No sé si hablamos de una canción soul o si la podemos encasillar en el sonido disco funk. Pero, qué más da. Sus magníficos coros y trompetas superan cualquier catalogación. Llegó a nosotros en el último tramo de 1978 y sus 3,37 minutos nos encandilaron de inmediato. El idilio pervive casi cuatro décadas después. (...)
Read the rest of Earth, Wind & Fire – September (1,616 words)

Los arreglos de Horn, Strings y White siguen creando en nuestra actualidad digital la misma magia que a finales de los setenta, en plena erupción del sonido disco, provocaron las agujas que pincharon los miles de vinilos que se vendieron con su single.

El paso del tiempo ha convertido a ‘September’ en una de las piezas musicales mas populares del pop del pasado siglo. Nadie puede negar que la obra que compusieron Maurice White, Al McKay y la letrista Allee Willis, que debutaba en la lídes de la creación, ha marcado a varias generaciones.

Aunque sólo llegó al octavo puesto de la lista de éxitos estadounidense Billboard Hot 100, ‘September’ vendió más de un millón de copias en su propio país. En Europa el éxito fue mayor, siendo número tres en Gran Bretaña, donde también recibió un disco de oro. En el resto del mundo también se erigió en una canción muy popular, con gran repercusión en los mercados.

En España la canción enganchó rápidamente, amparada en el hecho de que Televisión Española la eligió como sintonía de sus retransmisiones de Vuelta Ciclista a España de 1979, que paradójicamente por aquel entonces no se celebraba en septiembre, como ahora, sino en mayo.

A poco que su ritmo y su alegría nos contagien, comenzaremos este mes de reanudación laboral con ganas de celebrar cualquier acontecer, por nimio que pueda parecer. Hasta el regreso al trabajo tras las vacaciones se nos hará más llevadero. Satisfacción e ilusión nos impregnarán cada vez que escuchemos este tema dedicado al noveno mes del calendario juliano. Su espíritu positivo eclipsará cualquier temor a lo que se nos avecina, ahora que estamos a caballo entre dos estaciones astronómicas.

‘September’ no fue incluido en ningún álbum original de EW&F. Salió al mercado inicialmente como single y luego se incluyó en el disco recopilatorio ‘The best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1’. Sus derechos fueron cedidos a Unicef, que lo incorporó al LP ‘Music for Unicef concert: a gift of song’, lo que proporcionó millonarios ingresos a la organización a favor de la infancia.

LETRA

El proceso creativo de la parte literaria de ‘September’ tuvo como escenario los estudios en los que Earth, Wind & Fire grababan su álbum ‘I am’, álbum que, sorprendentemente, luego no recogíó este tema. No fue, por tanto, una composición largamente meditada, sino que surgió de un brote de inspiración.

La teoría oficial sostiene que en una de las jornadas de trabajo, una vez finalizada la sesión programada para ese día, White regaló a Willis un libro sobre filosofía oriental. Su lectura la adhirió a la tendencia que ya profesaba el líder de la banda y que recomienda afrontar la vida de manera positiva. Todo ello se plasmó en ‘September’, ejemplo palpable de cómo la música puede transmitir mensajes de paz y amor.

La letra de Willis era inicialmente un largo poema que finalmente hubo que recortar para adaptarlo al formato de una canción pop. «Había comenzado a escribir la introducción en el estudio y luego me retiré. Al llegar, me sorprendí porque mis compañeros ya habían arreglado la canción y dije ‘Oh Dios, ellos se interesaron por mi trabajo’. Estaba segura que sería un éxito» explicó Willis en una entrevista concedida a un periódico estadounidense.

Willis también aclaró que la referencia a la noche del 21 de septiembre se debió a que fue Maurice White «quien escribió esa primera estrofa. Cuando la escuché, me llamó la atención y le pregunté ¿por qué el 21?. Entonces él me respondió que era un perfeccionista y que le gustaba atar todos los cabos muy cuidadosamente, por lo que colocar el 21 marcaría al oyente, ya que se cuestionaría lo mismo». Por lo tanto, parece que esta fecha no tiene ningún significado real, simplemente encajaba con letra y métrica: «White tenía esa manía de escribir canciones con fechas o cosas que despertaran la curiosidad de los seguidores. Eso se convirtió en una característica muy particular de Earth, Wind & Fire», añadió Willis.

Asimismo, la inclusión de la expresión ‘Bada-ya’ tampoco tuvo un objetivo concreto. Simplemente lo que ocurrió fue que otras frases previamente pensadas no se ajustaban a esa parte melódica o sonaban «anticuadas», según Willis.

¿Recuerdas la noche del 21 de septiembre?
El amor cambiaba
las mentes de los pretendientes
mientras espantaba las nubes

VERSIONES

El bajista y contrabajista estadounidense de jazz y jazz fusión BRIAN BROMBERG degustó durante veinte años ‘September’ y en 1998 nos ofreció una revisión, a mi entender, fabulosa.

Diez años más tarde su compatriota GORDON GOODWIN –pianista, saxofonista, compositor y arreglista–y la BIG PHAT BAND dotaron al tema de su propia personalidad. La voz la puso la también norteamericana PATTI AUSTIN.

Ya en Europa, en 2000, la joven estrella ucraniana ASSOL grabó la obra de Earth, Wind & Fire con el título ‘V sentjabre’. Su voz infantil parece insuficiente para semejante composición.

La propia banda de Maurice White convirtió ‘September’ en ‘December’ para uno de sus últimos discos. Algunos cambios en los coros, en la melodía y en la letra bastaron para volver a obtener el éxito

SISGO AND VITAMIN C interpretaron la composición para los créditos de película ‘Get over it’ (Así es el amor), de 2001.

BIOGRAFÍA

EARTH, WIND & FIRE surgió alrededor de Maurice White, un joven que allá por 1967 estudiaba en el conservatorio de Chicago y trabajaba al mismo tiempo como músico de sesión para el sello Chess y de acompañamiento en las giras de Ramsey Lewis. Dos años más tarde, cuando consideró que ya había adquirido la suficiente experiencia, decidió formar el grupo Sally Peppers, con el que logró pequeños éxitos en el entorno de Illinois acompañado del teclista Don Whitehead y el cantante Wade Flemons.

Llegados los setenta su fusión de música disco, fun, jazz, soul, gospel, pop, blues, psicodelia, folk, música africana y rock and roll llamó la atención de la multinacional discográfica CBS, para la que refundó la banda bajo la denominación con la que ha llegado hasta nuestros días, la trasladó a Los Ángeles y alcanzó una presencia casi constante en las lístas de éxitos estadounidenses. El nombre de Earth, Wind & Fire nació inspirado en los tres elementos de la carta astral de White.

La banda primitiva estaba compuesta por White, su hermano Verdine (bajo), Sherry Scott (voz), Michael Beal (guitarra), Chet Washington (saxofonista), Alex Thomas (tambores) y Yackov Ben Israel, (percusión), además de los originales Whitehead y Flemons. En años posteriores se produjeron numerosos cambios, entrando en distintas épocas la vocalista Jessica Cleaves, Ronnie Laws (saxo), Roland Bautista (guitarra), Larry Dunn (teclista), Ralph Johnston (percusión), Al McKay (guitarra) y Johnny Graham (guitarra), además del cantante Philip Bailey, que incluso llegó a discutir el liderazgo a Maurice White.

Discos de larga duración como ‘The last days and time’ (1972), ‘Head to the sky’ (1973), ‘Open our eyes’ (1974), ‘That’s the way of the world’ (1975), que fue su primer número uno; ‘Gratitude’ (1975), que también llegó a lo más alto de las listas; ‘Spirit’ (1976) o ‘All ’n’ all’ (1977) dieron continuidad a una producción siempre bien acogida por público y crítica. Pero el nivel más alto de fama lo alcanzaron a partir de 1978, cuando constituyeron su propio sello, ARC, y lanzaron ‘I am’ (1979).

Con la llegada de los ochenta comenzó el declive y en 1983 el vocalista Philip Bailey optó por iniciar una carrera en solitario. E,W&F sacó al mercado su trabajo ‘Touch’, que fue un fracaso y White decidió tomarse un descanso de cuatro años. Retornó en 1987, recuperando a Bailey, con grandes giras mundiales, llegando hasta 2005. Su prestigio nunca mermó, pero los grandes éxitos nunca volvieron a llegar.

Sin embargo, nos dejaron temas inolvidables como ‘ Mighty, mighty’ (1974), ‘Shining star’ (1975), ‘That’s the way of the world’ (1975), ‘Sing a song’ (1975), ‘Getaway’ (1976), ‘Serpentine fire’ (1977), ‘Get to get you into my life’ (1978), el analizado ‘September’ (1978), ‘Boogie wonderland’ (1979), ‘After the love has gone’ (1979) o ‘Let’s groove’ (1981). Con ellos consiguieron numerosos números uno y seis premios Grammy.

Maurice White, el motor de la versatilidad del conjunto, murió el pasado febrero debido a las consecuencias de la enfermedad de Parkinson.

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‘Sangre española’, que nos llegó junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, es aún el mayor éxito de Manolo Tena. Vendió un millón de copias en todo el mundo, aunque el artista madrileño siempre mantiene que no llegó a ganar ni una peseta con esta canción.

Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.

(...)
Read the rest of Manolo Tena – Sangre española (901 words)

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confesó repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesaba «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añadió más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sotuvo.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derramó arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofreció desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas y difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo volvió a protagonizar, pero el nivel de su obra no decreció hasta que un cáncer detuvo su carrera. Regresó hace poco con un nuevo trabajo. Fue su canto de cisne. Ayer se apagó su voz.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

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Post tags: Alarma!!!, Ana Belén, CBS, Cucharada, El Pescadilla, Joan Manuel Serrat, Laboratorio Colectivos Chueca, Lola, Los Secretos, Luis Eduardo Aute, Luz Casal, Miami, Michael Jacson, Miguel Ríos, Quincy Jones, Rosario, Siniestro Total, Sony, Spoonful Blues Band, Tomás Muñoz

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Pérez-Botija eligió a Cecilia como solista estrella y creó La Compañía para hacerse con el mercado de las bandas vocales mediante adaptaciones de temas clásicos y zarzuelas a ritmo de pop, un terreno que ya había labrado con éxito Miguel Ríos con el ‘Himno de la alegría’, basado en la ‘Novena sinfonía’ de Beethoven.(...)
Read the rest of La Compañía – El soldadito (936 words)

La Companía debutó en el microsurco en 1971 con ‘El soldadito’, que rápidamente ascendió a los primeros puestos de las listas de éxitos de aquel año gracias a los arreglos muy logrados que protagonizó Juan Carlos Calderón a partir del fragmento de la habanera ‘Marchaba a ser soldado (El saboyano)’. Originalmente, esta pieza era interpretada por un mendigo con organillo en la castiza zarzuela ‘Luisa Fernanda’, escrita por Federico Moreno Torroba y con libreto de él y Guillermo Fernández Shaw en 1932.

Su base interpretativa se sustentaba sobre dos coros –femenino y masculino– que se contestaban para unirse en un final mixto, con una batería siempre presente en primer plano.

Compartió el hit parade de aquel año con el ‘Quiero abrazarte tanto’, de Víctor Manuel; ‘El chico de la armónica’, de Micky; ‘We shall dance’, de Demis Roussos; y ‘Un beso y una flor’, de Nino Bravo. Sin duda, rivales de mucha entidad. Aún así, ocupó durante cuatro semanas el primer puesto de ventas, tras confirmarse como canción del verano.

En esta obra del género chico el soldadito marcha a batallar sin hacer mucho caso a Luisa Fernanda y ella, cansada de esperar, se promete con un hacendado extremeño que posee una finca cerca de Piedras Albas. De todas formas, al final, el amor verdadero vence. ¡Cómo no! Todo ello con el trasfondo del derrocamiento de Isabel II y la proclamación de la I República.

La repercusión de ‘El soldadito’ se amparó en el conocimiento generalizado por parte de los españoles de las zarzuelas, machacónamente programadas por la única televisión que existía por entonces en este país. Todo a pesar de que la grabación que se utilizó para promocionar el tema nada tenía que ver con los futuros videoclips.

La coreografía, cuanto menos, es peculiar, pero no podemos mirarla con ojos contemporáneos. Conviene retrotraer nuestra mente casi cinco décadas y, sobre todo, mostrar condescendencia con el look de minifaldas de cuadritos. Primitiva, pero impagable grabación.

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

Ella se queda sobre un ribazo
con el pañuelo diciendo adiós
la prometida del soldadito
hasta que a penas se ven los dos

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

Ella se queda sobre un ribazo
con el pañuelo diciendo adiós
la prometida del soldadito
hasta que a penas se ven los dos

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

quien le dijera que el soldadito
sueña en los brazos de otra mujer
y que en la boda fueron las arras
los entorchados de brigadier

VERSIONES

La zarzuela original es imprescindible para entender la revisión que realizó La Compañía.

LA COMPAÑÍA nació como grupo local que recreaba temas de viejas zarzuelas a ritmo pop. Su alma máter Rafael Pérez-Botija embarcó en el proyecto a Álvaro Nieto, de Los Pasos, a Manuel Escobar, de Los Sonor; y a Julio Seijas, de Aguaviva; junto a otros vocalistas sin experiencia anterior en el mundo de la música, hasta reunir una formación con ocho miembros.

Tras éxito de ‘El soldadito’, su obra de debut, llegó el larga duración ‘Reestreno’, un recorrido por romanzas y las canciones más importantes de creaciones de zarzuela como ‘Luisa Fernanda’, ‘La tabernera del puerto’, ‘Doña Francisquita’ o ‘La canción del olvido’. Este trabajo acabó en los tribunales por la adaptación de ‘Romanza de Morala’, de ‘La tabernera del puerto’, ya que el maestro Pablo Sorozábal denegó su permiso para la adaptación titulada ‘En un país de fábula’. La justicia falló a favor del autor, al considerar que su obra había sido mutilada y deformada.

Además, en 1972 la banda fue visitada por la tragedia, ya que una de sus componentes, Ana María Fernández, falleció víctima de un accidente de tráfico. En su honor publicaron ‘Tema para Ana’.

Un año más tarde llegó su segundo álbum, titulado sencillamente ‘La Compañía’ y que incluía el éxito ‘Gitano’, que volvió a aupar al grupo a los primeros puestos de las listas. El tema compitió incluso con el ‘Eres tú’ de Mocedades por representar a España en Eurovisión.

Entre 1974 y 1976, ya convertidos en sexteto, publicó sus últimos singles, sin que ninguno de ellos tuviera repercusión comercial, lo precipitó la desaparición del grupo.

Un par de años más tarde, Álvaro Nieto, ya director artístico de Movieplay, se puso de nuevo en contacto con Seijas para que la agrupación renaciera bajo el nombre de La Pequeña Compañía, que llegó a despertar gran interés entre los públicos español y latinoamericano con discos llenos de versiones de boleros, cha-cha-chas, villancicos, pasodobles o coplas. Versiones enganchadas, como dicen en Hispanoamérica. Otros componentes de La Compañía triunfaron en diversos campos del mundo del espectáculo.

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Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.(...)
Read the rest of Manolo Tena – Sangre española (885 words)

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confiesa repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesa «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añade más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sostiene.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music, se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derrama arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofrece desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo ha vuelto a protagonizar y quizás jamás lo vuelva a tener, pero el nivel de su obra no ha decrecido.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

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Incluso, tres décadas después, Coz volvió a cohabitar con el escándalo cuando el autor de ‘Las chicas son guerreras’, el bajista y cantante Juan Márquez, fue expedientado por la SGAE por prácticas fraudulentas en la producción de música de fondo para televisión y para pequeños videoclips de rock que proveen de contenido a los espacios de madrugada de las cadenas. «Es una música que nace muerta y acaba normalmente en esa casi clandestina explotación», se quejaba la sociedad de derechos de autor en su comunicado hace no mucho tiempo.(...)
Read the rest of Coz – Las chicas son guerreras (849 words)

Pero –me gustaría pensar que no fue por la polémica que suscitó ni por su intromisión en la guerra de sexos– este tema golpeó con fuerza en 1981 y reinó en las ondas hercianas compitiendo con el sonido de la movida. Llegó incluso a ser número uno en las listas del momento. Bajo la producción de Johnny Dapena –antiguo componente de Ana y Johnny–, Eduardo Pinilla (guitarra), Tony de Juan (guitarra y voces), Cutu de la Puente (batería), Juan Márquez (bajo y voz), Miguel Vercher (saxos) y Mariano Pérez (teclados) grabaron la canción en los estudio Sonoland de la capital española.

Desde entonces son varias las generaciones que han entonado a garganta libre, hasta perder la voz y con más o menos acierto, la letra y las notas de ‘Las chicas son guerreras’, que pudo incluso con las creaciones de los grandes grupos del momento, como Mecano o Alaska y los Pegamoides. Quiero entender que los integrantes de Coz amaban a las mujeres y que este tema es simplemente una oda a cada una de ellas.

Su estribillo sencillo, aderezado con sonidos guturales, ha hecho que está composición haya pasado de siglo con bastante decoro. No sé si fue su ritmo, sus riffs, el mensaje o simplemente la buena producción, pero lo cierto es que ‘Las chicas son guerreras’ para muchos abrió un nuevo estilo de música en España, el pop-rock. Para otros, sin embargo, desvirtuó el rock.

Las chicas tienen algo especial
las chicas son guerreras
desde el perfume a las medias de cristal
las chicas son guerreras

Tras una barra o con pinta colegial,
las chicas son guerreras
en las revistas o todo al natural,
las chicas son guerreras

Uh, Ah! ¡Las chicas son guerreras!
Uh, Ah! ¡Las chicas son guerreras!

Jugar con ellas es como manejar la nitroglicerina
tienen más vatios que una nuclear
y no son tan dañinas
y la más cardo puede tener sabor a mandarina
rubias, morenas, castañas,
¡qué más da! Todas están divinas

Uh, Ah! ¡Las chicas son guerreras!
uh, Ah! ¡Las chicas son guerreras!

Ellas suelen llevar el timón
y hacen astillas tu pobre corazón
y si ves el mundo girar
es porque las muñecas
han puesto la cadera a funcionar

De la más cursi a la tía más legal,
las chicas son guerreras
en las revistas o todo al natural,
las chicas son guerreras
Uh, Ah! ¡Las chicas son guerreras!
uh, Ah! ¡Las chicas son guerreras!

VERSIONES
Las componentes de OBJETIVO BIRMANIA cantaron ‘Las chicas son guerreras’ para el mítico programa de televisión ‘La bola de cristal’.

LOS WALKMAN, especializados en tocar música de los ochenta, firmaron una buena revisión.

La banda 80’s FÁCTORY tampoco quiso privarse del honor de interpretar ‘Las chicas son guerreras’.

TIGRETONES hicieron lo propio.

Las niñas YAIZA ESTEVE Y ARIADNA CASTELLANO, actrices de la serie de televisión ‘Mis adorables vecinos’, realizaron un remake en 2004.

En el mundo del cine la canción apareció en la banda sonora de la película ‘AL OTRO LADO DE LA CAMA’.

COZ nació para golpear, para golpear a una sociedad que sus jóvenes integrantes consideran un ejemplo de cinismo. Por ello, aquellos jóvenes madrileños que en 1974 decidieron unir sus descontentos sociales bautizaron a la banda con ese nombre. Lo eligieron porque estaban hartos de que en sus bolos les pidieran pasodobles, tanto el público como los empresarios que los contrataban. Creyeron que su nueva denominación alejaría a ese tipo de audiencia de sus actuaciones.

Era 1974 y Madrid. La banda la componían Jesús Albeniz como cantante, Kanguro como guitarrista, Miguelo Jiménez como batería y Juan Márquez, al bajo y voz. Luego salieron algunos y llegaron los hermanos Armando y Carlos de Castro, Juan Toro, al bajo, y Julio César, en la percusión. Posteriormente también pasaron por la alineación el bajo Tony Urbano y Paco García, con las baquetas, hasta que, en 1978, se reestructura el grupo con ‘Cutu’ de la Puente.

El éxito llegó en 1979 con la grabación del single ‘Más sexy’ para la CBS. Pero durante el registro del álbum que lo siguió surgieron graves diferencias por la selección del repertorio por parte de la multinacional, que apuesta por las canciones de Juan Márquez. Por ello, los hermanos Castro deciden abandonar el grupo y formar Barón Rojo.

Sus puestos son ocupados en 1980 por los guitarristas Tony de Juan y Eduardo Pinilla. Con ellos salió al mercado ‘Las chicas son guerreras’, que se publica en 1981. Fue un gran éxito, el último de gran calibre de la banda. A partir de este segundo LP no volvieron ni a rozar los puestos altos de las listas. Trataron de regresar a sus orígenes en el metal, pero los intentos también fueron vanos.

Por ello lo dejaron en 1987, para volver a finales de los noventa gracias a cierto revival del heavy español. Grabaron en un sello creado por ellos mismos un disco con nuevas versiones de sus temas más conocidos y algunos de nuevo cuño, pero pasaron prácticamente desapercibidos. Hoy, todavía siguen en activo, aunque no pasan por los estudios desde 2008.

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Magal llegó y triunfó porque este tema constituyó su primera grabación como solista para la poderosa discográfica CBS. Fue un ‘extended pay’ de cuatro cortes que registró con la ayuda de ocho músicos. Su éxito fue inesperado, como también lo fue que trascendiera de las fronteras de su país. Y más aún cuando, casi cuarenta años después, su recuerdo siga esculpido en nuestro el hipotálamo profundo. Su vigencia es envidiable.

Su esencia rítmico-étnica causó furor en aquellos años del postfranquismo, tan eclécticos, en los que los cantautores aprovecharon la oportunidad que les negaba la dictadura y se cobraron glorias melódicas que, desgraciadamente, duraron poco con la inmediata irrupción de la música disco de finales de los setenta y la electrónica de principios de los ochenta.

‘Cara de gitana’ fue grabada en cinco idiomas –inglés, portugués, alemán, italiano y español– y se convirtió en la obra que ha identificado a Magal a lo largo de toda su trayectoria musical. Con ella realizó giras por medio mundo, con ella compartió escenario con los grandes artistas del momento y con ella penetró en el público latino de Estados Unidos, donde fue premiado como cantante revelación y con la llave de oro de Miami.

En un tiempo en el que el estilo romántico latinoamericano estaba en boga, el talento y la capacidad escénica de Magal se basó en ‘Cara de gitana’ para hacerse con un prestigio que mantiene y que le ha permitido sobrevivir sobre los escenarios al paso del tiempo, una condición que sólo está reservada a un pequeño grupo de privilegiados que se hicieron con un hueco en la memoria de sus seguidores que aún mantienen.

La polémica también rodeó a esta canción y el compositor de la ciudad de Salta José Rochi siempre ha defendido que era su verdadero autor y que Magal se apropio de ‘Cara de gitana’ porque él no la registró en su momento.

Negros tus cabellos
cubrían cuerpo
tan llena de amor
te vi bailando

Otro te abrazaba
otro te besaba
pero eras a mí
a quien mirabas

Cara de gitana
dulce apasionada
me diste tu amor con una espada
hoy en los caminos
vagas ti destino
vives el amor, robas cariño

Dónde están tus ojos
tan profundos
y aquel fuego
de tus labios
que era míos

El licor que bebo
abre mis heridas
me emborracha y más
te quiero todavía

Ay, ay, ay, ay
donde, dónde estás gitana mía
es ésta mi canción desesperada
que te llama y que
te busca en todas partes
pero a dónde vas
de ti ya nadie sabe

VERSIONES

A lo largo de los años se han contabilizado medio centenar de cóvers de ‘Cara de gitana’. Sin despreciar a La Embajadora Rondalla del amor de Saltillo, la Rondalla Irapuatense, Amarfis, José Manuel Soto, Enrique Lynch y Orquesta, Juan Ramón, Grupo Brindis, Los Primos de Guerrero, Perla o Antonio Olivar, etcétera, optamos por ejemplo por la realizada por la agrupación vocal de música tradicional argentina LOS NOCHEROS. Data de 2004.

Los rumberos BORDÓN 4 asimismo ofrecieron su matiz.

http://youtu.be/lUyKN-qlV8o

La gran CHAVELA VARGAS la cantó en directo con su personal estilo.

También es peculiar la versión de Liliana Maturano, más conocida como TORMENTA DE ARGENTINA.

Los fronterizos mexicanos TIGRES DEL NORTE lo bordaron.

Como curiosidad señalar que en un programa de televisión de 1989 ALASKA y el cantante de Los Coyotes, VÍCTOR ABUNDANCIA, interpretaron esta canción en directo.

Con DANIEL MAGAL podemos recurrir al tópico de que nació para la música y no engañaremos a nadie. Lo vieron sus padres y los profesores del colegio de Ledesma, donde empezó con la guitarra. Y lo certificaron en Conservatorio Provincial de Música, que acogió su contacto inicial con el piano.

Tras componer sus primeros temas en la adolescencia con bombos, guitarras y voces, fue en 1975 cuando se lanzó en serio hacia su carrera con la grabación de canciones populares argentinas con el grupo Guatambó en Buenos Aires, una vez solventado el servicio militar. De forma paralela comenzó a componer para otros artistas ya confirmados.

Dos años más tarde, la CBS le dio la oportunidad de grabar como solista y en esa sesión registró ‘Cara de gitana’. Fue su lanzamiento y el comienzo de una carrera que todavía perdura con una vigencia envidiable, con temas que han sido grabados en varios idiomas y por tantos intérpretes.

Su legado se escribe con canciones como ‘Voy a entregar mi corazón’, ‘Ojos negros’, ‘Tiempos de espera’, ‘No quisiera quererte’, la mencionada ‘Cara de gitana’, ‘El inconsciente’, ‘Qué vida de perros’, ‘La manzanita’, ‘’De tanto mirar tus ojos’, ‘Nada es importante’, ‘Maniático sexual’, ‘Mimosa’, ‘Dónde andarás amor’, ‘Fue más fácil despedirme que olvidarte’, ‘A dónde vas, por qué me dejas’, ‘Amor tu corazón mintió’, ‘Hay que lindo es quererte’, ‘Baila bailarina’, ‘Lamento de amor y celo’, …

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¡Qué gran interpretación la que protagonizó con este tema! Creó adicción en 1981 con una composición de amor desgarradora en la que en escasos versos retrata con exactitud la intensidad de un sentimiento. Expresa lo difícil que es a veces vivir con una persona y lo imposible que resulta existir sin ella.

El estribillo es grandioso. Letras como ésta duelen. Pocos cantaron al amor de la forma en que lo hizo Manzanita, con ese sufrimiento conmovedor, contagiándonos la fiebre delirante que producen el amor y el desamor.

La calurosa interpretación vocal y la emoción que nos regaló su garganta con ‘Ni contigo ni sintigui’ descansó sobre el excelente equipo de instrumentistas que le acompañó y unos suculentos arreglos de Dave Thomas y Pepe Tejera, habituales colaboradores de su obra.

Esa forma tan profunda y particular de manifestarnos un estado vital sólo puede darse en el seno de un monstruo musical como Manzanita. El perfume de su música todavía hoy nos trasladada a otros tiempos y a otras personas. Pese a que su vida se paró, estará con nosotros mientras recordemos su trabajo y la fusión que logró entre el flamenco, el funk, el rock, el pop…

Si los lirios son bonitos
más bonitas son las rosas,
los lirios con sus colores
las rosas tan olorosas

Ni contigo ni sintigui
mis penas tienen remedio
contigo porque me matas
y si ti porque me muero

Para no llorar por ti
para no sufrir que mira tú por ti
para no llorar yo estoy aquí

Los cristales de mi casa
los empaño con tu nombre
y luego los borro a besos

Cuantas veces tú a mí mujer jurastes
que tú sin mi amor
tú te morirías

Te he dejado y no te has muerto
tus palabras eran mentiras
para no llorar por ti….

VERSIONES

La joven intérprete ibicenca MATI GONZÁLEZ nos ha ofrecido una revisión interesante.

También el grupo CHAMBAO le dio su visión particular al tema de Manzanita.

Como rareza esta interpretación amateur con UKELELE.

José Manuel Ortega Heredia, conocido como MANZANITA y fallecido en 2004 víctima de un infarto, además de ser un guitarrista de gran tamaño, nos sorprendió a todos por una tonalidad vocal y una singularidad interpretativa inusual, sin renunciar a su inconfundible sabor flamenco. Por ello, sin embargo, fue blanco de los ataques de los puristas del cante jondo.

Canciones como ‘Gitana’, la analizada ‘Ni contigo ni sintigui’, ‘Paloma blanca’, ‘Para que vuelvas’, ‘Ramito de violetas’, ‘La quiero a morir’ o la lorquiana ‘Verde’ forman parte ya del acerbo musical español de finales del pasado siglo.

Manzanita, hijo de Rafael Ortega García y Trini Heredia Jiménez y sobrino de Manolo Caracol, nació en 1956 en el poblado marginal de Caño Roto, situado en el suroeste de Madrid, cerca de Carabanchel. Se crió dentro del núcleo del arte flamenco y los tablaos de la capital, como el café de Chinitas.

Sus primeros pasos profesionales los dio como acompañante de Lola Flores y Enrique Morente, hasta que a mediados de los setenta formó parte de un proyecto lanzado por la discográfica CBS con el nombre de Los Chorbos, donde junto con Amador y Miguel Losada y Alfonso Veneno Gabarre conformó un cuarteto que caminó por la senda de pop flamenco abierto por Las Grecas.

Sus canciones reivindicativas como el pueblo gitano no llegaron a calar y el grupo se deshizo. Sin embargo, la experiencia sirvió de lanzadera para Manzanita en 1978. Composiciones propias y adaptaciones de temas franceses, italianos o poemas de Lorca y Bécquer le encumbraron con rapidez.

Incluso tuteó con el mundo del cine cuando en 1983 Fernando Colomo le encargó varias canciones para su película ‘La línea del cielo’, basada en las desventuras de un fotógrafo español (Antonio Resines) por Nueva York. Años más tarde repitió en el séptimo arte junto a Ketama en el filme ‘Flamenco’, de Carlos Saura.

Fueron sus mejores años, pero la buena racha pronto se truncó por unas desafortunadas declaraciones machistas y un enojoso asunto judicial que terminaron por alejarle de la primera plana musical. Acabó sumido en un fervor religioso evangelista y en la venta ambulante.

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O’Sullivan se especializó en baladas y hoy analizamos la más popular de las que lanzó al mercado. Su repercusión fue tal que encabezó las listas estadounidenses durante seis semanas no consecutivas. Una composición tierna para contarnos la historia amarga de un aspirante a esposo al que dejan al pie del altar sin lograr consumar su nuevo estado civil.

El protagonista nos hace partícipe de su decisión de optar por el suicidio tras haber perdido a la mujer que amaba y a sus padres. En una de las primeras canciones que incita de manera evidente a quitarse la vida. ‘Alone again (Naturally)’ se convierte así en un réquiem.

Lo más fácil es optar por la hipótesis de una canción autobiográfica, pero el irlandés lo desmintió, aunque admitió que su padre sí había muerto a temprana edad. Siempre ha defendido que la historia es sólo fruto de su mente y no está inspirada en ningún hecho real.

‘Alone again (Naturaly)’ recientemente ha vuelto a la actualidad en un pleito judicial tras un plagio realizado por el rapero estadounidense Biz Markie, que utilizó parte de su melodía sin pedir permiso. La sentencia dijo que se violaron los derechos de O’Sullivan.

Con el tesón del que sabe que es una gran obra, el irlandés justificó su demanda porque «la música significa mucho para mucha gente. No voy a permitir que sea usada para karaoke o fines comerciales. Iré hasta mi tumba para defender la canción y asegurar que nunca se vea en un escenario cómico, lo cual es ofensivo para aquellas personas que la compraron por las razones correctas».

Dentro de un tiempo
si continúo igual de amargado
me prometo a mí mismo tratarme,
visitar la torre mas cercana
y, una vez arriba, tirarme al vacío
en un esfuerzo para que ‘alguien’ se entere
cómo se siente uno cuando está destrozado,
abandonado, dando tumbos
en una iglesia mientras la gente dice,
«eso sí que es duro, lo dejó plantado”

Dijeron «no hay motivo para que nos quedemos
así que debemos irnos a casa también»
como yo mismo hice,
solo otra vez, naturalmente

Y pensar que hasta ayer
yo era alguien alegre, brillante y feliz
mirando hacia adelante
sin saber aún el papel que estaba a punto de desempeñar
Pero para dejarme noqueado
la realidad llegó y sin hacer demasiado,
con un simple roce, me cortó en pedazos
me dejó sin fe, hablando de Dios
y su misericordia, si el realmente existe
¿por que me abandonó cuando realmente la necesitaba?
ahora realmente estoy, por supuesto,
solo otra vez, naturalmente

Me parece a mí que hay más corazones
rotos en el mundo que pueden ser arreglados,
abandonados ¿qué vamos a hacer?
¿qué vamos a hacer?
solo otra vez, naturalmente

Ahora, recordando los años pasados
y algún otro momento que se me aparece,
recuerdo que lloré cuando mi padre murió
nunca quise ocultar mis lagrimas,
y a la edad de 65 años mi madre,
«Dios la tenga en su gloria»,

No podía entender por qué la única mujer
a la que él había amado se la habían arrancado
dejándole (para empezar) con el corazón tan roto
que aparte de mis palabras de aliento
no se volvió a decir ninguna palabra
y cuando ella murió lloré y lloré todo el día
solo otra vez, naturalmente
solo otra vez, naturalmente

VERSIONES

La grabaron en castellano LOS TRES TRISTES TIGRES.

El mexicano CHAO ofreció su visión en ‘Sólo soy para ti’.

ALBERTO FONT hizo lo propio.

Buena es asimismo la revisión que firmaron MANOLITA DOMÍNGUEZ Y LOS CONTINUADOS.

http://youtu.be/AY7M6h7Pro4

La diva del jazz SARAH VAUGHAN incorporó la canción a su discografía. Genial.

Especial es la moderna versión de VONDA SHEPARD. Está incluida en la banda sonora de la serie ‘Ally McBeal’.

El 1 de diciembre de 1946 vio la luz en la localidad irlandesa de Waterford uno de los baladistas más importantes del pasado siglo: RAYMOND EDWARD O’SULLIVAN. Sin sucumbir al desaliento y sin menospreciar ninguna influencia, desde su más tierna infancia apostó por el mundo de la música.

Para luchar por ello se trasladó a Londres a finales de los sesenta. En la capital británica dio inicio a su andadura como compositor y cantante, llamando la atención de la multinacional CBS, que le permitió grabar sus primeros discos, pero que no le renovó el contrato tras sus fracasos iniciales.

El sello MAM y su alma matter Gordon Mills, por entonces mánager de Tom Jones, lo redescubren y lo llevaron al éxito con temas como ‘Nothing rhymed’. Su repercusión aumentó con algunas apariciones televisivas, en las lució una extravagante estética basada en pantalones cortos, jerseys con la letra G estampada y un peinado peculiar.

Su particular estilo pop, lleno de arreglos orquestales y melodías sin complicaciones mezcladas con hermosísimas letras, se plasmó ya en los setenta en excepcionales baladas con buen resultado comercial. Son los casos de ‘We will”, ‘No matter how I try’, ‘Underneath the blanket go’, ‘Matrimony’ y, sobre todo, ‘Alone again (Naturally)’, al que siguió otro número uno mundial como ‘Claire’. Fue su mejor momento.

Conflictos con Mills acabaron con su relación profesional con su productor y le llevaron en los ochenta de nuevo a CBS, casa con la que en 1980 grabó ‘What’s in a kiss’, con la que resucitó su pretérita gloria comercial.

Pronto volvió a perder el interés de los mercados y se centró en actuaciones en vivo. Actualmente, pese a seguir en activo, navega por el olvido.

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Esta preciosa composición de la desaparecida Cecilia, que ella nunca llegó a publicar, se configuró en Londres allá por 1981, con mezclas realizadas en un estudio de Milán. Todo bajo la producción del hispanocubano Óscar Gómez, ganador de cinco Grammys.

El éxito fue inmediato, tanto entre el público como en la crítica. El nuevo concepto musical sobre el que decidió caminar el clan liderado por los hermanos Uranga fue muy bien representado por ‘Desde que tú te has ido’, el single elegido para presentar su nuevo look ante sus seguidores y que consiguió encaramarse a los puestos altos de los hit parade de España y Latinoamérica.

La extraordinaria voz de Amaya atravesaba por su mejor momento y la veteranía que había adquirido el conjunto se plasmó en este trabajo, ejemplo de madurez musical. Los magníficos arreglos de xilofón, que incluso le dan un toque hawaiano y una orquestación de muchos quilates, embozaron la inimitable garganta de la mayor de las Uranga.

Aunque Mocedades se estandarizó un poco, su apuesta por las baladas resultó muy efectiva. Es el caso del tema que hemos elegido hoy. ‘Desde que tú te has ido’ nos narra de forma inmejorable la sensación de soledad irreparable que nos queda cuando un amor se ha roto y nos recuerda los maravillosos sentimientos pretéritos, mientras la persona querida se mantiene a nuestro lado.

Es de esas composiciones que tienen la capacidad de emocionar. La combinación de la letra de Cecilia y las voces de Mocedades logra desgarrarnos. Suavidad y ternura elevados a la máxima expresión.

Desde que tú te has ido
desde que te has marchado
mis manos tienen frío
por no tener tus manos 

Desde que tú te has ido
desde que me has dejado
yo sólo soy la sombra
de aquella que has amado
 
Y en mi jardín pequeño
de sueños y esperanzas
hay un rumor a invierno amor
sin ti no tengo nada

Desde que tú te has ido
desde que me he quedado
en esta casa nuestra
es que me falta algo

No sé si es el aire
no sé si es la luz
pero cuando miro amor
sé que me faltas tú

Pero cuando miro amor
sé que me faltas tú 
Si de tus labios tiernos
bebí todo mi canto

Ahora y en silencio amor
quiero llorar mi llanto
ahora y en silencio amor
quiero llorar mi llanto

VERSIONES

CECILIA, la autora original de la canción, llegó a grabarla, pero nunca la vio editada. Apareció mucho más tarde en el disco recopilatorio ‘Desde que tú te has ido’, que se publicó en 1996, veinte años después de su muerte. Su voz fue rescatada y digitalizada desde una maqueta que grabó como prueba sólo con el acompañamiento de la guitarra.

El argentino LUCIANO PEREYRA la incorporó a su discografía en 1998,

El divo JULIO IGLESIAS también supo del valor de esta canción.

La tecnología también permitió unir las voces de CECILIA y JULIO IGLESIAS.

MOCEDADES forma parte de la memoria musical de la mayoría de los que crecimos cuando ellos estaban en su esplendor, más en el caso de los que vimos la luz en Vizcaya. Todavía andaba yo algo despistado cuando se llamaban Voces y Guitarras, y despertaron la atención del famoso compositor Juan Carlos Calderón.

Tampoco me acuerdo de su intervención en Eurovisión con ‘Eres tu’, logrando el segundo puesto. Me incorporé al grupo de sus seguidores cuando ya afrontaban los últimos años de su época folk y les seguí con cercanía cuando ficharon por la compañía CBS.

Los hermanos Uranga –Amaya, Izaskun, Estíbaliz y Roberto– y los hermanos Blanco –Rafael y Sergio–, junto con José Manuel Ipiña y Francisco Panera, se juntaron en Bilbao a finales de los sesenta, coincidiendo con su etapa estudiantil, para formar Mocedades. Luego se fueron los dos últimos y entró Javier Garay, para algo más tarde abandonar Sergio y Estíbaliz para formar un dúo. El vacío se llenó con el regreso de Ipiña y la incorporación de Carlos Zubiaga.

A lo largo de los años consiguieron convertirse en uno de los grupos vocales europeos más emblemáticos e indiscutibles líderes en España durante casi tres décadas. Hasta que a mediados de los ochenta Amaya se marcha para cantar en solitario, siendo reemplazada por Ana Bejerano.

Mocedades sobrevivió a la salida de su líder, pero ya nunca volvió a alcanzar la misma cuota de éxito. El conjunto continúa en activo de la mano de la irreductible Amaya Uranga. Sin embargo, ya mira casi exclusivamente hacia Latinoamérica.

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