Fue la multinacional EMI la que lanzó al mercado esta genialidad de cuatro minutos y veintitrés segundos. Nada más llegar a las tiendas se catapultó hasta lo más alto de las listas de ventas en la primavera de 1983, sobre todo en la de los 40 principales, el hit parade más prestigioso español por aquellas fechas. Su logro quedó registrado el 9 de abril de aquel año. Por supuesto, consiguió también el disco de oro, que entonces premiaba la venta de cincuenta mil copias de vinilo.(...)
Read the rest of Tino Casal – Embrujada (1,359 words)

La fórmula que triunfó se basó más en el talento que en los medios, todavía escasos en un pop español que comenzaba a modernizarse y digitalizarse. El teclista y arreglista Losada tuvo mucho que ver, gracias al extraordinario sonido que supo extraer a su modesto Korg y sin un solo secuenciador. Toda la grabación tuvo que realizarse de modo manual, por medio de cuatro pistas sincronizadas, tras un trabajo de dos semanas.

‘Embrujada’ materializó el espíritu de innovación que siempre caracterizó a Tino Casal, quien, por cierto, nada tenía que ver con la también asturiana Luz Casal. Bebió del trepidante ritmo dance basado en los vientos que nos llegaban de Gran Bretaña en los ochenta.

El VIDEOCLIP promocional, tan doméstico como innovador, ayudó a la promoción, aunque fue el boca a oreja y la radio quienes realmente hicieron que ‘Embrujada’ fuera una de las canciones que más sonaron en fiestas y locales en aquel verano. Jugaba con un estilo que bebía de los manuales del cine de horror de serie B -o C, o D, o…..- barato con hadas, brujas y demás. El Madrid underground y efervescente de aquella época fue elegido como escenario.

La obra, oscura en cualquier caso, fue una de las primeras que se hizo a nivel nacional. Surgió gracias al talento del desaparecido realizador audiovisual José Luis Lozano, pionero en este país. Pese a sus escasos veintipocos años , con ‘Embrujada’ dio toda una lección del manejo de los planos, la velocidad de rodaje y formatos impensables hasta el momento.

«El montaje apoya a la canción de forma maravillosa, tanto en su esencia conceptual, como en su estructura métrica, a la vez que plasma plásticamente el espíritu del Madrid lisérgico de los primeros 80», sostuvo en su día el experto en imagen Luis Cerveró.

Su grabación fue de un cortometraje de ocho minutos que describe su proceso creativo. «Encierra un drama: su propia vaciedad», se aseguraba en el programa de mano que se repartió entre los presentes en el estreno de la obra, que se proyectaba en los cines minutos antes del comienzo de las películas.

Por cierto, la joven que encarnaba el papel principal era Paola Bosé, hermana de Miguel Bosé. Tino Casal sólo aparece en la escena final.

La LETRA, también bastante lograda, retrataba los últimos días de una gran modelo en su ocaso, consumida por el alcohol y el desamor. Pretendía transmitir en todo momento una imagen de la decadencia de esas mujeres fatales que arrasan por donde pisan hasta que caen en la trampa del amor y son víctimas de sus propias armas, ahora manejadas por otras manos.

Hay quien sostiene que realmente es un tema autobiográfico. Los defensores de esta teoría leen entre estrofas una referencia al aspecto felino que adoptó Casal en ese período –qué de seguidores generó Kabir Bedi en su visita a España para promocionar la serie televisiva ‘Sandokán’–- y en algunos aspectos icónicos del vídeo que –como dicen quienes tuvieron oportunidad de visitarlo– recuerdan al domicilio del cantante. Además, las alusiones a las fans con la misión de ‘capturar al viejo tigre bengalí’ parecen evidenciar otra de sus canciones.

Hace tiempo que vive en un cuento,
del cual no quiere salir,
encantada duerme con la almohada,
y se olvidó de reír

Dicen que es la bruja,
con tacón de aguja,
aliada de Lucifer,
cuentan que era estrella,
pero la botella,
acabó con ella hasta hacerla enloquecer

Stop mi hada
estrella invitada
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Embrujada vive encadenada,
a un viejo televisor,
ideas a manta,
cuentan que fue musa,
de algún mediocre pintor.

Todo era derroche,
reina de la noche
¿quién te ha visto y quién te ve?
cuentan que eras sexy
rutilante estrella
pero la botella acabó con tu poder

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada
estrella invitada
víctima del desamor.

Ésta es mi bruja,
con tacón de aguja,
víctima del desamor,
date prisa envuélvete en la brisa,
olvida tu mal humor,
stop

Ésta es mi hada,
juegos de venganza,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche,
olvida tu mal humor

Ésta es mi hada,
estrella invitada,
víctima del desamor,
sube al coche,
reina de la noche
olvida tu mal humor

VERSIONES

La tecnología permitió que en 2007 MARTA SÁNCHEZ grabara ‘Embrujada’ con Tino Casal, fallecido dieciséis años antes. La madrileña conoció personalmente al asturiano cuando ella tenía 16 años. El encuentro tuvo lugar en la discoteca Pacha y se concretó en la consecución de un autógrafo.

La banda originaria de Guadalajara LOS DESPISTAOS dieron su estilo a este cóver de 2008.

La versión EN INGLÉS de Tino Casal mantiene la misma fuerza. La tituló ‘Bewitched’.

Es habitual que la banda de rock ecléptico COBAYA incorpore el tema que hoy analizamos a su repertorio en directo. En mi opinión discreta interpretación la que realizaron en 2005.

BIOGRAFÍA

Divino para unos, insoportable para otros, José Celestino Casal Álvarez, al que todos conocimos como TINO CASAL, fue una figura clave de la movida madrileña. Sin embargo, su exuberancia y su exhibicionismo ocultaron en muchas ocasiones sus cualidades musicales.

Este asturiano nacido en la pequeña localidad de Tudela Veguín, cercana a Oviedo, ya en 1946 exageraba en el uso de una imagen barroca y ello le convirtió en un personaje raro, con estilismos imposibles y una sexualidad indefinida que le confería un tanto la atracción como la repulsión.

Sin embargo, consiguió conectar con los poperos de principios de los ochenta, alzándose a la posición de superventas y liderando el neoglam español. Casal era cantante, productor, letrista, arreglista, hombre de negocios… pero, sobretodo, artista.

Su calidad era tal que incluso fue el hombre que estaba detrás de los duros Obús, a quienes llevó al éxito en un género muy alejado del suyo, de los tecno-pop Azul y Negro o de Tacones.

Todo comenzó en su Asturias natal, donde ya los a 13 años tocaba en el grupo Los Zafiros Negros, del que pasó en 1967 a Los Archiduques. La experiencia fue corta y decidió marcharse a Londres para cultivar la pintura y la escultura. Fue allí donde tuvo su primer contacto con el glam rock.

Regresó en 1977 para publicar, ya en solitario, dos discos de música melódica antes de participar en el Festival de Benidorn en 1978, una época que luego declaró aborrecer.

En 1981 decidió cambiar de línea y con la colaboración del productor Julián Ruiz se sumó a la moda neoromántica con temas como ‘Champú de huevo’ –un tema que hablaba de McNamara y Almodóvar–, que le dieron popularidad, seguidores y un éxito transitorio. Paralelamente empezó a codearse con los gurús de la movida madrileña y no tardó en convertirse en artista de vanguardia.

Alcanzó el trono en 1983 con el LP ‘Etiqueta negra’ y el single ‘Embrujada’. Fue su primer número uno y el comienzo de su idilio con la popularidad. Constituyó su cénit creativo, a pesar de que también pisó las listas de éxitos con ‘Pánico en el Edén’, que fue utilizado como sintonía por la Vuelta Ciclista a España de 1984.

Un accidente le mantuvo apartado casi tres años de la actividad musical, después de que en 1985 tuvo que ser hospitalizado al borde de la muerte por una necrosis ocasionada por un esguince mal curado con el que actuó durante todo un verano, desoyendo las indicaciones médicas. Reapareció en 1988 con el disco ‘Lágrimas de cocodrilo’, que contenía ‘Eloise’, versión del clásico de Barry Ryan que fue muy bien aceptada por el público.

Su carrera finalizó el 22 de septiembre de 1991 al perder la vida en un accidente de tráfico registrado cerca de Madrid ,cuando regresaba de una fiesta a las siete de la mañana. Contaba con 41 años. Su genuino estilo será imposible de borrar. En su funeral, el productor Julián Ruiz, aseguró que Casal «sabía que no iba a llegar a viejo».

Quien quiera conocer más sobre este genio puede descubrir otras facetas de su vida en este interesante documental.

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El maestro de Jerez de la Frontera se alió aquel año con el director de orquesta hispanoargentino Waldo de los Ríos y el productor italiano Rafael Trabucchelli para regalar a Jeanette su canción franquicia, aquella que la hizo popular en un país que trataba de alejarse del inmovilismo del franquismo mediante tímidas ráfagas de aire importadas del extranjero. El magistral uso de una melodía basada en piano, instrumentos de viento y violines envolvió la suave voz de Jeanette para crear un producto que incluso hoy en día, más de cuarenta años después, funciona.(...)
Read the rest of Jeanette – Soy rebelde (1,351 words)

Este acto de rebeldía de algo menos de tres minutos y medio fue protagonizado, paradójicamente, por una pija como Jeanette, nacida en el seno de una familia acomodada. Pero eso no pasa del estatus de anécdota. Lo cierto es que este tema sobre la incomprensión, sobre lo que en los ochenta se denominaba el ‘síndrome de Calimero’ y con anterioridad ‘síndrome Jeanette’, se convirtió en un gran éxito que escaló hasta el número uno en las listas de España y Latinoamérica. Su intimismo melancólico recordaba mucho al estilo de la francesa Françoise Hardy. Tal vez fue eso lo que le llevó a conseguir un reconocimiento, asimismo, en el Viejo Continente.

Aunque ahora pueda resultar risible, el ‘consumo’ de ‘Soy rebelde’ estaba prohibido a los menores de dieciséis años, al considerarse subversiva su letra. Según contó en una entrevista la propia Jeanette, en una ocasión un funcionario amenazó con ‘empapelarla’ por cantar este tema, aunque finalmente se reprimió al ver su nacionalidad británica. «Hombre, es extranjera, puede cantar cosas así como ‘Soy rebelde’, pero que no se pase la guiri porque a la primera… Los cantautores catalanes ya lo saben”, debió decir el representante de la administración.

La censura tardofranquista, ya cerca de su estertor, todavía se empeñaba en evitar que los españoles fueran contaminados por cualquier signo de vanguardia. Revolucionario lo llamaban los defensores del régimen. Pese a ello, esta creación pop forma parte de la cultura sonora de todos los que vivimos el final del pasado siglo y, me atrevo a pensar, gracias a las constantes reediciones y versiones, también de las generaciones que ya tienen como hábitat dominante el XXI.

Canción triste por antonomasia, constituyó el primer tema que la discográfica Hispavox otorgó a Jeanette para que iniciara su carrera en solitario, lejos del grupo Pic-Nic, con el que debutó en el mundo del disco. Ella en un principio no se vio impresionada por la composición de Manuel Alejandro, pero los directivos de la discográfica la animaron a grabarla.

«Por decir la verdad, no me gustó y no la quise cantar porque sentí entonces que me habían cambiado el estilo del folk de Pic-Nic para pasar a la música romántica, con la cuál todavía no me sentía identificada. Empece una pequeña batalla con la compañía que, claro está, ganó ella y yo grabé ‘Soy rebelde’, sin saber lo que me esperaba en el futuro», desveló en una entrevista.

Ella, aún casi una adolescente de 20 años, pese a estar ya casada, se equivocó, porque fue llegar y besar el santo. ‘Soy rebelde’ convirtió a la londinense en figura de la balada y en una adelantada para su tiempo. Aunque no fue su intención, durante los setenta se erigió en imagen de una generación disconforme, condición que, por otra parte, chocaba con su voz dulce y cándida.

La historia de aquella chica incomprendida y solitaria que se reprocha su existencia de la que habla la letra prendió entre los jóvenes aficionados al pop. Estaban necesitados de un himno que canalizara la rebeldía típica de su edad, de su apasionamiento, de su fantasía, de su idealismo… Había muchos deseos de cambiar España, de enfrentarse a un sistema que los encorsetaba y coartaba las ansias de libertad.

La repercusión de ‘Soy rebelde’ fue tal que incluso Jeanette se vio obligada a grabarla en varios idiomas –inglés, francés, portugués, italiano… y hasta japonés–, algo que no le resultó difícil debido a su condición de políglota, al haber residido durante su niñez en distintas ciudades del mundo. El single se distribuyó en veinte países y fue el tema más vendido de los compuestos por Manuel Alejandro.

LETRA

Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así,
porque nadie me ha tratado con amor,
porque nadie me ha querido nunca oír

Yo soy rebelde porque siempre sin razón
me negaron todo aquello que pedí
y me dieron solamente incomprensión

Y quisiera ser como el niño aquel
como el hombre aquel que es feliz
y quisiera dar lo que hay en mí
todo a cambio de una amistad

Y soñar, y vivir
y olvidar el rencor
y cantar, y reír
y sentir sólo amor

VERSIONES

ROSARIO FLORES, auténtica especialista en mejorar con sus interpretaciones el original, reverdeció ‘Soy rebelde’ en 2009.

El dúo de la República Dominicana FRANNY AND ZOOEY Interpretó la canción que hoy analizamos con un ritmo entre pop y punk en un disco de homenaje hispanoamericano a Jeanette.

El grupo argentino ATTAQUE 77 ofreció su visión de ‘Soy rebelde’ en 1998.

Manuel Alejandro escribió la canción pensando en la mexicana SOLA, pero finalmente la discográfica la destinó a Jeanette. Sola también la grabó, en 1972. No obtuvo mucho éxito.

ANA BELÉN interpretó la obra del compositor gaditano en 2003, dentro del disco colectivo ‘Inocencia olvidada’. Su visión sigue un estilo pop-rock.

También interpretaron ‘Soy rebelde’ artistas como la brasileña Lilian, el catalán Albert Pla, los colombianos Adriana García y Elkin Calderón, la mexicana Jolette, del programa ‘La academia’; Fernando Caro, Pastora Soler e India Martínez, la francesa Nathalie Cardone, El Noi del Sucre y la también azteca Regina Orozco.

BIOGRAFÍA

Janette Anne Dimech Rued (Londres, 1951), conocida en el mundo musical como JEANETTE, porta en su sistema circulatorio una mezcolanza de sangre. Su padre era un belga nacido en el Congo, pero de ascendencia maltesa, y su madre, una canaria con orígenes ingleses. A ello hay que unir que, pese a nacer junto al Támesis, su niñez transcurrió en Los Ángeles y su adolescencia en Barcelona, tras el divorcio de sus progenitores cuando tenía trece años.

Fue en la Ciudad Condal donde esta joven cosmopolita y con carácter, algo nada presumible por su voz y maneras dulces, se adentró en el mundo de la música como vocalista del grupo Pic-Nic. El quinteto llevó a la fama su imagen bohemia e ingenua tras grabar tres singles y un LP.

Pero en 1969 Jeanette optó por el matrimonio y se casó con un austriaco que la llevó a residir a Viena, donde nació su hija. Cuando parecía que se había alejado definitivamente del espectáculo, la discográfica Hispavox la convenció para que iniciara una carrera en solitario. Por ello en 1971 regresó a Barcelona para grabar ‘Soy rebelde’, cuyo single se vendió de forma extraordinaria.

Luego llegaron ‘Estoy triste’ (1972), ‘Palabras, promesas’ (1973) y ‘Por qué te vas’ (1974), canción compuesta por José Luís Perales que saltó a la fama cuando fue elegida para formar parte de la banda sonora de la película ‘Cría cuervos’ (1975), de Carlos Saura. Se vendieron millones de copias de este tema, que triunfó en Francia, Alemania y Holanda. Ello permitió que Jeanette cantara en el mítico Olympia de París.

Un excelente disco grabado en Francia en 1977, pero que tuvo nula repercusión en España, llevó a la londinense a tomarse un receso. Regresó en 1981 con el larga duración ‘Corazón de poeta’, compuesto también por Manuel Alejandro, editado por RCA y recibido con entusiasmo por el mercado gracias a los temas ‘Frente a frente’ y ‘Corazón de poeta’.

En la discográfica intentaron repetir la fórmula con ‘Reluz’ (1983), pero no funcionó. Tampoco ‘Ojos en el sol’ (1983) y Jeanette abandonó RCA para enfocar su carrera en el extranjero. En 1989 protagonizó un nuevo intento de introducirse en las listas de éxitos nacionales con el 33 revoluciones ‘Loca por la música’, editado por la casa independiente Twins. La producción de Luis Gómez-Escolar y Julio Seijas no bastó para ganarse la complicidad de los aficionados.

En la década de los noventa se aferró a la moda de la nostalgia y recorrió toda España con el espectáculo ‘Mágicos 60’, que compartió con otros históricos como Tony Ronald, Lorenzo Santamaría, Micky y Karina.

Ahora se ve poco sobre los escenarios a esta mujer que, si no fuera por la música, probablemente habría encaminado su actividad profesional hacia oficios como piloto o azafata de vuelo, como soñaba en su niñez. Atrás queda una carrera quizá no suficientemente reconocida, pese a la gran influencia que ejerció en artistas posteriores como Ana Torroja. En la actualidad Jeanette reside en Madrid.

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Por lo tanto, el primer paso como solista debía ser firme. Habían pasado cinco años de barbecho y era preciso comenzar con fuerza. Para ello se necesitaba dar el aldabonazo desde la primera canción. La madrileña eligió para esa apuesta ‘A contratiempo’, que precisamente trata sobre la soledad. Con ella se encaramó hasta el primer puesto de las listas en España y México, colándose incluso en el Billboard estadounidense. Las enormes expectativas creadas se cumplieron en ventas y crítica.(...)
Read the rest of Ana Torroja – A contratiempo (927 words)

Hasta conseguirlo hubo un largo trabajo previo en estudios de grabación de Londres, donde los productores jugaron con medios tiempos y arreglos orquestales, siempre bajo la influencia del romanticismo latino.

La letra especula sobre el silencio como la peor de las soledades, la de alguien que no puede discernir si es el primero quien nos lleva a la segunda o al contrario. Lo cierto es que nos falta alguien, ese alguien al que antes tuvimos y al que ahora tanto echamos de menos. Ahora somos pequeños ante la inmensidad de su ausencia.

El silencio nos taladra el cerebro y el recuerdo nos corroe porque, por mucho que lo intentemos, no conseguimos recordar los defectos del que nos falta. Ahora, tras el paso del tiempo, aquellas imperfecciones que para nosotros eran insoportables no parecen ser tantas ni tan graves. Una reflexión tan bella como triste.

En definitiva, Ana Torroja nos habla de la tristeza que produce el desamor y del infinito dolor que provoca el recuerdo de lo que alguna vez fue y ahora ya no existe. Un recuerdo recurrente que, pese al daño que nos produce, recuperamos una y otra vez mientras que el corazón cicatriza.

Este himno a la melancolía ha deprimido a muchos que lo han escuchado. O, quizá fue al contrario. Tal vez estaban deprimidos y en esta canción se han visto retratados aquellos que vieron como naufragaba una relación que creían insumergible, eterna y duradera.

El tiempo ha pasado y creíamos que aquel amor había sido olvidado sin dejar huella, pero, de pronto, un día volvemos a mirar aquellas fotos y, a contratiempo, rebrotan viejas sensaciones.

LETRA

Vaya por Dios
que tonta estoy
se me ha vuelto a escapar
el alma por la puerta

Podría ser que he vuelto a ver
quizá fue sin querer
aquellas cartas viejas

Vaya por Dios
que tonta estoy
se me ha vuelto a llenar
el corazón de lluvia

Podría ser que he vuelto a ver
quizá fue sin querer
aquellas fotos tuyas

Y cae la tarde
y dan ganas de llamarte
la soledad es una estación
de madrugada
un beso al viento
una canción desesperada

No sé si fue una buena idea
el decir adiós
y es que uno no es bastante

Ir a mirar desde el balcón
como se esconde el sol
ya no es lo mismo que antes

Por mucho que intento
no recuerdo tus defectos
la soledad es una estación
de madrugada
un beso al viento
una canción a contratiempo

Hemos quedado hoy a las diez
vuelve a latir mi corazón
como la primera vez
y a contraluz me rindo al temblor de tus deseos
y la humedad impone su ley a contratiempo

‘A contratiempo’ no es una obra original de Ana Torroja. Realmente se trata de una canción compuesta por la cantautora estadounidense Bonnie Hayes, que la publicó un año antes que la madrileña con el título de ‘Bottomless’ (Sin fondo). La exvocalista de Mecano la adaptó con la ayuda de Nico Yustas, un habitual colaborador de la exMecano.

VERSIONES

Mecano tuvo mucha aceptación en Francia y Torroja no quiso desaprovechar esa circunstancia. Por ello, también realizó una edición de ‘A contratiempo’ PARA EL MERCADO GALO. Se conoció como ‘Les murs’ (Las paredes).

El tema que hoy hemos analizado no faltó en el repertorio del tour que Ana Torroja compartió CON MIGUEL BOSE en 2000 como el nombre de ‘Girados’.

También BETTE MIDLER se fijó en ‘Bottomless’ para incorporarla a su repertorio. Por extraños intereses de la discográfica que ambas compartían, la grabó en 1995, incluso antes de que lo hiciera su autora, Bonnie Hayes.

El italiano HESTEBAN, cantando en falsete, también nos dio su visión de ‘A contratiempo’.

ANA TORROJA (Madrid, 1959) jamás podrá alcanzar el éxito que cosechó cuando formaba parte de Mecano, pero su carrera en solitario es también consistente y se prolonga ya durante casi dos décadas. Desde aquel 1997 hasta la actualidad han emergido media docena de álbumes de calidad y canciones bien recibidas por sus seguidores como la mencionada ‘A contratiempo’, ‘Cómo sueñan las sirenas’, ‘Partir’, ‘Ya no te quiero’, ‘Veinte mariposas’, ‘No me canso’, ‘Sonrisa’, ‘Tu habitación helada’, ‘Corazones’ (junto a Miguel Bosé), ‘Duele el amor’ (con Aleks Syntek), etcétera.

El caminar de su segunda etapa musical ha estado siempre presidido por la necesidad de ofrecer al público algo diferente al estilo Mecano. Por ello, incluso ha dado un toque diferente a las canciones que heredó en el reparto de temas del trío. Sus nuevas obras bebieron de inspiraciones latinas y cosmopolitas, con sabor a cumbia, un experimento en busca de una nueva identidad que se vio premiado con el éxito. Encontró su nuevo sitio con compositores y productores americanos.

Pero no se conformó y se lanzó también a la conquista de Europa, penetrando en el mercado francés, sin que obtuviera demasiada repercusión. Por ello, se vio obligada a regresar a sus orígenes como solista, con la vista puesta en España y Latinoamérica, y apoyada en una propuesta pop más genuina. Fue entonces cuando se consolidó y obtuvo nominaciones y premios, como el Grammy latino.

Luego llegó su hija Jara y nuevas giras en las que recuperó canciones de Mecano, aunque, con sonido muy diferente al original. Desde entonces no ha parado y se ha involucrado en proyectos dispares, incluidas colaboraciones con ONGs. En el camino han quedado también algunos problemas con el físco y un grave accidente de tráfico, todo ello superado con una fortaleza que le permite seguir en los escenarios con la misma intensidad que el primer día.

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Poco más de tres minutos y medio de paso por el infierno bastan para disfrutar del cielo musical gracias a este satánico éxito, quizá el mejor tema de los ‘eléctricos’ liderados por los hermanos Young. La guitarra Gibson SG de Angus, el menor de los genios llegados al país continente desde Glasgow, ve como son los dedos del diablo los que rasgan sus cuerdas en uno sus riffs más populares del género, no por su complicación –sólo tres acordes–, sí por su capacidad de contagio.(...)
Read the rest of AC/DC – Highway to hell (Autopista al infierno) (1,290 words)

‘Highway to hell’ surgió de las mentes ‘angelicales’ de Bon Scott, Angus Young y Malcolm Young, pero nada más contactar con su público pecador se convirtió en un canto del averno, uno de los más concluyentes de la historia del hard rock. Parece obligado recurrir al tópico y hablar de un himno, nacido bajo la producción de Robert John Lange y con su mayor perversión en las actuaciones en directo.

La letra relata, al estilo AC/DC, el complicado camino que tuvieron que completar hasta llegar a ser escuchados por sus seguidores. Angus Young sostiene que surgió tras la pregunta de un reportero sobre las giras por la interminable Australia. «Es una jodida autopista al infierno», contestó. El resto no precisa de explicación.

Los detalles que aportó el guitarra a continuación la hacen innecesaria. La imposibilidad de conciliar el sueño en un autobús, ambientes cargados por calcetines olororos, comidas indigestas, calores sofocantes… Para Young ése era el verdadero infierno que retrata su tema franquicia.

Para su compañero Bon Scott, vocalista de la banda, ‘Carretera al infierno’ es realmente un topónimo que hace referencia a una gran pendiente –denominada Canning Highway– que nacía junto a su taberna preferida, en Perth, donde nació. Allí se situaba también una intersección que era escenario de numerosos accidentes automovilísticos.

Los saltos de Scott sobre el escenario, cabalgando sobre los acordes de ‘Highway to hell’, son aún míticos. Fue su última grabación antes de que el 19 de febrero de 1980 apareciera muerto en el asiento trasero del automóvil de un amigo estacionado en Londres.

Sin embargo, al margen de las explicaciones de Young II o Scott, si nos convertimos en exploradores del trasfondo de ‘Autopista al infierno’, también podemos encontrar un alegato a la vida. Vivir es simplemente vivir, disfrutar de una existencia en la que, como decían los gladiadores romanos, «hay que comer y beber» porque quizá mañana no estemos aquí. Los miembros de AC/DC cumplen siempre este axioma, quizá sabedores de que lo que han hecho en el más acá ya ha determinado lo que les ocurrirá en el más allá. Si hay infierno, sin duda, es allí donde irán a parar.

Aunque parece claro que las raíces de la canción que hoy analizamos las debemos buscar en la cotidianidad, algunos imaginativos críticos musicales –siempre es más fácil inventar que investigar– vincularon al quinteto con sectas de adoradores de Satán e incluso quisieron encontrar en la portada del disco, en la que podemos ver a Angus Young con cuernos y cola demoniacos, una estampa devocionaria del señor del mal.

La idea fue inmediatamente adoptada por fanáticos ultrarreligiosos que obligaron a la banda a suspender algunos conciertos programados en Estados Unidos. Incluso se llegó a asegurar que AC/DC eran las siglas de ‘AntiChrist/Devil’s Children (AntiCristo/Hijos del diablo).

Otros ahondaron en el tópico de los excesos de las bandas de rock y leyeron entre líneas que AC/DC hacía referencia en su composición a alcohol, drogas, mujeres y otros ingredientes que, para algunos, componen la pócima que te encamina directamente hacia el ardiente abismo.

Lo realmente confirmado empíricamente es que esta composición logró ventas millonarias y que se ha convertido en un ingrediente imprescindible en cualquier lista de las mejores canciones del rock.

Escuchemos la canción, que nos conducirá directamente al infierno, un lugar que, si realmente existe, debe ser parecido a un gigantesco concierto de AC/DC.

LETRA

Vida fácil, vida libre,
billete de ida únicamente
no pido nada, déjame en paz,
cojo lo que necesito por el camino.
no necesito una razón,
no necesito una rima,
no es nada que yo no haría

Estoy en marcha,
es tiempo de fiesta,
mis amigos van a estar allí también
estoy en la autopista al infierno,
autopista al infierno

No hay señales de stop,
ni límite de velocidad,
nadie va a hacer
que aminore el paso
como una rueda girando,
nadie va a molestarme

Hey Satanás, pagué mis deudas
tocando en una banda de rock
hey mamá, mírame,
estoy en camino
a la tierra prometida

Estoy en la autopista al infierno
autopista al infierno (no me detengas)
y voy hacia abajo, hasta el fondo
estoy en la autopista al infierno

VERSIONES

En España el grupo gallego SINIESTRO TOTAL firmó un cóver titulado ‘Somos Siniestro Total’, con una letra que se utilizaba como presentación.

Contundente también la revisión que llevó a cabo en 2013 el dúo de violonchelo esloveno-croata 2CELLOS, formado por Luka Šulić y Stjepan Hauser.

La banda argentina LEMMY KILSMISTER and A.N.I.M.A.L. también ha incorporado este tema a su repertorio.

El veterano cantante estadounidense BILLY JOEL se atrevió con ‘Highway to hell’ en un concierto que ofreció en el USAirways Center de Phoenix en 2014.

‘Autopista al infierno’ ha aparecido en multitud de películas, series de televisión y anuncios publicitarios, conviertiéndose en parte de la cultura popular occidental. Como ejemplo, he aquí su inclusión en ‘LOS SIMPSONS’, Al final del episodio ‘Historias de la Biblia’, la familia entra al averno bajo los acordes de la canción de AC/DC.

Malcolm Young (guitarra), Angus Young (guitarra), Mark Evans (bajo), Phil Rudd (batería) y Bon Scott (voz) constituyeron la formación inicial de AC/DC. Se unieron en Sidney en 1973, aunque casi de inmediato se trasladaron a Melbourne, siguiendo los consejos de George Young, hermano de los dos guitarras, que había pertenecido a Eeasybats, una formación de pop con relativo éxito durante aquella época.

La familia Young, procedente de Escocia, se había establecido con sus padres en Australia al comienzo de la década anterior. Al contrario que George, Malcolm y Angus apostaron por el rock, concretamente por el heavy-metal. Sí aprovecharon la experiencia de su hermano mayor en cuanto a producción, pero su sonido nada tenía que ver con el que cultivaba éste. Eligieron el nombre de AC/DC (corriente continua, corriente alterna) al ver las siglas en la máquina de coser de su hermana y considerar que simbolizaba la energía y la potencia del grupo.

Tras conseguir rendir a crítica y público en su país gracias a sus poderosas actuaciones en directo, en 1976 el quinteto dio el salto a Gran Bretaña y triunfó pese a llegar a las islas en un período musical dominado por el punk. El carisma de Bon Scott derribó todas las barreras, aunque también influyó en ello el márketing diseñado por su casa discográfica, que acertó al presentarles como ‘escolares viciosos’. De ahí la imagen que presentaban con uniforme colegial londinense, sin que faltaran los mocasines, calcetines blancos y pantalones cortos.

AC/DC estaba a punto de conseguir el estatus de gran banda rock, sobre todo por el éxito de ‘Highway to hell’, cuando se produjo la trágica muerte de su vocalista, una de las míticas desapariciones del rock. ¿Intoxicación etílica, ahogamiento por su propio vómito?, la incógnita sigue alimentando el mito. Scott llegó a su destino después de su viaje por la autopista al infierno.

Pero el grupo australiano no sólo supo sobrevivir, sino que el siguiente disco fue el que más éxito ha tenido en su carrera. ‘Back in black’ (1980) vino a demostrar que la banda podía superar la pérdida de cualquiera de sus miembros y pervivir hasta que sus integrantes se aburran. Desde entonces han pasado 35 años y ahí siguen.

Tras más de cuatro décadas de existencia, AC/DC ha vendido alrededor de doscientos millones de álbumes y se ha erigido como un referente del género. Es más, contribuyó de forma decisiva en el resurgimiento del movimiento heavy en todo el mundo.

En la actualidad, tras diferentes cambios en su formación, goza de un merecidísimo prestigio y una excelente salud. Su miembro más carismático es Angus Young, uno de los guitarristas más peculiares del rock. Su longevidad no le ha impedido convertirse en un mito viviente del rock.

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Por extensión, esta oda a la sangre, al sudor y a las lágrimas de la competición se ha trasladado a la lucha íntima de cualquier persona que trata de superarse día a día, que afronta los retos, se fija metas y nunca se da por vencida. O sea, en resumen, a seres humanos intentando alcanzar un sueño, esos héroes anónimos que nos rodean y a los que nunca valoramos.(...)
Read the rest of Vangelis – Chariots of fire (Carros de fuego) (770 words)

Esta obra instrumental inolvidable nos llegó en 1981 de la mano de compositor griego y se llevó el Oscar a la mejor banda sonora, superando ‘En busca del arca perdida’, de John Williams. El filme, que narra la historia de dos corredores británicos, uno devoto cristiano y el otro judío, en los Juegos Olímpicos de París de 1924, se llevó en total cuatro estatuillas, entre ellas, la de mejor película.

El director  Hugh Hudson y el productor David Puttman conocieron a Vangelis cuando el barbudo heleno trabajaba en los estudios Nemo de Londres. Un encuentro casual derivó en el encargo de la banda sonora al genio de las partituras para cine y televisión. En un principio le pidieron poder incluir en el filme el tema estrella de su obra anterior, ‘Ópera salvaje’, que les había impactado, pero Vangelis les convenció de que podría componer algo mejor. Lo que no tuvieron en cuenta Hudson y Puttman es que la música acabaría eclipsando a la historia. Hoy se recuerda la banda sonora y prácticamente se ha olvidado la película.

‘Carros de fuego’ se asienta en un esqueleto construido mediante sintetizadores y secuenciadores, herramientas de la vanguardia electrónica a la que procesaba culto Vangelis. Sin embargo, también quiso trasladar a la banda sonora los aires de la Inglaterra georgiana de principios del siglo XX en la que se desarrolla el guión. Para ello, se vio obligado a abrir un paréntesis en la trayectoria de música experimental y cósmica que protagonizaba su producción en los años anteriores. Vangelis incluso se acercó a la música clásica, en base a melodías convencionales y a arreglos más modestos.

De todo ello surgió un trabajo en cierto modo denostado por los puristas del vangelismo, pero que, a los que no podemos alcanzar ese nivel, nos parece extraordinario, una aportación inmensa a la cultura de masas. Los críticos también aluden a que ‘Chariots of fire’ se basó en exceso en su obra de 1975 ‘Heaven and hell’, incorporada por Carl Sagan a la serie ‘Cosmos’. Pero, por contra, para otros, entre los que me encuentro, es imposible no adorar su frescura e intensidad.

El público también compartió esta opinión porque durante casi veinte años fue la banda sonora más vendida de la historia. Justo hasta la llegada de ‘Titanic’, de James Horner. Es, en mi opinión, una composición envolvente, influyente en el devenir de la música cinematográfica moderna. Imprescindible para cualquier amante del género y creadora de una tendencia seguida por otros compositores posteriores, que la llevaron incluso a otros estilos.

VERSIONES

El músico de jazz y rhythm and blues estadounidense ERNIE WATTS ofreció su visión del tema de Vangelis en 1982, poco después de estrenarse la película. Una nueva obra maestra.

La cantante, compositora y actriz estadounidense MELISSA MANCHESTER también se dio prisa por versionar la gran composición que hoy analizamos.

El veterano grupo británico THE SHADOWS incorporó ‘Chariots of fire’ a su repertorio en 1982.

El pianista francés RICHARD CLAYDERMAN trasladó la melodía a los teclados clásicos en 1984.

‘Carros de fuego’ ha sido utilizada hasta la saciedad como sintonía radiofónica y televisiva o recurso publicitario desde su lanzamiento inicial. De ella ha habido hasta parodias, como la que protagonizó Rowan Atkinson, conocido mundialmente por su interpretación de MR. BEAN, durante la inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como VANGELIS, es un genio de las bandas sonoras. Basta añadir a la que analizamos otros trabajos para películas como ‘Blade runner’, ‘Opera salvaje’, ‘Lunas de hiel’. ‘Desaparecido’, ‘Motín a bordo’, ‘Alejandro Magno’ o ‘1492. La conquista del paraíso’ para dar categoría científica a esta aseveración. Su inmortalidad musical está garantizada.

De hecho, implantó una nueva forma de entender el contenido musical del cine, trabajando en su propia casa, lejos de los estudios profesionales. Cada vez que tiene una idea, baja a los sótanos donde tiene instalada su factoría y la graba de inmediato.

Hablamos de uno de los mejores teclistas y compositores de estos últimos cuarenta años, rey de la exploración sonora. Pero antes tuvo una etapa pop y rock, cuando en los sesenta formó con Demis Roussos el mítico grupo Aphrodite’s Child. Esto sucedió antes de emprender una obra en solitario que se distinguió por una gran complejidad técnica en trabajos discográficos como ‘Spiral’ (1977), ‘See you later’ (1981) o ‘Direct’ (1988).

Por esa década también formó dúo con el cantante Jon Anderson y publicó varios LPs de indudable valor. Asimismo, ha colaborado con Montserrat Caballé, Melina Mercouri, Claudio Baglioni, Richard Anthony y con el actor Sean Connery, que en el single ‘Ithaca’ recita el poema homónimo de Cavafis.

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Durante el período en que custodió los primeros años de su niño también recapacitó sobre su futuro musical y optó con caminar por veredas diferentes a las que antes contabilizaron sus pasos profesionales. Su regreso supuso un cambio radical en su estilo.

Volvió en 1981, con nueva casa discográfica. Abandonó Zafiro-Novola, con la que firmó sus primeras canciones, y fichó por Hispavox, en auge en los primeros años de los ochenta. Debutó con un álbum que obtuvo un éxito inmediato en las listas españolas y latinoamericanas gracias a canciones como ‘El noa-noa’, ‘Eres’ o ‘El amor’.(...)
Read the rest of Massiel – Tiempos difíciles (542 words)

No vamos a hablar de ninguna de ellas. Una vez más este melómano trasnochado –o quizá trastornado– opta por otro tema, uno de esos que no obtuvo el favor de las masas, a pesar de que daba título al LP. Me refiero a ‘Tiempos difíciles’.

Honorio Herrero y Luis Gómez Escolar, antiguos integrantes de Aguaviva y La Charanga del Tío Honorio, compusieron una obra con ambición futurista que roza el tecno pop y el productor-creador de éxitos de la época Danilo Vaona incorporó su toque de magia a uno de sus trabajos más completos. Una buena canción de ésas que penetran con parsimonia y se adueñan del pensamiento.

Massiel se reinventó con esta producción, optando por un pop más comercial. Demostró así que puede transitar de Bertolt Brecht a la pachanga sin perder un ápice de credibilidad.

Calle desierta, robot en la puerta
las doce y nunca en el reloj
voy a buscarte cruzando la niebla
ábreme sólo soy yo

1990 y la noche me mira con resignación
ojos de gato, mi dulce ladrón
acércate que aquí estoy yo para el amor

Tiempos difíciles, tiempos difíciles
para querernos tú y yo
tiempos difíciles, tiempos difíciles
queda prohibido el amor

No digas nada que luego es peor
nos pueden acusar de amor
cojo mis cosas, me visto y me voy
espero que hoy no esté el control

1990 y el sol espía como un delator
calle desierta, robot en la puerta
las doce y nunca en el reloj

Tiempos difíciles, tiempos difíciles
para querernos tú y yo
tiempos difíciles, tiempos difíciles
queda prohibido el amor

María de los Ángeles Santamaría (Madrid, 1947), bautizada MASSIEL para la música, vivió desde que nació rodeada por cantantes porque su padre era representante artístico de estrellas españolas como Miguel Ríos, Los Brincos, Karina… El veneno por lo tanto estaba en su ser desde la infancia y sólo faltaba un pequeño empujón. Se lo dio el Festival de Mallorca de 1966, donde fue galardonada con el premio de la crítica con el tema ‘Rufo el pescador’.

El reconocimiento significó un contrato con Zafiro, sello con el que pronto logró el éxito gracias a las canciones ‘Aleluya nº 1’ y ‘Rosas en el mar’, que le cedió Luis Eduardo Aute. De inmediato, se situó en la vanguardia del pop nacional y la canción protesta.

Dos años más tarde, ante la negativa de Serrat de cantar en castellano, representó a España en el festival de Eurovisión y, por sorpresa, ganó con ‘La, la, la’ cuando todos los pronósticos apostaban por Cliff Richard.

Tras probar con diferentes estilos, en 1972 se pasó a la discográfica Ariola para editar un disco comprometido con el damaturgo alemán Bertolt Brecht, que, sin embargo, no tuvo éxito y provocó un nuevo cambio de empresa. Fichó por Polydor, donde probó hasta con rancheras y temas nicaragüenses.

El descanso que se tomó para tener a su hijo le valió también la llegada a Hispavox, donde su carrera se relanzó gracias a canciones como la que hoy analizamos. Su obra se vanalizó, aunque se hizo más comercial y popular. Vivió varios años de esplendor para después ir reduciendo su repercusión mediática.

Luego se le vio en los platós televisivos analizando temas de corazón y su carrera musical llegó a su fin.

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Post tags: Aguaviva, Bertolt Brecht Danilo Vaona, Honorio Herrero, Karina, La Charanga del Tío Honorio, Londres, Los Brincos, Luis Eduardo Aute, Luis Gómez Escolar, María de los Ángeles Santamaría, Miguel Ríos, Polydor, Westminster Hospital, Zafiro-Novola

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Desbordó su objetivo inicial para convertirse en un tema que ilustra el combate de los chilenos contra el régimen de Augusto Pinochet, del que fue víctima el propio Víctor Jara. Sin embargo, la composición es anterior. Data de cuando Chile estaba gobernada por el Gobierno progresista de Eduardo Frei Montalva, época en la que surgieron fuertes movimientos sociales que anhelaban una mejora en las condiciones laborales y de vida.

La creación más famosa de Jara representa a la lucha de la clase obrera a través de la historia de amor de una muchacha llamada Amanda y de un obrero que respondía al nombre de Manuel. Él trabajaba duramente en una fábrica, donde ella la visitaba durante los cortos descansos, cinco minutos escasos hasta que la sirena indicara el regreso al trabajo. Un día su rutina cambió radicalmente, porque Manuel faltó a la cita, víctima de la injusticia del sistema explotador y la codicia de los patronos.(...)
Read the rest of Víctor Jara – Te recuerdo Amanda (912 words)

‘Te recuerdo Amanda’ denuncia la vida gris del proletariado a través de una pareja a la que el autor conocía personalmente, aunque sus nombres reales no eran los que nos presenta la canción. El de Amanda lo cogió de su madre y de su hija, y el de Manuel, de su padre. El amor, en este caso, adquiere otras dimensiones, convirtiéndose en drama social. El tema es, sin duda, el mejor ejemplo de que lirismo y lucha social pueden caminar juntos.

Hay quien sostiene que el cantautor chileno dedicó esta obra a su amada madre unos meses después de que muriera tras un infarto. Otra versión dice que la composición surgió durante un viaje a Londres invitado por el British Council por sus logros como director teatral. Durante su transcurso, su hija Amanda, de 3 años, se puso enferma y, ante la imposibilidad de comunicarse por carta con su esposa por una huelga de correos para conocer el estado de la niña, escribió su mayor clásico en la soledad de su hotel. Desde entonces, 1969, la letra y música que surgieron de su guitarra solitaria deambulan por el planeta esparciendo sentimientos. A pesar de que la dictadura la censuró.

No obstante, Joan, esposa del cantautor, señaló en una ocasión que «la gente se pregunta si la escribió por su madre o por su hija. Creo que no la dedicó específicamente a ninguna de las dos, si bien contiene la sonrisa de la madre y la promesa de juventud de su hija».

¿Una canción de amor o un manifiesto social? Da igual. Lo cierto es que la repercusión de ‘Te recuerdo Amanda’ fue tal en los setenta y en los ochenta que fueron muchas las niñas bautizadas con este nombre.

Te recuerdo Amanda,
la calle mojada,
corriendo a la fábrica
donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha, la lluvia en el pelo,
no importaba nada, ibas a encontrarte con él,
con él, con él, con él, con él

Son cinco minutos,
la vida es eterna en cinco minutos
suena la sirena de vuelta al trabajo,
y tú caminando, lo iluminas todo
los cinco minutos te hacen florecer

Te recuerdo Amanda,
la calle mojada,
corriendo a la fábrica
donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha, la lluvia en el pelo,
no importaba nada, ibas a encontrarte con él,
con él, con él, con él, con él

Que partió a la sierra
que nunca hizo daño, que partió a la sierra,
y en cinco minutos quedó destrozado
suena la sirena, de vuelta al trabajo
muchos no volvieron, tampoco Manuel

Te recuerdo Amanda,
la calle mojada,
corriendo a la fábrica
donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha, la lluvia en el pelo,
no importaba nada, ibas a encontrarte con él,
con él, con él, con él, con él

VERSIONES

La veterana cantautora estadounidense JOAN BAEZ fue de las primeras en hacer uso de ‘Te recuerdo Amanda’.

http://youtu.be/2X0JH05MbH8

El trovador cubano SILVIO RODRÍGUEZ realizó una gran interpretación.

Nuestro JOAN MANUEL SERRAT y PRESUNTOS IMPLICADOS compartieron el tema de Víctor Jara.

La argentina MERCEDES SOSA dar a la canción su toque personal.

Más reciente es la revisión de ISMAEL SERRANO.

VÍCTOR JARA (1932-1973) fue más poeta que cantante, además de profesor, director de teatro, activista político y miembro del Partido Comunista. Bebió siempre de la crónica social para crear sus obras e hizo suyos los problemas de obreros y campesinos, participando en el proyecto político de justicia social del presidente Salvador Allende, abortado por el golpe que el general Augusto Pinochet encabezó el 11 de septiembre de 1973.

Una de las víctimas del baño de sangre que siguió a la asonada fue el propio cantautor, con quien se ensañaron particularmente. Fue asesinado con 44 disparos en un vestuario del estadio Chile, donde estaban hacinados unos cinco mil simpatizantes de Allende. Previamente le torturaron durante días y jugaron con él a la ruleta rusa. Tenía 41 años. Todavía le quedaban muchas cosas por contar.

El trovador incuestionable se erigió por derecho propio en el mayor exponente de la Nueva Canción Chilena con temas inspirados en la cultura popular. Hijo de una familia de campesinos, en él germinó la semilla musical sembrada por su madre, Amanda Martínez, cantora popular. La planta que nació la regó Omar Pulgar, un músico de los arrabales de Santiago. Él le enseñó a tocar la guitarra. Sus estudios musicales los completó en el coro de la iglesia de Blanca Encalada.

Luego se introdujo sin medida en el renacimiento cultural que vivió Chile en la década de los años sesenta, compartiendo territorio con Pablo Neruda o Violeta Parra, que regentaba un local conocido como la Peña de los Parra, dónde Víctor Jara ofreció numerosas actuaciones con canciones comprometidas políticamente, junto a otros músicos como Quilapayún.

Se significó demasiado contra el fascismo y, cuando le sorprendió el golpe de estado, fue objetivo inmediato de los militares. Dicen que un periodista le recomendó que cambiara la guitarra por el fusil, pero el cantante contestó: “No, compañero, yo no sé disparar. La guitarra siempre sirve, aunque sea para animar a los combatientes”. Fue detenido en la Universidad Técnica de Santiago, donde impartía clases. La siguiente noticia se refería a su muerte.

Víctor Jara encarnó un ejemplo de valentía, dignidad, solidaridad y compromiso con un mundo más justo. A través de su canto nos permitió conocer la cruel realidad del Chile de aquella época. Su espíritu y su lucha por la justicia social ha pervivido en su obra.

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Bajo la producción del mago Julián Ruiz la discográfica reunió a una serie de músicos desconocidos, liderados por la voz de la sueca Zanna Gregmar para lanzar al mercado un producto de laboratorio previamente cocinado mediante sintetizadores analógicos que tuvieron una buena acogida entre el público, muy propenso en aquella época a este tipo de productos.

El objetivo era hacer versiones tecno pop de clásicos del cine. Lo lograron con importante repercusión. La obra fue muy trabajada en los estudios Audiofilm y Tape One de Londres entre noviembre de 1982 y marzo de 1983.

‘Follow the blonde’ formó parte de la segunda parte del proyecto. Este tema estaba inspirado en la película homónima dirigida por George Marshall en 1968 y que contó con la escandinava Elke Sommer como protagonista en el papel de una atleta de Alemania Oriental que se fuga de la parte comunista de Berlín para intentar vivir en Occidente.

El proyecto de CINEMASPOP lo conformaron Javier de Juan (baterías electrónicas), Manuel Aguilar (bajo), Carlos García Vaso (guitarra polifónica, Vocoder, MS-20), Joaquín Montoya (teclados varios), Eddy Guerin (PPg-Wave, piano), Zanna (voz), Guinea (voces) y Ollie Halsall (guitarra). Nació con todo lujo de aportaciones, incluso autoridades del pop colaboraron en su primer disco. Es el caso del fallecido locutor musical Joaquín Luqui, gurú que apoyó su lanzamiento.

El derroche de medios realizado por la Warner derivó en 1983 en un éxito esperado tras el trabajo de producción de Julián Ruiz. Además se contó con Montxo Algora para confeccionar el dibujó el logotipo, mientras que el diseño de la carpeta corrió a cargo de Margarita Caraballo.

Su primer long play incluía versiones de ‘Casablanca’, ‘James Bond’, ‘El tercer hombre’, ‘Éxodo’, ‘Los siete magníficos’ y ‘Zorba, el griego’, elegida como el single de presentación.

El segundo álbum llegó ya sin la participación de Azul y Negro. Se tituló ‘La naranja mecánica’ y no gozó con la repercusión necesaria para que el caminar de Cinemaspop continuara.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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Todo ello a pesar de que Lennox se recuperaba de unos nódulos en las cuerdas vocales que le impidieron emprender una gira e incluso participar en el multitudinario concierto de Live Aid. La fórmula de la comercialidad quizá se debió a que redujeron su uso habitual de sintetizadores, incorporaron ciertas gotas de blues y se apoyaron en instrumentos tradicionales como las guitarras, la trompeta o el saxo.

Inicialmente Eurythmics, también compositores de la canción, tenían destinado el tema al cantante invidente norteamericano Stevie Wonder, pero finalmente tuvieron que conformarse con que la estrella de la Motown colaborara tocando un solo de armónica que rivalizó con las cualidades vocales de Annie.

El fondo de la trama de ‘There must be an angel’ no es sencillo. Versa sobre la búsqueda personal y espiritual en los momentos en que nos encontramos sentimentalmente más débiles. En apenas un puñado de párrafos, su ánimo es intentar subir la moral y la autoestima de quienes la escuchan en esos días malos que todos tenemos de vez en cuando.

La protagonista se siente sola, pero se cree bendecida por un ángel, por multitud de ángeles que reavivan su corazón y establecen una conexión celestial con quien ella ama. Pese a la profundidad del intento se convirtió en uno de los éxitos más comerciales de la carrera de Eurythmics. De esos que provocan sonrisas inmediatas.

El videoclip se hizo muy popular. En él Dave Stewart interpreta a Luis XIV y Annie Lennox a una cantante que ha sido llevada ante el Rey Sol para entretenerle con una melodía tan bien construida.

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Entro en una habitación vacía
y de repente mi corazón retumba
es una orquesta de ángeles
y están tocando con mi corazón
debo estar hablando a un ángel

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Y cuando creo que estoy sola
parece que hay alguien más en casa
es una multitud de ángeles
y están tocando con mi corazón

Debo estar teniendo alucinaciones
viendo a los ángeles de fiesta
podría ser esto estar reactivando
dislocando mis sentimientos?

Debe ser una desconocida ilusión
por intervención celestial
dejándome el recuerdo
de tu celestial conexión.

VERSIONES

Annie Lennox, ya roto el dúo con Stewart, firmó una revisión de corte RHYTHM & BLUES. La interpretó en directo en Londres en 2009. Sin igual.

El quinteto de rock alemán NO ANGELS supo aprovechar también la comercialidad de ‘There must be an angel (Playing with my heart)’. Llevó el tema al número uno en su país y en Austria en 2001.

KYLIE MINOGUE la canta en sus giras.

Como rareza esta interpretación que realizó el difunto tenor PAVAROTTI con Eurythmics.

La banda CELTIC WOMAN nos ha hecho llegar una versión preciosa.

Por último reseñar que en 1999 Eurythmics se reunió para cantar con el gran STEVIE WONDER.

La escocesa Annie Lennox (vocalista) y Dave Stewart (guitarrista y compositor) comenzaron su andadura musical en la vía del punk londinense a mediados de los 70. Pero evolucionaron con facilidad hacia el technopop con su primer grupo, Tourists, banda que rompieron en 1980 para fundar el dúo EURYTHMICS. Eligieron el nombre inspirándose en la palabra latina Eurythmia, cuyas raíces provienen del griego Eu (Bien o bueno) y Rythmes (ritmo),

El éxito llegó en 1983 con ‘Sweet dreams’, disco de oro, y siguió con ‘Who’s that girl?’, ‘Are made of this’, ‘Would I lie to you?’ o ‘Here comes the rain again’. Aunque fue en 1985 cuando tocaron la gloria con ‘There must be an angel’. El tema al que hoy nos referimos marcó un punto de inflexión en su carrera pasado a un estilo new wave que levemente incluso se encaminó hacia el rhythm and blues.

Toda una cadena de temas con gran repercusión les colocó frente a la década de los noventa, cuando decidieron separarse para emprender carreras en solitario. Stewart se centró en la producción, mientras que Lennox cosechó numerosos éxitos discográficos y acentuó su faceta activista solidaria.

Intermitentemente se reunieron para grabar dos discos en 1999 y 2001, y siempre corre el rumor de que resucitarán el dúo.

Eurythmics llegó a vender unos 75 millones de discos en todo el mundo. Además cosechó cuatro Grammys, dos Globos de Oro e incluso un Oscar.

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