Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

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LETRA

Cuando la noche ha llegado
y la tierra está oscura
y la luna es la única luz que veremos
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

Si el cielo que vemos arriba
se derrumbara y cayera
o la montaña se desmoronase hacia el mar
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo,
estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

El éxito del vídeo de ‘Stand by me’, que valió a Johnson un Grammy y varios premios internacionales y que ha sido ya visto casi cien millones de veces en internet, hizo que se ampliara el repertorio con canciones como ‘War: No more trouble’, de Bob Marley; ‘Don’t worry’, de Pierre Minetti; o ‘Chanda mama’, de Ananda Giri y Enzo Buono.

En abril de 2009 las compañías Timeless Music Media y Concord Records apoyaron la iniciativa con la publicación de un dvd que contenía los clips de las canciones, un tráiler del documental Peace through Music y un vídeo acerca de la Fundación Playing for Change, junto a un cd con diez canciones.

El objetivo del proyecto multimedia fue crear una fundación para ayudar a los pobres en las zonas visitadas gracias al factor de unificación de la música independientemente de las diferencias culturales. Fueron elegidos intérpretes sin renombre de todo el mundo, que unieron sus talentos para crear una canción como ésta.

Con el dinero recaudado la fundación Playing for Change se dedica a la construcción de escuelas de música en todo el planeta. En 2008 se creó la primera (Ntonga Music School) en el barrio de Gugulethu, en las afueras de Cape Town, en Sudáfrica.

Luego surgieron siete centros más:
Bizung music and dance school, Tamale, Ghana
Ecole de musique de Kirina, Kirina, Mali
Tintale Village Teaching Center Tinatle, Nepal
Mitrata Nepal village Music Program, Kathmandu Nepal
The Hari Kul Music School, Kathmandu Nepal
Intore Culture and Music Center, Kigali, Rwanda

El penúltimo capítulo del movimiento Playing For Change ha sido el Playing For Change Band, que reúne a músicos extraordinarios procedentes del mundo entero, músicos que han viajado miles de kilómetros para encontrarse en un escenario y cantar juntos, el poder unificador de la música no deja lugar a dudas.

PLAYING FOR CHANGE actuó a principios de esta década en España, concretamente en el Palau valenciano. Allí dio muestras de su calidad y fortaleció su apuesta por el poder de la música para eliminar fronteras y solventar diferencias. Entonces integran la banda el talking drum Mohammed Alidu, la guitarra eléctrica de Llon Ba, los cantantes Clarence Bekker, Grandpa Elliott -ya fallecido- y Mermans Kenkosenki y Titi Tsira, que también se encargaban de la armónica y la percusión; el batería Peter Brunetta, la guitarra steel de Roberto Luti y el la guitarra acústica de Jason Tamba, además del bajista Reggie McBride.

Sin duda, es obligatorio ofrecer también el original ‘Stand by me’ de BEN E. KING.

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En ‘Without you’ Nilsson demuestra estar en posesión de una gran voz y su compromiso por todo lo que hacía, alterando totalmente el original, compuesto dos años antes por Pete Ham y Tom Evans, y producido por Geoff Emerick. El cambio resultó muy fructífero, porque Nilsson vendió todos los discos posibles y convirtió la balada en inmortal, en una de las mejores de todos los tiempos, mientras que Badfinger no logró ni dar a conocer este gran tema al imaginario popular.(...)
Read the rest of Harry Nilsson – Without you (Sin ti) (711 words)

‘Without you’ es tan lenta como efectista, gracias a unas simples escalas musicales que trasladan gran dramatismo. Nos recuerda que la vida de un miembro de una pareja no tendrá sentido sin la otra mitad. El amor se ha terminado y ya sólo queda un profundo lamento en forma de canción sencilla y envolvente. El dolor de las despedidas, que a veces es necesario e inevitable para emprender un camino nuevo, no puede describirse mejor.

Sin embargo, hay también quien cree que el mensaje va más allá de una relación de pareja, alcanzando al amor por un ser querido, un amigo, un padre, un hermano, un familiar… tras su fallecimiento.

LETRA

No, no podré olvidar aquella tarde de penuria
ni tu cara mientras te estabas marchando
Pero me pregunto si la historia estaba
escrita así o qué fue lo que pasó

Siempre sonreías pero por tus ojos
tu dolor se dejaba ver
Sí, era inevitable

Nunca podré olvidar aquella mañana
Cuando pensé en todos mis pesares
Cuando te tuve allí cerca de mí
pero permití que te arrancaran de mi lado.

Y ahora estoy en todo mi derecho
de dejar que sepa todo el mundo
lo que seguramente tú debiste de saber:
No puedo vivir si la vida es sin ti
se me va la fuerza, no puedo seguir ya más
¡No puedo vivir si me haces falta aquí
no puedo seguir, no puedo continuar ya no!

No, jamás podré olvidar esta pesadilla
ni tu cara mientras te estabas despidiendo.
Pero me pregunto si estaba esto escrito así o
fue el destino el que simplemente se equivocó.

Siempre voy con una sonrisa a la vida pero esta
vez el dolor se apoderó completamente de mi.
No puede ser
¡No puedo vivir si la vida no es contigo
siento que muero, no puedo seguir ya más!
¡Me falta el aire si me dejas solo en esta vida
no quiero vivir, no puedo levantarme ya no!

Nooo!!!!
No, así no puedo vivir
No me quedan ganas de seguir
No, ya no
No, no, no, no puedo
Siento que muero
Ya no puedo luchar más

Si la vida no es contigo
Para qué continuar
No puedo vivir, no puedo dar ya más
Se me va la vida también
No, ya nada importa
No quiero vivir de esta manera

VERSIONES

El propio Nilsson grabó ‘Without you’ EN CASTELLANO para el mercado hispano. No me atrevo a calificarla.

Para comparar nada mejor que la interpretación original de BADFINGER.

MARIAH CAREY aumentó la popularidad del tema en 1994, justo algo después del fallecimiento de Nilsson.

‘Without You’ fue también incorporado a su repertorio por otros artistas como la cantante Shirley Bassey, Cilla Black, la banda de rock americana Herat, Air Supply, Tito Nieves –en versión salsa– o Ronnie Aldrich with The London Festival Orchestra.

BIOGRAFÍA

HARRY NILSSON era natural de Brooklyn, donde nació en 1941. Tuvo una infancia dura porque se crió con la media hermana de su madre, que tenía problemas con el alcohol y económicos. Cuando tenía diez años se trasladó a California, donde vivió con su familia en un pequeño remolque, hasta que su madre fue encarcelada por firmar cheques sin fondoss.

Se tuvo que poner a trabajar en el Teatro Paramount, donde tuvo su primer contacto con la música gracias a los cantantes y grupos que allí actuaban. Conoció a John Marascalco y Phil Spector, para quienes escribió canciones siguiendo la influencia del rhythm and blues de artistas como Ray Charles y The Everly Brothers.

Su cita con el éxito se produjo con la canción ‘Everybody’s talkin’, tema central de la película ‘Cowboy de medianoche’.

Luego llegó ‘Without you’, que le reafirmó como gran promesa del pop estadounidense del momento. Su fama creció cuando los componentes de The Beatles dijeron que era su cantante favorito. John Lennon, incluso, le produjo un álbum en el que también participó Ringo Starr.

Pero Nilsson optó por permanecer en la sombra, quizá por el pánico a actuar en público que mantuvo toda su vida pese a ser un compositor e intérprete mayúsculos.

En los noventa su salud se deterioró y sufrió un ataque cardíaco en 1993. Un año más tarde murió por insuficiencia cardíaca en su casa de Agoura Hills, en California.

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Era una noche de finales del invierno del pasado año en París. Concretamente en el Teatro de la Ópera, donde la Compañía Nacional de Danza española actuaba por primera vez bajo la dirección de José Carlos Martínez, el coreógrafo y exbailarín estrella de la compañía estatal francesa.(...)
Read the rest of Fläskkvartetten – Innocent (627 words)

No soy amante del ballet. Es más, me confieso absolutamente ignorante sobre esa faceta artística. Sin embargo, el entorno y la belleza visual del espectáculo ‘Casi Casa’ me cautivaron. Mi éxtasis llegó cuando, en uno de los actos, de fondo sonó una melodía que entonces yo creí que salía de un violín, aunque luego descubrí que realmente era una viola. Desconocía el tema y también al autor. Sin embargo, tanto mi acompañante aquella noche como yo fuimos de inmediato absorbidos por aquella maravilla desconocida.

Lo primero que se me ocurrió fue recurrir a una aplicación telefónica para identificar el tema, pero el grandioso escenario me cohibió. Hubiera sido una grosería hacia el arte. Luego invoqué al departamento de prensa de la Compañía Nacional de Danza. Todavía sigo esperando su respuesta.

Finalmente, tuve que investigar por mi cuenta y al final acabé en la página web de la Compañía Nacional de Danza. No albergaba muchas esperanzas, pero en ella pude encontrar un pequeño fragmento de la interpretación con la canción desconocida como banda sonora. Entonces, ya sólo cómplice con mi ordenador, sí funcionó la aplicación telefónica. La melodía encandiladora era ‘Innocent’ y sus autores Fläskkvartetten.

El siguiente paso me llevó a Youtube y desde entonces he visitado la página de ‘Innocent’ cientos de veces. No puedo impedirlo. Soy adicto a esta composición, sobre todo en los momentos más taciturnos o solitarios.

No sabría cómo describir ‘Innocent’. Melancólica, seguro. Relajante, también. ¿Escandinava? Sin, duda. Pero su aparente frialdad transmite mucho calor, como la tundra en verano. Lo cierto, y triste en mi caso, es que esta composición lleva entre nosotros desde 1998 y la mayoría de los amantes de la música no la hemos descubierto hasta muchos años después. Tanto tiempo perdido sin disfrutar de una de las piezas musicales más hermosas que he conocido.

VERSIONES

En este espacio dedicado a la música hoy vamos a hablar mucho de danza. porque ‘Innocent’ ha sido, es y será utilizada hasta la saciedad en las grabaciones de videodanza.

Por ejemplo, la realizadora Julieta Rodríguez y los bailarines ABRIL GARAY y MATÍAS TELLO grabaron ‘Añoranza’ con la composición de Fläskkvartetten como parte musical.

‘Innocent’ se amolda incluso a un estilo de baile tan particular como el tango, como lo demostraron el pasado abril MURAT ERDEMSEL y SIGFRID VAN TILBEURGH en la ciudad siciliana de Catania.

RYAN CORDERO nos ofrece una interpretación acústica con guitarra

Aunque el nombre elegido sugiere que se trata de un cuarteto, FLÄSKKAVARTETTEN (Fleshquartet, en inglés) surgió como quinteto en la capital sueca, Estocolmo, a mediados de los años ochenta.

Mattias Helldén y Sebastian Öberg, con el cello; Örjan Högberg, con la viola; Jonas Lindgren, con el violín; y Christian Olsson, en la percusión; pronto se hicieron con un nombre en el panorama musical sueco. Sobre todo porque en 1987 una de sus composiciones fue elegida como sintonía de un informativo de la televisión. Ese año también comenzó su producción discográfica.

Sus obras han sido siempre bien recibidas por el público e incluso alcanzan la condición de muy populares gracias a que las han adornado con las voces de los principales cantantes del país. Además, no limitan su obra a composiciones clásicas, sino que también se introducen en el mundo del rock instrumental, dub, tecno y hasta los sonidos ambientales.

Pese a algunos cambios en la formación inicial, su carrera creció cada año y pronto traspasaron las fronteras de los países escandinavos, su inicial campo de expansión. Así, ya en los noventa se llevaron un premio Grammy, al tiempo que aportaron bandas sonoras a varias series de televisión y de cine.

En la actualidad, gracias a un prestigio mundial consolidado, Fläskkvartetten es reconocido por el público de todo el planeta y sostiene una sólida carrera.

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Por ejemplo, ¿a qué mujer no le gustaría ser una preciosa modelo, con un cuerpo estupendo, tener bonitas joyas y lujosos vestidos, asistir a fiestas maravillosas…? En fin, reinar en un mundo de cuento de hadas. ¿A qué hombre no le agradaría encarnarse en un gran deportista o en un profesional de prestigio, con un gran coche, y tener un éxito arrollador? Y viceversa, por supuesto. Es muy posible que a la mayoría.(...)
Read the rest of Alicia Keys – This girl is on fire (Esta mujer está en llamas) (1,266 words)

Sin embargo, a estas alturas ya sabemos que la vida no va de eso, sino que es otra cosa muy distinta para el común de los mortales. La vida va de vivir el día a día, con sus quehaceres cotidianos, su rutina, sus problemas, sus más y sus menos. Y aquí estamos todos, aguantando el tipo. Tomándonos la vida como viene, con más o menos resignación, según nos pille. Y según empieza una nueva jornada nos damos cuenta de que no hay más fiesta a la que ir que a la que nos tenga preparada el destino. Y al final, cómo lo tomemos depende de cada uno.

Esto vale tanto para ellas que para ellos. ¡Qué más da! Porque al final, hombre o mujer, todos soñamos y todos sentimos un fuego interior que nos hace brillar, aunque más tarde o más temprano todos nos enfrentamos a nuestra propia realidad.

Pero en el fondo, lo más bonito de todo ello, y también lo más difícil, es intentar brillar a pesar de todo y sacar fuerzas de flaqueza, sea cual sea la circunstancia. Alicia Keys lo canta maravillosamente en esta canción. ¡This girl is on fire’ retrata a una mujer que lleva una vida sencilla, doméstica y rutinaria. Se trata de una chica hacendosa, amorosa y normal.

Sin embargo, siente un fuego abrumador en su interior, un fuego que le da una fuerza enorme para impulsar su día a día y que le hace sentirse poderosa. Se ve a sí misma como una diosa maravillosa y este sentimiento es tan fuerte que le hace irradiar belleza, armonía y serenidad. Todo ello lo consigue gracias a ese fuego interior que todos tenemos y que, por desgracia, muchas veces notamos apagado.

La vida nos zarandea a capricho y nos lleva por caminos tan impredecibles y por circunstancias tan injustas que se nos funden los plomos. A veces sufrimos de ‘apagón’ interior, de letargo emocional, de tristeza o aburrimiento, y se nos hace cuesta arriba avivar nuestro pequeño fuego. Sin embargo, ser capaces de hacerlo es vital porque al final la vida es para vivirla y disfrutarla con intensidad. Para brillar con toda la luz que seamos capaces de irradiar. Esto es precisamente lo que Alicia Keys trata de decirnos con esta canción.

‘This girl is on fire’, que fue lanzado en 2012, es un himno a las personas sencillas que tienen la suficiente sabiduría como para saber disfrutar de las pequeñas cosas y brillar con esplendor en cada cosa que hacen.

Es simplemente una chica y está que arde
más sexi que una fantasía
solitaria como una autopista
vive en un mundo que arde
lleno de catástrofes, pero ella sabe que puede irse volando

Oh, ella tiene ambos pies en la tierra
y la está quemando
oh, ella tiene la cabeza en las nubes
y no va a regresar

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Parece una niña, pero ella es una llama
tan brillante que puede quemar tus ojos
mejor mirar para otro lado
puedes intentarlo, pero nunca olvidarás su nombre
ella está en la cima del mundo
la más sexi de las sexis

Oh, ella tiene ambos pies en la tierra
y la está quemando
oh, ella tiene la cabeza en las nubes
y no va a regresar

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Todo el mundo para cuando ella pasa
porque pueden ver la llama que hay en sus ojos
la ven como si iluminase la noche
nadie sabe que es una chica solitaria
y es un mundo solitario
Pero la va a desar que se queme, cariño

Esta chica está en llamas
esta chica está en llamas
ella está caminando sobre fuego
esta chica está en llamas

Oh, oh, oh …
es simplemente una chica y está que arde

VERSIONES

Maravillosa la revisión que hizo de la alemana NICOLE CROSS en 2013.

Más floja en mi opinión la visión que la norteamericana PINK llevó a cabo en vivo en 2012.

http://www.youtube.com/watch?v=ZnBWyqCZ9Vs

Sorprendente la interpretación de la también norteamericana TAYLOR SWIFT en 2013, otra artista muy galardonada en los premios Grammy, al igual que Alicia Keys.

Esta interpretación incluida en la serie de televisión ‘Glee’, de 2013, tampoco se queda atrás. La cantaba una actriz que responde al nombre de SANTANA. Evidentemente no tiene nada que ver con el genial guitarrista mexicano.

De esta preciosa canción se han hecho muchas revisiones en concursos de talento musical. He aquí una de las más llamativas. La firmó en 2014 ALEXA dentro del certamen ‘La Voz’ de Australia.

Alicia Augello Cook, conocida artísticamente como ALICIA KEYS, nació en Nueva York en 1981. Fue una alumna aventajada y ya a la edad de siete años comenzó a tocar el piano, iniciándose en el estudio de compositores como Beethoven, Mozart y Chopin. A los 12 se matriculó en la Professional Performing Arts School de Manhattan, donde destacó como corista y empezó a componer sus primeras canciones.

En 1994, Alicia conoció a Peter Edge, de Arista Records. Sobre sus primeras impresiones acerca de ella, Edge declararía más tarde: «Nunca antes había visto a una artista de su edad con tanto talento musical. Había mucha gente que participaba como coro en bucles o canciones, pero ella tenía la capacidad no sólo de adaptarse al hip-hop, sino de ir mucho más allá».

Alicia firmaría con Columbia Records poco después. Sin embargo conflictos de sus representantes con la discográfica llevarían finalmente al fin de su contrato. Alicia se puso entonces en contacto con Clive Davis, –el descubridor de Whitney Houston años atrás– y en 2001 lanzó ‘Songs in A minor’, con el que consiguió cinco premios Grammy.

En 2004, su dueto con el cantante Usher para el tema ‘My boo’ le valió ocho nominaciones a los premios Grammy 2005, ganando en tres temas por material del álbum y en una por ‘My boo’. Cabe destacar la nominación de ‘If I ain’t got you’ como canción del año y del álbum como disco del año, dos de las más importantes categorías de los galardones.

En octubre de 2005 se lanzó a la venta el disco ‘Unplugged’, que debutó en el número 1 de ventas de Estados Unidos convirtiendo a Keys en la primera cantante femenina que consiguió llegar hasta lo más alto de las listas con tres álbumes consecutivos. Le valió. Además, cuatro nominaciones a los Grammy 2006.

Keys también grabó el dueto ‘Keep a child alive’ junto a Bono, de U2, para ayudar a la organización contra el sida, de la cual ella es portavoz mundial. El tema es una versión de ‘Don’t give up’, de Peter Gabriel, y fue rebautizado por Keys y Bono como ‘Don’t give up (África)’. Su siguiente disco, ‘As I am’, se publicó en 2007 y le otorgó el premio Billboard Pop 200.

En 2008 grabó la canción ‘Another way to die’ a dúo junto con Jack White para la película ‘Quantum of solace’, de la saga cinematográfica de James Bond. Este trabajo se vio envuelto en polémica porque fue elegido a costa de descartar una canción de Amy Whitehouse, quien anunció que publicaría su tema para demostrar que era superior al elegido.

Alicia Keys suma a la fecha veinticuatro nominaciones a los Grammy, doce de ellos ya los tiene bajo el brazo. Además, cuatro de sus álbumes han sido número uno en Estados Unidos desde su debut en el Billboard 200, honor que comparte con Britney Spears.

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Nunca de ninguna boca masculina saldrá una afirmación que realmente haga justicia o se acerque a saldar la gran deuda que los hombres tenemos con vosotras. Por supuesto, yo ni lo intento. Me confieso incapaz de trasladar a un folio en blanco la admiración que siento hacia la mujer. Bien sea pareja, abuela, madre, hermana, hija, compañera de trabajo, amiga, vecina… Siempre ellas han hecho más por nosotros que nosotros por ellas.(...)
Read the rest of Ricardo Arjona – Mujeres (1,220 words)

Por mi ineptitud me veo obligado a recurrir a una canción para expresar sentimientos. La música siempre ha sido para mí un reducto y una herramienta de transmisión de ideas, sensaciones, afectos, amores y hasta odios. Hoy cojo prestado un tema del guatemalteco Ricardo Arjona para exportar desde mi corazón un sincero afecto hacia toda la población femenina.

Con ‘Mujeres’, Arjona y yo queremos esculpir una ofrenda a ese ser de perfecta armonía que responde a nombres como Susana, Gloria, María, Marta, Paula, Esperanza, Guadalupe, Maider, Itziar, Amaia o cualquier otro que podemos encontrar en el nomenclátor femenino. El cantautor traslada en forma de música y palabra algo que otros pensamos, pero no sabemos expresar. Él y yo creemos que la mujer es la primavera de cada hombre, la semilla que tanto genera vida como siembra alegría, la luz que marca nuestro camino y el único ser que nos hace soñar y nos devuelve a la realidad al mismo tiempo.

‘Mujeres’ nos llegó en 1992 y pronto se convirtió en uno de los temas más escuchados en el universo sonoro hispanoparlante. Incluso alcanzó el disco de oro en Estados Unidos. Desde entonces es un tema recurrente para conmemorar el Día Internacional de la Mujer en los países latinoamericanos. Es España es menos utilizado, quizá porque es menos conocido.

Describe con gran acierto a las mujeres, siempre desde el prisma óptico masculino, y con ritmo tranquilo trata de plasmar el agradecimiento, el cariño y la adoración que los hombres sentimos por ellas. Porque ellas son Luna y Sol para nosotros, agua y fuego, esencia del alma, misterio, razón de amar… Sólo sus dulces miradas, el brillo que irradian sus ojos y la frescura de sus sonrisas pueden provocarnos descanso, esa pausa similar a la que nos produce el mar cuando lo miramos desde la orilla. Basta una palabra, un abrazo y una caricia para hacernos olvidar el dolor.

Pero, desgraciadamente, un día como hoy también hay que admitir que no siempre nos comportamos con las mujeres como debemos. Son muchas las mentiras que han oído de nuestros labios, son demasiados los maltratos, las manipulaciones… Entre los imperdonables defectos masculinos también hay que reconocer que con excesiva frecuencia no las valoramos, no las respetamos, las humillamos y las desvalorizamos por su condición femenina.

Es de ineptos negar que la mujer es el principal icono de todos los ámbitos de nuestra sociedad, donde han demostrado que tienen un lugar bien ganado, al mismo nivel que los hombres. Es también de ciegos no reconocer su fortaleza, su pureza, su constante lucha por el hogar y su brillantez. Ellas pelean por lo que aman. A veces cansadas, pero nunca vencidas. Si se caen se levantan, mientras nosotros lamentamos nuestra desgracia… en el suelo.

Porque en pleno siglo XXI aún existe machismo y muchas derraman sangre y vida para luchar por la igualdad. De eso nos debemos avergonzar todos los hombres. Pensad cómo sería el mundo sin la mujer. No tendría sentido. Constituyen la mejor excusa para vivir en este planeta.

LETRA

No sé quién las inventó
no sé quién nos hizo ese favor
tuvo que ser Dios
que vio al hombre tan solo
y, sin dudar, pensó en dos
en dos

Dicen que fue una costilla
hubiese dado mi columna vertebral por verlas andar
después de hacer el amor hasta el tocador y sin voltear
sin voltear, sin voltear

Y si habitaran la Luna
habría mas astronautas que arenas en el mar
más viajes al espacio que historias en un bar
en un bar, por qué negar
que son lo mejor que se puso en este lugar

Mujeres, lo que nos pidan podemos
si no podemos no existe
y si no existe lo inventamos por ustedes
mujeres, lo que nos pidan podemos
si no podemos no existe
y si no existe lo inventamos por ustedes

Mujeres
qué hubiera escrito Neruda
qué habría pintado Picasso
si no existieran musas
como ustedes

Nosotros con el machismo, ustedes al feminismo
y al final la historia termina en par
porque en pareja vinimos y en pareja hay que terminar
terminar, terminar

VERSIONES

La gran cantante mexicana THALIA grabó en 2009 su propia visión del tema. Sinceramente creo que no es una composición nacida para una voz femenina. Pero es cuestión de opiniones.

Su compatriota Manuel MIJARES, a mi entender, lo hizo mejor el mismo año.

Arjona ofrece lo mejor de su talento EN DIRECTO.

El cantautor ecuatoriano SEICH intentó lanzar su carrera con un cóver de ‘Mujeres’. ¿Le falta algo de garganta?

Mejor me parece la revisión firmada por el salvadoreño JUAN PABLO ARRIETA. Imita a Arjona aunque tiene suficiente voz como para cantar con su propio estilo.

Edgar RICARDO ARJONA remarca cada día que es guatemalteco (Jocotenango, 1964). Se ve obligado a hacerlo porque son muchos –sobre todo en España– los que están convencidos de que nació en México. Hijo de un profesor, desde muy joven recibió formación musical y ya a los veinte años se lanzó al mundo del disco, pese a que también destacó en el baloncesto, deporte en el que formó parte de la selección nacional. En los escenarios, no obtuvo la repercusión que esperaba y optó por emigrar a Argentina para trabajar en otros campos, sobre todo en la enseñanza.

Pero estaba predestinado y poco después regresó a su mundo, el de la música, donde, desde entonces ha destacado como compositor y cantante. En 1988, Arjona representó a su país en el Festival OTI y el escaparate que suponía el gran concurso de la canción latinoamericana le hizo popular en todo el continente.

Las producciones discográficas fueron apareciendo con continuidad y con éxito. Temas como ‘Jesús, verbo sustantivo’, ‘Por eso te quiero’, ‘A la luz de la luna’, ‘A la hora del recreo’… fueron forjando un prestigio que se disparó en 1993 con su LP ‘Animal nocturno’, que incluía ‘Mujeres’.

Luego siguieron obras como ‘Historias’, ‘Si el norte fuera el sur’, ‘Historia de un taxi’, ‘Sin daños a terceros’, ‘Poquita ropa’ o la archiconocida ‘Desnuda’, que conforman un repertorio muy completo. Al mismo tiempo obtuvo discos de oro, platino o de diamante, premios ASCAP, Billboard o Grammy –entre otros– y doce millones de discos vendidos jalonaron una trayectoria digna de admiración.

Arjona, que ha dedicado gran parte de su andadura a alabar a la mujer, se vio salpicado por la sombra de la duda durante el proceso de divorcio de su esposa Leslie Torres. Ambos protagonizan una de las separaciones más escandalosas del mundo musical latinoamericano, con acusaciones de violencia y drogadicción.

«El me ha amenazado con frases como ‘te voy a matar’, ‘te odio’, ‘te voy a tirar por el balcón para estar solo con mis hijos’, ‘haré que te mueras de hambre’ o ‘te voy a cortar la cabeza’». «Me ha cacheteado, empujado, pateado, agarrado por el pelo, además de tirarme en la ducha completamente vestida y abrir el agua fría», aseguró ella, según el acta de divorcio publicado por la prensa del corazón.

Arjona, por su parte, acusó a su exmujer de ser «incapaz física, mental y emocionalmente» para mantener la custodia de sus dos hijos. Y fue más allá. «Desde mediados de 1999 ha incurrido en el consumo extremo de alcohol y drogas…», dijo en su denuncia.

La resolución judicial fue favorable a ella.

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Lo cierto es que la película dirigida por James Cameron sí ha sido la más taquillera de la historia del cine, siendo premiada con once Oscar por la Academia de Hollywood. Su tema musical estrella logró una popularidad similar.(...)
Read the rest of Celine Dion – My heart will go on (Mi corazón seguirá latiendo por ti) (Titanic) (2,112 words)

Al margen de las diferentes opiniones, lo que sí es cierto es que la obra interpretada originalmente por Celine Dion sí ha superado a sus antecesoras a la hora de trasladarse de la gran pantalla a bodas, funerales, días de los enamorados, karaokes, anuncios comerciales, nanas, sonidos relajantes, fondos musicales para hacer el amor… Vale para todo. Para todo sirve como banda sonora.

Nos encontramos ante la canción ideal para aquellos que siempre han soñado con un amor de película. A ellos, seguramente, ‘My heart will go on’ les marcó la vida. De hecho, desde aquel 8 de diciembre de 1997, cuando se lanzó el single en la esfera anglosajona, la cantante canadiense de origen francés se convirtió en Afrodita, la diosa del amor. Su voz ensoñadora consiguió entrar en los corazones de millones de personas.

La apreciación no es gratuita. Viene refrendada con los fríos datos que arrojó el mercado discográfico, que convirtió a Celine Dion en la mujer que prestó su timbre al single más vendido del año. Con el tiempo, llegó a ser uno de los más difundidos de todos los tiempos. Se contabilizaron quince millones de copias dando vueltas por todo el planeta. Es, por lo tanto, la canción interpretada por una mujer que consiguió mayor repercusión. Asimismo, está incluida en la lista de composiciones más importantes del siglo XX realizada por la Asociación Americana de la Industria Discográfica y por la Academia Nacional de las Artes estadounidense.

Los hit-parade también se rindieron a su talento. ‘My heart will go on’ alcanzó el número uno en Estados Unidos, Reino Unido, Suiza, Francia, Alemania, Holanda, Suecia, Bélgica, Dinamarca, Italia, Noruega, Irlanda, Australia, Austria, Grecia, Irlanda, Finlandia y, naturalmente, España. En todos permanceció en cabeza durante semanas. Asimismo fue elegido disco del año en Bélgica, Holanda, Suecia y Suiza.

También llovieron galardones. El tema se hizo con un Oscar, un Globo de Oro y cuatro premios Grammy –disco del año, canción del año, mejor interpretación femenina y mejor tema escrito específicamente para una película o televisión–.

La obra compuesta por James Horner y dotada por Will Jennings de una letra arrebatadora, sin lugar a dudas se ha erigido con justicia como uno de los temas cinematográficos más populares de todos los tiempos. Se puede afirmar sin riesgo de error que ya forma parte de la cultura musical universal. Pocos serán los mortales que no sean capaces de identificarla nada más escuchar sus primeros acordes.

La clave de su capacidad de adicción radica, en gran medida, en los arreglos y en una melodía que cautiva de manera instantánea. Si a ello se une la interpretación de Dion, esta obra queda enmarcada en un ambiente atrapante. Sus productores –Simon Franglen, Horner y Walter Afanasieff– lograron ensamblar todas las piezas de un proyecto irrefrenable.

Pero no todo surgió como estaba previsto. La idea original de Horner –fallecido el pasado verano en un accidente de avión– no contemplaba que ‘My heart will go on’ fuese el tema principal de la banda sonora de ‘Titanic’. De hecho, su intención primitiva era utilizar la melodía como el instrumental que adornara algunas de las escenas. Fue la calidad de la letra escrita por Will Jennings la que convenció al compositor.

Tampoco hubo acuerdo a la hora de elegir la intérprete. Tras debatir sobre diferentes nombres, finalmente la discusión se acotó a Whitney Houston, Toni Braxton y Céline Dion. Las dos primeras no estaban disponibles por aquellas fechas y fue Dion quien se convirtió en ‘la voz’ de ‘Titanic’.

Sin embargo, cuando escuchó el tema en un sólo de piano a manos de Simon Franglen, la francocanadiense tampoco quiso registrar la partitura compuesta por Horner. Al final fue su manager y esposo, Rene Angelil, recientemente desaparecido, quien la convenció para grabarla en el estudio The Hit Factory, de Wallyworld, en Nueva York.

«Gracias a Dios que nadie me hizo caso en ese momento. La verdad es que, en un principio, no me gustaba la canción. No estaba segura», aseguró Dion en una entrevista concedida a un programa de la BBC. «Anteriormente había probado con otro tema para una película y la experiencia no fue buena. Pensé que era forzar la situación, pero mi esposo me motivó a hacer por lo menos un demo, que terminó siendo el tema de ‘Titanic’. Luego la he vuelto a cantar unas tres millones de veces. Es un bonito problema formar parte de un clásico y saber que vas a morir con él», dijo con tono irónico.

Quedaba por superar la traba del director de la película, James Cameron, nada partidario de que una canción sonara en los créditos finales. Temía las críticas por comercializar el final del filme. Pero él también cayó rendido ante la interpretación de Dion, quien alcanza graves que no sonarían tan mundanas en una soprano y agudos que logran resonancia sin apenas esfuerzo. Todo gracias a su excelente técnica vocal que podemos ver en el vídeoclip oficial dirigido por Bille Woodruff y que combina imágenes de ‘Titanic’ con la interpretación de Celine Dion.

La voz de la diva canadiense fue el complemento perfecto para una melodía que contenía elementos de música celta inspirados en la canción ‘Flying dutchman’ de Jethro Tull, sonidos orquestales y tonos de sintetizadores, sin olvidar la magistral inserción de los coros.

LETRA

Cada noche que pasa en mis sueños te veo,
te siento allí conmigo,
así es como sé que no me has abandonado

Más allá de los límites de la distancia
y espacios incomprensibles que nos separen,
has venido a mostrar que no existen barreras

Cerca, lejos, dondequiera que te encuentres,
creo que el corazón sigue latiendo.

Una vez más, llegas cruzando esos obstáculos
y te encuentras aquí dentro llenando mi pecho
y mi corazón te seguirá amando sin descanso

El amor puede tocarnos una sola vez en la vida
y acompañarnos por el resto del trayecto,
y jamás dejarnos hasta el fin de nuestro camino
El amor estaba presente cuando me entregué,
un tiempo de la realidad al que sigo aferrada,
y mientras tenga vida siempre seguiremos así

Vivo, o en el más allá, dondequiera que estés,
creo que al corazón no le importa eso para amar
(A qué se deberá que el corazón se comporte así)
Una vez más, en mis sueños despiertas mi fuego
y sigues aquí dentro de mis entrañas clavado,
y mi ávido corazón no se cansa de resguardarte

¡Amor estás aquí, no hay nada que temer,
porque sé que mi corazón seguirá encendido!
¡Nos mantendremos juntos, así para siempre!
¡Sabes que ocupas un lugar seguro en mi ser,
y mi corazón nunca se cansará de amarte!

La letra, aparentemente, nos relata un episodio de amor. Pero, si interpretamos algunas de las expresiones, podemos llegar a pensar que en el fondo ‘My heart will go on’ trata también de la soledad, del dolor que provoca un sentimiento que persiste y hace referencia a alguien que ya se fue. Sólo el corazón mantiene lo contrario. Su autor, Will Jennings, confesó que la había escrito desde «el punto de vista de alquien que ya en la vejez mira hacia atrás buscando revivir su pasado».

DISCREPANCIA CON KATE WINSLET

La sobrexposición soportada por ‘My heart will go on’ ha llegado a saturar los oídos de muchos amantes de la música popular. Es lo que le ocurrió a Kate Winslet, protagonista de ‘Titanic’ junto con Leonardo di Caprio. La actriz declaró hace unos años que estaba hastiada de escuchar la canción principal de la banda sonora de la película.

«Me encantaría poder decir: ‘¡Escuchen todos! ¡Es la canción de Celine Dion!’, pero no puedo. Simplemente me siento mal, me pongo seria e intento ocultar mi fastidio. Creo que no debería confesar este tipo de cosas, pero es cierto, cada vez que la oigo, siento ganas de vomitar. Dios te bendiga, Celine, pero realmente la canción me tiene harta”, afirmó Winslet.

Algunos medios de comunicación aprovecharon sus palabras para intentar generar una polémica entre la británica y Celine Dion. Pero la francocanadiense demostró estar dotada de un gran saber estar y se limitó a asegurar que ‘My heart will go on’ le dio la oportunidad de unirse «a un clásico que vivirá para siempre. Si contara las veces que la he cantado, quizá también me pondría enferma, pero sigo orgullosa de cantarla». Sobre Winslet añadió: «Si Kate se pone mala y siente ganas de vomitar cuando la escucha, me alegro de que no sea ella la que la tiene que cantar».

ANÉCDOTA

Cuando el crucero ‘Costa Concordia’ se estrelló contra las rocas en la isla italiana del Giglio el 13 de enero de 2012, con el fatal desenlace de la perdida de una treintena de vidas, en la fiesta que se celebraba a bordo en el momento del accidente sonaba ‘My heart will go on’. Faltaban tres meses para el centenario del hundimiento del ‘Titanic’.

VERSIONES

Auténtico delicatessen es la interpretación del violinista ANDRÉ RIEU. Aquí podemos verlo en un concierto ofrecido en Montenegro.

La grecogermana VICKY LEANDROS grabó en 1998 ‘My heart will go on’ en alemán, con el título ‘Weil mein herz dich nie mehr vergisst’.

KENNY G. firmó una visión instrumental de la balada basada en su tradicional saxofón y en el violín.

El grupo mexicano GUARDIANES DEL AMOR interpretó en castellano el tema que analizamos hoy. Bajo el título de ‘Mi corazón continuará’ la publicó en 2004.

Los cuatro cantantes de IL DIVO unieron sus voces para interpretar la canción en italiano. ‘Il mio cuore va’ salió al mercado en 2012 con gran repercusión.

BIOGRAFÍA

Céline Marie Claudette Dion será identificada con ‘Titanic’ el resto de, esperemos, su larga vida. Es más, muchos de sus actuales seguidores no conocen apenas nada de su trayectoria anterior. Su condición de diva y el hecho de haber vendido cien millones de álbumes en todo el mundo podrían eclipsar los primeros pasos de esta mujer nacida en Charlemagne, Quebec, el 30 de marzo de 1968.

Es la pequeña catorce hermanos. Su madre era violinista, condición que marcó el acercamiento a la música de la posteriormente estrella. De hecho, junto al resto de la familia, conformaba una banda que tocaba en clubes locales durante los fines de semana. En ella debutó como cantante a los 5 años.

A medida se cumplía años se afianzaba su voz y aprendía a controlar los tonos graves y agudos. Fue descubierta a los catorce, gracias a un tema compuesto por su madre y su hermano Michael. Grabó una maqueta, que fue enviada por correo a una dirección que encontraron en la parte de atrás de un disco del cantante francocanadiense Ginette Reno.

El cassette llegó a manos de René Angelil, quien más tarde se convertiría en mánager y marido de Celine. Éste quedó tan impresionado por su voz que la contrató para lanzar su primer álbum. Angelil incluso tuvo que hipotecar su casa para financiarlo. Se erigió como su Pigmalión y desde entonces se dedicó en exclusiva a convertirla en una estrella. Corría el año 1981.

El LP hizo que el público canadiense conociera el talento de Celine Dion. Los trabajos que llegaron a continuación, también interpretados en francés, la dotaron de reputación y la llevaron a ganar numerosos premios. Viajó a Japón, cantó para el Papa Juan Pablo II cuando visitó Montreal en 1984 y representó a Suiza en la edición de Eurovisión de 1988, imponiéndose en el certamen.

Su definitivo lanzamiento internacional tuvo lugar en 1990, cuando publicó su primer álbum en ingles. Este plástico supuso realmente el comienzo de la gran carrera de Dion que hoy conocemos. Un año más tarde interpretó la canción de la película de Disney ‘La bella y la bestia’, que le abrió las puertas de Hollywood y, desde entonces, ha sido habitual su presencia en las bandas sonoras de las grandes producciones cinematográficas.

El paso definitivo hacia la fama lo dio gracias a ‘The power of love’, tema que popularizó en 1985 Jennifer Rush y que Celine Dion versionó en 1993. Desde entonces era ya la diva que todos admiramos. ‘Falling into you’ (1996) la hizo conquistar todos los mercados y un Grammy. Tenía ganas de tomarse un descanso, pero su discográfica le urgió a grabar ‘My heart will go on’, cuyas ventas llegaron a producir 65 millones de dólares.

Desde entonces nada ha sido igual. Su popularidad ha traspasado todas las fronteras de lo imaginable. Pese a ello, sus trabajos no han bajado de calidad y sigue mostrando su profesionalidad, tanto en los estudios de grabación como en los escenarios. Su voz, grande, trágica y potente, y la inteligente selección de los temas garantizan el mantenimiento de su alto nivel durante muchos años.

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Por lo tanto, el primer paso como solista debía ser firme. Habían pasado cinco años de barbecho y era preciso comenzar con fuerza. Para ello se necesitaba dar el aldabonazo desde la primera canción. La madrileña eligió para esa apuesta ‘A contratiempo’, que precisamente trata sobre la soledad. Con ella se encaramó hasta el primer puesto de las listas en España y México, colándose incluso en el Billboard estadounidense. Las enormes expectativas creadas se cumplieron en ventas y crítica.(...)
Read the rest of Ana Torroja – A contratiempo (927 words)

Hasta conseguirlo hubo un largo trabajo previo en estudios de grabación de Londres, donde los productores jugaron con medios tiempos y arreglos orquestales, siempre bajo la influencia del romanticismo latino.

La letra especula sobre el silencio como la peor de las soledades, la de alguien que no puede discernir si es el primero quien nos lleva a la segunda o al contrario. Lo cierto es que nos falta alguien, ese alguien al que antes tuvimos y al que ahora tanto echamos de menos. Ahora somos pequeños ante la inmensidad de su ausencia.

El silencio nos taladra el cerebro y el recuerdo nos corroe porque, por mucho que lo intentemos, no conseguimos recordar los defectos del que nos falta. Ahora, tras el paso del tiempo, aquellas imperfecciones que para nosotros eran insoportables no parecen ser tantas ni tan graves. Una reflexión tan bella como triste.

En definitiva, Ana Torroja nos habla de la tristeza que produce el desamor y del infinito dolor que provoca el recuerdo de lo que alguna vez fue y ahora ya no existe. Un recuerdo recurrente que, pese al daño que nos produce, recuperamos una y otra vez mientras que el corazón cicatriza.

Este himno a la melancolía ha deprimido a muchos que lo han escuchado. O, quizá fue al contrario. Tal vez estaban deprimidos y en esta canción se han visto retratados aquellos que vieron como naufragaba una relación que creían insumergible, eterna y duradera.

El tiempo ha pasado y creíamos que aquel amor había sido olvidado sin dejar huella, pero, de pronto, un día volvemos a mirar aquellas fotos y, a contratiempo, rebrotan viejas sensaciones.

LETRA

Vaya por Dios
que tonta estoy
se me ha vuelto a escapar
el alma por la puerta

Podría ser que he vuelto a ver
quizá fue sin querer
aquellas cartas viejas

Vaya por Dios
que tonta estoy
se me ha vuelto a llenar
el corazón de lluvia

Podría ser que he vuelto a ver
quizá fue sin querer
aquellas fotos tuyas

Y cae la tarde
y dan ganas de llamarte
la soledad es una estación
de madrugada
un beso al viento
una canción desesperada

No sé si fue una buena idea
el decir adiós
y es que uno no es bastante

Ir a mirar desde el balcón
como se esconde el sol
ya no es lo mismo que antes

Por mucho que intento
no recuerdo tus defectos
la soledad es una estación
de madrugada
un beso al viento
una canción a contratiempo

Hemos quedado hoy a las diez
vuelve a latir mi corazón
como la primera vez
y a contraluz me rindo al temblor de tus deseos
y la humedad impone su ley a contratiempo

‘A contratiempo’ no es una obra original de Ana Torroja. Realmente se trata de una canción compuesta por la cantautora estadounidense Bonnie Hayes, que la publicó un año antes que la madrileña con el título de ‘Bottomless’ (Sin fondo). La exvocalista de Mecano la adaptó con la ayuda de Nico Yustas, un habitual colaborador de la exMecano.

VERSIONES

Mecano tuvo mucha aceptación en Francia y Torroja no quiso desaprovechar esa circunstancia. Por ello, también realizó una edición de ‘A contratiempo’ PARA EL MERCADO GALO. Se conoció como ‘Les murs’ (Las paredes).

El tema que hoy hemos analizado no faltó en el repertorio del tour que Ana Torroja compartió CON MIGUEL BOSE en 2000 como el nombre de ‘Girados’.

También BETTE MIDLER se fijó en ‘Bottomless’ para incorporarla a su repertorio. Por extraños intereses de la discográfica que ambas compartían, la grabó en 1995, incluso antes de que lo hiciera su autora, Bonnie Hayes.

El italiano HESTEBAN, cantando en falsete, también nos dio su visión de ‘A contratiempo’.

ANA TORROJA (Madrid, 1959) jamás podrá alcanzar el éxito que cosechó cuando formaba parte de Mecano, pero su carrera en solitario es también consistente y se prolonga ya durante casi dos décadas. Desde aquel 1997 hasta la actualidad han emergido media docena de álbumes de calidad y canciones bien recibidas por sus seguidores como la mencionada ‘A contratiempo’, ‘Cómo sueñan las sirenas’, ‘Partir’, ‘Ya no te quiero’, ‘Veinte mariposas’, ‘No me canso’, ‘Sonrisa’, ‘Tu habitación helada’, ‘Corazones’ (junto a Miguel Bosé), ‘Duele el amor’ (con Aleks Syntek), etcétera.

El caminar de su segunda etapa musical ha estado siempre presidido por la necesidad de ofrecer al público algo diferente al estilo Mecano. Por ello, incluso ha dado un toque diferente a las canciones que heredó en el reparto de temas del trío. Sus nuevas obras bebieron de inspiraciones latinas y cosmopolitas, con sabor a cumbia, un experimento en busca de una nueva identidad que se vio premiado con el éxito. Encontró su nuevo sitio con compositores y productores americanos.

Pero no se conformó y se lanzó también a la conquista de Europa, penetrando en el mercado francés, sin que obtuviera demasiada repercusión. Por ello, se vio obligada a regresar a sus orígenes como solista, con la vista puesta en España y Latinoamérica, y apoyada en una propuesta pop más genuina. Fue entonces cuando se consolidó y obtuvo nominaciones y premios, como el Grammy latino.

Luego llegó su hija Jara y nuevas giras en las que recuperó canciones de Mecano, aunque, con sonido muy diferente al original. Desde entonces no ha parado y se ha involucrado en proyectos dispares, incluidas colaboraciones con ONGs. En el camino han quedado también algunos problemas con el físco y un grave accidente de tráfico, todo ello superado con una fortaleza que le permite seguir en los escenarios con la misma intensidad que el primer día.

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Preciosa balada, sin duda. Grandiosamente interpretado por la increíble paleta de colores de la voz de Sinead O’Connor, este tema escrito por el polifacético artista norteamericano Prince llegó al número uno en medio mundo allá por 1989.

Vendió millones de copias y recibió varios discos de platino, además de sumar cuatro nominaciones a los Grammy, ganando el de mejor álbum de música alternativa. Sin embargo, Sinead se negó a aceptar el premio argumentando que le fue concedido por su éxito material. «Los Grammy se dan al disco que más ha vendido, pero no al mejor artísticamente hablando. No me interesan. No quiero tomar parte en nada que anime a la gente a creer que el éxito material es importante, especialmente si eso representa que te has de sacrificar personalmente para obtenerlo», dijo.(...)
Read the rest of Sinead O'Connor – Nothing compares to you (Nada es comparable a ti) (790 words)

‘Nothing compares to you’ sacó del anonimato y catapultó a la pasional cantante irlandesa hasta la élite de las intérpretes melódicas de su generación. No ocurrió lo mismo a mediados de los ochenta con el grupo funk The Family, el personal de Prince. La grabaron sin conseguir ninguna repercusión. No obstante, el éxito de la irlandesa fue de tal tamaño que hasta la propia estrella estadounidense la recuperó para sus conciertos. Su composición estaba dedicada a la actriz Susannah Melvoin.

Con una lágrima en la mejilla, Sinead nos dijo que nada es comparable a ti. A ti que te has ido, a ti que no vas a volver, a pesar de que ella lo deseaba como nada en su vida aunque era consciente de que las segundas partes nunca han sido buenas. Nada cambia. Si la primera vez fracasó el amor, la segunda no reverdecerá. La empatía que no triunfó al principio, no lo hace al final.

Dicen que esta canción tenía destinatario: quien fuera la expareja y manager de la artista, Fachtna O’Kelly, posteriormente colaborador de Enya. La voz absolutamente mágica de la irlandesa derrama tristeza en todas las estrofas, dotándolas de un realismo tan especial como desgarrador. Su versión es sobrecogedora gracias a estar dotada de un aire más nostálgico proporcionado por el arreglo musical.

El vídeo promocional no baja ningún escalón de calidad con respecto a ‘Notihing compares to you ‘. Consistía básicamente en un plano de acercamiento a su rostro, por el cual al final rodaban un par de lágrimas mientras cantaba ‘Todas las flores que plantaste, mamá, murieron cuando te fuiste’, en referencia a la compleja relación que había tenido con su madre, muerta en un accidente de tráfico.

Han pasado siete horas y quince días
desde que te llevaste tu amor
Salgo todas las noches y duermo todo el día
desde que te llevaste tu amor

Desde que te fuiste puedo hacer lo que quiera
Puedo ver a quien yo elija.
Puedo cenar en un restaurante caro

Pero nada,
dije nada, puede quitar esta tristeza
Porque nada se compara,
nada se compara a ti

Ha sido tan solitario sin ti aquí,
como un pájaro sin una canción
Nada puede detener estas lágrimas solitarias que caen

Dime, cariño, ¿en qué me equivoqué?
Podría abrazar a todos los chicos que veo,
pero sólo me recordarían a ti.
Fui al médico, ¿adivina que me dijo?,
¿adivina que me dijo?

Dijo, querida, deberías divertirte,
no importa lo que hagas,
pero él es un tonto
Porque nada se compara,
nada se compara a ti

Todas las flores que plantaste, amor,
en el jardín,
todas murieron cuando te fuiste
Sé que vivir contigo, cariño, a veces fue difícil
Pero estoy dispuesta a intentarlo una vez más

Porque nada se compara,
nada se compara a ti

VERSIONES

La interpretación de PRINCE poco tiene que ver con la de O’Connor.

Tampoco la que grabó THE FAMILY en su disco.

http://youtu.be/NgKv8KNSgbE

El norteamericano de Seattle CHRIS CORNELL dio su visión particular.

También se vieron tentados por ‘Nothing compares to you’ Mr. Bungle, el grupo alemán Chyp-Notic, Dune, Me First and the Gimme Gimmes, Northern Kings, Shiny Toy Guns, Stereophonics, Fire Through the Window, The Coconutz, Dan Kelly, All Angels, Goapele, el dúo noruego Brødrene Löwenstierne, Dinho Ouro Preto o Bo Bruce.

SINEAD MARIE BERNADETTE O’CONNOR es dublinesa. Hija de un cantante tradicional en gaélico, durante su juventud formó parte de varias experiencias musicales en grupos como Ton Ton Macoute para dar el salto a cantar en solitario de la mano del experimentado productor Fachtna O’Ceallaigh, sin conseguir demasiado éxito en sus primeros pasos a pesar de que las críticas fueron buenas.

La fama llegaría con la canción a la que hoy nos referimos y le llevó a interpretar en 1990 con otros músicos ‘The Wall’, de Pink Floyd. Su siguiente disco, versiones de canciones que escuchó durante su infancia, fracasó. Pero volvió a lo más alto de su popularidad un año más tarde al cantar ’You made me the thief of your heart’ a dúo con Bono para la banda sonora de la película ‘En el nombre del padre’.

Luego llegaron discos más enraizados en la música popular irlandesa que obtuvieron mayor reconocimiento que ventas. Todo ello le llevó a un período de inactividad, durante el que descubrió que era víctima de fibromialgia.

Aunque siga en activo, la irlandesa ha sido incapaz de acercarse al éxito y sus actuales contactos con la popularidad se deben más a sus controversias, extravagancias y declaraciones que a lo que consigue en el escenario. Este año se ha visto obligada a suspender una gira por un trastorno bipolar. Con sólo 45 años se ha casado y divorciado en cuatro ocasiones. Su último enlace duró dieciséis días.

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Este tema funk rock escrito por el guitarrista, vocalista y fundador del grupo Tom Johnston es un ejemplo perfecto del sonido característico de los Doobies, basado en armonías vocales, guitarras y percusiones trepidantes. La introducción corre a cargo de una guitarra inconfundible, que ya te hace presagiar que lo que viene a continuación merecerá la pena.(...)
Read the rest of The Doobie Brothers – Long train running (Tren de largo recorrido) (1,156 words)

Y es así como se anuncia la poderosa voz negroide de tintes soul del líder que, a continuación, se abre paso como un torrente para imponer un ritmo que realmente te traslada a un ferrocarril que rueda a toda máquina por los inmensos campos desiertos de Estados Unidos. Hasta parece que el solo de armónica con sabor a blues, que se asemeja al silbido de la locomotora, transcurre traviesa a traviesa.

La idea no era nueva, ya que Johnston trabajó sobre una estructura que había compuesto años atrás como pieza instrumental y que podía escucharse en las actuaciones en directo del conjunto, pero que nunca se llegó a plasmar en una grabación.

Para The Doobie Brothers se trataba de un mero divertimento, sin demasiada calidad. No opinaba así su productor, Ted Templeman, que convenció a Johnston para que adornara aquella melodía con una letra y así convertirla en una canción que bebiera de clásicos como James Brown y Chuck Berry. Sin duda, acertó.

Así lo debieron pensar también los millones de melómanos que, nada más conocer la existencia de ‘Long train running’, se acercaron a las tiendas de discos para hacerse con un ejemplar del single. Las estadísticas aseguran que fueron millones, porque el vinilo se catalogó como multiplatino, al tiempo que rápidamente llegó a los puestos altos de la lista de éxitos norteamericana Billboard Hot 100.

Esa repercusión se logró a 45 revoluciones por segundo, pero ¿y las actuaciones en vivo? ‘Long train running’, en mi opinión, mejora cuando se enfrenta cara a cara al público. El directo de los de San José siempre es demoledor. Ante sus seguidores la interpretación de la canción de la que hoy hablamos derrocha maestría y entrega.

En vivo los Doobies se convierten en una orquesta que consigue que guitarras, percusiones y vientos invadan las mentes de los presentes. El disfrute está garantizado, como en esta maravillosa actuación que los californianos firmaron en 2004 en Wolf Trap de Washington D.C.

LETRA

A la vuelta de la esquina
a media milla de aquí
miras los trenes de largo recorrido
y los ves desaparecer

¿Sin amor dónde estarías ahora?
Sin amor
Sabes que vi a la señorita Lucy
a lo largo de las vías
ella perdió su casa y su familia
y no va a regresar
¿sin amor dónde estaría ahora?
Sin amor

Bien, a la central de Illinois
y a la central del transporte del sur
tengo que seguir avanzando mamá
porque sabes que ellos van retrasados
¿Sin amor dónde estarías ahora?
Sin amor

Los pistones siguen girando
y las ruedas dan vueltas y vueltas
y los rieles están duros y fríos
y no hay montañas abajo
¿Sin amor dónde estarías ahora?

Tengo que llegar nena
quieres bajar
sin amor
sin amor

Johnston confesó en una entrevista que la letra, no excesivamente lograda, llegó a su mente mientras estaba sentado en el inodoro de los estudios de grabación. Su interpretación ha sido confusa, creándose a su alrededor una incertidumbre que The Doobie Brothers nunca ha querido despejar. Lo más fácil es pensar que hablamos, como no, de desamor y de la necesidad de huir cuando sufrimos una herida sentimental. Poner tierra de por medio, a pesar de que no sana, sí atenúa el dolor, según dicen, aunque algunas experiencias lo desmienten hasta de forma empírica.

Otra interpretación de ‘Long train running’ nos podría también llevar a divagar sobre la teoría del trayecto de la vida, aunque, desgraciadamente, ésta no siempre sea un tren de largo recorrido. Sí es verídico que en ella hay que atravesar estaciones, deteniéndote en unas y pasando de largo por otras.

Hay quien no coge nunca el tren, o al menos el adecuado; quien lo pierde, quien no tiene valor para subirse. Algunos pasan un sola vez, otros tienen destino incierto y hasta los hay que llevan a una aventura en que nos embarcamos de forma inconsciente, pensando que nada tenemos que perder. Pero no existe ningún recorrido que muestra su destino hasta que llegamos a él. El problema surge, en la mayoría de los casos, cuando el retorno es complicado o imposible.

Algunos somos de los precavidos, hasta miedosos nos llamarían, y optamos por quedarnos en el andén y limitarnos a ver pasar los trenes sin cogerlos. Sólo nos subimos a los que nos obliga la vida, transitando por las distintas estaciones que nos depara nuestro futuro.

Existe también el riesgo de acomodarnos en el andén. Allí nos sentimos seguros, cómodos. Además, creemos que siempre pasará un tren y que a alguno nos subiremos. Pero en la vida hasta el tránsito ferroviario llega un momento que se detiene. Las oportunidades se acaban.

VERSIONES

En 1992 el grupo madrileño LA UNIÓN la interpretó en castellano con un resultado excelente.

Diez años antes, la banda italiana TRACKS recuperó el éxito de los Doobie Brothers para otra generación con una interpretación disco.

También las chicas de BANANARAMA incorporaron este tema a su repertorio. Lo hicieron en 1991, con los Gypsy Kings –bajo el seudónimo de Alma de Noche– a la guitarra flamenca.

El rockero serbio DEJAN CUKIC grabó una versión en 1995 bajo el título ‘Dugo putovanje vozom’.

‘Long train running’ está incluida en el videojuego de baloncesto NCAA March Madness 06 interpretada por la banda universitaria de música GSU TIGER MARCHING BAND. Sin embargo, en este vídeo aparece en los prolegómenos de un partido de fútbol americano disputado en 2013.

Tom Johnston (guitarra y voz), John Hartman (batería), Pat Simmons (guitarra y voz) y Dave Shogren (bajo) se reunieron en 1970 para fundar en la ciudad californiana de San José THE DOOBIE BROTHERS, una de las formaciones más comerciales del rock norteamericano de los setenta y ochenta, que tomó el nombre del argot local para referirse a los cigarrillos de marihuana.

Desde la grabación del primer LP en 1971 sus ventas han sido millonarias, combinando éxito comercial con calidad en todos sus trabajos, pese a los abundantes cambios que se dieron en su formación, tanto cuando se establecieron en San Francisco como cuando lo hicieron en San Anselmo. Hubo momentos en que incluso llegaron a tocar con cuatro baterías, pero lo habitual era que utilizaran dos para garantizar percusiones trepidantes.

La cúspide de su fama llegó en febrero de 1980, al cosechar cuatro premios Grammy. No obstante, cuando parecía que atravesaban su momento más dulce, un año después anunciaron su disolución para emprender carreras en solitario. Esporádicamente volverían a juntarse más tarde y de hecho todavía pululan por el horizonte musical norteamericano.

Este grupo inclasificable, que bebió del country rock, del boogie rock, del funk o del góspel, nos deja para el recuerdo maravillosas obras musicales como ‘Listen to the music’ (1973), la mencionada ‘Long train running’ (1973), ‘China groove’ (1973), ‘Black water’ (1975), ‘Take me in your arms’ (1975), Takin’ it to the streets’ (1976), ‘What a fool believes’ (1979), ‘Minute to minute’ (1979) o ‘Real love’ (1980).

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