Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

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‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’–o simplemente, ‘Rock ‘n’ roll radio’– constituye un homenaje al sonido de los años cincuenta, década en la que Spector asentó su popularidad. El productor obtuvo absoluta libertad para alterar la dinámica en la que se movían hasta entonces Ramones. Para ello añadió instrumentos ajenos al universo de los neoyorquinos como el saxofón, la trompeta o el piano, que supieron convivir con la guitarra, la batería y el bajo, tradicionales armas del cuarteto.(...)
Read the rest of Ramones – Do you remember rock ‘n’ roll radio? (¿Te acuerdas de las radios rock?) (1,396 words)

Spector también convenció a la ‘familia Ramone’ para que abandonara su natural tendencia a los temas de tres acordes y una melodía, para apostar por una composición más compleja, sustentada sobre un arquetipo que recordaba al estilo de mediados del siglo pasado, siempre sin olvidar el uso del muro de sonido que le hizo famoso. También apostó por una frivolité, al introducir en la apertura y el cierre del tema una grabación de una emisora de rock ‘n’ roll de aquella época.

Los Ramones recurrieron a Spector en un claro intento –muy criticado por sus seguidores primitivos–, aunque nunca confesado, de alcanzar el éxito comercial que se les había negado hasta entonces. Siempre fue un grupo admirado, pero pocas veces, hasta crear la canción que hoy analizamos, logró un sitio destacado en las listas de discos más vendidos. El desgaste causado por los conciertos y los muchos kilómetros de carretera recorridos para satisfacer en directo a sus fieles les llevó a claudicar y a cambiar de planes.

El objetivo se consiguió y ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ se erigió en uno de los temas franquicia de los Ramones, gracias, tal vez, a esa batería inicial que da pie al aplastante ritmo que preside sus casi cuatro minutos de duración.

Pero en el camino hacia el apoyo de la masa hubo que soportar largas sesiones de estudio que evidenciaron las distancias entre banda y productor. Las repetidas grabaciones que ordenaba Spector hasta que se conseguía el sonido que perseguía acabaron por desesperar a los miembros de la banda. Aún se recuerda en los estudios cómo Spector –cuya estabilidad psicológica siempre ha sido cuestionada– tenía la costumbre de colocar su pistola sobre la mesa de mezclas.

El experimento –y sus protagonistas– lograron sobrevivir a aquel clima. Ninguna víctima quedó por el sendero. Sin embargo, según algunas versiones, se rozó la tragedia. Dícese que tras una de las sesiones de grabación, Spector convocó a Joey Ramone, líder del cuarteto, para debatir. El encuentro se alargó sobremanera porque el productor no quería darlo por finalizado hasta que se alcanzara un acuerdo. Para ello, esgrimió su arma cada vez que el rockero intentaba marcharse. «Tú te quedas aquí y no vas a ninguna parte o te pego un tiro», aseguran que fue su frase literal.

De cualquier manera, la repercusión del tema fue tal que incluso ha generado un profuso anecdotario. Por ejemplo, en 2005 comenzó a emitirse un programa de radio llamado ‘Rock ‘n’ roll radio’ en una radioemisora de Connecticut y en los partidos de nuestro Alavés se pincha esta canción para celebrar los goles del equipo de Vitoria.

La letra de ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ es una declaración de intenciones sobre la conveniencia de volver a las raíces del rock. Explica, además, las bases de la filosofía que regó el crecimiento de Ramones, evidenciando por qué optaron por labrar un estilo musical de rock primitivo, confesando que su devenir tuvo mucho que ver con las influencias que recibieron durante su juventud de artistas como John Lennon, Jerry Lee Lewis, T. Rex o The Barbarians, así como de conocidos programas de radio y televisión.

En el videoclip promocional se puede observar a los Ramones viendo una actuación propia, que no debe gustarles porque Johnny Ramone acaba por estrellar su guitarra contra el televisor. Esta secuencia fue utilizada por la cadena musical MTV para la promoción.

¿Te acuerdas de las radios de rock’n’roll?
Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Te acuerdas de ‘Hullabaloo’? (show televisivo
estadounidense de los años 60)
¿también de ‘Upbeat’ (emisora de radio famosa en los 70),
‘Shinding’ (show de los años 70) y de
Ed Sullivan (famoso presentador estadounidense)?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’roll?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’ roll?

¿Te acuerdas de Murray K (presentador experto en rock),
Alan Freed (histórico presentador de radio musical) y de high energy (estilo musical)?
Es el fin, el fin de los años 70
Es el fin, el fin del siglo
¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con la radio escondida de manera
que nadie pudiera verla

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Recordarás a Jerry Lee Lewis,
John Lennon, T. Rex y Old Moulty?
es el fin, el fin de los 70’s
es el fin, el fin del siglo

¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con el radio prendido de manera que nadie pudiera ver

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

Ésta es la radio del rock and roll
manténganse sintonizado para más rock and roll

VERSIONES

Otro grupo de los duros, KISS, realizó un cóver excepcional para el álbum homenaje de los Ramones ‘We’re a happy family: a tribute to The Ramones’.

JESSE MALIN Y BRUCE SPRINGSTEEN también sucumbieron ante ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ durante una actuación benéfica de 2014.

El grupo de Melbourne PAINTERS AND DOCKERS incorporó este tema a las actuaciones que realizaba en directo en los ochenta. Alteró la letra para hacer referencia a emisoras y presentadores australianos.

Curiosa la interpretación que ofreció la ORQUESTA SINFÓNICA DE SAO PAULO.

Durante una de sus giras GREEN DAY utilizó ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ para iniciar sus conciertos.

En el mundo del cine esta canción también ha sido repetidamente utilizada, sobre todo en las que películas recrean los años cincuenta.

Joey Ramone (Jeffrey Hyman), Dee Dee Ramone (Douglas Calvin), Johnny Ramone (John Cummings) y Tommy Ramone (Tom Endelvi) –luego reemplazado por Marky Ramone (Mark Bel)– crearon RAMONES en 1974 en Forest Hill, pequeña localidad neoyorquina famosa por su torneo de tenis. El nombre que eligieron para bautizar a la banda constituyó un homenaje a The Beatles, porque Phil Ramone fue el nombre que utilizó Paul McCartney cuando formó parte del mítico cuerteto de Liverpool para viajar de incógnito y eludir a prensa y fans en los hoteles.

Nacieron enfundados en una imagen de rockeros primitivos –chaquetas de cuero, tejanos y zapatillas– que han mantenido a lo largo de toda una trayectoria basada en canciones veloces de poco más de dos minutos de duración, un sonido desgarrador y letras sencillas.

Apenas dos años después de aquel concierto de debut que protagonizaron en una sala de Manhattan ante escasamente treinta espectadores y con un repertorio de versiones de canciones de los cincuenta, se erigieron como la mayor aportación del punk-rock americano. Poco a poco, vinilo a vinilo, fueron creando clásicos del minimalismo que cosecharon un reconocimiento mundial.

Temas como ‘Now I wanna sniff some glue’, ‘Blitzkrieg bap’ o ‘Sheena is a punk rocker’ consitituyeron lecciones de cultura urbana, sobre todo en los directos que abrían con el grito de guerra ‘gabba, gabba, hey’.

Pero la decadencia del punk a finales de la década de los setenta les obligó a buscar un nuevo rumbo. Para trazarlo apostaron por Phil Spector, que consiguió elevar a Ramones a los puestos altos de las listas.

Desde entonces mantuvieron una trayectoria uniforme, sin grandes éxitos pero con una legión de fans, a los que vincularon mediante álbumes que siempre mantenían un nivel rudo y uniforme. Sin embargo, desavenencias entre sus miembros y problemas de salud llevaron a la disolución del grupo en 1996. De hecho, en los siguientes años fallecieron tres de los miembros de la banda tras una vida de excesos. Hoy son una leyenda inmortal.

Aún así, todavía mantienen su reinado. Sus camisetas son tan famosas como su música, aunque muchos de los jóvenes que las lucen no conozcan la obra de los Ramones o incluso piensen que se trata de una marca de ropa. Vendieron miles de discos, pero sus prenden se distribuyen por millones.

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Fue escrita por Jim Steinman y es un claro ejemplo de su sonido característico. Preciosa obra, profundamente romántica, que en realidad era una adaptación del tema principal de la película ‘Pequeño círculo de amigos’, compuesto por el propio autor en 1980.(...)
Read the rest of Air Supply – Making love out of nothing at all (Creando amor de la nada) (1,089 words)

Steinman era el compositor habitual del cantante de rock estadounidense Meat Loaf, para quien inicialmente estaba también compuesto ‘Making love out of nothing at all’. Sin embargo, un desencuentro económico entre el autor y la compañía discográfica hizo que esta canción fuera finalmente destinada al repertorio de Air Supply. Ocurrió lo mismo con ‘Total eclipse of the heart’, que fue éxito en la voz de la británica Bonnie Tyler.

Amparado en una cuidada producción, el tema se extiende sobre una letra que nos presenta intrincadas palabras sobre el amor. El protagonista de la historia que desarrollan las voces de Air Supply trata de convencer a su interlocutora de que es fuerte y puede hacer muchas cosas, pero esa capacidad queda inhabilitada sin la presencia de ella.

Hablamos, por supuesto, de un relato de desamor, de un sentimiento no correspondido. Originado quizá en un encuentro casual que dejó huella en sólo una de las partes del litigio. Para él, ella puede hacer brotar el amor de la nada. Para ella, él parece que no. Esta conversación podría tener como escenario una cama, donde la magia desaparecería con la llegada de la mañana. Él sabe que ella se irá con la aurora y trata de mantenerla a su lado. Pero no logra dar con la forma para retenerla.

Para la grabación de ‘Making love out of nothing at all’ no se escatimaron medios. Los teclados los firmó Roy Bittan y la batería Max Weinberg, ambos miembros de la E-Street Band de Bruce Springsteen. Con ellos se consiguió dotar de mayor energía al tema. La guitarra eléctrica corrió a cargo del icono de glam-rock de los años setenta Rick Derringer.

Como curiosidad, destacar que algunos han visto en la parte final de la letra una analogía con el fútbol americano con frases como «puedo hacer tropezar a quien corre, puedo llegar hasta la última línea, puedo hacer cada atajo al sonido de un silbato, puedo hacer mecer a todos los estadios».

Yo sé cómo susurrar
y yo sé cómo gritar
yo sé dónde encontrar las respuestas
y yo sé cómo mentir
yo sé cómo fingirlo

Y yo sé cómo intrigar
yo sé cuándo enfrentar la verdad
y yo sé cuándo dormir
y yo sé dónde tocarte
y yo sé qué demostrar

Yo sé cuándo traerte cerca
y yo sé cuándo permitirte salir
y yo sé que la noche se está desvaneciendo
y yo sé que el tiempo va a volar

Y nunca te voy a decir
todo lo que te tengo que decir
pero sé que te tengo que dar una prueba

Y yo conozco los caminos a las riquezas
y yo conozco los caminos a la fama
conozco todas las reglas y sé como romperlas
y siempre conozco el nombre del juego

Pero no sé cómo dejarte
y nunca te dejaré caer
y no sé cómo lo haces
creando amor de la nada

De la nada, de la nada
de la nada, de la nada
de la nada
creando amor de la nada

Todas las veces que te veo los rayos del sol
se están vertiendo a través de las ondas de tu pelo
y cada estrella del cielo está apuntando a tus ojos como un reflector

El latido de mi corazón es un tambor
y está perdido y está buscando un ritmo como tú
puedes tomar la oscuridad en el abismo de la noche
y convertirla en un faro ardiendo eternamente luminoso

Tengo que seguirla porque es todo lo que conozco
bien, no es nada hasta que te lo dé

Puedo hacer tropezar a quien corre
puedo llegar hasta la última línea
puedo hacer cada atajo al sonido de un silbato
puedo hacer mecer a todos los estadios
puedo hacer esta noche por siempre

O puedo hacerla desaparecer al alba
puedo hacerte todas las promesas que nunca han sido hechas
y puedo hacer que se vayan todos tus demonios

Pero nunca lo voy a hacer sin ti
¿realmente quieres ver arrastrarme?
y nunca lo voy a hacer como tú lo haces
creando amor de la nada

De la nada, de la nada
de la nada, de la nada
de la nada, de la nada
de la nada

VERSIONES

La voz rota y poderosa de BONNIE TYLER realizó en 1995 una revisión sólo a su alcance.

JUDIKA y REGINA IVANOVA grabaron a dúo este tema en 2012 durante un concurso de nuevos ídolos indonesios.

http://youtu.be/lu4_jK03wVA

La banda americana FUNDLAND convirtió ‘Making love out of nothing at all’ en ‘Obligatory cover (for the kids)’, de 1993.

http://youtu.be/rHFjiMkDGus

FRANKEE modernizó la canción bajo el seudónimo de NIKKI A en 2003.

http://youtu.be/wZ9XKUPOfo0

La composición de Steinman es habitual en los repertorios de las rondallas venezolanas. Aquí tenemos la interpretación de RONDALLA VOCES NUEVAS. En castellano la titularon ‘Haciendo amor de la nada’.

El mundo del cine recurrió a la canción de Air Supply en la película de 2005 ‘EL SEÑOR Y LA SEÑORA SMITH’, protagonizada por Angelina Jolie y Brad Pitt.

AIR SUPPLY es considerada una de las bandas australianas más importantes de todos los tiempos, consiguiendo llegar hasta en siete ocasiones al top cinco de las listas de éxitos. Formada por Russell Hitchcock y Graham Russell (inglés de nacimiento), con el respaldo de grandes músicos como el teclista Frank Esler-Smith, el guitarra David Moyse, el bajista David Green y el batería Ralph Cooper, camina en el mundo del espectáculo desde que los líderes se conocieron en el elenco de la ópera rock ‘Jesucristo Superestar’ allá por 1975.

Su primer LP, puesto a la venta en 1977, descubrió su talento y les dio sus primeros éxitos, además de llamar la atención de Rod Stewart, que los eligió como teloneros de la gira estadounidense que realizó por aquella época.

El salto a la fama llegó en 1979, con ‘Lost in love’, que fue número uno en Australia y abrió una racha de éxitos a nivel mundial como ‘Every woman in the world»’, ‘All out of love’, ‘The one that you love’, ‘Here I am’, ‘Sweet dreams’, ‘Even the nights are better’, ‘Young love’, ‘Two less lonely people in the world’, ‘Just as I am’…, además de la analizada ‘Making love out of nothing at all’.

Paulatinamente su repercusión fue decreciendo hasta que en 1984 deciden espaciar su obra y tomarse un descanso, para reunirse siete años después, sin lograr entrar más en los hit parade pese a la calidad de sus trabajos.

En la actualidad, aunque la popularidad de Air Supply ha decaído, todavía tienen seguidores fieles en Asia y Latinoamérica.

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Es una obra además vinculada directamente con la ciudad de Nueva York, la nueva Jerusalén, pero sin destinatario concreto. Podría enmarcarse en ese universo de temas que hacen ver la vida de forma positiva, que subrayan el mensaje de que los contratiempos se pueden primero sobrellevar y luego superar, para que finalmente se los lleve el río de la vida. El culto a la alegría podría tener en ‘Let the river run’ uno de sus himnos.

Fue compuesta en 1988 por encargo y destinada desde sus comienzos a la banda sonora de la película de Mike Nichols. El director de películas como ‘El Graduado’ (1967) contactó con la cantautora para proponerle que tratara de captar en poco más de tres minutos el espíritu del filme: el tono positivo de que el trabajo sustenta a los países y de que las mujeres pueden estar laboralmente a la altura de los hombres si aumentan su dosis de ambición.

Fue el corte de apertura tras competir con ‘Witchy woman’, de The Eagles, el preferido de los productores. En la banda sonora también podemos encontrar el ‘Lady in red’ del irlandés Chris de Burgh o el ‘I’m so excited’ de las Pointer Sisters.

El prestigioso periódico ‘The New York Times’ aseguró que Simon vio previamente el filme y que se inspiró en la secuencia inicial para escribir ‘Let the river run’. Recordemos aquella escena de los ferrys de Staten Island cargados de gente que se dirige a sus puestos de trabajo en Manhattan. Todo ello salpicado de vistas del río Hudson, la Estatua de la Libertad y los rascacielos relucientes.

La propia Simon confesó que también bebió de un poema de Walt Whitman. «Pensé que tenía que ser un himno a las mujeres trabajadoras con un latido selvático. Había algo enorme y atrayente sobre estas secretarias que emigraban cada día hacia la jungla de Wall Street», sostuvo. Asimismo, señaló que hubo debate sobre el título. Se optó por ‘Let the river run’ tras descartar ‘The Wall Street hymn’ y ‘The New Jerusalem’. «Esta última es una frase que incluyo en la canción porque le da un halo de espiritualidad, como si fuera la tierra prometida», señaló.

Durante años esta canción fue muy recurrente en gabinetes psicológicos especializados en motivación laboral y son muchos los que la escuchaban de camino hacia entrevistas de trabajo. Con el paso de los años se ha olvidado esta faceta y ha acabado siendo pasto de jóvenes víctimas de operaciones triunfo o de viejos enganchados al karaoke.

Musicalmente hablamos de una melodía donde los coros susurran alrededor de la voz ronca de Carly Simon. Un aurea mística propio de una cantante confesional se ve asimismo en la letra, que nos narra el descenso de un río que corre en la dirección de la Nueva Jerusalén, una metáfora de la llegada de la nueva era, un tiempo de fraternidad. Habla también del fluir de la vida, de pasar la niebla, del despertar y de alcanzar la nueva nación como referencia a los nuevos tiempos. Muchas reminiscencias de la época hippy que vivió Simon en su juventud junto con su entonces marido James Taylor.

‘Armas de mujer’ fue un éxito mundial que recaudó más cien millones de dólares. El argumento relata la historia de Tess McGill (Melanie Griffith), una secretaria con un gran ambición que se incorpora a una nueva empresa como ayudante de Katherine Parker (Sigourney Weaver), una directiva muy superficial.

Durante las vacaciones de su jefe descubre un importante plan de negocio basado en un informe que ella había preparado y que, según le había manifestado su superiora, no tenía ningún interés. Al tiempo se enamora del hombre (Harrison Ford) con el su jefa tiene una relación.

Como anécdota señalar que nuestro Antonio Banderas conoció a Melanie Griffith en la gala de los Óscar de ese año, en la que ella resultó premiada.

Deja que el río corra
deja que el río corra
que todos los soñadores despierten a la nación
ven al nuevo Jerusalén

Ciudades de plata se alzan
la mañana ilumina las calles que los guían
y sirenas los llaman con una canción

Está pidiendo la toma
temblando
agitándose
oh, me duele el corazón

Estamos llegando al límite
corriendo por el agua
atravesando la niebla
tus hijos e hijas

Nosotros, los grandes y pequeños
estamos en una estrella
y abrimos un camino de deseo
a través del amanecer oscuro

Está pidiendo la toma
ven, corre conmigo ahora
el cielo es de color azul
jamás has visto
con los ojos de tu amante

Oh, mi corazón me duele
estamos llegando al límite
corriendo por el agua
atravesando la niebla
tus hijos e hijas

Está pidiendo la toma
temblando, agitándose
oh, me duele el corazón

Estamos llegando al límite
corriendo por el agua
atravesando la niebla
tus hijos e hijas

Deja que el río corra
que todos los soñadores despierten a la nación
ven, el nuevo Jerusalén

VERSIONES

ROSA, la diva de España, firmó una estrambótica revisión en 2006.

En una de las ediciones de ‘Operación Triunfo’ le correspondió a SANDRA examinarse con ‘Let the river run’.

El éxito de ‘Armas de mujer’ dio lugar a una serie llamada ‘Chica trabajadora’ y protagonizada por SANDRA BULLOCK. También se utilizó la canción para la carátula. Fue en 1990.

http://youtu.be/LGS9959sais

El mundo de la publicidad ha recurrido en varias ocasiones a esta gran composición de Carly Simón. En España fue elegida por IBERDROLA para lanzar una campaña ecológica.

http://youtu.be/1vv5oIIeqEw

La neoyorquina CARLY SIMON (1945), cantante, compositora, pianista, guitarrista, actriz y escritora, es un referente de la música de los ochenta. Su voz apacible y dulce nos ha deparado un rosario de grandes canciones, que especialmente han destacado por sus letras biográficas y su vínculo con el séptimo arte. Su primera experiencia en este campo la tuvo con la canción ‘Nobody does it better’, compuesta para la película ‘La espía que me amó’ de la saga James Bond, protagonizada por Roger Moore en 1977.

Compositora de los temas que interpreta, Simon se ha caracterizado por su exquisitez al transitar por el pop melódico americano. Sus comienzos datan de principios de los sesenta del pasado siglo, cuando ella y su hermana actuaban bajo el nombre de The Simon Sisters en los bares de Greenwich Village. Pero no alcanzó la condición de profesional hasta 1971, cuando debutó en solitario y se llevó el Grammy a la mejor artista debutante.

Pronto llegaron éxitos como ‘That’s the way I’ve always heard it should be’, ‘Anticipation’, ‘You’re so vain’ –vendió un millón de copias–, ‘The right thing to do’, ‘You belong to me’, o ‘Devoted to you’, cantada a dúo con James Taylor, su esposo hasta 1983.

Tras una crisis artística propiciada por el divorcio, volvió a la senda del triunfo a finales de los ochenta con ‘Coming around again’, incluida en la banda sonora del filme ‘Se acabó el pastel’, de 1986, y la mencionada ‘Let the river run’. Coincidió con su nuevo enlace matrimonial con Jim Hart.

Afrontó los noventa en su mejor momento vital y ofreció trabajos de extrema calidad que, aunque no llegaron a las listas, fueron reconocidos por su público. Pero un inoportuno cáncer de mama, afortunadamente superado, frenó ese buen momento. Sin embargo, su fuerza natural la hizo volver con total actualidad y desde entonces, para nuestro gozo, ha producido una docena discos entre retrospectivas, bandas sonoras y obras nuevas.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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Rock y guitarra son sinónimos y Chuck Berry fue el primero que lo demostró. Pionero en una corriente denostada en sus inicios, el hoy octogenario compositor e intérprete de Missouri sorprendió al mundo del blues, al que estaban condenados a circunscribirse los músicos negros, con una introducción en este tema de un riff inicial inspirado en un solo del guitarrista Louis Jordan empleado en la canción ‘Ain’t that just like a woman’, de 1947.

El mensaje de ‘Johnny B. Goode’ nos traslada al sueño americano de un joven músico que trata de avanzar pese al lastre que supone su pobreza y su color, negro evidentemente. Una guitarra es su única arma y es la destreza que demuestra con ella la que le llevará al éxito.

Al parecer en las primeras versiones, nunca publicadas, hablaba específicamente de un niño negro, pero para ganarse el mercado se optó por una versión más difusa en cuanto al tema racial.

Berry nunca aclaró en tema, pero parece claro que la letra está inspirada en su propia vida, aunque también parece recoger retazos de las experiencias de su pianista Johnny Johnson y los problemas con el alcohol de sus baquetas. Se dice que Chuck siempre recriminaba a Johnson su excesos con la frase ‘Johnnie be good’ (Johnnie sé bueno) y que de ahí nació la canción. Paradójicamente en la grabación del tema quien estuvo a los teclados no fue Johnson sino Lafayette Leake. Otros dicen que Goode es un homenaje al lugar donde nació el mítico rockero.

La gran repercusión de esta canción llevó a Berry a escribir dos réplicas que dan continuidad a la historia: ‘Bye bye Johnny’ y ‘Go, go, go’, que jamás gozaron de la aceptación de la primera entrega.

Está canción considerada como una de las maravillas de la humanidad, fue incluida en la sonda espacial Voyager para que las civilizaciones que puedan existir fuera de nuestro planeta puedan degustar también a Chuck Berry. El apoteósico, histórico, irrepetible e inolvidable sonido que salió de su guitarra lo justifica.

Es un lujo que tantos años después de que saliera al mercado los aficionados a Chuck podamos disfrutar de esta obra de arte con la misma frescura que cuando se escribió. Es atemporal.

En lo profundo de Louisiana, pegado a New Orleans
más allá de los bosques, entre las verdes praderas
permaneció en una cabaña hecha de troncos y tierra
un chico de pueblo llamado Johnny B. Goode
que nunca aprendió a escribir ni a leer demasiado bien
pero que podía tocar la guitarra como si hiciera sonar una campana

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Él solía acarrear su guitarra en un saco de yute
y sentarse a la sombra de un árbol al lado de las vías del tren
Ah, el maquinista le vio sentado en las sombras
tocando con el ritmo que llevaban las máquinas
La gente pasaba y se paraba a decir:
¡¿Dios mío, ese chico de pueblo puede tocar así?!

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Su madre le contó: «Algún día serás un hombre»
y serás el líder de una gran vieja banda
mucha gente vendrá de muy lejos
para escucharte tocar música mientras se pone el sol
quizás algún día veas tu nombre escrito en grandes neones
diciendo: «Johnny B. Goode, esta noche»

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.»

VERSIONES

Han sido múltiples los cantantes que han interpretado ‘Johnny B. Goode’. Muchos sostienen que es la canción más versionada de la historia junto a ‘Yesterday’ de The Beatles. La cantó incluso el rey ELVIS PRESLEY.

Otro genio de la guitarra como JIMI HENDRIX no pudo evitar imitar al dios.

También AC/DC incorporó la canción a su repertorio.

http://youtu.be/hV11HRcbCJU

Y hasta el popero ELTON JOHN.

Los Beatles, grandes admiradores de Chuck Berry, incluyeron varias de sus canciones en sus primeros pasos discográficos. Y JOHN LENNON llegó a hacer un dueto con el guitarrista negro.

Grandiosa la interpretación del mito con BRUCE SPRINGSTEEN y su E Street Band.

http://youtu.be/-2CdjOX8kas

Entre los que firmaron covers nos encontramos a The Beatles, The Rolling Stones, B.B. King, Led Zeppelin, Prince, Andrés Calamaro, Judas Priest, Beach Boys, Six Pistols, AC/DC, Johnny Winter, Aerosmith, Bad Religion, BB King, Bill Haley & His Comets, The Carpenters, Dio, Dr. Feelgood, Green Day, The Grateful Dead, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Lynyrd Skynyrd, Men at Work, Motörhead, Carlos Santana, Slade, Stray Cats, Johnny Winter, etcétera

Para la generación de los ochenta ‘Johnny B. Goode’ fue dada a conocer por la película ‘REGRESO AL FUTURO’, donde el protagonista Marty McFly (Michael J. Fox) canta en un baile de instituto celebrado en 1955. Uno de los miembros de la banda, llamado Marvin Berry, telefonea a su primo Chuck durante la actuación para que escuche la canción. Desde entonces todos todos sabemos que el rockero copió a McFly.

http://youtu.be/8BelLyEPGcs

A CHUCK BERRY (Saint Louis, 1926), actualmente una leyenda viva del rock, le costó poder vivir de la música. Tuvo que trabajar en varias fábricas y limitarse a satisfacer sus ansias musicales con actuaciones en pequeños bares de St. Louis, donde versionaba temas de Nat King Cole y Muddy Watters, artistas predecesores que ejercieron una gran influencia artística en su formación de blues.

Por fin, en 1955 se lanzó a la aventura para buscar un futuro en el rock. Se trasladó a probar suerte a Chicago y en la ciudad del automóvil llevaron sus primeras grandes canciones como ‘Roll over Beethoven’ gracias al contacto que mantuvo con Muddy Waters. Dos años más tarde se había ganado ya un prestigio que le llevó a ser invitado a tocar junto a Carl Perkins, Everly Brothers y Buddy Holly.

En 1957 llegó Rock ‘n’ roll music’, otro de sus clásicos, y en 1958 ‘Johnny B. Goode’, aunque realmente la compuso tres años más tarde. Siguieron ‘Route 66’, ‘Maybellene’, ‘Come on’, ‘School day’, ‘Carol’, ‘Sweet little sixteen’, ‘Menphis Tennessee’, ‘Reelin’ and rockin’, ‘Around and around’, ‘Little Queenie’, ‘Too much monkey business’… Todas fueron y son obras maestras. Las aderezaba con su famoso baile del pato, que causó furor incluso entre la población blanca.

De ahí a la eternidad. Si Elvis era el rey, Berry era el dios del rock. Hasta John Lennon lo dijo: «Si al rock and roll hubiera que ponerle un nombre, ese sería Chuck Berry». La también mítica revista ‘Rolling Stone’ le colocó en el escalón número cinco de la historia de la música moderna sólo por detrás The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. Ni siquiera una condena de cárcel que le apartó de la música durante cinco años pudo eclipsarle.

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