De esta última canción hablaremos hoy. ‘Too Much Heaven’ llegó al numero uno estadounidense a comienzos de aquel año que cerró la década de los setenta, concretamente en enero, y se apalancó en esa posición durante muchas semanas. También alcanzó el puesto más alto de la escala de éxitos en Canadá, Italia, Noruega, Suecia, España, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Brasil y Argentina, aunque algo más tarde.

Sus ventas fueron estratósfericas en un período en el que reinaba la música disco. Sin embargo, hablamos de una balada, de esas canciones que valen para cualquier época creativa. Romanticismo internacional tan incomparable como incontestable que garantiza la llegada al corazón a través de voces en falsete dotadas de una afinación casi insultante.

La creación de Barry y Maurice Gibb está a la altura de los mejores clásicos del pop. De hecho ya puede ser calificado como tal tras conseguir aunar una poética composición de gran calidad, una refinada producción y una talentosa interpretación de casi cinco minutos de duración a cargo de los hermanos.

Editada por la discográfica RSO de Robert Stigwood, ‘Too Much Heaven’ constituyó asimismo la aportación de The Bee Gees al filantrópico proyecto de ‘Music For Unicef Fund’, destinado a recoger dinero para Unicef mediante un concierto que tuvo lugar en Nueva York el 9 de enero de 1979. Fue retransmitido por televisión a todo el mundo. Algunas fechas más tarde llegó la publicación en un disco titulado ‘Music For Unicef’ de los temas aportados por diferentes artistas de forma altruista. Junto a los hermanos de nuestras antípodas participaron Abba, Rod Stewart, Olivia Newton-John, Andy Gibb o Kool and the Gang, entre otros. Ese año fue declarado Año Internacional del Niño por Naciones Unidas.

La canción recaudó más de siete millones de dólares. El entonces secretario general de la ONU, Kurt Waldheim, agradeció aquella “extraordinaria y generosa iniciativa”. The Bee Gees también fueron invitados a la Casa Blanca, donde les recibió el presidente Jimmy Carter, quien, aunque confesó que no era un fan de la música disco, conocía la calidad de la canción gracias a su hija Amy, gran aficionada a este estilo.

En un principio, la composición iba a formar parte de la banda sonora de la película ‘Moment by Moment’ de John Travolta, con el que coincidieron en ‘Fiebre del sábado noche’, pero finalmente la escasa calidad de la producción cinematográfica hizo que los Gibb y Stigwood cambiaran de opinión. Sin duda, acertaron.

La estructura de la canción es en principio sencilla. Su valor lo aporta la producción de Albhy Galuten y Karl Richardson y en una melodía sublime, ideal para una balada. Con un arranque suave a base de la sección de viento – a cargo de varios miembros de la legendaria banda Chicago, en concreto Lee Loughnane, James Pankow y Walter Parazaider- y el apoyo del bajo y la batería, se da paso a las voces del trío fraternal. Posteriormente se personan guitarra, teclados y otros instrumentos de cuerda para darle un toque de blues. La banda originaria de Manchester hizó así un guiño al rhythm and blues.

Todo ello tuvo como escenario los estudios Criteria de Miami en 1978. Allí coincidieron con sus respectivos discos del momento The Bee Gees y Chicago, posibilitándose un intercambio que llevó a los australianos a realizar coros en la canción ‘Little Miss Lovin’ del álbum ‘Hot Streets’ de la mítica banda norteamericana.

LETRA

‘Too Much Heaven’, traducida en España como ‘Demasiado cielo’ y en algún país sudamericano como ‘Todo el paraíso’, nos habla de desamor. Especula sobre la dificultad de alcanzar el paraíso a través del amor. Sólo puede lograrse si se encuentra a personas que hagan que ese sentimiento supremo fluya y posibilite que el verano sea eterno, sin lluvia (lágrimas).

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Oh, tú y yo chica
tenemos tanto amor guardado
y fluye a través de ti, y fluye a través de mí
y te amo muchísimo más
y mi amor… puedo ver más allá que todo
lo que somos es para siempre, nunca morirá
amar es una cosa tan maravillosa
oh tú haces de mi mundo un día de verano
eres justo un sueño que se esfuma

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Tú y yo chica
tenemos una carretera hacia el cielo
podemos aislarnos de la noche y del día
y de las lágrimas que teníamos por llorar
Tú eres mi vida
puedo ver un nuevo mañana
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa
cuando estás conmigo la luz hace
que todos vean nuestro precioso amor

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar

Amar es tan maravilloso
tú haces de mi mundo un día de verano
eres un sueño que se desvanece

Nadie obtiene todo el paraíso
es muy difícil conseguirlo
estoy esperando en la fila
nadie obtiene demasiado amor ya
es como una montaña tan alta
y tan difícil de escalar
nadie consigue todo el amor
es tan ancho como un río y tan difícil de atravesar

Nadie consigue demasiado paraíso
es mucho más difícil de obtener, estoy esperando en la línea
nadie consigue demasiado amor
está tan alto como una montaña y difícil de escalar

Oh, tú y yo nena tenemos mucho amor guardado
y fluye dentro de ti y fluye dentro de mí
y te amo mucho más que mi vida.

Puedo ver más allá del ‘por siempre’
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa

Oh, haces de mi mundo un día de verano
¿eres tu un sueño que se desvanece?

Tú y yo Nena tenemos una autopista al cielo
Podemos dar la espalda a la noche y al día
y a las lágrimas que teníamos que llorar, tú eres mi vida

Puedo ver un nuevo mañana
todo lo que somos nunca morirá
amar es una cosa tan hermosa
xuando estás conmigo, la luz arriba
hace que todos vean nuestro precioso amor

Amar es una cosa tan hermosa
haces de mi mundo un día de verano
¿eres tu un sueño que se desvanece?

VERSIONES

EIFFEL 65, trío electrónico italiano especializado en música eurodance, optó por realizar su propia interpretación de ‘Too Much Heaven’ en 1999.

Un año antes, el ghanés NANA ABROKWA, criado en Alemania, también aportó su visión a la canción de The Bee Gees.

La banda alemana HI-SPIRIT, formada por Matthias Wehrstedt, Normen Schmidt, Thomas Gesell y Willi Grossmann, modernizó en 1996 la composición de los hermanos Gibb.

CLAUDETTE MILLER AND THE EBONY SISTERS incorporaron ritmos reggae al tema en 1979.

Fueron innumerables las versiones orquestales. He aquí la de PAUL MAURIAT, datada también en 1979.

BIOGRAFIA
Son muchos los que dudan si THE BEE GEES son británicos o australianos. Musicalmente pueden ser considerados de ambas nacionalidades, pero lo cierto es que Barry, Robin y Maurice Gibb nacieron en Reino Unido, aunque su familia emigró al estado-continente a finales de los cincuenta, cuando ellos eran unos niños.

Nada más llegar formaron un grupo infantil que desde 1958 actuaba con regularidad en un circuito automovilístico. Allí les descubrió Bill Gates, propietario del óvalo que evidentemente nada tenía nada que ver con el fundador de Microsoft, y los puso en contacto con la discográfica local Festival, en la que grabaron sus primeros discos, en formato single. Obtuvieron un relativo éxito.

Ello les animó a volver a Inglaterra en 1967. De inmediato hicieron llegar a manos de Brian Epstein, mánager de The Beatles, varias maquetas. Este puso a The Bee Gees -por entonces un quinteto tras la incorporación del batería Colin Peterson y el guitarrista Vince Melouney-, en manos de Robert Stigwood y de la discográfica Polydor.

Su primer sencillo en las islas fue la magnífica ‘New York Mining Disaster 1941’, que alcanzó el número doce de las listas. Le siguieron una serie de grandes temas como ‘Massachusetts’, ‘Words’, ‘World’, ‘I Started A Joke’, ‘I’ve got a message to you’, ‘First of may’….

Pero llegaron los problemas. Primero se marchó Melouney. Luego Peterson demandó a los hermanos Gibb por los derechos del nombre y finalmente hasta Robin intento lanzarse en solitario con la exitosa canción ‘Saved by the bell’.

Con la llegada de los setenta los hermanos se reconciliaron y volvieron al hit parade como trío con ‘How Can You Mend A Broken Heart?’, que fue número uno en Estados Unidos, aunque un absoluto fracaso en Gran Bretaña. Fue un espejismo que abrió un período negro en el que probaron con el soul sin conseguir apenas repercusión.

Desde 1975 apostaron por la música disco con ‘Jive talkin’ y se convirtieron en profetas con el apoteosis de la banda sonora de ‘Fiebre Del Sábado Noche’ (1977), que incluía tres números uno como ‘How Deep Is Your Love’, ‘Stayin’ Alive’ y ‘Night Fever’ y que vendió más de treinta millones de copias en todo el mundo.

En el siguiente disco, ‘Spirits Having Flow’, otros tres temas -la analizada ‘Too Much Heaven’, ‘Tragedy’ y ‘Love You Inside Out’- alcanzaron la cima de nuevo. Fue su momento más algido (1977-1979), cuando incluso compusieron para muchas estrellas del momento como Barbra Streisand (‘Woman In Love’).

Pero la música disco decayó en los ochenta y con ellos The Bee Gees, que se dedicaron más a proyectos en solitario. Las sucesiva muertes de Maurice y Robin Gibb acabaron con el trío fraternal. Barry Gibb, ya mayor, se ha dedicado durante los ultimos años a ofrecer conciertos donde la melancolía es el principal ingrediente.

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Pero la canción ‘L’été indien’ no está dedicada al clima, sino al amor. La letra defiende que este período es el mejor para enamorarse, porque recupera las fogosidades que provoca la canícula, pero también para llorar por el amor perdido. Dassin sostiene que el fenómeno sólo ocurre en América del Norte, pero lo cierto es que su canción tuvo éxito en países lejanos de aquellas latitudes.(...)
Read the rest of Joe Dassin – L’été indien (Verano indio) (701 words)

Hablamos, en cuanto a la melodía, de una composición erótica, a la imagen de ‘Je t’aime, moi non plus’, de Serge Gainsbourg y Jane Birkin, en Francia, o ‘Todo el tiempo del mundo’, de Manolo Otero, en España.

En 1975 Joe Dassin interpretó en francés esta especie de balada destinada a reinar entre las piezas lentas de las famosas ‘boites’ de los años setenta. La profunda voz del artista galo y los consabidos ‘na na nas’ del coro femenino supieron dotar del preciso matiz transpirenaico a una pegajosa melodía compuesta originalmente por los italianos Toto Cutugno, Vincenzo Pallavicini y Pino Massara bajo el título ‘África’. La letra para el mercado francófono la adaptaron el propio Dassin, Pierre Delanoe y Claude Lemesle.

‘L’été indien’ constituyó el mayor éxito de la carrera del malogrado intérprete francés y en la actualidad está considerado como un clásico del pop del país vecino del norte. Pero, asimismo, supo ganarse un público entre los hispanoparlantes, entre quienes esta obra se conoció como ‘Sólo puedo mirar atrás’ o ‘Aún vivo para el amor’. Siempre tratamos de vivir en el amor y, aunque el amor nos cierre la puerta, nosotros ponemos el pie para impedirlo.

Ya sabes, esta noche me siento tan solo
y perdido porque no estás
y esos recuerdos están llenos de ti
de tu primavera, de una playa nuestra
donde fui arena para sostenerte,
de un mar nuestro donde fui la ola que te llevaba

Tu presencia, tus pequeñas cosas,
y ahora este vacío, sin poder mirar
hacia el futuro, solo sin ti
hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor

Una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser
hoy estoy muy lejos de esos recuerdos

¿Dónde estás? ¿Te acuerdas de mí o te habrás olvidado?
Tal vez tú piensas que fue una tontería conocerme,
y aquella arena y aquel mar sólo fueron recuerdos

Cierro los ojos y te imagino
te esperaré un mes, un año, toda la vida,
porque lo que siento no tiene tiempo,
se llama amor.

Hacia atrás, sólo puedo mirar atrás
y sentir que vuelvo a estar aún vivo para el amor,
una voz que viene de un atardecer
me hace ver que aún puede ser

VERSIONES

Para la traslación al CASTELLANO la letra de la canción fue adaptada en 1976 por J. Israel y los hermanos McCluskey.

La tecnología logró que el desaparecido Joe Dassin cantara el tema con su autor, TOTO CUTUGNO.

Las grandes orquestas pop, como la de PAUL MAURIAT, pronto vieron las virtudes de ‘L’été indien’.

Más moderna es la revisión que firmó en 2011 la cantautora italiana IN-GRID.

Por último, la banda rusa BONEY NEM –en clara parodia de Boney M– también nos ofreció su peculiar visión.

JOE DASSIN (1938-1980) murió joven, pero dejó para sus seguidores una actividad musical intensa. Aunque nació en Nueva York hijo de artistas –su padre era un director de cine ruso judío y su madre violinista húngara–, siempre se ha considerado francés ya que a los doce años se estableció en París porque su familia tuvo que huir a Europa acosada por el ‘macartismo’ debido a sus creencias políticas.

Inicialmente, no quiso seguir la vereda familiar y optó por estudiar Antropología tras regresar a Estados Unidos, aunque finalmente se doctoró en Filosofía. Durante su época estudiantil trabajó como disc jockey y fue entonces cuando el veneno musical prendió en su interior.

Otra vez en tierras galas fue contratado como secretario de la compañía CBS Records, donde tuvo sus primeras oportunidades para grabar canciones. Aunque los comienzos no fueron fáciles, llegaron los primeros éxitos en los sesenta. Sin embargo, su consolidación se produjo en la siguiente década con temas como ‘A ti’ o el analizado ‘L’ete indien’. Su condición de políglota le permitió sacar canciones al merado en inglés, alemán, español, italiano y griego.

Murió a los 41 años de un ataque cardíaco durante unas vacaciones en Tahití. Fue enterrado en el cementerio Hollywood Forever, ya que pasó gran parte de su niñez en la ciudad californiana. Es uno de los cantantes que hoy aún más ingresos genera por derechos de autor en Francia.

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Este inolvidable tema de 1974 cambió la vida del madrileño. La personal adaptación que realizó el productor Ray Girado del clásico ‘Soleado’, imitando en cierto modo al ‘Je t’aime, moi non plus’ de Gainsbourg y Jane Birkin, llegó al número uno de las listas por boca de Otero y le abrió las puertas de la fama en el mundo de la música. ‘Soleado’ era un instrumental compuesto por el italiano Ciro Dammicco bajo el seudónimo de Zacar. A su vez se basaba en un composición anterior del mismo autor titulada ‘Le rose blu’, ya publicada en 1972.

Otero por entonces era conocido como galán de teatro y por su reciente boda con la también actriz y precursora del destape en España María José Cantudo. Asimismo, ‘Todo el tiempo del mundo’, muestra del erotismo hecho canción, fue precursora en este campo en el panorama nacional y colgó sobre su intérprete el título de pionero del pop sensual español y de las canciones recitadas.

El éxito se trasladó de inmediato de España a América, actuando en Colombia, Bolivia, Perú, Venezuela, Argentina, Estados Unidos y, sobre todo, Brasil, donde era un ídolo y donde años más tarde estableció su residencia.

El terciopelo fraseado y la entonación falsa de ‘Todo el tiempo del mundo’ funcionó en gran medida gracias a la voz grave, profunda y radiofónica de Otero, que nos repartió en igual medida frases largas y susurros durante el tardofranquismo. Derritió a sus fans –popularmente le designaban como el Bello Otero– y se hizo rey de las pistas de baile más románticas, entre tragos de anís, Ricard y Licor 43 y esferas de espejos giratorias. Su oratoria aristotélica, fruto sin duda de sus estudios de Filosofía y Letras, las volvía locas.

Decían las críticas de la época y los textos promocionales, muy dados a la grandilocuencia y al barroquismo descriptivo, que la letra de esta canción era «una poesía melodiosa» que te transportaba a tu «naturaleza interior» y te llenaba «el alma de alegría». «Transmite ternura, respeto, melancolía, pero sobre todo amor», concluían. Pero no sin antes sentenciar que ‘Todo el tiempo del mundo’ es «100% poético, 100% excelente, 100% penetra el corazón».

Hoy tengo tiempo,
tengo todo el tiempo del mundo,
para pensar en nosotros,
para pensar en ti … y en mí,
y en todas las pequeñas cosas
que nos rodeaban
y que entonces no comprendí

Y es que aún te quiero,
sí … te quiero … ¡Te quiero!
Y pienso en aquellas mañanas
y siento aún el calor
de nuestros cuerpos,
que entre las sábanas
formaban una cárcel maravillosa
de la que nos resistíamos a huir

Recuerdo nuestro lenguaje
hecho de caricias y susurros
¡Cómo te echo de menos
y cuánto te quiero!

Sí
¿Recuerdas? … Sí
Pero aquello acabó, como acaba todo,
casi sin querer, igual que
el río se pierde en el mar

No, no … no fue culpa tuya ni mía,
pero con nuestro orgullo
perdimos mil cosas bellas

Hoy tengo tiempo,
tengo todo el tiempo del mundo,
y cuanto más pienso, más te añoro
y más te deseo…
Y es que aún te quiero …
¡Te quiero! ¡Te quiero!
Sí

VERSIONES

La primera vez que se grabó ‘Soleado’ fue también en 1974 a cargo de la DANIEL SANTACRUZ ENSEMBLE.

El primero en ponerle letra fue el alemán MICHAEL HOLM, asimismo en 1974. El título germánico fue ‘Tränen lügen nicht’.

La diva MIREILLE MATHIEU, hizo su revisión bajo la denominación de ‘On ne vit pas sans se dire adieu’. Fue en 1975.

http://youtu.be/fs_-3c4MS-Y

El crooner estadounidense JOHNNY MATHIS le dio un toque navideño en ‘When a child is born’, de 1976.

La cantautora murciana MARI TRINI, ya desaparecida, también se basó en soleado para su tema ‘Te amaré, te amo y te querré ‘.

Asimismo RAPHAEL la cantó con el título ‘Un nuevo sol’. Lo hizo hace un año para un disco de temas navideños.

Las versiones orquestales son innumerables como, por ejemplo, las firmadas por Percy Faith, Frank Pourcel, Fausto Papetti, Gigi Molly, Paul Mauriat, Sam Clayton Band, Elio e le Storie… Al inglés la adaptó Marwan, con ‘Another time’, en checo la cantó Karel Gott con el título ‘Mel jsem rád a mám’, en húngaro Zsuzsa Cserháti grabó ‘Édes kisfiam’ y en portugués lo hizo Francisco Cuoco en ‘Tudo tempo do mundo’.

También para el público teutón en 1995 Mark’Oh realizó una particular versión como ‘Tears don’t lie’ y asimismo incorporaron la composición a sus repertorios otros artistas como el filipino José Mari Chan , Kenny Rogers, Willie Nelson, Charles Aznavour, Cissy Houston, The Moody Blues y Bing Crosby. En clave humorística está la versión recitada de Andrés Pajares y el mundo cinematográfico formó parte de la banda sonora de la película argentina ‘Nazareno Cruz y el lobo’, dirigida por el genial cantante Leonardo Favio.

Por último merece la pena escuchar la adaptación que realizó IL DIVO. La denominó ‘When a child I born’, como ya hizo Mathis cuarenta años antes.

MANOLO OTERO nació en Madrid en 1942 en el seno de una familia vinculada al mundo de los escenarios. Su padre era como barítono de ópera y zarzuela, y su madre, actriz de revista. Aunque nunca le prohibieron que siguiera por su senda, si obligaron a su hijo que estudiara una carrera universitaria y él optó por cursar Filosofía y Letras en la Universidad Complutense.

Pero, una vez licenciado, se lanzó al teatro, siempre como galán, al ser un hombre de gran atractivo, en obras como ‘Tartufo’, ‘Madre Coraje’, ‘La zapatera prodigiosa’, ‘La llegada de los dioses’, ‘Don Juan o el amor a la geometría’, ‘La molinera de Arcos’ y ‘La muralla china’. El cine, las radionovelas y la televisión vinieron a continuación, con series como ‘La casa de la Troya’ películas como ‘Del amor y otras soledades’, ‘La Araucana’, ‘Fieras sin jaula’, ‘Venta por pisos’, ‘Mi querida señorita’, ‘Simón Bolivar’, ‘Marco Antonio y Cleopatra’, ‘Laia’, ‘La promesa’, ‘El libro del Buen Amor II’, ‘Juicio de faldas’ o ‘Cuentos de las sábanas blancas’.

De forma paralela realizó una incursión en la música al presentarse al concurso ‘La gran ocasión’ y probar suerte también en el Festival de Benidorm de 1968, que ganó Julio Iglesias. Ese año grabó un EP de escasa repercusión. Reapareció seis años más tarde con ‘Todo el tiempo del mundo’. Le lanzó al éxito y sirvió de cimientos de una próspera carrera musical.

Temas como ‘Qué he de hacer para olvidarte’, ‘Amor imposible’, ‘Viejo trovador’, ‘Mimí’, ‘Es bellísima’ , ‘Acércate más’, ‘Yo vendo unos ojos negros’, ‘Volver’, ‘Melancolía’ o ‘Sigo mi camino’ fueron muy bien aceptados por el público, sobre todo en Latinoamérica.

A mediados de los ochenta decidió abandonar España e instalarse en Brasil al casarse de Celeste Ferreira, su tercera esposa tras María José Cantudo y la colombiana Eddy Cano. Desde allí realizó giras por países como Estados Unidos, Colombia Venezuela y Bolivia hasta que en 2011 un cáncer hepático acabó con su vida.

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Tuve primera noticia de ‘Le métèque’ en mis tiempos de estudiante de francés en el instituto. Descubrí el tema gracias a una joven profesora que rompía los moldes tradicionales de la enseñanza mediante la utilización de la música contemporánea. Con ella supe qué quería decir el cantautor de origen griego, gran amigo de nuestros Imanol Larzabal y Paco Ibáñez.

El tema es muy hermoso, pero no destacó por su melodía sino por su mensaje. Le métèque’, sin lugar a dudas la canción más popular del francogriego, aunque egipcio de nacimiento, reflexiona sobre la condición de un hombre en tierra extraña, aunque ésta finalmente sea la suya. Mi maestra nos lo tradujo como ‘El extranjero’, aunque matizó que realmente se refería a los foráneos mal vistos. Algo así como los ‘maketos’ de la Euskadi pretérita o los inmigrantes del Tercer Mundo llegados en los tiempos actuales.

‘Le Métèque’ y Moustaki se erigen así en los primeros símbolos de los apátridas, sin raíces, queridos en ninguna parte y siempre sospechosos. Ese personaje extraño venido de lejos que siempre causa resquemor. ¿Qué querrá? ¿Vendrá para quedarse? ¿Se llevará algo? Preguntas habituales de quienes desconfían de todo aquello que no conocen y, sobre todo, controlan.

Pero triunfa el amor, ése que a veces nos lleva lejos y otras nos fija en lugares en los que nunca pensábamos establecernos. ‘Le Métèque’ descubre unos ojos, un cuerpo, una personalidad en forma de mujer. Se lanza a su conquista, sabedor de que nunca podrá cumplir sus promesas. Sobre todo su palabra jamás podrá quedar empeñada en la certeza de que se quedará. No podrá. Está condenado a vagar.

Todo ello disfrazado de una visión vitalista de una existencia que no se amarra a ninguna patria ni a un lenguaje, salvo al de la libertad y al de la fidelidad a su propia personalidad y a la humanidad. Por lo tanto, mezcla de canción de amor y autorretrato sentimental.

Es la composición de un autor ya maduro –Moustaki contaba ya con 34 años cuando la publicó en 1969–, que no logró inicialmente alcanzar la popularidad por la vía de las listas de éxitos o la estadísticas de ventas. Pese a las aperturas conseguidas por el Mayo del 68 parisiense, todavía la canción protesta estaba mal vista incluso en las Galias, circunscribiéndose a los ambientes universitarios o a los círculos de los jóvenes más contestatarios en tiempos en que la libertad era un bien escaso.

Una maravillosa letra que sabíamos de pe a pa los estudiantes de francés de mi instituto, ya allá por finales de los setenta, se sustenta sobre un ritmo intimista y mediterráneo que claramente bebe de las fuentes musicales griegas que heredó Moustaki de sus raíces. De instrumentos de cuerda brota una melodía helena que nos describe los terrenos por los que pisa el extranjero. Así, podemos imaginarnos pequeñas islas de aguas cristalinas, plantaciones de olivos, caminos impracticables y mucho sol estival e inmisericorde en un cielo limpio.

Moustaki encarnaba al extranjero de diccionario, aunque realmente el verdadero ‘maketo’ fue su progenitor, como recordaba cada vez que en un concierto interpretaba su canción franquicia. «A mi padre, a todos los extranjeros y a todas las razas. A todas las personas, famosas o anónimas, que han contribuido a la grandeza de Francia».

‘Le Métèque’ es un himno universal, tal vez la canción más reconocida de Moustaki, un retrato preciso y delicado de melodía contenida y mediterránea.

http://youtu.be/3HXtKxE0gC0

Es con mi facha de extranjero,
de judío errante y pastor griego
con mis cabellos al azar
y con mis ojos medio abiertos
que hablan de mares y desiertos
y que te invitan a soñar

Es con mis manos de farsante,
de embaucador y de feriante
que en los jardines va a robar
y con mi boca que ha bebido
y que ha besado y que ha mordido
sin apagar su sed jamás.

Es con mi facha de extranjero,
de judío errante y pastor griego,
de vagabundo y de ladrón
y con mi piel que se ha quemado
bajo ese sol y se ha entregado
a los mil juegos del amor

Y con mi pecho que ha sentido
del corazón cada latido
y lo ha sabido hacer callar,
con mi alma enferma que no espera
ni purgatorio que la quiera
para poderla así curar

Es con mi facha de extranjero,
de judío errante y pastor griego
con mis cabellos al azar,
que vengo a ti, mi dulce amiga,
gran manantial en mi fatiga
tus veinte años a buscar
y yo seré, si lo deseas,
príncipe azul con tus ideas

Igual que tú puedo soñar
y detener cada momento,
parar el sol, parar el viento,
vivir aquí la eternidad.
así contigo he de lograr
vivir aquí la eternidad.
igual que tú yo sé soñar

VERSIONES

La también cantautora MARINA ROSSELL realizó un disco con versiones de Moustaki. La catalana, por supuesto, no se olvidó de ‘Le métèque’.

El director de orquesta galo PAUL MAURIAT instrumentalizó el tema.

http://youtu.be/DZY6TnkuOx4

El italiano ROBERTO FERRI firmó un revisión interesante.

PAUL DARAICHE tampoco se pudo resistir a aportar su visión.

Con ritmo totalmente rumbero la interpreta el español MANUEL MALOU, antiguo componente de Los Golfos.

El carismático rapero JOEY STARR adaptó el tema universal de Moustaki e incluso actuó con él.

Por último, como rareza, la VERSIÓN EN CATELLANO interpretada por el propio Moustaki.

http://youtu.be/xG4e23YdbnU

GEORGES MOUSTAKI, bautizado en Alejandría como Yussef Mustacchi, nos ofreció a lo largo de toda su vida la oportunidad de disfrutar de canciones que al encanto propio del idioma francés unían su magistral voz, la magia especial de la música y el mensaje de un hombre polifacético, rodeado de un halo de bohemia.

Tras beber de la misma fuente de inspiración de Georges Brassens y Edith Piaf –dicen que la adopción del nombre de Georges es un homenaje al primero–, desarrolló su propio mundo creativo para hacernos llegar obras como la mencionada ‘Le métèque’, ‘Milord’, ‘Sarah’, ‘Ma solitude’, ‘Il est trop tard’, ‘Ma liberté’, ‘La longue dame brune’, ‘L’homme au coeur blessé’, ‘Il y avait un jardin’, ‘La mer m’a donné’, ‘Le temps de vivre’ o ‘Joseph’.

El hecho de que creció en un ambiente de mezcla de razas y lenguas –su padre hablaba cinco idiomas y su madre seis– diseño su multiculturalidad. Su familia procedía de Corfú, la isla helena a la que el dios del mar Poseidón llevó a su amada tras raptarla. Pero pronto se trasladaron a Egipto, donde estudió en el Liceo francés.

Durante su adolescencia abandonó el amparo de su familia y se trasladó a París. Allí tuvo contacto con Brassens, Piaf, Montand o Barbara, que le animaron a escribir sus propias canciones, que siempre se han dedicado a describir su experiencia vital. Antes fue periodista, camarero y cantante de temas ajenos en locales de la bohemia del momento.

Siempre alejado de las leyes del mercado discográfico y fiel a su estilo, llegó a despreciar muchas de las obras que salían de su mente. De esos escrúpulos se beneficiaron otros artistas como Dalida, Montand, Colette Renard, Michèle Arnaud y Serge Reggiani, que cosecharon grandes éxitos con temas que Moustaki nunca quiso incorporar a su repertorio.

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