1,266 words)

Sin embargo, a estas alturas ya sabemos que la vida no va de eso, sino que es otra cosa muy distinta para el común de los mortales. La vida va de vivir el día a día, con sus quehaceres cotidianos, su rutina, sus problemas, sus más y sus menos. Y aquí estamos todos, aguantando el tipo. Tomándonos la vida como viene, con más o menos resignación, según nos pille. Y según empieza una nueva jornada nos damos cuenta de que no hay más fiesta a la que ir que a la que nos tenga preparada el destino. Y al final, cómo lo tomemos depende de cada uno.

Esto vale tanto para ellas que para ellos. ¡Qué más da! Porque al final, hombre o mujer, todos soñamos y todos sentimos un fuego interior que nos hace brillar, aunque más tarde o más temprano todos nos enfrentamos a nuestra propia realidad.

Pero en el fondo, lo más bonito de todo ello, y también lo más difícil, es intentar brillar a pesar de todo y sacar fuerzas de flaqueza, sea cual sea la circunstancia. Alicia Keys lo canta maravillosamente en esta canción. ¡This girl is on fire’ retrata a una mujer que lleva una vida sencilla, doméstica y rutinaria. Se trata de una chica hacendosa, amorosa y normal.

Sin embargo, siente un fuego abrumador en su interior, un fuego que le da una fuerza enorme para impulsar su día a día y que le hace sentirse poderosa. Se ve a sí misma como una diosa maravillosa y este sentimiento es tan fuerte que le hace irradiar belleza, armonía y serenidad. Todo ello lo consigue gracias a ese fuego interior que todos tenemos y que, por desgracia, muchas veces notamos apagado.

La vida nos zarandea a capricho y nos lleva por caminos tan impredecibles y por circunstancias tan injustas que se nos funden los plomos. A veces sufrimos de ‘apagón’ interior, de letargo emocional, de tristeza o aburrimiento, y se nos hace cuesta arriba avivar nuestro pequeño fuego. Sin embargo, ser capaces de hacerlo es vital porque al final la vida es para vivirla y disfrutarla con intensidad. Para brillar con toda la luz que seamos capaces de irradiar. Esto es precisamente lo que Alicia Keys trata de decirnos con esta canción.

‘This girl is on fire’, que fue lanzado en 2012, es un himno a las personas sencillas que tienen la suficiente sabiduría como para saber disfrutar de las pequeñas cosas y brillar con esplendor en cada cosa que hacen.

Es simplemente una chica y está que arde
más sexi que una fantasía
solitaria como una autopista
vive en un mundo que arde
lleno de catástrofes, pero ella sabe que puede irse volando

Oh, ella tiene ambos pies en la tierra
y la está quemando
oh, ella tiene la cabeza en las nubes
y no va a regresar

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Parece una niña, pero ella es una llama
tan brillante que puede quemar tus ojos
mejor mirar para otro lado
puedes intentarlo, pero nunca olvidarás su nombre
ella está en la cima del mundo
la más sexi de las sexis

Oh, ella tiene ambos pies en la tierra
y la está quemando
oh, ella tiene la cabeza en las nubes
y no va a regresar

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Todo el mundo para cuando ella pasa
porque pueden ver la llama que hay en sus ojos
la ven como si iluminase la noche
nadie sabe que es una chica solitaria
y es un mundo solitario
Pero la va a desar que se queme, cariño

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Oh, oh, oh …
es simplemente una chica y está que arde

VERSIONES

Maravillosa la revisión que hizo de la alemana NICOLE CROSS en 2013.

Más floja en mi opinión la visión que la norteamericana PINK llevó a cabo en vivo en 2012.

http://www.youtube.com/watch?v=ZnBWyqCZ9Vs

Sorprendente la interpretación de la también norteamericana TAYLOR SWIFT en 2013, otra artista muy galardonada en los premios Grammy, al igual que Alicia Keys.

Esta interpretación incluida en la serie de televisión ‘Glee’, de 2013, tampoco se queda atrás. La cantaba una actriz que responde al nombre de SANTANA. Evidentemente no tiene nada que ver con el genial guitarrista mexicano.

De esta preciosa canción se han hecho muchas revisiones en concursos de talento musical. He aquí una de las más llamativas. La firmó en 2014 ALEXA dentro del certamen ‘La Voz’ de Australia.

Alicia Augello Cook, conocida artísticamente como ALICIA KEYS, nació en Nueva York en 1981. Fue una alumna aventajada y ya a la edad de siete años comenzó a tocar el piano, iniciándose en el estudio de compositores como Beethoven, Mozart y Chopin. A los 12 se matriculó en la Professional Performing Arts School de Manhattan, donde destacó como corista y empezó a componer sus primeras canciones.

En 1994, Alicia conoció a Peter Edge, de Arista Records. Sobre sus primeras impresiones acerca de ella, Edge declararía más tarde: «Nunca antes había visto a una artista de su edad con tanto talento musical. Había mucha gente que participaba como coro en bucles o canciones, pero ella tenía la capacidad no sólo de adaptarse al hip-hop, sino de ir mucho más allá».

Alicia firmaría con Columbia Records poco después. Sin embargo conflictos de sus representantes con la discográfica llevarían finalmente al fin de su contrato. Alicia se puso entonces en contacto con Clive Davis, –el descubridor de Whitney Houston años atrás– y en 2001 lanzó ‘Songs in A minor’, con el que consiguió cinco premios Grammy.

En 2004, su dueto con el cantante Usher para el tema ‘My boo’ le valió ocho nominaciones a los premios Grammy 2005, ganando en tres temas por material del álbum y en una por ‘My boo’. Cabe destacar la nominación de ‘If I ain’t got you’ como canción del año y del álbum como disco del año, dos de las más importantes categorías de los galardones.

En octubre de 2005 se lanzó a la venta el disco ‘Unplugged’, que debutó en el número 1 de ventas de Estados Unidos convirtiendo a Keys en la primera cantante femenina que consiguió llegar hasta lo más alto de las listas con tres álbumes consecutivos. Le valió. Además, cuatro nominaciones a los Grammy 2006.

Keys también grabó el dueto ‘Keep a child alive’ junto a Bono, de U2, para ayudar a la organización contra el sida, de la cual ella es portavoz mundial. El tema es una versión de ‘Don’t give up’, de Peter Gabriel, y fue rebautizado por Keys y Bono como ‘Don’t give up (África)’. Su siguiente disco, ‘As I am’, se publicó en 2007 y le otorgó el premio Billboard Pop 200.

En 2008 grabó la canción ‘Another way to die’ a dúo junto con Jack White para la película ‘Quantum of solace’, de la saga cinematográfica de James Bond. Este trabajo se vio envuelto en polémica porque fue elegido a costa de descartar una canción de Amy Whitehouse, quien anunció que publicaría su tema para demostrar que era superior al elegido.

Alicia Keys suma a la fecha veinticuatro nominaciones a los Grammy, doce de ellos ya los tiene bajo el brazo. Además, cuatro de sus álbumes han sido número uno en Estados Unidos desde su debut en el Billboard 200, honor que comparte con Britney Spears.

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Últimamente hemos estado hablando de artistas con un gran bagaje en el mundo de la música, algunos de ellos, leyendas, dada su dilatada carrera musical; otros, artistas efímeros que con su one hit wonder se comieron el mundo por una sola vez, pero les sirvió para que les recordemos siempre.

Hoy, sin embargo, vamos a hablar de una joven intérprete y compositora que poco a poco, sin armar grandes revuelos pero con paso firme y enorme talento, se ha hecho un hueco en el panorama musical. Nos referimos a Lana del Rey, una novel cantante norteamericana que sorprende por su suave pero potente creatividad, interpretación y puesta en escena.

Sí, ella lo hace prácticamente todo. Compone sus temas, los arregla musicalmente, los interpreta y los promociona vía redes sociales. Casi nada… Es una de esas intérpretes que no necesita armar un escándalo para salir en los medios, sino que pone la discreción y elegancia a la altura de las grandes divas. Si sigue por este camino, llegará a serlo y no faltando mucho.(...)
Read the rest of Lana del Rey – Born to die (Nacimos para morir) * (1,356 words)

Lana del Rey tampoco es ninguna monja y sus composiciones así lo reflejan. En sus canciones habla de temas de la juventud –quizá no muy ortodoxos–, a veces de sexo, a veces de coqueteo con las drogas, a veces de la muerte. Pero, esto es lo que hay. Cuenta historias de la vida, del amor y del desamor, de gente mundana. Cosas que pasan. Y las cuenta bien, que es lo importante. Quizá Lana del Rey peca de escribir temas demasiado tristes para su edad, pero lo hace con tal belleza que no le podemos reprochar nada. Son de una enorme genialidad.

El tema al que nos referimos hoy, ‘Born to die’, es una de las composiciones estrella del segundo álbum de estudio de la artista. El título, rotundo, lo dice todo. Lo describe como un «homenaje al amor verdadero y un tributo a vivir la vida en el lado salvaje». El vídeo es de una gran belleza y recoge un final realmente impactante.

En una entrevista concedida a MTV la intérprete contó que para preparar su grabación escribió un relato que tituló ‘La reina solitaria’, en el que ella figuraría sentada en un trono en medio de un escenario que representa el cielo, situado en un castillo remoto de Rumanía, flanqueada por dos tigres de bengala, mientras rememoraba tiempos pasados más felices en brazos de su amor.

Sin embargo, lejos de este enfoque tan poético, los productores adaptaron el guión de Lana del Rey y plasmaron relato más mundano y real, a la vez que dramático, pero sin perder un ápice de la sensibilidad y belleza a la que esta artista nos tiene acostumbrados.

‘Born to die’, que data de diciembre de 2011, fue lanzado por Interscope Records y contiene un sample vocal de ‘Long red’ de Mountain. El tema versa sobre una relación sentimental condenada al fracaso. Fue muy bien acogido por la crítica contemporánea, si bien fue considerada como una composición inquietante. En mi opinión, Lana del Rey tiene otras obras mucho más inquietantes que ésta. Para muestra, ‘Blue jeans’ o ‘Summertime sadness’, que no dejan indiferente a nadie.

El single promocional se situó rápidamente en los primeros puestos de las listas de éxitos y en los UK Music Video Awards de 2012 ganó el premio al Mejor Video Pop Internacional. Asimismo, el larga duración del mismo nombre se convirtió en el quinto disco más vendido en 2012, con 3,4 millones de ejemplares, recibiendo una cantidad considerable de discos de oro, platino y diamante.

¿Por qué?
Oh ¿yo?
¿Por qué?
Pies no me falléis ahora,
llevadme hasta el final de la línea

Oh mi corazón se rompe a cada paso que doy,
pero espero que a las puertas
me digan que tú eres mío

Caminando por la calles de la ciudad,
es por error o por designio.
me siento tan sola las noches de viernes

Puedes hacer que se parezca a un hogar,
si te digo que eres mío,
es como te dije cariño

No me pongas triste, no me hagas llorar,
de vez en cuando el amor no es suficiente
cuando el camino se pone difícil

No sé por qué,
sigue haciéndome reír,
vamos a colocarnos,
el camino es duro, continuemos,
y vamos a divertirnos mientras tanto.

Vamos, da un paseo por el lado salvaje,
déjame besarte fuerte bajo la lluvia,
como si tu chica estuviera loca

Elige tus últimas palabras, esta es la última vez,
porque tú y yo, nacimos para morir

Estaba perdida, pero ahora me he encontrado,
puedo ver, pero estuve ciega,
estaba tan confusa como una niña pequeña,
intenté tomar todo lo que pude,
asustada de no poder encontrar
todas las respuestas, cariño

No me pongas triste, no me hagas llorar,
de vez en cuando el amor no es suficiente
cuando el camino se pone difícil

No sé por qué,
sigue haciéndome reír,
vamos a colocarnos,
el camino es duro, continuemos,
así que deberíamos divertirnos mientras tanto

Vamos, da un paseo por el lado salvaje,
déjame besarte fuerte bajo la lluvia,
como si tu chica estuviera loca

Elige tus últimas palabras,
esta es la última vez,
porque tú y yo,
nacimos para morir (bis x4)

Vamos, da un paseo por el lado salvaje,
déjame besarte fuerte bajo la lluvia,
como si tu chica estuviera loca

No me pongas triste, no me hagas llorar,
de vez en cuando el amor no es suficiente
cuando el camino se pone difícil

No sé por qué,
sigue haciéndome reír,
vamos a colocarnos,
el camino es duro, continuemos,
así que deberíamos divertirnos mientras tanto.
Vamos, da un paseo por el lado salvaje,
déjame besarte fuerte bajo la lluvia,
como si tu chica estuviera loca

Elige tus últimas palabras,
esta es la última vez,
porque tú y yo,
nacimos para morir

VERSIONES

En 2012, tan sólo nueve meses después del lanzamiento de la versión original, la propia Lana del Rey lanzó una nueva revisión de ‘Born to die’, denominada THE PARADISE EDITION. Se dice que la autora grabó muchas variedades de este tema antes de publicar la definitiva.

ELI LIEB, joven cantante neoyorquino, se enamoró de esta canción e hizo una interpretación preciosa en diciembre de 2011.

En marzo de 2012 FRANCISCO PARRINO, jovencísimo pianista italiano, sorprendía con esta hermosísima versión al piano.

Y en diciembre de 2012 DIOGO PICARRA, artista portugués de indie/poprock, la interpretó a piano con su propio estilo.

En septiembre de 2013, la banda australiana post-hardcore THE AMITY AFFLICTION lanzó un cover de la canción en su álbum ‘Chasing ghosts’, que fue producido por el guitarrista de la banda Troy Brady y mezclado por Sonny Truelove. Increíble.

http://youtu.be/wHcvET15ko8

Elizabeth Woolridge Grant, más conocida por su nombre artístico LANA DEL REY, nació en Nueva York el 21 de junio de 1985. De ascendencia escocesa, Grant es hija del inversor en dominios de internet Rob Grant y de Patricia Grant. Tiene dos hermanos menores; Charlie Grant y la fotógrafa Caroline ‘Chuck’ Grant. Se crió en Lake Placid, donde su vida se caracterizaba por «caminar entre los bosques y escribir en su libreta». Desarrolló a los 14 años una grave adicción al alcohol, así que su padre la envió al Kent School, un centro privado en Connecticut.

Durante su estancia en el internado estuvo «condenada al ostracismo». A la edad de 18 años, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde comenzó a cursar estudios de Metafísica en la Universidad de Fordham. En la Gran Manzana, su tío le enseñó a tocar la guitarra, lo que Elizabeth utilizó para comenzar a escribir canciones y en poco tiempo empezó a presentarse en los clubes de Brooklyn.

A los veinte años firmó su primer contrato discográfico con 5 Points Records. En 2010 salió en venta como descarga digital ‘Lana del Ray a.k.a. Lizzy Grant’. Poco tiempo después la cantante pidió que el disco fuera retirado del mercado, ya que no estaba satisfecha con el número de canciones y quería cambiar su nombre de ‘Ray’ a ‘Rey’. Luego de sacarlo, reclamó a la discográfica que le vendiera todo su material y firmó un nuevo contrato con Interscope Records, Polydor Records y Stranger Records en octubre de 2011, con las que puso en circulación su segundo LP ‘Born to die’ en 2012.

Junto con el director, coguionista y coproductor de la película ‘El gran Gatsby’, Baz Luhrmann, Del Rey escribió la canción original ‘Young & beautiful’ para la banda sonora de la adaptación cinematográfica de 2013 de la mítica película anteriormente protagonizada por Robert Redford.

Su tercer EP, ‘Paradise’ le valió una nominación en la categoría mejor álbum de pop vocal en los premios Grammy de 2014. En 2014, Del Rey lanzó su tercer álbum, titulado ‘Ultraviolence’. A finales de diciembre publicó la banda sonora de la película de Tim Burton ‘Big eyes’.

En enero de 2014 se estrenó en VEVO ‘Once upon a dream’ –adaptación de una canción homónima de 1959–, perteneciente a la banda sonora de la película ‘Maléfica’, cuyo estreno fue el 30 de mayo de 2014.

Este año 2015 tiene previsto lanzar su nuevo álbum ‘Honeymoon’, cuyo primer single del mismo nombre ya ha empezado a promocionar.

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Aunque la composición data de 1969, la incomunicación humana que narra ‘The boxer’, y que también podemos encontrar de forma habitual en casi todas las creaciones del dúo estadounidense, está cargada de actualidad. Al igual que aquel púgil derrotado en el cuadrilátero y aplastado por la vida que caminaba solitario por las calles sumido en su soledad y superado por el terror, ¿cuántos hoy en día sufren este síndrome de la modernidad?(...)
Read the rest of Simon & Garfunkel – The boxer (El boxeador) (1,441 words)

Idéntica sensación, seguro, experimentan muchas personas que, en estos tiempos de crisis económica y social, transitan infectadas por la terrible enfermedad del paro. Me refiero a esos que se ven obligados a trasnochar en cajeros automáticos o en bancos de parques. A esa gente que hasta hace muy poco eran trabajadores como nosotros. Un golpe de mala suerte les colocó en el filo de una navaja que está a punto de degollarles.

‘The boxer’ retrató con crueldad a los millones de víctimas inocentes del sistema deshumanizado que preconizan nuestros gobernantes y que el resto estamos obligados a aceptar. Pero, no nos equivoquemos, la culpa es siempre nuestra. Tenemos lo que nos merecemos, porque somos una mayoría silenciosa que acepta cualquier cosa con el argumento de que nada se puede hacer ante los poderosos. Así siempre estaremos condenados.

Es hora de combatir a los que piensan por nosotros, a los que pretenden convencernos de que la sociedad es fruto de la evolución, que es natural que todo se compre y se venda, que es natural que haya ricos y pobres, que es natural que la dignidad no esté al alcance de todos… Y, sobre todo, que un modelo justo y humano constituye sólo una utopía.

Pero volvamos a ‘The boxer’. Narra el devenir en Nueva York de un joven que abandona su mundo rural con la esperanza de triunfar entre las doce cuerdas. No ocurrió y pronto se vio sumido en el hoyo de la pobreza y el desamparo. Pero todo era una simple metáfora, porque en realidad la balada es autobiográfica. Simon, que dijo haberse inspirado en la Biblia, esconde sus propias experiencias en la figura de un púgil que se pelea con el mundo, recibiendo y dando golpes para sobrevivir.

No deja de ser una dura crítica social, dotada de una carga emocional digna que elevó el nivel de los temas que, por aquellos tiempos, pululaban entre las creaciones de la llamada canción protesta. En el fondo, el objetivo era, según confesó años más tarde el autor, reflexionar sobre la maldad que anida detrás de críticas absurdas.

Hay que recordar que la prensa especializada fue muy cruel con los trabajos que antecedieron a esta canción. En ella se analiza el peso de la fama y la influencia, casi siempre negativa, que tiene sobre algunas personas. Pero, finalmente, como moraleja, Simon nos recuerda que lo importante siempre es no tirar la toalla y enfrentarse a los problemas.

«En esos días todo el mundo nos golpeaba y con esta canción les decía que si seguían con sus críticas ibamos a desaparecer, ya que en un principio todo eran alabanzas, pero de pronto arremetieron contra nuestro arte. Nos llevó casi tres años que las personas nos dejaran de mirar como criaturas extrañas e incluso algunos pensaron que procedíamos de Inglaterra, pero éramos de Queens, de Nueva York, a pesar de que no hacíamos rock and roll», declaró a la revista ‘Playboy’ en 1984.

Aunque ‘The boxer’ no llegó a los puestos más altos de las listas de éxitos de la época en la que salió al mercado –de hecho no pasó del séptimo lugar–, hoy es uno de los temas más recordados del dúo norteamericano. ¿Quién no recuerda o quién no ha coreado alguna vez el ‘lie a lie’ de su estribillo? Fruto, según el propio Simon, de una falta de inspiración momentánea. Sin embargo, la imaginación del público convirtió aquella onomatopeya en la palabra inglesa que designa la mentira.

¿Quién, asimismo, no ha gozado con sus arreglos –dicen que se emplearon más de cien horas de grabación en Nashville, la iglesia St. Paul en Nueva York y los estudios del sello Columbia–, con sus excelentes solos instrumentales, con una percusión inimitable o con la utilización del theremin, al parecer uno de los primeros instrumentos electrónicos?

La música transita sobre la autopista que trazan una guitarra acústica fenomenal, una llamativa intervención del bajo y la percusión que Hal Blaine logró extraer de su batería. También fue él quien utilizó una cadena y la azotó contra una pared para incorporar un sonido hasta entonces impensable en una canción. Hoy ese efecto se puede obtener gracias a la electrónica y a la informática, pero entonces fue todo un invento.

Como curiosidad cabe destacar que en el famoso concierto de Central Park, que escenificó la reunión del dúo en 1982, tras un largo período de separación, Garfunkel alteró el tercer verso de ‘The boxer’ e interpretó una estrofa que no aparecía en la versión original.

Soy un pobre diablo
y de mí nada sabréis
malgasté todas mis fuerzas
en montones de promesas que eran burlas
ni una verdad pero un hombre
sólo escucha lo que quiere escuchar
na na na…

Y dejé familia y casa
era apenas un chaval
para mi todo era extraño
en la paz de una estación
perdido y asustado
respirar, frecuentar los barrios bajos
su miseria y suciedad
entre vagabundos prefería estar
Lai la lai…

Voy buscando algún trabajo
pido paga sindical
pero no hay ofertas
sólo una proposición de prostitutas
he de admitir que hubo veces
solo y triste que encontré
consuelo allí
na na na…

Lai la lai…
Preparando el nuevo invierno
pienso en casa y en volver
vuelta atrás
donde el viento de ciudad
no me desangre más
vuelta a casa otra vez

En el ring un boxeador
un luchador de profesión
lleva huellas en la cara
del guante que le pegó
y que le cortó hasta que gritara
de vergüenza y de rabia

Yo me marcho
yo me marcho
pega duro y no se va
lai la lai…
lai la lai…

VERSIONES

El trío madrileño LAREDO firmó en 1978 una revisión en castellano más que apreciable. La adaptación de la letra la realizó Miguel Bosé. Es la que ofrecemos más arriba.

http://youtu.be/dwAgNomGaqw

Los geniales MARTES Y 13 realizaron una parodia a principios de la década de los noventa. Supieron explotar de forma magistral el famoso golpe reverberado de la mencionada cadena durante el estribillo.

Casi todos los grandes han interpretado alguna vez ‘The boxer’. La mayoría también ha grabado el tema, como, por ejemplo, NEIL DIAMOND.

JOAN BAEZ convirtió el tema de Simon en un elemento habitual de sus conciertos.

En una época más moderna destaca la interpretación de ALLISON KRAUUS, JERRY DOUGLAS y SHAWN COLVIN con motivo de la entrega a Paul Simon del Premio Gershwin en 2007. Sencillamente deliciosa.

Tampoco han resistido la tentación de incorporar ‘The boxer’ a su repertorio artistas como Emmylou Harris, Tommy Fleming, Bob Dylan, Mumford & Sons, The Samples, Paula Fernandes, Hell or Highwater, Chet Atkins o Bruce Hornsby, entre otros muchos.

SIMON AND GARFUNKEL conforman, tal vez, el dúo más famoso de la historia de la música moderna, una referencia para generaciones posteriores. Canciones como la analizada, ‘The sounds of silence’, ‘Bridge over troubled water’ o ‘Mrs. Robinson’ forman parte del acerbo cultural de todos nosotros.

La combinación de dos gargantas tan distintas y unos arreglos vocales fantásticos rozaron la perfección en melodías perfectamente engarzadas por los estadounidenses. Además, la mezcla de los textos comprometidos de Simon y la dulzura interpretativa de Garfunkel les convirtieron en inimitables.

Sus primeros pasos a finales de los cincuenta los dieron durante sus estudios escolares, influenciados por Pete Seeger y Bob Dylan. Bajo el nombre de Tom and Jerry grabaron su primer tema, ‘Hey schoolgirl’, sin mayor repercusión. Pero en 1963 la multinacional Columbia se percató de su talento y les editó un primer álbum. Tampoco lograron el éxito y se separaron temporalmente.

Pero dos años más tarde, sin informar a los autores, la discográfica realizó una mezcla diferente de ‘The sounds of silence’, incluido en ese primer LP. El single llegó al número uno y la pareja volvió a juntarse unida por el éxito. Ya nada detuvo al dúo, sobre todo desde que la película ‘El graduado’, del recientemente fallecido Mike Nichols, hizo famosa la canción ‘Mrs. Robinson’. Fueron los años dorados Simon & Garfunkel.

Pero sus distintos pareceres musicales, evidenciados sobre todo en las grabaciones, deterioraron las relaciones, con desacuerdos constantes. La separación llegó en 1971, aunque posteriormente volvieron a actuar juntos en el concierto de Central Park de 1982, que les llevó a emprender una gira al año siguiente. Antes se habían dado también algunos esporádicos reencuentros. Por ejemplo, en 1975 se reunieron para un programa de televisión.

Volvieron a chocar en 1983 y ambos artistas iniciaron un larga carrera en solitario. Una década después, actuaron en la gala de los premios Grammy y, en septiembre de 2003, anunciaron la puesta en marcha de Old Friends, una gira de conciertos por treinta y tres escenarios estadounidenses.

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Ni que decir tiene que es una de las composiciones que más ha hecho bailar a distintas generaciones, gracias a un imponente y característico estilo que, por su innovación, logró sorprender y encandilar al mismo tiempo. Han pasado tres décadas y media desde entonces, pero ‘Born to be alive’ todavía sigue presente en el acerbo de la música disco, en cuyos estertores participó con gran influencia en posteriores propuestas. Cuando ese género, conocido como Euro-Disco, consumía ya sus últimas fuerzas llegó Hernández y, como el ave Fénix, las pistas de baile resurgieron de sus cenizas.(...)
Read the rest of Patrick Hernández – Born to be alive (Nacido para vivir) (1,183 words)

Sin embargo, hubo un largo camino que Hernández tuvo que recorrer hasta llegar a la fama y a los aplausos. Su propuesta musical no fue bien aceptada inicialmente en Francia, su tierra natal, donde el mercado todavía vivía volcado en la producción de la chanson. Por ello, tuvo problemas para encontrar representante, productor y hasta casa discográfica. Fue el italiano Jean Vanloo quien creyó en él y le llevó hasta la casa belga Aquarius, que editó la canción.

La repercusión fue inmediata, llamando pronto la atención del mercado anglosajón. Una nueva mezcla a cargo de los productores Tom Hayden y Mike Stewart llevó también ‘Born to be alive’ hasta Estados Unidos en versión extendida, dentro de un maxi. Fue entonces cuando se convirtió en un clásico sin edad. Incluso en la actualidad es habitual encontrarnos con esta composición en las radios temáticas y, por supuesto, en todos los recopilatorios dedicados a los sonidos que poblaron las discotecas.

En el éxito que cosechó en España influyó en gran medida que Televisión Española eligiera esta canción como sintonía de sus programas sobre la vuelta ciclista, una prueba deportiva muy seguida por los telespectadores en aquellos tiempos. Pedalada a pedalada, su música caló en los cerebros de todos los amantes de la bicicleta y, por extensión, de todos los televidentes. De hecho, en las discotecas la gente bailaba el tema imitando montar sobre dos ruedas. ‘Born to be alive’ también fue muy utilizada en las clases de aerobic, una fórmula de gimnasia que comenzaba a desarrollarse en la península de la mano de las 625 líneas y de Eva Nasarre, la presentadora que popularizó esta disciplina.

Aunque la mayor parte de su potencial radicaba en la música, característica del movimiento disco, la letra, pese a ser sencilla, encerraba cierto mensaje de profundidad. Su filosofía nos recordaba que hemos nacido para vivir, no para que nuestra existencia sea un mero tránsito por este mundo. Nuestro transitar no debe pasar desapercibido. Abogaba también por olvidarse de temas trascendentales, recomendando que nos dejáramos llevar, como una pluma, para que sea el devenir el que conduzca nuestra existencia. Un estilo de vida que defendía la necesidad de dar validez a los sueños, nunca renunciar a ellos.

Con el tiempo también descubrimos que el vídeoclip promocional de ‘Born to be alive’ nos deparaba una sorpresa, algo que no supimos ver en un principio. Resulta que una de las bailarinas y miembro del coro no era otra que Madonna, que daba sus primeros pasos en el mundo del espectáculo y aún no era conocida. La podemos ver entre los bailarines de la tarima, con pelo corto negro y vestida con unos pantalones morados y una camisa azul. La luego reina del pop contaba entonces con 20 años. La italonorteamericana, todavía conocida con su verdadero nombre de Louise Veronica Ciccone, fue fichada en Nueva York, durante un cásting realizado por Jean-Claude Pellerin, amigo de Hernández que se encargaba de captar bailarinas.

Hernández ha vendido, desde que se publicó en 1979, veinticinco millones de copias de ‘Born to be alive’, que hoy aún le aporta cuantiosos emolumentos. En una entrevista en la revista del corazón ‘Gala’, el cantante explica que «cuando me levanto por la mañana, ya sé que voy a ganar entre 800 y 1.500 euros en el día». Y añade que si, por ejemplo, una gran marca utiliza su canción para una campaña publicitaria, esa cantidad aumenta considerablemente.

Hemos nacido para estar vivos
hemos nacido para estar vivos

Nacido, nacido para estar vivo
¿vas a estar vivo?
ves que has nacido
nacido, nacido
nacido para estar vivo

La gente me pregunta por qué
nunca me paro en ningún sitio
y siento la cabeza, la cabeza, la cabeza
pero nunca quise todas esas cosas
la gente necesita justificar
sus vidas, vidas, vidas

Ves que has
nacido, nacido, nacido para estar vivo
nacido para estar vivo
ves que has
nacido, nacido, nacido
nacido para estar vivo
es bueno estar vivo
estar vivo
estar vivo

Es bueno estar vivo
estar vivo
estar vivo
es bueno estar vivo

El tiempo estaba de mi lado
cuando estaba corriendo calle abajo
era tan genial, genial, genial
una maleta y una vieja guitarra
y algo nuevo en que ocupar
mi mente, mente, mente

Ves que has nacido, nacido
nacido para estar vivo
nacido para estar vivo
ves que has nacido, nacido, nacido
nacido para estar vivo

Ves que has nacido, nacido
nacido para estar vivo
nacido para estar vivo

Ves que has nacido, nacido
nacido para estar vivo
nacido para estar vivo

Ves que has nacido, nacido
nacido para estar vivo
nacido para estar vivo

VERSIONES

RICK SUMMER vio de inmediato las posibilidades de ‘Born to be alive’ y la cantó casi de forma paralela a la publicación del original, también en 1979.

http://youtu.be/1oUTEa6dfQc

La banda de punk-rock española LOS NIKIS hizo una llamativa revisión de esta canción bajo el título ‘Me voy a Benidorm!’.

La banda psychobilly procedente de Dinamarca NEKROMANTIX supo aprovechar asimismo el tirón del éxito de esta producción.

ROBERTO BLANCO, tunecino de origen cubano que canta en alemán, también ofreció en 2001 su visión de la obra.

En 1986 la escocesa KELLY MARIE interpretó ‘Born tu be alive’ con su estilo.

La película de ‘VACACIONES EN LAS VEGAS’ (‘Vegas Vacation’), protagonizada por Chevy Chase y Randy Quaid, incluyó en su banda sonora la canción que hoy analizamos. Una adaptación firmada por el artista belga Flip Kowlier, asimismo, se convirtió en tema principal del filme ‘Madonna’s pig’.

El tema ‘Born to be alive’ también aparece en el videojuego ‘Pump it up’. Además, ha sido repetidamente utilizado por el mundo de la PUBLICIDAD. Por ejemplo, la marca de perfumes Diesel uso la canción en 2011 para su producto ‘Fuel for life’. La interpretó Paolo Nutini.

También se convirtieron en un fenómeno viral de internet diversos videomontajes en los que se veía a HITLER cantando ‘Born to be alive’.

PATRICK HERNÁNDEZ (Le Blanc-Mesnil, 1949), hijo de español y de mitad austriaca mitad italiana, estaba condenado a dedicarse a la música porque toda su infancia convivió con ella en su entorno familiar. Su padre era un buen guitarrista de una big-band, mientras que su madre también exhibía su gran voz en actuaciones locales. Él siguió este camino marcado y pronto dejó los estudios para intentar labrarse una carrera musical. A finales los años sesenta ya contaba con banda propia, conformada junto a sus amigos del barrio. Con ellos actuaba en bares y pubs de su localidad interpretando canciones de otros artistas.

Consiguió dar el salto mundial con ‘Born to be alive’, su único éxito, liderando y abandonando la carrera de los hit parade con la misma velocidad. Por ello es un claro ejemplo de ‘One hit wonder’. Después nunca más se supo de él. Desde mediados de los ochenta, salvo algunas actuaciones esporádicas, se dedica a descansar bajo las ganancias del derecho de autor. Sólo regresa a los escenarios para revitalizar su canción franquicia. Hoy vive felizmente retirado en L’Isle-sur-la-Sorgue, junto a Laetitia, su esposa desde 1990, y su hija Victoria.

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Ya previamente había triunfado en su país, Italia, con el título original ‘La riva bianca, la riva nera’, aunque no consiguió imponerse en el Festival de San Remo de 1971, la gran cita de la canción transalpina. Tuvo que conformarse con el segundo puesto, aunque el jurado destacó sobremanera la música compuesta por Eros Sciorilli, pianista de jazz y director de orquesta especialista en beber de las fuentes de la tradicional ‘canzone napolitana’.  (...)
Read the rest of Iva Zanicchi – La orilla blanca, la orilla negra (1,138 words)

Zanicchi derramó sobre este tema pacifista ese carácter que impregna toda su obra, ese genio, ese estilo tan personal e incuestionable. Con la guerra de Vietnam como telón de fondo, su potencia, su garra y su sentimiento se esparcen sobre la elocuente letra antibélica escrita por Alberto Testa, que describe con una prosa cargada de poesía todo el horror y la estupidez que rodea a las contiendas bélicas, al tiempo que alerta del peligro que tiene la defensa acérrima de las banderas. Sin duda, es de esas composiciones que ayudan a que la humanidad vaya tomando conciencia del sinsentido de los enfrentamientos armados.

Ya lo decía el famoso militar nazi Erich Hartmann a partir de una frase del escritor, poeta, ensayista y filósofo francés Paul Valery: «La guerra es un lugar donde jóvenes que no se conocen y no se odian se matan entre sí por la decisión de viejos que se conocen y se odian pero no se matan». Esta obra lo recoge bien y habla de personas que se enfrentan en una lucha que ellos no han provocado y que, sin embargo, les llevará juntos a la eternidad. Por eso, la historia de la humanidad es la historia de las conflagraciones por el negocio que siempre han supuesto.

La guerra es una fábrica de muerte, de dolor para el ser humano, capaz de acabar con familias y con amores, generar hambre y miseria, crear destrucción o cercenar infancias –además de sembrar un miedo que nunca acaba de desaparecer– en pos de intereses fronterizos, económicos o ideológicos.

El grito de ansiedad y de angustia de Zanicchi y su alegato contra la violencia siguen siendo actuales, porque la irracionalidad que rodea las contiendas bélicas aún impera sobre la inteligencia, los intereses sobre la humanidad y la ceguera mental sobre la luz cerebral. La cantante italiana nos recuerda que también hoy la solidaridad entre los seres humanos debe estar por encima de territorios y de ideologías.

El mensaje de ‘La orilla blanca, la orilla negra’ puede ser fácilmente trasladado al mundo de la política en una época convulsa como la actual, en la que de nuevo son necesarios los himnos por la paz como el que hoy analizamos. Porque, aunque en el mundo occidental cada vez es más raro un enfrentamiento bélico, siguen existiendo orillas blancas y orillas negras.

Ahora los uniformes cada vez son menos de caqui y más ideológicos. No obstante, los ríos se mantienen invadeables y los puentes se destruyen cada día. Las batallas continúan y tampoco nosotros las veremos acabar. Las dos orillas parecen condenadas a una pelea eterna, porque, como dice Silvio Rodríguez, la guerra es la paz del futuro a pesar de que todos somos sabedores de que un enfrentamiento crispado, el exabrupto y la belicosidad visceral sólo conducen a la involución.

En España ‘La orilla blanca, la orilla negra’ se convirtió en un himno antifranquista. Al margen de los ajustes  necesarios para adaptar el ritmo y la métrica al castellano, la interpretación de Zanicchi es muy similar a la versión original italiana.

Debe hacer un alto mi capitán
sí que estoy cansado, no puedo más
alerta, cúbrase, al terraplén
alerta estoy más cúbrete tú también

Di soldado de dónde eres tú
del país vecino que hay más al sur
y por el río pasa la frontera
la orilla blanca, la orilla negra
y sobre el puente veo una bandera
mas no es la misma que está en mi corazón

De los míos creo no debes ser
por mi uniforme lo puede ver
no sé mis ojos ya están sin luz
me han herido y tal vez fuiste tú
triste es el destino mi capitán
mientras hayan guerras no cambiará

En la colina silba la metralla
la hierba verde está quemada
y por el río continúa la batalla
nosotros dos ya llegamos al final

Tengo que marcharme mi capitán
voy contigo no me querrás dejar
no te abandonaré, lo sabes ya
que vamos juntos para la eternidad

Todo ha pasado, hay paz en la frontera
en la orilla blanca, en la orilla negra
pero alguien llora y se desespera
gritando un nombre que no responderá

Debe hacer un alto mi capitán
sí que estoy cansado, no puedo más

VERSIONES

Obligado es ofrecer en primer lugar el original EN ITALIANO, titulado, como ya hemos dicho más arriba, ‘La riva bianca, la riva nera’.

El dúo fraternal argentino PIMPINELA dio su visión del tema.

La cantante venezolana MIRLA CASTELLANOS, comúnmente conocida como La Primerísima de Venezuela, firmó una interpretación llena de carácter.

La asturiana CRISTINA RAMOS también exhibió su gran voz con este tema, cantado en italiano.

La gitana CARMEN GABARRE realizó una revisión racial en 2008.

IVA ZANICCHI (Ligonchio, 1941) dio sus primeros pasos artísticos saltando de concurso en concurso desde que apenas contaba con veinte años. En uno de ellos logró en 1964 su primer éxito con ‘Come ti vorrei’, pero fue un año más tarde, ya en San Remo, el festival italiano por antonomasia, cuando se convirtió en una estrella al interpretar ‘I tuoi anni piú belli’.

Volvió a la cita en 1966 con ‘La notte dell’addio’ e insistió en el edición siguiente con ‘Non pensare a me’, obteniendo el primero de sus tres triunfos. Repitió la victoria con ‘Zingara’ en 1969 y el tercer título lo sumó en 1974 con ‘Ciao cara, come stai?’. Es la única que ha cosechado tantos éxitos en la ciudad turística. También representó a Italia en el festival de Eurovisión con ‘Due grosse lacrime bianche’, aunque su talento no fue reconocido.

Zanicchi fue una precursora: la primera cantante italiana que cantó temas del griego Mikis Theodorakis, la única en dar un concierto en el Madison Squard Garden de Nueva York o también la que inició las giras por la desaparecida Unión Soviética.

Su época de mayor esplendor coincidió con los setenta, década en la que consiguió gran relieve internacional con temas como ‘Sola piú che mai’, ‘La felicitá’, ‘Per vívere’, la analizada ‘La riva bianca, la riva nera’, ‘La notte’, ‘Io ti daró di piú’, ‘Accarezzame’, ‘Come prima’ o ‘Fra noi’.

Supo extender su idilio con el público hasta los ochenta y los noventa, volviendo a San Remo y reinando en televisión, incluso con un programa de cocina. Hoy en día sigue en activo, aunque últimamente se dedica a la política.

Sin duda, ha sido una de las grandes voces de la canción ligera del país de la bota. Su éxito radicó, como dijo ella misma en unas declaraciones de 1971, en conjuntar en sus interpretaciones la extensión vocal de Mina, el tono cálido y la nota baja de Milva, y la calidez y fuerza de Ornella Vanoni. Todo ello le llevó a ser una de las grandes figuras de la canción italiana de todos los tiempos es una diva.

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Desde entonces, y gracias a que reaparece cada cierto tiempo como sustento de campañas publicitarias o incluida en alguna recopilación, este clásico moderno produce alegría y energía positiva, para permitirnos ver nuevas perspectivas en situaciones aparentemente negativas, al tiempo que nos recomienda optar por una existencia menos programada, más espontánea. (...)
Read the rest of Bobby McFerrin – Don’t worry, be happy (No te preocupes, sé feliz) (1,153 words)

Silbar su melodía sonriendo al aire es la mejor de las medicinas para cualquier tipo de depresión. Su mensaje motivante, de positividad, siempre es efectivo, porque cada una de sus notas genera calma y felicidad. Qué gran verdad aquello de que cuando la vida te castiga con un problema, pensar en él lo convierte en doble. Lo recomendable es olvidarlo.

El norteamericano escribió esta llamada a la indolencia y a la despreocupación en clave humorística, tomando como base una famosa frase que el maestro espiritual indio Meher Baba pronunció en los sesenta tras sufrir un accidente de automóvil y que se hizo muy popular al ser incorporada a tarjetas de felicitaciones en todo el mundo. De hecho, McFerrin la descubrió en un póster colgado en una pared del apartamento de Tuck Andress y Patti Cathcart, el matrimonio integrante de la banda de jazz Tuck & Patti, en San Francisco. Quedó impactado por la simplicidad de aquel pensamiento y lo convirtió en obra musical.

Su combinación de culto al estoicismo y a lo espartano es tal que, incluso, prescinde de instrumentos, para recrearlos a capella, solamente con la voz. El ritmo lo ponen el claquear de los dedos y los silbidos sustentados en tres acordes que se repiten durante todo el tema. Parece sencillo escribir una canción de pop vocal tan simple, pero es realmente complicado dar con la tecla adecuada.

‘Don’t worry, be happy’ fue reconocida de inmediato por público y crítica. De hecho, en los premios Grammy de 1989 se llevó el galardón a la mejor canción, mientras que McFerrin obtuvo el premio a la mejor interpretación vocal y al mejor álbum con ‘Simple pleasures’, que incluía el hit al que me refiero. Se convirtió en el primer tema a capella en llegar a la cima de las listas.

El videoclip promocional también era muy interesante. Intervenía el histriónico actor Robin Williams y su compañero de Hollywood Bill Irwin, haciendo ambos gala de su habilidad para payasadas mediante las que apostaban por ser feliz pase lo que pase.

Este tema también tuvo su punto de polémica política, ya que fue utilizado por el equipo de la campaña electoral para las presidenciales de 1988 que realizó George H. W. Bush, el padre. McFerrin mostró su pesar y finalmente dejaron de usarlo.

Aquí traigo una pequeña canción que escribí
puede que quieras cantarla nota por nota
no te preocupes, sé feliz
en todas las vidas, tenemos dificultades
cuando nos preocupamos, hacemos que se multipliquen

No te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz ahora
no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, sé feliz

No tienes dónde reposar tu cabeza
alguien llegó y se llevó tu cama
no te preocupes, sé feliz

El casero dice que te has retrasado en el pago
te denunciará
no te preocupes, sé feliz
mírame, soy feliz
no te preocupes, sé feliz

Te daré mi número de teléfono
cuando estés preocupado, llámame
yo te haré feliz
no te preocupes, sé feliz
no tienes dinero, no tienes estilo

No tienes chica que te haga sonreír
no te preocupes, sé feliz
porque cuando estás preocupado, frunces el ceño
y ello hará que todo el mundo se deprima

Así que no te preocupes, sé feliz
no te preocupes, no te preocupes, no lo hagas
sé feliz. Pon una sonrisa en tu cara

No deprimas a la gente
no te preocupes, pronto pasará, sea lo que sea
no te preocupes, sé feliz
yo no estoy preocupado, soy feliz

VERSIONES

Los holandeses de HERMES HOUSE BAND, especialistas en dar su toque personal a clásicos del pop, se fijaron en esta canción en 2009. Le incorporaron el ritmo festivo de todas sus creaciones.

El montenegrino RAMBO AMADEUS grabó una recreación irónica.

El portorriqueño S7ETE, acompañado por sus compatriotas de Sí, Señor, cantó este tema en castellano.

El grupo vocal THE OVERTONES protagonizó una interpretación muy interesante.

Como curiosidad está la versión punk del grupo español THE LOCOS.

La canción ha aparecido en varias películas, incluso en algunas de Boollywood, pero la más conocida es ‘COCKTAIL’, protagonizada por Tom Cruise. Su inclusión en la banda sonora ayudó mucho a la popularidad de ‘Don’t worry, be happy’. También la hemos podido ver en pantalla grande o en televisión en ‘Sayonara Zetsubou Sensei’, ‘Flushed away’, ‘El príncipe de Bel-Air’, ‘Los Simpsons’, ‘Nip/Tuck’, ‘Casper: A spirited beginning’ y ‘That ‘70s Show’.

La PUBLICIDAD ha sobreexplotado ‘Don’t worry, be happy’ a lo largo de todo el mundo. Desde compañías de coches de alquiler o pañales, pasando por todo tipo de alimentos. Sin embargo, durante las últimas fechas se ha hecho muy popular en España el anuncio de una compañía telefónica que muestra a los belgas Nico y Olivier Favresse, Sean Villanueva y Ben Ditto, que en 2011 recibieron el premio Piolets d’Or –los Óscar del alpinismo–, colgados a cuatrocientos metros de altura y cantando la canción de McFerrin. Siempre llevan durante sus ascensiones instrumentos musicales para amenizar el final de sus aventuras. En este caso utilizan una mandolina y un bandoneón, cuyos sonidos comparten mediante una videollamada desde los Mallos de Riglos, en Huesca.

BOBBY MCFERRIN (Nueva York, 1950) está condenado a ser siempre el hombre que cantó ‘Don’t worry, be happy’. Pero realmente para él, esta canción, sólo ha constituido una anécdota en su larga trayectoria como compositor y vocalista de jazz con un rango de cuatro octavas. Especialista en temas a capella, con un estilo cercano a las fusión del jazz y el reggae, tiene en el mercado una docena de trabajos discográficos.

También es muy conocido por realizar improvisaciones con la complicidad del público de sus conciertos, siempre intentado dejar claro que la música es una forma de divertirse, una método de vida. Ha colaborado con solistas como los pianistas de jazz Chick Corea y Herbie Hancock, y el violonchelista Yo-Yo Ma o con la Saint Paul Chamber Orchestra.

El estadounidense estaba condenado a encaminar su vida hacia la música. Hijo de cantantes de ópera, a los seis años ya tocaba el piano, y luego practicó con el clarinete y flauta hasta que cursó estudios superiores de teoría musical y composición. Se inició como cantante en el coro de la iglesia de su barrio neoyorquino.

Abandonó la Gran Manzana cuando dejó la universidad. Se trasladó a California, donde se ganó la vida como pianista y cantante en diversos clubes nocturnos. Se hizo conocido cuando en 1980 participó en el festival de Newport y obtuvo grandes críticas, hasta el punto de ser considerado la nueva estrella del jazz de los ochenta.

De inmediato comenzó una gira exitosa con George Benson, lo que le decidió a lanzarse a emprender su carrera en solitario en 1983. Un año más tarde grabó su primer disco y desde entonces todos nos rendimos a sus efectos vocales, como la recreación de un bajo sobresaturado, que logra cantando y golpeando suavemente su pecho.

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Pero la canción ‘L’été indien’ no está dedicada al clima, sino al amor. La letra defiende que este período es el mejor para enamorarse, porque recupera las fogosidades que provoca la canícula, pero también para llorar por el amor perdido. Dassin sostiene que el fenómeno sólo ocurre en América del Norte, pero lo cierto es que su canción tuvo éxito en países lejanos de aquellas latitudes.(...)
Read the rest of Joe Dassin – L’été indien (Verano indio) (701 words)

Hablamos, en cuanto a la melodía, de una composición erótica, a la imagen de ‘Je t’aime, moi non plus’, de Serge Gainsbourg y Jane Birkin, en Francia, o ‘Todo el tiempo del mundo’, de Manolo Otero, en España.

En 1975 Joe Dassin interpretó en francés esta especie de balada destinada a reinar entre las piezas lentas de las famosas ‘boites’ de los años setenta. La profunda voz del artista galo y los consabidos ‘na na nas’ del coro femenino supieron dotar del preciso matiz transpirenaico a una pegajosa melodía compuesta originalmente por los italianos Toto Cutugno, Vincenzo Pallavicini y Pino Massara bajo el título ‘África’. La letra para el mercado francófono la adaptaron el propio Dassin, Pierre Delanoe y Claude Lemesle.

‘L’été indien’ constituyó el mayor éxito de la carrera del malogrado intérprete francés y en la actualidad está considerado como un clásico del pop del país vecino del norte. Pero, asimismo, supo ganarse un público entre los hispanoparlantes, entre quienes esta obra se conoció como ‘Sólo puedo mirar atrás’ o ‘Aún vivo para el amor’. Siempre tratamos de vivir en el amor y, aunque el amor nos cierre la puerta, nosotros ponemos el pie para impedirlo.

Ya sabes, esta noche me siento tan solo
y perdido porque no estás
y esos recuerdos están llenos de ti
de tu primavera, de una playa nuestra
donde fui arena para sostenerte,
de un mar nuestro donde fui la ola que te llevaba

Tu presencia, tus pequeñas cosas,
y ahora este vacío, sin poder mirar
hacia el futuro, solo sin ti
hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor

Una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser
hoy estoy muy lejos de esos recuerdos

¿Dónde estás? ¿Te acuerdas de mí o te habrás olvidado?
Tal vez tú piensas que fue una tontería conocerme,
y aquella arena y aquel mar sólo fueron recuerdos

Cierro los ojos y te imagino
te esperaré un mes, un año, toda la vida,
porque lo que siento no tiene tiempo,
se llama amor.

Hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor,
una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser

VERSIONES

Para la traslación al CASTELLANO la letra de la canción fue adaptada en 1976 por J. Israel y los hermanos McCluskey.

La tecnología logró que el desaparecido Joe Dassin cantara el tema con su autor, TOTO CUTUGNO.

Las grandes orquestas pop, como la de PAUL MAURIAT, pronto vieron las virtudes de ‘L’été indien’.

Más moderna es la revisión que firmó en 2011 la cantautora italiana IN-GRID.

Por último, la banda rusa BONEY NEM –en clara parodia de Boney M– también nos ofreció su peculiar visión.

JOE DASSIN (1938-1980) murió joven, pero dejó para sus seguidores una actividad musical intensa. Aunque nació en Nueva York hijo de artistas –su padre era un director de cine ruso judío y su madre violinista húngara–, siempre se ha considerado francés ya que a los doce años se estableció en París porque su familia tuvo que huir a Europa acosada por el ‘macartismo’ debido a sus creencias políticas.

Inicialmente, no quiso seguir la vereda familiar y optó por estudiar Antropología tras regresar a Estados Unidos, aunque finalmente se doctoró en Filosofía. Durante su época estudiantil trabajó como disc jockey y fue entonces cuando el veneno musical prendió en su interior.

Otra vez en tierras galas fue contratado como secretario de la compañía CBS Records, donde tuvo sus primeras oportunidades para grabar canciones. Aunque los comienzos no fueron fáciles, llegaron los primeros éxitos en los sesenta. Sin embargo, su consolidación se produjo en la siguiente década con temas como ‘A ti’ o el analizado ‘L’ete indien’. Su condición de políglota le permitió sacar canciones al merado en inglés, alemán, español, italiano y griego.

Murió a los 41 años de un ataque cardíaco durante unas vacaciones en Tahití. Fue enterrado en el cementerio Hollywood Forever, ya que pasó gran parte de su niñez en la ciudad californiana. Es uno de los cantantes que hoy aún más ingresos genera por derechos de autor en Francia.

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Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.(...)
Read the rest of Manolo Tena – Sangre española (885 words)

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confiesa repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesa «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añade más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sostiene.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music, se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derrama arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofrece desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo ha vuelto a protagonizar y quizás jamás lo vuelva a tener, pero el nivel de su obra no ha decrecido.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

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Fue escrito por Paul Jabara y Paul Shaffer en 1979 y las únicas que se avinieron a interpretarlo fueron Izora Armstead y Martha Wash, conocidas desde entonces como The Weather Girls (Las chicas del tiempo). Lo hicieron en 1983 y lo integraron en su premonitorio álbum ‘Success’ (Éxito).(...)
Read the rest of The Weather Girls – It’s Raining Men (Están lloviendo hombres) (907 words)

Su salida al mercado resultó un bombazo. Las potentes voces y el frenético ritmo de la composición permitió que este dúo afroamericano saliera del anonimato y obtuviera una repercusión que inundó de lluvia de hombres el universo entero. El fornido dúo logró vender más de seis millones de singles. ¿Por qué? Simplemente porque nadie puede resistirse a su cadencia. A su constante aceleración, que la ha convertido en un clásico en todo tipo de celebraciones, de la danza, de la liberación femenina, de mujeres orgullosas de serlo… Porque con ellas llueve la diversión.

Sin embargo, ‘It’s Raining Men’ también tuvo una convivencia con la polémica. Ocurrió en 2001, cuando tras los atentados del 11-S contra las Torres Gemelas de Nueva York fue censurada por las emisoras de radio estadounidenses por la frase de su letra que dice que caen hombres del cielo, que recordaba a las personas que estaban en los edificios víctimas del ataque fundamentalista y se suicidaban lanzándose por sus ventanas antes de ser consumidas por el fuego.

‘It’s Raining Men’ ha resucitado ahora como banda sonora de una campaña lanzada en Internet contra el concejal del Partido por la Independencia del Reino Unido David Silvestre, que atribuyó las recientes tormentas e inundaciones que se dieron en Inglaterra a la aprobación de las bodas entre parejas del mismo sexo. El político retó a los promotores de la protesta a conseguir que volviera a llegar al número uno y lo consiguieron. La canción popularizada por The Weather Girls siempre fue identificada con el movimiento homosexual, hasta el punto de ser considerada un paradigmático himno gay.

Hola, hola!, somos las Weather Girls
Y tenemos noticias para ti
¡Escucha bien!

Preparaos, todas vosotras, chicas solitarias,
y dejar esos paraguas en casa. ¡De acuerdo!

La humedad sube, el barómetro baja
de acuerdo a lo que se dice,
la calle es a donde hay que ir
porque esta noche,
hacia las diez y media,
por primera vez en la historia,
van a llover los hombres

¡Están lloviendo hombres! ¡Aleluya!
¡están lloviendo hombres, amén!
voy a salir afuera a correr y dejar
que me empape entera

¡Están lloviendo hombres! ¡De todas las especies!
altos, rubios, morenos y delgados.
valientes y rudos, y suertes y formidables

Dios bendiga a la madre naturaleza,
ella es una soltera, también
llegó al cielo e hizo todo lo que tenía que hacer
cogió a cada ángel para arreglar de nuevo el cielo
así todas y cada una de las mujeres encontrarían a su hombre ideal

¡Están lloviendo hombres! ¡Aleluya!
¡están lloviendo hombres, amén!
¡están lloviendo hombres! ¡Aleluya!
¡están lloviendo hombres! ¡Aaaaaamén!

Me siento como un día tormentoso,
moviéndome para comenzar
escucha al trueno, no pierdas la cabeza
arranco el tello y me quedo en la cama

Dios bendiga a la madre naturaleza,
ella es una soltera, también
llegó al cielo e hizo todo lo que tenía que hacer
cogió a cada ángel para arreglar de nuevo el cielo
así todas y cada una de las mujeres encontrarían a su hombre ideal

¡Están lloviendo hombres! ¡Aleluya!
¡están lloviendo hombres, amén!
¡están lloviendo hombres! ¡Aleluya!
¡están lloviendo hombres! ¡Aaaaaamén!

VERSIONES

Son muchas las versiones de ‘It’s Raining Men’ y también abundantes los cantantes que han querido darle su propio estilo. Quizá la más conocida, tras la original, es la interpretación de la ex Spice Girls GERI HALLIWELL, que la grabó en 2001. El vídeo se basa en las películas ‘Fama’ o ‘Flashdance’. Fue de nuevo número uno, sobre todo tras incluirse en la banda sonora de ‘El diario de Bridget Jones’.

MARTHA WASH, una de las integrantes de The Weather Girls, volvió a grabar el tema junto a la rubia transexual RUPAUL. Esta revisión data de 1997 y volvió a ser un éxito, en gran parte por su videoclip cómico.

Las ‘triunfitas’ CHENOA, ROSA y GISELA tuvieron que examinarse en 2001 con esta composición durante su participación en la primera edición de ‘Operación Triunfo’.

Peculiar es la ‘traducción’ que firmó en 2006 la TERREMOTO DE ALCORCÓN.

En 2001, en uno de los episodios finales de la séptima temporada de ‘FRIENDS’ apareció también ‘It’s Raining Men’.

http://youtu.be/egk4bCMFs5Y

THE WEATHER GIRLS tienen su origen en los primeros años 80, cuando reinaba la música disco. Martha Wash (San Francisco, 1953) e Izora Armstead (Houston, 1942) hacían coros para el cantante Sylvester. Por aquella época se hacían llamar Two Tons O’ Fun (Dos toneladas de diversión) y sus voces llamaron la atención de una compañía de discos, que les invitaron a volar en solitario.

Ya con su nuevo nombre, pronto se puso a su disposición a los compositores Paul Jabara y Paul Shaffer, de reconocida fama y con varios éxitos para Diana Ross. Entre las canciones que les ofrecieron estaba ‘It’s Raining Men’, que bastó para lanzar al orondo dúo a la fama. Luego llegaron varios temas más de cierta repercusión, pero sin poderlos extender a todo el planeta. En los noventa ya el público se había olvidado de ellas.

En 1985 Izora Armstead optó por mudarse a Alemania para relanzar la aventura junto a su hija Dynelle Rhodes. Lanzaron tres discos, pero nunca volvieron a las listas de éxitos. Martha Wash, por su parte, participó en proyectos dance como Black Box.

Izora falleció en 2004 a los 62 años debido a un problema cardiaco, pero The Weather Girls siguieron al unirse su otra hija Ingrid Arthur a Dynelle Rhodes, con buena aceptación en la audiencia gay.

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Su estructura es clásica. Introducida por una simple guitarra eléctrica, la voz de la estadounidense destaca desde la primera estrofa por encima de los coros gospel y teclados que la adornan en un tema que derrocha energía pese a que incluso ofrece trozos a capella. Stephen Bray, Patrick Leonard y Prince dejaron su impronta.

La composición fue apoyada por una estrategia de marketing muy medida y un videoclip dirigido por Mary Lambert realizado con grandes medios. Es una producción muy efectista en donde podemos ver a una inconmensurable Madonna Louise Veronica Ciccone en lo alto de una colina durante una noche iluminada por el color natural de su cabellera larga y rizada y las cruces que ardían al fondo.

El guión narra que el personaje que interpreta Madonna sale de su casa y es testigo de como dos delincuentes asaltan a un mujer y un hombre negro va a defenderla, aunque cuando él llega hasta la víctima ésta ya ha muerto y los asesinos han escapado. La Policía sorprende al afroamericano con el cadáver en brazos y se lo lleva detenido.

Madonna teme acudir a la comisaría porque puede acarrearle problemas con los asaltantes, ya que el líder de ellos la vio en su huida. Para aclarar sus dudas, acude a una iglesia, donde ora ante un santo negro, que, de manera milagrosa, cobra vida. En otra escena de trance místico, un ángel igualmente negro, pero de facciones femeninas, la agarra de la cintura y la impulsa hacia el cielo.

La protagonista despierta del presumible sueño y acude a la Policía, donde testifica sobre el crimen y así propicia que liberen al joven detenido injustamente, del que al parecer se enamora. Al final, la cámara recoge un escenario para desvelar que todo se trataba de un montaje teatral. Pura poesía mística, como concepto de la unión entre el alma y Dios similar a la unión entre el amante y el amado.

Madonna la describió como «la canción de una joven apasionada, tan enamorada de Dios que es casi como si fuese la figura masculina en su vida». «Desde los 8 a los 12 años, he tenido las mismas sensaciones. Realmente yo quería ser una monja», manifestó.

El uso de la tradicional iconografía católica, religión en la que Madonna se educó, llevó a la condena del Vaticano por mostrar estigmas, cruces ardiendo y un sueño sobre hacer el amor con un santo. La presión de la Santa Sede incluso obligó a Pepsi a cancelar el contrato de patrocinio de Madonna. Además, la italoamericana fue centro del debate en un cónclave de exorcistas europeos celebrado en Polonia durante el mandato de Juan Pablo II. A la cantante no parece que le asustó la ira católica y durante un concierto en Roma escenificó una falsa crucifixión.

Para muchos, entre los que me incluyo, es el mejor tema de Madonna. Un recital de estrofas y sonidos poco comunes acompañados de una letra metafórica a través de la que promete el cielo a su amado a cambio de noches de pasión. Sin duda, un claro guiño a la cultura gospel.

‘Like a prayer’ supuso el punto más álgido de la carrera de la reina del pop, que tenía 30 años por aquella época. Desde entonces, pese a no abandonar el éxito, sus trabajos bajaron de calidad. Sin duda, esta idea no será compartida por muchos de sus seguidores.

La vida es un misterio,
todos deben sostenerse por sí mismos,
te escucho decir mi nombre
y me siento como en casa

Cuando dices mi nombre es como una pequeña plegaria
estoy de rodillas, quiero llevarte ahí
a medianoche puedo sentir tu poder
exactamente como una pequeña plegaria,
sabes que te llevaré ahí

Escucho tu voz, es como un ángel cantando
no tengo opción, escucho tu voz,
se siente como volar
cierro mis ojos, oh Dios creo que me estoy cayendo,
fuera del cielo, cierro mis ojos
que el cielo me ayude

Como un niño, me susurras suavemente,
estás controlado, como un niño,
ahora estoy bailando,
es como un sueño que comienza y no termina
estas conmigo. Es como un sueño
deja que el coro cante

Exactamente como una plegaria, tu voz me puede llevar ahí,
exactamente como una musa, para mí eres un misterio.
exactamente como un sueño, no eres lo que pareces ser,
exactamente como una plegaria
sin opción, tu voz me puede llevar ahí

Exactamente como una plegaria, te llevaré ahí,
para mí es como un sueño.

VERSIONES

Durante un disco de 1999 que tributaba un homenaje a Madonna fueron LOLEATTA HOLLOWAY y la banda BIGOD los encargados de realizar el cóver de ‘Like a prayer’.

SOUND ASSASSINS firmó una interpretación eurodance remix del tema el mismo año.

MAD’HOUSE hizo algo parecido en 2002. El éxito fue muy grande en Europa.

LAVENDER DIAMOND protagonizó en 2007 una revisión folk.

NELLY FURTADO incluye ‘Like a prayer’ en sus giras.

En televisión el tema que analizamos hoy fue incluido en la serie ‘GLEE’, concretamente en un capítulo que se titulaba ‘The power of Madonna’. Fue interpretado por un coro que se denominó NEW DIRECTIONS y conformado por los actores.

En el cine fue utilizada en la banda sonora de la película ‘NUNCA ME HAN BESADO’.

MADONNA nació en 1958 en Bay City, dentro del estado de Míchigan. Creció sin su madre, prematuramente muerta y, aunque siempre ha asegurado que ello influyó en su formación, fue una buena estudiante y pronto se benefició de becas para estudiar ballet y danza. Pero lo que realmente llamó su atención en su juventud fue la música, participando en 1977, ya en Nueva York, en proyectos musicales con las bandas de rock Breakfast Club o Emmy.

Tuvo que compaginarlo con un trabajo de camarera, hasta que en 1982 firmó contrato con Sire Records y debutó en el mundo discográfico con éxito impresionante. Su aspecto, su ropa y su forma de moverse en los escenarios rompió moldes y se convirtió en ejemplo a imitar de millones de jóvenes y niñas.

Su siguiente trabajo en 1984 es el que le confirmó y le dio fama mundial, refrendada con su participación en el año posterior en la película ‘Buscando a Susan desesperadamente’ y el tercer álbum, de 1986. El cuarto, ‘Like a prayer’ es considerado su mejor trabajo, aunque la fama se la dio la polémica que generó entre los grupos religiosos.

Sus obras de la década de los noventa y del nuevo siglo no tuvieron la repercusión inicial, pero ello no influyó en el desarrollo profesional de la cantautora, actriz y empresaria estadounidense. De hecho, Madonna es considerada la solista más exitosa en la historia de la música contemporánea, con reconocida influencia sobre muchos artistas contemporáneos.

De ella nos quedan maravillas como ‘Everybody’, ‘Burning up’, ‘Borderline’, ‘Lucky star’, ‘Like a virgin’, ‘Material girl’, ‘Crazy for you’, ‘Into the groove’, ‘Holiday’, ‘Gambler’, ‘Angel’, ‘Dress you up’, ‘Love don’t live here anymore’, ‘Borderline’, ‘Live to tell’, ‘Papa don’t preach’, ‘True blue’, ‘Open your heart’, ‘La isla bonita’, ‘Who’s that girl’, ‘Causing a commotion’, ‘The look of love’, ‘Spotlight’, la analizada ‘Like a prayer’, ‘Express yourself’, ‘Cherish’, ‘Oh father’, etcétera.

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