He estado a punto de redondear la tanda punk de las últimas entregas de esta sección con una tercera canción de minuto y poco, después de las de Solomillo Wellington (que dura minuto veintiocho) e Itchy And The Nits (minuto dos). La idea era seleccionar algún corte de la antología de despedida de los leoneses Punkteras Rosas, que lleva nada menos que 43 canciones, la mayoría de minuto cinco (porque, si les quedan más largas, las cercenan abruptamente sin más). Pero, la verdad, no he sido capaz de elegir entre la de Rigoberta Bandini («puedo cruzar toda la Wikipedia pinchando en nombres de tus familiares»), la del tío de Burgos que quiere ser lehendakari por Bildu, la del abuelo que perdió un pie para que tú hagas un hilo en Twitter, la del socio 762 de la Fundación Gustavo Bueno, la del tipo que escribe «Cuca Gamarra está bien buena» en su quiniela… Y esa siniestra que se titula Querido amigo protestante de antecesores luteranos y que me gusta más que lo que hacen la mayoría de gotiquillos serios. Así que he pensado en recomendar de manera extraordinaria el disco entero y pasar a otra cosa, aunque una canción de tres minutos y veinticuatro segundos va a parecer casi Yes después del empacho de Punkteras Rosas.

Discreet Charms (los discretos encantos, como en la peli de Buñuel, que en inglés se titula The Discreet Charm of the Bourgeoisie) son un cuarteto de Brooklyn, Nueva York, que acaba de sacar un EP de cinco canciones. Son, aclararé, los de la foto de arriba. Veo con extrañeza que en Spotify solo tienen tres seguidores, y yo soy uno, así que a lo mejor sus encantos están siendo injustamente discretos de verdad. A mí el disquito me parece un discazo, que reúne en sus cuatro originales y su versión (original de los Parasites Of The Western World, a los que no, no conozco de nada) algunas influencias más o menos obvias que acaban no pareciéndose nada a los originales. La voz, cómo no, remite poderosamente a Joy Division, y otros dirán que a Interpol, y a mí el estilo general me ha hecho pensar en Woolen Men y a veces me hacen acordarme de sus paisanos Oneida, pero el arranque de esta canción en concreto es televisivo a más no poder. Da igual, porque luego todo evoluciona y se va mezclando en canciones ásperas y tensas, pero sorprendentemente pegadizas, que tienen que funcionar genial en directo. Muchas veces deseo que los álbumes fuesen epés, pero con Discreet Charms me ocurre justo lo contrario.

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¡Si es que uno no da abasto! En las últimas tres semanas han salido tantos discos de santos patrones de este blog que resulta imposible tratarlos con el debido respeto. Es el problema de la disponibilidad y la sobreabundancia: hace años no habría quedado otro remedio que elegir, pero hoy en día se nos agolpa todo y ni siquiera da tiempo a escuchar las cosas debidamente. ¡Como para escribir sobre ellas! Al menos, vamos a hacer un repaso telegráfico (y, en lo posible, videográfico) a ocho novedades.

Lagartija Nick – Los cielos cabizbajos

A este sí que le he dedicado algo más de tiempo. Con Lagartija Nick lo hago siempre, pero es que además este es uno de sus discos ambiciosos, osados, especiales, que perdurarán o deberían perdurar de algún modo. Los cielos cabizbajos plasma un proyecto de Jesús Arias, el hermano de Antonio fallecido en 2015, y se centra en varias ciudades bombardeadas. Me maravilla en general y me remaravilla en particular cada vez que llega este tema.

Nick Cave – Ghosteen

Seguimos con palabras mayores. El nuevo de Nick Cave es uno de esos discos que parecen inseparables de su contexto, ya que canaliza el dolor provocado por la muerte en accidente de su hijo adolescente. En las antípodas de la rabia ciega y el extremismo del primer Cave, es un disco bello, delicado, vulnerable, con momentos tan conmovedores como este, en el que Cave examina el sufrimiento de su pareja.

Los Punsetes – Aniquilación

Vamos a levantar un poco el ánimo, después de dos obras tan graves, con lo nuevo de Los Punsetes. Más allá de contar en cuántas canciones pronuncia Ariadna la palabra mierda, uno siempre puede estar seguro de que cada entrega del grupo madrileño le vigorizará y le proporcionará unos cuantos momentos memorables. Todos los discos de Los Punsetes son buenos, pero el futuro grandes éxitos va a ser imprescindible gracias a canciones como esta.

La Bien Querida – Brujería

Conozco personalmente a varios haters de La Bien Querida y de verdad que, cada vez que les oigo expresar su opinión, me invade una sensación de incredulidad: a mí la carrera de Ana Fernández-Villaverde me parece de una solidez apabullante. Tenía un poco de miedo al cambio de productor (que la introduce en el universo de los necesarios Axolotes Mexicanos), pero este disco de hechizos y enamoramientos funciona, ya que estamos, como un bálsamo curativo. Nadie en nuestro país ha adaptado mejor el pop rutilante de New Order. Mi hija de 3 años, por cierto, ya se ha aprendido el estribillo de esta canción.

Big Thief – Two Hands

Van tan sobrados que este es su segundo álbum de este año. Podría mentirles diciendo que he escuchado mucho el anterior, pero es uno de esos discos que se me han quedado un poco aparcados, en espera de escuchas más detenidas que probablemente jamás llegarán. Con este, en cambio, he sintonizado de inmediato, quizá por su planteamiento menos etéreo y más directo. Gran parte de la culpa es de esta canción, que me parece una nueva cumbre de Adrianne Lenker (a la que tienen en la foto de arriba) y compañía. ¡Y hay que ver cómo les queda en directo!

Kacy & Clayton – Carrying On

Es curioso, pero he estado a punto de citar a Mocedades dos veces en este repasillo. Bueno, de hecho lo voy a hacer: la otra ha sido con La Bien Querida, que me produce una sensación de limpieza y saneamiento mental similar a la que experimento con el legendario grupo bilbaíno, y la otra es con el dúo Kacy & Clayton, que me hizo pensar varias veces en ellos durante su concierto en Bilbao. En fin, los primos canadienses han editado una nueva entrega de esta música suya, tradicional pero siempre con esa guitarra inquieta y sorprendente. Sus canciones se sostienen incluso cuando, como aquí, relegan la voz cristalina de Kacy a los coros.

Serpiente – Krisanteilu

Tenía muchas ganas de que el trío bilbaíno editase su primera entrega larga, porque me encantó el rock recóndito, sugerente y casi ritual de su EP de debut. En realidad, la entrega larga es también bastante corta, porque la mayoría de los temas son extremadamente breves, como llamadas inquietantes que invitan a entrar por la boca de una cueva, pero mantiene y prolonga el encanto y el misterio de su post-punk sin guitarra. Ah, presentan el disco este domingo a mediodía en un lugar secreeeeeto: para acudir hay que apuntarse en su correo electrónico, serpienteband@gmail.com

Los Nikis – Los Nikis contraatacan

¿Alguien puede resistirse a 65 canciones seguidas de Los Nikis? Pues eso.

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Hoy me he enterado, con cierta sorpresa, de que Doctors Of Madness acaban de editar un álbum nuevo cuando ya han pasado más de cuarenta años del anterior. Se titula Dark Times y, en realidad, de la banda original solo queda el insustituible Richard Strange. La novedad me da pie para repescar este reportaje que publiqué hace un par de años en la revista Musi-K sobre esta banda con mala pata, a la que en su momento telonearon Sex Pistols, The Jam o Joy Division.

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Cuando arrancó la segunda mitad de los 70, Doctors Of Madness eran la gran promesa de la música británica, una banda llamada a un estrellato inminente y masivo. Pero, cuarenta años después, el dato que se suele citar para resaltar su importancia no solo es absolutamente ajeno a su obra, sino que además subraya el motivo principal de que tantas expectativas acabasen frustradas: el vínculo más claro de Doctors Of Madness con la primera división del rock son, qué le vamos a hacer, sus teloneros, una lista apabullante en la que aparecen los mismísimos Sex Pistols (en su primer concierto fuera de Londres), The Jam (que calentaron el escenario para ellos más de una vez) y Joy Division (cuando todavía se llamaban Warsaw). Los pobres Doctors Of Madness son uno de los casos más evidentes de artistas que iniciaron su carrera en el peor momento, ya que la presión arrolladora del punk les dejó sin suelo bajo los pies, al otro lado de un tajo generacional que resultaba tristemente obvio al compararlos con sus pujantes teloneros.

En realidad, en muchos aspectos, Doctors Of Madness eran unos adelantados a su tiempo, una expresión trillada con la que muchas veces se trata de justificar algún fracaso estrepitoso. Pero, en su caso, parece innegable que anticiparon muchos rasgos que se volvieron comunes e incluso rutinarios con el punk y que resultaban francamente anómalos en 1974, el año en el que se inició su carrera. Su vocalista y guitarrista, el carismático histrión Richard Kid Strange, ha dejado clara su opinión en una entrevista con Louder Than War: «No es que viésemos venir el punk: es que nosotros ÉRAMOS punk, o una forma de punk, antes de que le hubiesen puesto nombre. Cantábamos canciones rápidas, no teníamos ninguna pretensión de virtuosismo instrumental, éramos chulos y arrogantes en el escenario, llevábamos camisetas, pantalones con cremalleras, ropa militar de campaña, maquillaje, gafas oscuras… Yo era Kid Strange y los demás eran Urban Blitz, Peter DiLemma y Stoner. Yo llevaba el pelo azul, cantaba sobre paranoia urbana y colapso mental, sobre sistemas de control y paisajes distópicos. Si no éramos el Jesucristo del punk, desde luego éramos su Juan el Bautista».

Y no le falta razón: su imagen, su actitud, el truco de los apodos y la temática de sus canciones acabarían incorporándose a la quintaesencia del movimiento punk. Incluso sus referencias eran impecables, hasta el punto de que avanzaban el catecismo de gran parte del rock alternativo de los 80: Strange era fanático de The Velvet Underground (algo que hoy puede parecer vulgar, pero que entonces no lo era en absoluto) y lector apasionado de William Burroughs, en cuya técnica del cut-up se inspiró para sus letras. ¿Qué fallaba, entonces? Tal vez la clave radicase en que su música quedaba a medio camino entre el glam (con ciertos toques, ay, de rock progresivo) y lo que justo después sería el punk: Urban Blitz, al fin y al cabo, tocaba el violín eléctrico, que no era un instrumento muy habitual en las formaciones de la época, y muchas de sus canciones suenan irremediablemente caducas si se las somete a una criba poco compasiva. Pero también puede suceder que el elemento decisivo fuese, simplemente, que ya estaban ahí -para colmo, como apuesta de una gran discográfica, Polydor- y eso los marcaba inexorablemente como residuos del odioso pasado.

El propio Strange fue dolorosamente consciente de ello aquella noche de mayo de 1976 en Middlesbrough, cuando presenció la actuación del grupo de irritantes mocosos encabezado por Johnny Rotten: «En cuanto escuché a los Pistols, supe que estábamos acabados. De repente éramos demasiado viejos y no podíamos hacer nada para remediarlo. ¡Yo tenía 25 años y era demasiado viejo para el rock! Todo lo que estábamos intentando hacer quedó desmantelado aquella noche. Yo sentía pura envidia», ha relatado sin rodeos a 3:AM. Para colmo, mientras Doctors Of Madness estaban en el escenario, los Sex Pistols (parece que, más en concreto, Steve Jones) saquearon el camerino y birlaron doce libras que Strange llevaba en el pantalón, como si quisieran infligir la humillación definitiva. El propio Jones le invitó un par de décadas después a su programa de radio y aprovechó para reintegrarle la pasta, mientras que Rotten, en su faceta de respetable señor Lydon, le envió hace doce años un billete de cincuenta dólares en el que había escrito ‘devuelto con intereses’.

Doctors Of Madness editaron tres álbumes y se separaron en 1978, tras una breve etapa en la que Strange compartió tareas vocales con su amigo Dave Vanian, el de Damned. Después, el cantante, un sujeto irremediablemente singular, editó algún disco interesante en solitario (en The Phenomenal Rise Of Richard Strange planteó una historia que hoy ha adquirido especial resonancia, acerca de un icono pop reciclado en político populista) pero sobre todo supo reinventarse: fundó Cabaret Futura, un espectáculo en el Soho londinense que combinaba música, poesía, striptease, circo y cualquier otra cosa que se terciara, al que invitó a tocar a unos jovencísimos Depeche Mode (quince libras les pagó), a Soft Cell y a los Pogues, y también emprendió una carrera como actor que le ha llevado a trabajar en papeles secundarios con Martin Scorsese, Tim Burton, Neil Jordan y Harmony Korine. ¡Hasta hace de mortífago en una de Harry Potter!

Pero, pese a la mala pata que define al grupo, nunca se ha llegado a extinguir un activo foco de fans de Doctors Of Madness, que incluye unas cuantas figuras de lo más variopinto: desde Julian Cope, el druida mayor de lo progresivo, hasta el vocalista de Def Leppard, Joe Elliot (que los ha descrito como «monstruosamente brillantes»), pasando por músicos de tanto pedigrí como Cabaret Voltaire o Spiritualized.

He aquí el sencillo del nuevo disco…

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La lista se ha vuelto tan célebre en el mundillo de la música aventurada que las reediciones de algunos discos lucen una pegatina específica, para indicar que sus autores forman parte de aquel misterioso muestrario, entendido por muchos coleccionistas como un desafío. Ahora, por fin, el sello Finders Keepers ha llegado a un acuerdo con Steven Stapleton para publicar una serie de recopilatorios con «los temas correctos» de algunos artistas de la lista, con especial interés por los más desconcertantes. La primera entrega, que acaba de publicarse, se titula Strain Crack & Break (como el tema que cerraba aquel álbum de Nurse With Wound) y está consagrada a la escena francesa, que curiosamente fue la que aportó más nombres a la lista de marras. Según resume el sello, en sus trece cortes hay «música concreta, free jazz, Rock In Opposition, rock espacial de la escuela Zeuhl, música de ballet macabro, ciencia ficción en baja fidelidad y rock progresivo inspirado por la literatura clásica de horror». A mí me ha sorprendido, sobre todo, porque me ha parecido mucho más accesible y disfrutable de lo que me temía, con temas como este atmosférico Warinobaril de Lard Free.

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Foto: Renaud Monfourny

A menos que caiga rendido de inmediato, no resulta fácil venderle a nadie la música de Television Personalities. Un periodista de The Quietus ha descrito a su líder, Dan Treacy, como «el outsider de los outsiders», y ciertamente el hombre ocupa un espacio tan personal en la historia del rock británico que a veces parece un marciano incapaz de adaptarse a nuestras costumbres. Por aquí ya hemos hablado de su banda y de su música preciosa y emotiva, pero también imperfecta hasta rozar el autosabotaje, sin grandes exigencias en materia de afinación y producción. Si se conecta con ese planteamiento, los Television Personalities pueden ser adictivos y embriagadores, como un extracto de la historia del pop que traslada al oyente hacia un mundo propio, donde reinan la ilusión (a menudo hecha pedazos), la poesía y la vulnerabilidad.

El sello Fire acaba de lanzar una elegante recopilación de todos los sencillos de la banda, reunidos en dos volúmenes: Some Kind Of Happening abarca desde el año 78 hasta el 89, mientras que Some Kind Of Trip se centra en el periodo 90-94. El generoso e intoxicante tracklist incluye un buen número de rarezas (desde temas de flexis hasta otros que aparecieron en tributos a otros artistas), pero aquí vamos a incluir como muestra uno de sus clásicos, el minimalista y entrañable I Know Were Syd Barrett Lives. Y ojo, que seguimos debajo, saliéndonos un poco por la tangente.

Por si los 64 temas de Television Personalities se les hacen insuficientes, estos días ha aparecido además (¡por fin!) el álbum del misterioso Mick Trouble, de quien también hablamos en su momento por aquí. A Trouble se le presentó hace un par de años como una figura perdida de la escena británica de principios de los 80, cuya carrera se truncó justo cuando estaba a punto de despegar. Su legado se esfumó de la historia hasta que apareció un máster de sus canciones debajo de un bote de galletas en un sótano. Por supuesto, como ya apuntamos entonces, todo eso era una entretenida ficción: Mick Trouble es uno de los álter egos del músico estadounidense Jed Smith, que fundamentalmente se había aplicado a la tarea de reproducir con asombrosa fidelidad y creatividad el estilo de Television Personalities. El EP de cuatro canciones publicado entonces es una maravilla, y ahora aparece por fin su álbum de debut (o de resurrección), quizá menos centrado en los manierismos de Dan Treacy, aunque nadie lo diría escuchando este ‘End Of The Lion’.

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Reconozco que tal vez este blog preste demasiada atención a los discos silenciosos. Normalmente se trata de 4’33’’, la composición de John Cage en la que no suena ni una sola nota: me apasionan sus interpretaciones en directo (sobre todo, por la tensión que implica sobreponerse a la tentación de apretar una tecla, pulsar una cuerda, hacer algún ruido) pero también me interesan sus versiones grabadas, esos discos en los que solo está registrado algún sonido ambiental no intencionado (y a veces ni eso, porque se trata de puro silencio digital). A lo mejor a ustedes les entra mucha risa con este asunto, y lo entiendo, porque a mí también me pasa: ante 4’33’’ me debato entre el choteo, el desconcierto, la fascinación y el interés teórico. Caramba, ayer mismo volví a citarla en una introducción al noise que publiqué en el periódico, como referente ineludible para la idea de que todo ruido puede ser contemplado como música, aunque para mí lo más sugestivo de todo esto es cómo cambia la manera de escuchar cuando el silencio es activo, cuando hay alguien no tocando o un disco no sonando.

Pero hoy no vamos a hablar de 4’33’’, sino de una prima suya, aunque los responsables rechazan que tenga nada que ver con la pieza de Cage más allá de la (evidente) similitud formal. Me refiero a Silent Meditation, un nuevo elepé silencioso pensado para acompañar sesiones de meditación. El proyecto merece atención por varias razones, entre las que destaca el gracejo de sus promotores a la hora de explicarlo. Eric Antonov y su hijo Ben pusieron en marcha un crowdfunding después de que Ben se comprase en un mercadillo un disco de meditación grabado en los 70, que no respondió a sus expectativas: las voces que guiaban al oyente hacia la paz mental solo lograban apartarle de ese camino. «Pensé sobre ello con seriedad y entonces me di cuenta de que solo quería silencio. Quería un disco que crease espacio. Me imaginé poniéndolo y escuchando la primera cara: durante esos veinte minutos, docenas de pensamientos aparecerían y desaparecerían. Cada escucha sería totalmente diferente, una sorpresa», argumenta el padre. Así se le ocurrió Silent Meditation, un acompañamiento silencioso para meditaciones de veinte minutos, alrededor de quince si se opta por reproducirlo a 45 revoluciones por minuto.

«Nota: no hace falta un tocadiscos para disfrutarlo plenamente. Técnicamente, ni siquiera hace falta el disco», dice Eric, que es un tipo con mucho sentido del humor. «Dicho eso, el silencio es un territorio valioso que se explora pocas veces. Es sorprendente, a veces aterrador, y a menudo lo evitamos. Este disco puede ser un espejo para verte a ti mismo o una nueva ventana al mundo», añade, además de negar específicamente la cercanía a 4’33’’: «La composición de Cage era música y él quería incluir todos los sonidos en esa definición. Esto no es música, ni ha habido ningún músico implicado en esta grabación. Este silencio es muy diferente, es una invitación a observar tu experiencia y una herramienta para hacerlo». El objetivo del crowdfunding era recaudar 600 dólares, pero la suma final bordeó los 6.000, para que vean la demanda que tienen los discos silenciosos: si alguien está interesado y se le pasó, puede conseguir el disco (en vinilo traslúcido) en tiendas online como Norman Records. Y, después, darse el lujo de reproducirlo a volumen brutal sin temor a los vecinos.

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Soy muy consciente, dolorosamente consciente, de que tengo el blog reducido a su mínima expresión. Evadidos se ha convertido en uno de esos estudiantes remolones que calculan el esfuerzo justo para cumplir con su obligación: las secciones fijas (la canción de la semana y los conciertos del mes) aparecen de manera más o menos puntual, pero cada vez es más raro que saque tiempo para contenidos más ambiciosos. Y, para colmo, el propio planteamiento de la canción de la semana, con esa autoexigencia de no repetir nunca artista, me obliga a prescindir de muchas novedades de bandas que me gustan un montón. Así que vamos a hacer un pequeño mercadillo de novedades con ocho temas variadísimos, recién salidos (bueno, de febrero aquí, más o menos) y firmados por artistas que han tenido canción de la semana. Nuestros santos patrones, ya saben. Eso sí, no se esperen grandes desarrollos argumentativos, que no tengo tiempo.

Cate Le Bon. La vocalista galesa, que me parece una de las artistas más interesantes de la última década, ha editado este Daylight Matters como adelanto de su quinto álbum, anunciado para mayo. El vídeo mantiene el nivel de extravagancia consustancial a esta mujer, pero la canción me parece uno de sus logros más accesibles, tarareable desde la primera escucha y directamente memorable a la cuarta o la quinta.

El Lobo en Tu Puerta. Los lobos de Chiclana editaron a finales de febrerillo Guantánamo, un EP «falsamente conceptual» dedicado a cuatro futbolistas. Yo comparto con uno de los miembros del trío la escasa afición al deporte de marras (lo de Guantánamo va por la tortura de escuchar partidos en la furgoneta), pero podría interesarme si en los estadios pusieran temazos como este Dani Güiza And The Lizard Wizard, que es también uno de los títulos más graciosos del año.

Pixvae. De todos los grupos que han pasado por la canción de la semana, estos franceses quizá sean los más singulares. Lo suyo es una mezcla de folclore colombiano y contundente jazzcore, que ha cristalizado en un nuevo álbum centrado en los sonidos de Cali. Este Canto de lejos sirve como buena muestra de su vanguardia ancestral.

Los Ganglios. Sí, están de vuelta con un disco autoeditado y crowdfundeado que se divide dos vertientes, una más electrónica y la otra más punk, aunque tampoco se piensen que las fronteras quedan muy claras. Aquí me voy, cómo no, al tema con vídeo, porque Los Ganglios son maestros en eso de ilustrar sus canciones: se trata de La última palabra, una reflexión sobre Masterchef que utiliza como estribillo una cita de Pasteur. Eso sí que es una receta interesante.

Big Thief. El cuarteto estadounidense posee la rara virtud de sonar tradicional y absolutamente original a un tiempo, porque su líder, la vocalista y guitarrista Adrianne Lenker, parece simplemente incapaz de hacer las cosas de una manera vulgar. En mayo sale su tercer álbum, del que han adelantado la canción que le da título (U.F.O.F.) y este Cattails obsesivo hasta bordear el trance acústico.

Pet Shop Boys. Una de las muchas cosas que me asombran del dúo británico es la calidad increíble del material que van desperdigando a modo de caras B. En febrero editaron Agenda, un EP que incluye «tres canciones satíricas y una canción bastante triste». Pues bien, la triste es esta preciosa The Forgotten Child, un nuevo hito melancólico de Tennant y Lowe. Su canción de la semana en el blog, por cierto, es otro tema poco conocido de la misma cuerda.

Årabrot. La banda noruega se aparta de su estilo habitual (que quizá podríamos definir como noise de vanguardia) en Die Nibelungen, su banda sonora para la peli muda de Fritz Lang. El disco -atmosférico, absorbente e inquietante- es un extracto de la interpretación que hicieron en directo en Tromsø, ya que la obra cinematográfica en cuestión dura en torno a las cinco horas. Ah, en aquella formación de Årabrot figuraba Andrew Liles, de Nurse With Wound y Current 93, que se ha encargado también de la producción.

Jane Weaver. Y vamos a terminar este paseo con una excursión psicodélica al infinito. La británica Jane Weaver, otra imprescindible, ha anunciado para el verano un álbum que combinará temas nuevos y «variaciones» de canciones ya conocidas. Es el caso de este Slow Motion, cuya versión original aparecía en Modern Kosmology, uno de los protagonistas de la minilista evadida de 2017. Ah, el ojo que encabeza el post viene de este vídeo hipnótico, que quizá requiera una dosis previa de biodramina.

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El caso es que me he refugiado en el pasado. No me acusen de nostálgico, porque en realidad se trata de un pasado que yo no viví como oyente activo: en noviembre de 1978, hace cuarenta años, yo tenía 7, aunque reconozco que el final de los 70 y el comienzo de los 80 se ha acabado convirtiendo en mi periodo favorito de la historia del rock. Aun así, un repaso a la primera quincena de aquel mes me ha sorprendido por la cantidad de música interesante que se publicó. Y me he dicho ‘qué caramba, vamos a poner unos cuantos vídeos’ de álbumes lanzados en aquellas dos semanas. Van seis, todos británicos…

Y dejo fuera otros discos de aquella quincena que no son santo de mi devoción (por ejemplo, el Jazz de Queen) o que ni siquiera he escuchado (como el primero de Midnight Oil). Me dirán ustedes que seguro que los cuarentones de noviembre del 78 abominaban de toda aquella horda de punks, siniestros, nuevaoleros y demás. Y yo les responderé como Ariana: thank u, next.

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Empiezo por lo más antiguo, que en realidad es novísimo. Acaba de debutar en vinilo la primera maqueta de Primitivos, grupo fundamental en el rock bilbaíno de los 80. Porque, en efecto, las cuatro canciones del EP están grabadas en 1984 y en su momento no pasaron de las trescientas copias en casete, pero ahora han sido recuperadas por el sello Hanky Panky Records, que les ha sacado lustre hasta dejarlas nuevas o mejor que nuevas y las ha acompañado de un interesante fanzine de veinte páginas. Alguien podría pensar que el disco es una reliquia arqueológica, de interés exclusivo para nostálgicos e historiadores, pero sería un error: sigue sonando muy estimulante, a medio camino entre la Velvet y el punk, con las letras maniacas de Andy Montón y la guitarra imprevisible de Jon Zamarripa.

…

Ya tiene un tiempecito (no tanto como Primitivos, claro) el EP del grupo Mazmorra, que se puede escuchar desde hace meses en todos los rincones habituales pero ahora también se puede comprar en bonito vinilo. Son cinco canciones de un sugerente pop electrónico que mezcla las atmósferas inquietantes del post-punk sintético con mutaciones del reggaetón o la cumbia. Yo siempre lo califico de febril, porque, por alguna extraña razón, me hace sentirme como si sufriese alucinaciones a bordo de una barcaza destartalada en ruta hacia Iquitos. Ya es sugerir, ¿eh?

…

También hay cinco canciones en el debut de Buenas Tardes, Comandante, un cedé de elegante diseño («en formato Digipak de cartón de dos cuerpos, nada de las aburridas jewel case de plástico», puntualizan) que presenta una especie de surtido selecto de sus canciones. Al cuarteto se le suele colgar la etiqueta rápida de shoegaze, pero cultivan el estilo de manera creativa y no rutinaria, cuidando los desenlaces melódicos inesperados (y muy adictivos) y no solo la distorsión. A mí su música emocional, melancólica y reconcentrada me ha hecho pensar en My Bloody Valentine, pero también en Décima Víctima, Alcest o incluso, ejem, The Cranberries en la última canción, aunque supongo que eso será tara mía.

…

Y cerramos este variopinto bazar con Campamento Rumano, un trío singular que ha plastificado cinco canciones en un EP titulado El punk está lleno de sinvergüenzas, ese que con tanta prevención sostiene Marta Sánchez en la foto de arriba. Ellos mismos enumeran sus influencias como «Urinals, KGB, Angry Samoans, Los Reactors, Kaka de Luxe y Los Nikis», y ciertamente practican un punk oligofrénico y encantador, entre la ingenuidad y el desfase, que lo mismo remite a Devo que al sector más perturbado de la Movida.

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Pues bien, aquí está el nuevo disco de estos desinhibidos activistas del sexo, el despelote y la química. Se llama Nos vamos a morir de hacer estrategias de amor (sí, les gustan el amor y los títulos largos y crípticos, qué pasa) y mantiene la línea del anterior, ese indie de corazón punk o punk con pelaje indie que puede abarcar desde las atmósferas oscurísimas hasta cumbia bailable. Y siempre con una lírica rara, sugerente, a veces provocadora y a veces poética. Solo llevo cuatro reproducciones del disco (el otro alcanzó las diez en un solo bucle), así que todavía no tengo claras mis favoritas, pero voy a colarles como aperitivo esta misteriosa Capilla del monte, una de las que canta el ruso Julián y no la rusa Luludot.

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