Pérez-Botija eligió a Cecilia como solista estrella y creó La Compañía para hacerse con el mercado de las bandas vocales mediante adaptaciones de temas clásicos y zarzuelas a ritmo de pop, un terreno que ya había labrado con éxito Miguel Ríos con el ‘Himno de la alegría’, basado en la ‘Novena sinfonía’ de Beethoven.(...)
Read the rest of La Compañía – El soldadito (936 words)

La Companía debutó en el microsurco en 1971 con ‘El soldadito’, que rápidamente ascendió a los primeros puestos de las listas de éxitos de aquel año gracias a los arreglos muy logrados que protagonizó Juan Carlos Calderón a partir del fragmento de la habanera ‘Marchaba a ser soldado (El saboyano)’. Originalmente, esta pieza era interpretada por un mendigo con organillo en la castiza zarzuela ‘Luisa Fernanda’, escrita por Federico Moreno Torroba y con libreto de él y Guillermo Fernández Shaw en 1932.

Su base interpretativa se sustentaba sobre dos coros –femenino y masculino– que se contestaban para unirse en un final mixto, con una batería siempre presente en primer plano.

Compartió el hit parade de aquel año con el ‘Quiero abrazarte tanto’, de Víctor Manuel; ‘El chico de la armónica’, de Micky; ‘We shall dance’, de Demis Roussos; y ‘Un beso y una flor’, de Nino Bravo. Sin duda, rivales de mucha entidad. Aún así, ocupó durante cuatro semanas el primer puesto de ventas, tras confirmarse como canción del verano.

En esta obra del género chico el soldadito marcha a batallar sin hacer mucho caso a Luisa Fernanda y ella, cansada de esperar, se promete con un hacendado extremeño que posee una finca cerca de Piedras Albas. De todas formas, al final, el amor verdadero vence. ¡Cómo no! Todo ello con el trasfondo del derrocamiento de Isabel II y la proclamación de la I República.

La repercusión de ‘El soldadito’ se amparó en el conocimiento generalizado por parte de los españoles de las zarzuelas, machacónamente programadas por la única televisión que existía por entonces en este país. Todo a pesar de que la grabación que se utilizó para promocionar el tema nada tenía que ver con los futuros videoclips.

La coreografía, cuanto menos, es peculiar, pero no podemos mirarla con ojos contemporáneos. Conviene retrotraer nuestra mente casi cinco décadas y, sobre todo, mostrar condescendencia con el look de minifaldas de cuadritos. Primitiva, pero impagable grabación.

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

Ella se queda sobre un ribazo
con el pañuelo diciendo adiós
la prometida del soldadito
hasta que a penas se ven los dos

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

Ella se queda sobre un ribazo
con el pañuelo diciendo adiós
la prometida del soldadito
hasta que a penas se ven los dos

Marchábase el soldado
cuando al mozo le salió a despedir
la moza que le amaba
y que quería con él partir

Anda con Dios soldadito
que a las banderas te vas
yo te prometo y te anuncio
que vas ser general

El soldadito le prometía
paloma mía yo he de volver
y en nuestra boda serán mis arras
los entorchados de brigadier

quien le dijera que el soldadito
sueña en los brazos de otra mujer
y que en la boda fueron las arras
los entorchados de brigadier

VERSIONES

La zarzuela original es imprescindible para entender la revisión que realizó La Compañía.

LA COMPAÑÍA nació como grupo local que recreaba temas de viejas zarzuelas a ritmo pop. Su alma máter Rafael Pérez-Botija embarcó en el proyecto a Álvaro Nieto, de Los Pasos, a Manuel Escobar, de Los Sonor; y a Julio Seijas, de Aguaviva; junto a otros vocalistas sin experiencia anterior en el mundo de la música, hasta reunir una formación con ocho miembros.

Tras éxito de ‘El soldadito’, su obra de debut, llegó el larga duración ‘Reestreno’, un recorrido por romanzas y las canciones más importantes de creaciones de zarzuela como ‘Luisa Fernanda’, ‘La tabernera del puerto’, ‘Doña Francisquita’ o ‘La canción del olvido’. Este trabajo acabó en los tribunales por la adaptación de ‘Romanza de Morala’, de ‘La tabernera del puerto’, ya que el maestro Pablo Sorozábal denegó su permiso para la adaptación titulada ‘En un país de fábula’. La justicia falló a favor del autor, al considerar que su obra había sido mutilada y deformada.

Además, en 1972 la banda fue visitada por la tragedia, ya que una de sus componentes, Ana María Fernández, falleció víctima de un accidente de tráfico. En su honor publicaron ‘Tema para Ana’.

Un año más tarde llegó su segundo álbum, titulado sencillamente ‘La Compañía’ y que incluía el éxito ‘Gitano’, que volvió a aupar al grupo a los primeros puestos de las listas. El tema compitió incluso con el ‘Eres tú’ de Mocedades por representar a España en Eurovisión.

Entre 1974 y 1976, ya convertidos en sexteto, publicó sus últimos singles, sin que ninguno de ellos tuviera repercusión comercial, lo precipitó la desaparición del grupo.

Un par de años más tarde, Álvaro Nieto, ya director artístico de Movieplay, se puso de nuevo en contacto con Seijas para que la agrupación renaciera bajo el nombre de La Pequeña Compañía, que llegó a despertar gran interés entre los públicos español y latinoamericano con discos llenos de versiones de boleros, cha-cha-chas, villancicos, pasodobles o coplas. Versiones enganchadas, como dicen en Hispanoamérica. Otros componentes de La Compañía triunfaron en diversos campos del mundo del espectáculo.

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Desde entonces esta canción ha estado presente en nuestras vidas, bien en celebraciones, bien en publicidad, o bien, ya en la modernidad, en la listas de reproducción de nuestros artilugios sónicos. Hasta nos hemos atrevido a cantarla quienes nacidos invalidados para la música, porque siempre nos ha transmitido alegría, exaltación. Y sobre todo porque nos ha dotado de sensación de libertad.(...)
Read the rest of Nino Bravo – Libre (1,005 words)

La voz de Nino Bravo bastó para convertir ‘Libre’ en un himno. Reinó inicialmente en las listas de éxitos en los estertores de la dictadura de Franco. Sobrevivió al régimen y aún goza de una salud impresionante. ¿A que nadie conoce a un ser humano que no la haya oído en alguna ocasión?

Siempre se sospechó que se trataba de una alegoría y todos los que así pensaban estaban en lo cierto. Pero todos también estaban equivocados en cuanto a su verdadero significado. En su época se emparejaba ‘Libre’ al deseo de libertad del pueblo español tras largas décadas de dictadura y se traducía su letra como un enjambre de metáforas que trataban de trasladar un mensaje reivindicativo que directamente no se podía ofrecer.

Sin embargo, cuatro décadas después se ha conocido la historia oculta y trágica. Sí que la canción habla de libertad, pero se refería a la que perseguía la primera víctima del Muro de Berlín, un joven mártir que perdió la vida el 17 de agosto de 1962 cuando intentaba abandonar el régimen comunista de la Alemania Oriental de Eric Honecker para pasar al lado occidental de la capital germana, la capitalista.

Peter Fechter era un obrero de la construcción de 18 años que trató de cambiar de bando junto a su compañero de trabajo Helmut Kulbeik. Su plan era tan sencillo como suicida. Consistía en esconderse en el taller de un carpintero cercano al muro y aprovechar un descuido de los guardias de la frontera, los conocidos ‘vopos’, para saltar por una ventana y atravesar el espacio conocido como ‘corredor de la muerte’ con el objetivo de alcanzar el Checkpoint Charlie custodiado por los estadounidenses.

Como era de prever nada salió como ellos pensaban. Sí que llegaron hasta el muro sin problemas, pero cuando ya estaban en su parte superior, fueron descubiertos. Los disparos sonaron y Peter resultó alcanzado en la pelvis y quedó tendido en el suelo, en tierra de nadie, durante cincuenta angustiosos minutos. Se desangró a la vista de todos y sin que nadie hiciera nada.

Los soldados del lado este, los que le dispararon, omitieron cualquier auxilio. Los norteamericanos, en el oeste, se limitaron a lanzarle un botiquín. Vecinos de ambos bandos y periodistas contemplaron impotentes su agonía mientras gritaban a los militares que le ayudasen. Finalmente, el cadáver fue recuperado por los uniformados de RDA. Fue un duro golpe para la esperanza de los berlineses de alcanzar la libertad.

Las fotografías de aquel símbolo de la crueldad humana dieron la vuelta al mundo, pero nada cambió hasta que el muro cayó en 1989. En 1997 dos antiguos soldados de la RDA fueron juzgados y condenados a un año de cárcel por la muerte de Peter Fechter.

Tiene casi veinte años y ya está
cansado de soñar
pero tras la frontera está su hogar,
su mundo y su ciudad

Piensa que la alambrada sólo
es un trozo de metal
algo que nunca puede detener
sus ansias de volar

Libre,
como el sol cuando amanece yo soy libre,
como el mar

Libre,
como el ave que escapó de su prisión
y puede al fin volar

Libre,
como el viento que recoge mi lamento y mi pesar,
camino sin cesar,
detrás de la verdad,
y sabré lo que es al fin la libertad

Con su amor por bandera se marchó
cantando una canción
marchaba tan feliz que no escuchó
la voz que le llamó.

Y tendido en el suelo se quedó,
sonriendo y sin hablar;
sobre su pecho, flores carmesí
brotaban sin cesar

VERSIONES

MARTA SÁNCHEZ cantó el tema al que hoy nos referimos en un disco de homenaje a Nino Bravo publicado en diciembre de 2009. La madrileña, como siempre, lo bordó.

En 1995 el maestro JUAN CARLOS CALDERÓN, que había trabajado con Nino Bravo, utilizó los avances tecnológicos para regrabar los temas del valenciano como duetos, mezclando interpretaciones originales con otras realizadas por artistas del momento. ‘Libre’ fue cantada por nuestro protagonista junto a su paisano FRANCISCO.

Cuatro años más tarde EL CHAVAL DE LA PECA se atrevió con la canción. Los resultados fueron… Bueno, juzguen ustedes.

En 2009 pasó por los teatros españoles un musical dedicado a la vida artística de la voz levantina. El joven valor que le encarnó fue JOSÉ VALHONDO.

El mundo de la PUBLICIDAD siempre fue consciente de potencial movilizador del tema compuesto por Armenteros y Herreros. Se hizo muy famoso un anuncio de la empresa telefónica Amena.

NINO BRAVO (3 de agosto de 1944) fue bautizado en el pequeño pueblo valenciano de Aielo de Malferit como Luis Manuel Ferri Llopis. Sin embargo, su vida artística la desarrolló con el nombre con el que siempre le hemos conocido.

Desde muy temprana edad –con su familia ya instalada en Valencia– cantó en tunas, rondallas y grupos como Los Hispánicos o Los Superson’s. En 1964, tras regresar del servicio militar, adoptó su nombre artístico tras contactar con un mánager que le convence de ello.

Un éxito relativo en el Teatro Principal de la capital del Turia, con motivo de las Fallas, le abre las puertas de la casa discográfica Fonogram. Publica canciones de Manuel Alejandro que no consiguen repercusión, pero que sí le hacen salir del anonimato y comenzar a cantar en otras ciudades.

En el verano de 1970, Augusto Algueró le ofrece interpretar ‘Te quiero, te quiero’, su primer gran éxito. A partir de ahí comienza una carrera imparable con temas como ‘Noelia’, ‘Perdona’, ‘Mi gran amor’, ‘Ésa será mi casa’, ‘Mi querida mamá’ o ‘Voy buscando’. Y sobre todo ‘Un beso y una flor’, ‘Mi tierra’, ‘Libre’ y ‘América, América’.

Su fama traspasó las fronteras españolas y cosechó éxitos importantes en la mayoría de los países sudamericanos. Sólo el destino evitó que Nino se consagrara como el cantante pop por excelencia de la música española. El 16 de abril de 1973 un accidente de tráfico acabó con su vida.

En tan sólo cuatro años de carrera musical fue capaz de crear un legado y una leyenda.

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Post tags: Aielo de Malferit, Alemania Oriental, Amena, Augusto Algueró, Checkpoint Charlie, El Chaval de la Peca, Eric Honecker, Fonogram, Francisco, Franco, Helmut Kulbeik, José Luis Armenteros, José Valhondo, Juan Carlos Calderón, Los Hispánicos, Los Superson’s, Manuel Ferri Llopis, Marta Sánchez, Muro de Berlín, Pablo Herreros, Peter Fechter, RDA, Turia

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El alto contenido sentimental de su letra ha quedado grabado en nuestras mentes desde que salió al mercado en 1979. Esta composición nos llegó entonces de la mano de Camilo Sesto, gran mentor de Ángela desde que llegó a España. Ella se convirtió en musa del alicantino y él en su mejor sastre musical, bien como compositor, bien como productor.

La calidad vocal de la intérprete caribeña pudo expresarse en ‘Quererte a ti’, tema que el público convirtió en un éxito rotundo y demandó de manera inusitada. Hablamos de una canción que nos invita a cerrar los ojos y escuchar presos de la oscuridad. Está destinada a personas que saben dar y recibir amor, para finalmente tener que sucumbir ante el desamor. Un contenido, sin duda, eterno, que se repite, generación tras generación de cantantes, sin que pierda vigencia. (...)
Read the rest of Ángela Carrasco – Quererte a ti (1,002 words)

‘Quererte a ti’ relata con crudeza un amor infructuoso, el que se ofrece a una persona que no lo merece, simplemente porque no sabe amar. Siempre se dice que más disfruta quien más ama, pero en este caso amar sin recibir es frustrante, un suicidio emocional. Se sabe, incluso de antemano, que no hay futuro. Sin embargo, ¡qué difícil es desligarse de alguien a quien se quiere!.

El amor hay que recibirlo y compartirlo. Debe generar una sonrisa, no un sentimiento doloroso. No sentir que caminas con zapatos que te hacen daño. El no correspondido, el que pedimos a gritos, duele porque es entregado sin esperanzas, imposible. Hay que dejarlo cuando empiezas a hacerte daño y a perder los equilibrios, cuando te das cuenta que ya no tiene una razón de ser el estar juntos.

Se debe decir adiós cuándo ese amor sin vuelta te amarga la vida, te convierte en un ser vacío, te deja plano, te hace desconfiar de todo y cuándo dejas de ser tú. Ese tipo de amor no alimenta a nadie.

Pero amar siempre es ganancia. Sólo saber que uno mismo es capaz de sentir las cosas que otros te inspiran constituye un logro, al margen de miedos y recelos. Sufrir de amor es, asimismo, sentirse vivo. Y sobre todo, nunca hay que renunciar a volver a amar.

En fin, la profundidad del mensaje de esta balada y su afán reflexivo no ha cambiado a lo largo de los años. Sigue sonando tan lacónica como la primera vez que la escuché.

Quererte a ti es como querer
arrancarle un quejido al viento
un beso al vacío
y una sonrisa al silencio

Quererte a ti es conjugar
el verbo amar en soledad
un te quiero sin respuesta
y no querer ver
que mis caricias te molestan

Quererte a ti
es querer ganar el cielo por amor
es haber perdido el miedo al dolor
es luchar contra nadie en la batalla
y ahogar el fuego que me nace en las entrañas
quererte a ti, quererte a ti
es callar y esperar

Quererte a ti
es querer ganar el cielo por amor
es haber perdido el miedo al dolor
es luchar contra nadie en la batalla
y ahogar el fuego que me nace en las entrañas
quererte a ti, quererte a ti, quererte a ti

Alimentar la palabra ternura
y esconder mis lágrimas en las espaldas
de mis noches en blanco y a oscuras
lágrimas de celos y dudas

De nada sirve que yo te llore
de nada sirve que yo te implore
hasta cuándo y hasta dónde
tengo que esperar que de mí te enamores

Quererte a ti
es querer ganar el cielo por amor
es haber perdido el miedo al dolor
es luchar contra nadie en la batalla
y ahogar el fuego que me nace en las entrañas
quererte a ti, quererte a ti
es callar y esperar

Quererte a ti
es querer ganar el cielo por amor
es haber perdido el miedo al dolor
es luchar contra nadie en la batalla
y ahogar el fuego que me nace en las entrañas
quererte a ti, quererte a ti, quererte a ti

VERSIONES

El trío colombiano LOS ROMÁNTICOS realizó una revisión del tema de Ángela Carrasco.

La cantante y compositora mexicana YURIDIA no desaprovechó la oportunidad de incorporar ‘Quererte a ti’ a su discografía.

Su compatriota KIKA EDGAR hizo lo mismo.

CAMILO SESTO, autor del tema como hemos dicho más arriba, también acabó por interpretarlo.

El cantante y actor mexicano YAHIR incorporó esta canción a su repertorio en 2012.

ÁNGELA CARRASCO vio la luz en el seno de una familia muy vinculada al mundo de la música. Su padre era un renombrado guitarrista dominicano que dirigía una academia y su madre una buena cantante silenciada por sus obligaciones domésticas. Por ello, nuestra protagonista estaba obligada a desembocar en el mundo artístico.

Sus primeras aventuras en ese ambiente llegaron con 7 años, cuando en compañía de su progenitor interpretó un tema para un anuncio publicitario. Juegos, estudios y música fueron los elementos sobre los que gravitó su infancia. Al llegar a la adolescencia, con 15 años, el hábitat del espectáculo se convirtió en su universo laboral, al comenzar a trabajar como presentadora en la televisión de su país.

Pero la República Dominicana se quedaba pequeña para sus sueños y, gracias a una beca de estudios, pudo viajar a España. Pronto llegó su oportunidad, también en el mundo de las antiguas 625 líneas, de la mano del productor Valerio Lazarov, que la convirtió en azafata y presentadora de uno de sus programas.

Sin embargo, su gran mentor fue Camilo Sesto, al que conoció en 1975. Él le dio el papel de María Magdalena en la ópera-rock ‘Jesucristo Superstar’. Entonces nació una estrella que no dejó de aumentar su brillo en la siguiente década. Canciones como ‘No, no hay nadie más’, ‘No me puedo quejar’, ‘Ahora o nunca’ ‘Mamma’, ‘Quiéreme’ o la analizada ‘Quererte a ti’ resultaron hits que lograron récords y popularidad en todo el mundo hispano de la mano del dúo que conformaban la centroamericana como intérprete y el levantino como compositor.

Su sociedad duró hasta 1982, cuando Ángela decidió tomarse un descanso. Su regreso, dos años más tarde, se produjo junto a Juan Carlos Calderón y Óscar Gómez, con composiciones como ‘Caribe’ o ‘La candela’, que la introdujeron en la música de corte caribeño, también con mucha repercusión. En 1987 decidió radicarse en Estados Unidos, encaminando su obra al mercado latinoamericano, haciéndose acreedora del prestigioso premio Billboard a la mejor cantante tropical.

A finales de los ochenta volvió a tomar respiro por espacio de otro bienio para regresar con una superproducción discográfica con canciones de los años 40, 50 y 60 de la mano de Juan Gabriel. Para entonces los gustos del público comenzaban a cambiar y sus nuevos trabajos apenas tuvieron incidencia.

Actualmente está retirada de la música y la podemos ver en la televisión española en el papel de vieja gloria.

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Esta preciosa composición de la desaparecida Cecilia, que ella nunca llegó a publicar, se configuró en Londres allá por 1981, con mezclas realizadas en un estudio de Milán. Todo bajo la producción del hispanocubano Óscar Gómez, ganador de cinco Grammys.

El éxito fue inmediato, tanto entre el público como en la crítica. El nuevo concepto musical sobre el que decidió caminar el clan liderado por los hermanos Uranga fue muy bien representado por ‘Desde que tú te has ido’, el single elegido para presentar su nuevo look ante sus seguidores y que consiguió encaramarse a los puestos altos de los hit parade de España y Latinoamérica.

La extraordinaria voz de Amaya atravesaba por su mejor momento y la veteranía que había adquirido el conjunto se plasmó en este trabajo, ejemplo de madurez musical. Los magníficos arreglos de xilofón, que incluso le dan un toque hawaiano y una orquestación de muchos quilates, embozaron la inimitable garganta de la mayor de las Uranga.

Aunque Mocedades se estandarizó un poco, su apuesta por las baladas resultó muy efectiva. Es el caso del tema que hemos elegido hoy. ‘Desde que tú te has ido’ nos narra de forma inmejorable la sensación de soledad irreparable que nos queda cuando un amor se ha roto y nos recuerda los maravillosos sentimientos pretéritos, mientras la persona querida se mantiene a nuestro lado.

Es de esas composiciones que tienen la capacidad de emocionar. La combinación de la letra de Cecilia y las voces de Mocedades logra desgarrarnos. Suavidad y ternura elevados a la máxima expresión.

Desde que tú te has ido
desde que te has marchado
mis manos tienen frío
por no tener tus manos 

Desde que tú te has ido
desde que me has dejado
yo sólo soy la sombra
de aquella que has amado
 
Y en mi jardín pequeño
de sueños y esperanzas
hay un rumor a invierno amor
sin ti no tengo nada

Desde que tú te has ido
desde que me he quedado
en esta casa nuestra
es que me falta algo

No sé si es el aire
no sé si es la luz
pero cuando miro amor
sé que me faltas tú

Pero cuando miro amor
sé que me faltas tú 
Si de tus labios tiernos
bebí todo mi canto

Ahora y en silencio amor
quiero llorar mi llanto
ahora y en silencio amor
quiero llorar mi llanto

VERSIONES

CECILIA, la autora original de la canción, llegó a grabarla, pero nunca la vio editada. Apareció mucho más tarde en el disco recopilatorio ‘Desde que tú te has ido’, que se publicó en 1996, veinte años después de su muerte. Su voz fue rescatada y digitalizada desde una maqueta que grabó como prueba sólo con el acompañamiento de la guitarra.

El argentino LUCIANO PEREYRA la incorporó a su discografía en 1998,

El divo JULIO IGLESIAS también supo del valor de esta canción.

La tecnología también permitió unir las voces de CECILIA y JULIO IGLESIAS.

MOCEDADES forma parte de la memoria musical de la mayoría de los que crecimos cuando ellos estaban en su esplendor, más en el caso de los que vimos la luz en Vizcaya. Todavía andaba yo algo despistado cuando se llamaban Voces y Guitarras, y despertaron la atención del famoso compositor Juan Carlos Calderón.

Tampoco me acuerdo de su intervención en Eurovisión con ‘Eres tu’, logrando el segundo puesto. Me incorporé al grupo de sus seguidores cuando ya afrontaban los últimos años de su época folk y les seguí con cercanía cuando ficharon por la compañía CBS.

Los hermanos Uranga –Amaya, Izaskun, Estíbaliz y Roberto– y los hermanos Blanco –Rafael y Sergio–, junto con José Manuel Ipiña y Francisco Panera, se juntaron en Bilbao a finales de los sesenta, coincidiendo con su etapa estudiantil, para formar Mocedades. Luego se fueron los dos últimos y entró Javier Garay, para algo más tarde abandonar Sergio y Estíbaliz para formar un dúo. El vacío se llenó con el regreso de Ipiña y la incorporación de Carlos Zubiaga.

A lo largo de los años consiguieron convertirse en uno de los grupos vocales europeos más emblemáticos e indiscutibles líderes en España durante casi tres décadas. Hasta que a mediados de los ochenta Amaya se marcha para cantar en solitario, siendo reemplazada por Ana Bejerano.

Mocedades sobrevivió a la salida de su líder, pero ya nunca volvió a alcanzar la misma cuota de éxito. El conjunto continúa en activo de la mano de la irreductible Amaya Uranga. Sin embargo, ya mira casi exclusivamente hacia Latinoamérica.

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Sin embargo, fue bien recibido por el público pretransición y el single, producido por el también desaparecido Juan Carlos Calderón y por Honorio Herrero, se mantuvo durante cuatro semanas en el escalón más alto del hit parade patrio. Constituye una pieza magistral que ha sobrevivido a distintas generaciones y que todo el mundo conoce aquí y al otro lado del Atlántico.

La letra conforma un poema de una calidad excelente que muy pocos cantautores españoles llegarán nunca a alcanzar. Nos describe un relato de amor y desamor que hace sentir un escalofrío tras otro a medida que avanza. Comienza como un cuento y acaba con técnica cinematográfica en un final sorprendente. Cada verso encierra dolor, sentimiento y compresión.

Nos recuerda que la costumbre acaba con todo, también con el matrimonio. Aunque al final descubrimos que el marido se ha convertido en admirador secreto, en amante virtual y generador de ilusión para una mujer ya resignada a una relación monótona. Saberse amada por un desconocido le insuflaba vida.

Nadie podría describir mejor una historia redonda que perfectamente podría inspirar un culebrón venezolano de cientos de capítulos. Extendió en poco menos de cuatro minutos un mensaje que todos deberíamos tener en cuenta cada día. Estamos obligados a luchar contra esa costumbre que convierte en hábito lo que es extraordinario y que se empeña en hacernos creer que lo nuevo es siempre mucho mejor.

Porque qué cosas tiene el amor que obliga a los maridos a ponerse el disfraz que les convierte en invisibles ante su pareja y que luego, enfundados en el anonimato, mandan versos y flores a la mujer a la que aman, aunque no sepan transmitirlo. Tal vez por ello ella imaginaba detrás de aquel romanticismo no confesado a otra persona, alguien que le diera el cariño y la cercanía de la que carecía su unión.

Pero quizás es condición humana y el enamorado a veces no logra la valentía o la oportunidad para decírselo a la cara al destinatario y se ve obligado a recurrir a enrevesados caminos para hacérselo saber. ‘Un ramito de violetas’ puede ser ejemplo de cómo a veces la sensibilidad se enmascara en el silencio. Una historia sinuosa, muy triste pero a la vez bellísima.

Era feliz en su matrimonio
aunque su marido era el mismo demonio
tenía el hombre un poco de mal genio
ella se quejaba de que nunca fue tierno

Desde hace ya mas de tres años
recibe cartas de un extraño
cartas llenas de alegría
que le han devuelto la alegría

Quién le escribía versos dime niña quién era
quién le mandaba flores por primavera
quién cada 9 de noviembre
como siempre y sin tarjeta
le mandaba un ramito de violetas

A veces sueña y se imagina quién será aquel
que a ella tanto la estima
será más bien hombre de pelo cano
sonrisa abierta y ternura en sus manos

Quién le escribía versos dime niña quién era
quién le mandaba flores por primavera
quién cada 9 de noviembre
como siempre y sin tarjeta
le mandaba un ramito de violetas

Y cada tarde al volver su esposo
cansado del trabajo la mira de reojo
no dice nada porque lo sabe todo
ella es feliz así de cualquier modo

Porque él es quien la escribe versos
él es su amante, su amor secreto
y ella que no sabe nada
mira a su marido y luego se calla

Quién le escribía versos dime niña quién era
quién le mandaba flores por primavera
quién cada 9 de noviembre
como siempre y sin tarjeta
le mandaba un ramito de violetas

VERSIONES

SOLE GIMÉNEZ, excantante de Presuntos Implicados, modernizó ‘Un ramito de violetas’ con el arte que siempre ha mostrado la hispanoparisina.

El gran intérprete gitano MANZANITA, que tampoco está ya entre nosotros, hizo una versión personal que encantó al público. También es fantástica.

Deliciosa asimismo la interpretación que realizaron PABLO MILANÉS y VÍCTOR MANUEL de este clásico.

La tecnología permitió juntar las voces de Cecilia y de JULIO IGLESIAS mucho después de que ella hubiera desaparecido.

En Latinamérica es conocida la versión de la BANDA EL MEXICANO.

CECILIA, bautizada en Madrid en 1948 como Evangelina Sobredo, tomó su nombre artístico de la canción homónima de Simon & Garfunkel. Por su condición de hija de diplomático hasta los diecisiete años reside en Inglaterra, Estados Unidos, Portugal y Jordania, y ello le permite recibir influencias musicales impensables en aquella época en la península como las de Bob Dylan, Joan Baez o Janis Joplin.

A su regreso a España comienza a estudiar Derecho, pero su contacto con Joaquín Díaz, Nacho Sáez de Tejada (Nuestro Pequeño Mundo) y Julio Seijas (La compañía – La charanga del tío Honorio) le llevaron a dejar la universidad y a centrarse en la música cantando en inglés y aires blues y folk con el grupo Expresión.

En 1972, con el apoyo de la multinacional discográfica CBS, comienza a mostrarnos su talento como compositora e intérprete. Alterna críticas contra la hipocresía de una determinada clase social con retratos de la España del momento, himnos de rebeldía feminista y denuncias sobre una forma de vida que se desmoronaba por momentos en los últimos años del franquismo.

Cuando se encuentra en su mejor momento creativo y era la indiscutible gran figura femenina de la música española, en 1976 fallece en un accidente de tráfico. Regresaba de una actuación en Vigo cuando en la pequeña población zamorana de Colinas de Trasmonte, cerca de Benavente, el vehículo en el que viajaba junto a sus músicos choca contra una carreta de bueyes sin luces a las seis de la mañana, un accidente propio de la España profunda de aquella época.

Le faltaban un par de meses para cumplir 28 años. Fatídica edad en la que muchos cantantes fallecieron. Por ejemplo, Amy Winehouse o Kurt Cobain.

Nos dejó su corta pero profunda obra, muestra perenne de su sensibilidad, su rebeldía, su protesta y sus composiciones inolvidables.

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