LETRA

Cuando la noche ha llegado
y la tierra está oscura
y la luna es la única luz que veremos
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

Si el cielo que vemos arriba
se derrumbara y cayera
o la montaña se desmoronase hacia el mar
no, yo no tendré miedo
no, yo no tendré miedo
mientras tu estés, estés conmigo,
estés conmigo

Y cariño, cariño, quédate conmigo
oh, quédate conmigo
oh, quédate, quédate conmigo,
quédate conmigo

El éxito del vídeo de ‘Stand by me’, que valió a Johnson un Grammy y varios premios internacionales y que ha sido ya visto casi cien millones de veces en internet, hizo que se ampliara el repertorio con canciones como ‘War: No more trouble’, de Bob Marley; ‘Don’t worry’, de Pierre Minetti; o ‘Chanda mama’, de Ananda Giri y Enzo Buono.

En abril de 2009 las compañías Timeless Music Media y Concord Records apoyaron la iniciativa con la publicación de un dvd que contenía los clips de las canciones, un tráiler del documental Peace through Music y un vídeo acerca de la Fundación Playing for Change, junto a un cd con diez canciones.

El objetivo del proyecto multimedia fue crear una fundación para ayudar a los pobres en las zonas visitadas gracias al factor de unificación de la música independientemente de las diferencias culturales. Fueron elegidos intérpretes sin renombre de todo el mundo, que unieron sus talentos para crear una canción como ésta.

Con el dinero recaudado la fundación Playing for Change se dedica a la construcción de escuelas de música en todo el planeta. En 2008 se creó la primera (Ntonga Music School) en el barrio de Gugulethu, en las afueras de Cape Town, en Sudáfrica.

Luego surgieron siete centros más:
Bizung music and dance school, Tamale, Ghana
Ecole de musique de Kirina, Kirina, Mali
Tintale Village Teaching Center Tinatle, Nepal
Mitrata Nepal village Music Program, Kathmandu Nepal
The Hari Kul Music School, Kathmandu Nepal
Intore Culture and Music Center, Kigali, Rwanda

El penúltimo capítulo del movimiento Playing For Change ha sido el Playing For Change Band, que reúne a músicos extraordinarios procedentes del mundo entero, músicos que han viajado miles de kilómetros para encontrarse en un escenario y cantar juntos, el poder unificador de la música no deja lugar a dudas.

PLAYING FOR CHANGE actuó a principios de esta década en España, concretamente en el Palau valenciano. Allí dio muestras de su calidad y fortaleció su apuesta por el poder de la música para eliminar fronteras y solventar diferencias. Entonces integran la banda el talking drum Mohammed Alidu, la guitarra eléctrica de Llon Ba, los cantantes Clarence Bekker, Grandpa Elliott -ya fallecido- y Mermans Kenkosenki y Titi Tsira, que también se encargaban de la armónica y la percusión; el batería Peter Brunetta, la guitarra steel de Roberto Luti y el la guitarra acústica de Jason Tamba, además del bajista Reggie McBride.

Sin duda, es obligatorio ofrecer también el original ‘Stand by me’ de BEN E. KING.

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El maestro de Jerez de la Frontera se alió aquel año con el director de orquesta hispanoargentino Waldo de los Ríos y el productor italiano Rafael Trabucchelli para regalar a Jeanette su canción franquicia, aquella que la hizo popular en un país que trataba de alejarse del inmovilismo del franquismo mediante tímidas ráfagas de aire importadas del extranjero. El magistral uso de una melodía basada en piano, instrumentos de viento y violines envolvió la suave voz de Jeanette para crear un producto que incluso hoy en día, más de cuarenta años después, funciona.(...)
Read the rest of Jeanette – Soy rebelde (1,351 words)

Este acto de rebeldía de algo menos de tres minutos y medio fue protagonizado, paradójicamente, por una pija como Jeanette, nacida en el seno de una familia acomodada. Pero eso no pasa del estatus de anécdota. Lo cierto es que este tema sobre la incomprensión, sobre lo que en los ochenta se denominaba el ‘síndrome de Calimero’ y con anterioridad ‘síndrome Jeanette’, se convirtió en un gran éxito que escaló hasta el número uno en las listas de España y Latinoamérica. Su intimismo melancólico recordaba mucho al estilo de la francesa Françoise Hardy. Tal vez fue eso lo que le llevó a conseguir un reconocimiento, asimismo, en el Viejo Continente.

Aunque ahora pueda resultar risible, el ‘consumo’ de ‘Soy rebelde’ estaba prohibido a los menores de dieciséis años, al considerarse subversiva su letra. Según contó en una entrevista la propia Jeanette, en una ocasión un funcionario amenazó con ‘empapelarla’ por cantar este tema, aunque finalmente se reprimió al ver su nacionalidad británica. «Hombre, es extranjera, puede cantar cosas así como ‘Soy rebelde’, pero que no se pase la guiri porque a la primera… Los cantautores catalanes ya lo saben”, debió decir el representante de la administración.

La censura tardofranquista, ya cerca de su estertor, todavía se empeñaba en evitar que los españoles fueran contaminados por cualquier signo de vanguardia. Revolucionario lo llamaban los defensores del régimen. Pese a ello, esta creación pop forma parte de la cultura sonora de todos los que vivimos el final del pasado siglo y, me atrevo a pensar, gracias a las constantes reediciones y versiones, también de las generaciones que ya tienen como hábitat dominante el XXI.

Canción triste por antonomasia, constituyó el primer tema que la discográfica Hispavox otorgó a Jeanette para que iniciara su carrera en solitario, lejos del grupo Pic-Nic, con el que debutó en el mundo del disco. Ella en un principio no se vio impresionada por la composición de Manuel Alejandro, pero los directivos de la discográfica la animaron a grabarla.

«Por decir la verdad, no me gustó y no la quise cantar porque sentí entonces que me habían cambiado el estilo del folk de Pic-Nic para pasar a la música romántica, con la cuál todavía no me sentía identificada. Empece una pequeña batalla con la compañía que, claro está, ganó ella y yo grabé ‘Soy rebelde’, sin saber lo que me esperaba en el futuro», desveló en una entrevista.

Ella, aún casi una adolescente de 20 años, pese a estar ya casada, se equivocó, porque fue llegar y besar el santo. ‘Soy rebelde’ convirtió a la londinense en figura de la balada y en una adelantada para su tiempo. Aunque no fue su intención, durante los setenta se erigió en imagen de una generación disconforme, condición que, por otra parte, chocaba con su voz dulce y cándida.

La historia de aquella chica incomprendida y solitaria que se reprocha su existencia de la que habla la letra prendió entre los jóvenes aficionados al pop. Estaban necesitados de un himno que canalizara la rebeldía típica de su edad, de su apasionamiento, de su fantasía, de su idealismo… Había muchos deseos de cambiar España, de enfrentarse a un sistema que los encorsetaba y coartaba las ansias de libertad.

La repercusión de ‘Soy rebelde’ fue tal que incluso Jeanette se vio obligada a grabarla en varios idiomas –inglés, francés, portugués, italiano… y hasta japonés–, algo que no le resultó difícil debido a su condición de políglota, al haber residido durante su niñez en distintas ciudades del mundo. El single se distribuyó en veinte países y fue el tema más vendido de los compuestos por Manuel Alejandro.

LETRA

Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así,
porque nadie me ha tratado con amor,
porque nadie me ha querido nunca oír

Yo soy rebelde porque siempre sin razón
me negaron todo aquello que pedí
y me dieron solamente incomprensión

Y quisiera ser como el niño aquel
como el hombre aquel que es feliz
y quisiera dar lo que hay en mí
todo a cambio de una amistad

Y soñar, y vivir
y olvidar el rencor
y cantar, y reír
y sentir sólo amor

VERSIONES

ROSARIO FLORES, auténtica especialista en mejorar con sus interpretaciones el original, reverdeció ‘Soy rebelde’ en 2009.

El dúo de la República Dominicana FRANNY AND ZOOEY Interpretó la canción que hoy analizamos con un ritmo entre pop y punk en un disco de homenaje hispanoamericano a Jeanette.

El grupo argentino ATTAQUE 77 ofreció su visión de ‘Soy rebelde’ en 1998.

Manuel Alejandro escribió la canción pensando en la mexicana SOLA, pero finalmente la discográfica la destinó a Jeanette. Sola también la grabó, en 1972. No obtuvo mucho éxito.

ANA BELÉN interpretó la obra del compositor gaditano en 2003, dentro del disco colectivo ‘Inocencia olvidada’. Su visión sigue un estilo pop-rock.

También interpretaron ‘Soy rebelde’ artistas como la brasileña Lilian, el catalán Albert Pla, los colombianos Adriana García y Elkin Calderón, la mexicana Jolette, del programa ‘La academia’; Fernando Caro, Pastora Soler e India Martínez, la francesa Nathalie Cardone, El Noi del Sucre y la también azteca Regina Orozco.

BIOGRAFÍA

Janette Anne Dimech Rued (Londres, 1951), conocida en el mundo musical como JEANETTE, porta en su sistema circulatorio una mezcolanza de sangre. Su padre era un belga nacido en el Congo, pero de ascendencia maltesa, y su madre, una canaria con orígenes ingleses. A ello hay que unir que, pese a nacer junto al Támesis, su niñez transcurrió en Los Ángeles y su adolescencia en Barcelona, tras el divorcio de sus progenitores cuando tenía trece años.

Fue en la Ciudad Condal donde esta joven cosmopolita y con carácter, algo nada presumible por su voz y maneras dulces, se adentró en el mundo de la música como vocalista del grupo Pic-Nic. El quinteto llevó a la fama su imagen bohemia e ingenua tras grabar tres singles y un LP.

Pero en 1969 Jeanette optó por el matrimonio y se casó con un austriaco que la llevó a residir a Viena, donde nació su hija. Cuando parecía que se había alejado definitivamente del espectáculo, la discográfica Hispavox la convenció para que iniciara una carrera en solitario. Por ello en 1971 regresó a Barcelona para grabar ‘Soy rebelde’, cuyo single se vendió de forma extraordinaria.

Luego llegaron ‘Estoy triste’ (1972), ‘Palabras, promesas’ (1973) y ‘Por qué te vas’ (1974), canción compuesta por José Luís Perales que saltó a la fama cuando fue elegida para formar parte de la banda sonora de la película ‘Cría cuervos’ (1975), de Carlos Saura. Se vendieron millones de copias de este tema, que triunfó en Francia, Alemania y Holanda. Ello permitió que Jeanette cantara en el mítico Olympia de París.

Un excelente disco grabado en Francia en 1977, pero que tuvo nula repercusión en España, llevó a la londinense a tomarse un receso. Regresó en 1981 con el larga duración ‘Corazón de poeta’, compuesto también por Manuel Alejandro, editado por RCA y recibido con entusiasmo por el mercado gracias a los temas ‘Frente a frente’ y ‘Corazón de poeta’.

En la discográfica intentaron repetir la fórmula con ‘Reluz’ (1983), pero no funcionó. Tampoco ‘Ojos en el sol’ (1983) y Jeanette abandonó RCA para enfocar su carrera en el extranjero. En 1989 protagonizó un nuevo intento de introducirse en las listas de éxitos nacionales con el 33 revoluciones ‘Loca por la música’, editado por la casa independiente Twins. La producción de Luis Gómez-Escolar y Julio Seijas no bastó para ganarse la complicidad de los aficionados.

En la década de los noventa se aferró a la moda de la nostalgia y recorrió toda España con el espectáculo ‘Mágicos 60’, que compartió con otros históricos como Tony Ronald, Lorenzo Santamaría, Micky y Karina.

Ahora se ve poco sobre los escenarios a esta mujer que, si no fuera por la música, probablemente habría encaminado su actividad profesional hacia oficios como piloto o azafata de vuelo, como soñaba en su niñez. Atrás queda una carrera quizá no suficientemente reconocida, pese a la gran influencia que ejerció en artistas posteriores como Ana Torroja. En la actualidad Jeanette reside en Madrid.

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Con este tema, con el que en 1973 se impuso en el Festival de Benidorm, el cordobés huyó de la canción protesta, que era la corriente más abrazada en aquella época. Se limitó a hablar de una mujer, porque a él no le interesaba la política. Se circunscribía al amor, al mar y a las flores, sin más consideraciones metafísicas. Siempre ha querido ser autentico, sin parecerse a otros.(...)
Read the rest of Emilio José – Soledad (761 words)

Durante décadas siempre se habló de que Emilio José empleaba el nombre femenino que dio título a la canción como una metáfora del significado semiótico de la palabra. Hubo quienes quisieron leer entre sus estrofas el mensaje de lo natural que puede llegar a ser el convivir con la soledad y olvidar la búsqueda de aquél que nos justifique la existencia. «En las noches claras, resuelvo el problema de la soledad del ser. Invito a la luna y con mi sombra somos tres», decía la genial poetisa Gloria Fuertes.

Sin embargo, el propio Emilio José lo aclaró todo a uno de sus fans. «Soledad era una niña maravillosa que venía conmigo al colegio cuando éramos niños. Y desde la distancia, en época de emigrante andaluz a Cataluña, la nostalgia y el recuerdo me la traían a la memoria. Ella es como la ves en la canción, una criatura primorosa que no sabe que es hermosa, como tampoco lo sabe la flor. Simplemente lo es y así se muestra a la vida». Por supuesto, ya no queda nada por decir.

‘Soledad’ fue muy rentable para Emilio José. No sólo le dio el nombre que todavía tiene para los nostálgicos, sino que económicamente le proporcionó buenos resultados. Incluso en la actualidad sus royalties le dan beneficios, porque su composición es habitual en los repertorios de otros cantantes y de orquestas. Además, se vendió en numerosos países y fue grabada en diferentes idiomas.

‘Soledad’ asimismo cruzó los mares para conquistar corazones del otro lado del Atlántico. También realizó giras por Portugal, Francia, Grecia, Finlandia, Alemania y Estados Unidos. Sin duda ha sido el buque insignia de su carrera.

http://youtu.be/W_bYpZr6YCM

Soledad es tan tierna como la amapola
que vivió siempre en el trigo sola
sin necesitar de nadie, ay mi soledad

Soledad es criatura primorosa
que no sabe que es hermosa
ni sabe de amor ni engaños, ay mi soledad

Soledad vive como otra cualquiera
en la aldea donde naciera
lava, cose, llora y ríe, ay mi Soledad

Pero yo la quiero así distinta
porque es sincera
es natural como el agua que lleva
corriendo alegre desde el manantial
no sabiendo ni adonde va
que feliz vive mi soledad

Soledad es tan bella como una paloma
y tan clara como el sol que asoma
por entre matorrales, ay mi soledad….

VERSIONES

La cantante griega NANA MOUSKOURI grabó ‘Soledad ‘ en los ochenta y le dio una dimensión internacional con más dos millones de discos vendidos en Europa.

http://youtu.be/uEqdvgBhcRY

Muchos años después de su triunfo en Benidorm Emilio José regrabó la canción a dúo con la guipuzcoana AMAYA SAIZAR.

http://youtu.be/_ixE9wHj9oY

Y también eligió como pareja a PALOMA SAN BASILIO.

El desaparecido crooner catalán JOSÉ GUARDIOLA interpretó este tema junto al francés Robert Jeantal.

EMILIO JOSÉ fue, es y será un cantautor. Nació con esa condición en la localidad cordobesa de Fernán Núñez en 1950 y morirá sin poder desprenderse de ella. Hijo de maestros de escuela su destino parecía que también le encaminaba hacia la docencia, pero una guitarra se cruzó en su adolescencia y le convirtió en artista durante su estancia en Barcelona, adonde sus padres y sus seis hermanos se trasladaron en busca de una mejor vida. Pero al poco Emilio José recayó en Madrid.

Pronto comienza a componer, aunque sus primeros pasos profesionales los dio en trabajos de carácter administrativo, concretamente en banca. Aunque sus discos iniciales datan de 1972, no pudo abandonar esos empleos hasta que en 1973 ‘Soledad’ le convirtió en profesional de la música y construyó la fama que aún mantiene.

Sucesivas nuevas producciones, todas cargadas de calidad y mensaje, se sucedieron. Pero ninguna logró repiquetear como el tema que le dio el triunfo en Benidorm y en el resto del mundo hispano. Canciones como ‘Mi barca’, ‘Puerto de mar’, ‘Barrio de marineros’, ‘Campo herido’, ‘Por un adiós’, ‘Un paso adelante’… y más de una veintena de discos han forjado una carrera que todavía tiene campo en el que desarrollarse amparada en su creatividad, su originalidad y «una extraordinaria voz que puede acariciarte el alma o hacerte tocar el cielo con los dedos», como dijo el poeta y escritor andaluz Antonio Hernández.

Emilio José, primo del político Julio Anguita, recientemente ha vuelto a la actualidad gracias a una polémica con un joven cantante de igual nombre. El cordobés tiene registrado ese nombre en la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes (A.I.E.) desde hace cuatro décadas, pero el nuevo Emilio José también lo reivindica porque es así como le bautizaron. La cuestión parece que deberán aclararla los tribunales.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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El final del verano siempre nos ha producido traumas. Bien porque en nuestra juventud se nos acababan las largas vacaciones escolares, como les ocurrió a los protagonistas de la serie, o bien porque ahora se agota el descanso estival en nuestra etapa laboral. Quedábamos o quedamos sumidos en la sensación de que nada volverá a ser igual.

‘Verano azul’ propulsó al Dúo Dinámico. Cuando ya habían pasado sus mejores años y la música disco restringía su campo de popularidad a los aficionados a la música que comenzaban a acercarse a su madurez, el invento de Antonio Mercero les presentó al público más joven en España, cerca de veinte años después de que ‘Amor de verano’ fuera publicado en 1963.

La canción fue diseñada con un ritmo machacón sobre el que, según algunos críticos, sus intérpretes rezan más que cantan para construir una preciosa balada que denota un cierto fervor religioso en su tratamiento, encomendando el único solo instrumental del tema a un saxo alto.

En el trasfondo, como dice el título, un amor de verano, de esos que nunca se materializan pero que dejan recuerdos agradables que perduran durante toda una vida. De los que nunca nos arrepentimos, porque de lo hecho por amor nunca hay que arrepentirse. Son amores imposibles, bonitos porque duran poco y no dan tiempo a que afloren nuestros lados oscuros. Por eso se rememoran como algo puro.

El final del verano, llegó y tú partirás
Yo no sé, hasta cuándo
Este amor, recordarás

Pero sé, que en mis brazos
Yo, te tuve ayer
Eso si, que nunca, nunca yo olvidaré

Dime, dime, dime amor
Dime dime que es verdad
Lo que sientes en tu corazón
Es amor en realidad

Nunca, nunca, nunca más
Sentiré tanta emoción
Como cuando a ti te conocí
Y el verano nos unió

El final del verano, llegó y tú partirás
Yo no sé, hasta cuándo
Este amor, recordarás
Pero se, que en mis brazos
Yo, te tuve ayer
Eso si, que nunca, nunca yo olvidaré.

VERSIONES

‘Amor de verano’ en el mítico epílogo de ‘VERANO AZUL’. A llorar toca.

El Dúo Dinámico cantó esta canción con CARLOS BAUTE para un programa de televisión.

VÍCTOR NARANJO versionó en directo esta obra de Manolo y Ramón durante una actuación que protagonizó en Hospitalet en 2008.

El éxito de la segunda etapa de ‘Amor de verano’ fue de tal dimensión que el mundo de la PUBLICIDAD recurrió a esta canción con profusión. Por ejemplo,Telefónica lo utilizó para lanzar una campaña de captación de clientes al final de un estío.

DÚO DINÁMICO tienen el honor de ser los primeros ídolos juveniles de la música pop española y el mérito de seguir en activo casi sesenta años después. Constituyeron un fenómeno social que nunca ha sido valorado en su justa medida y que incluso debería ser objeto de un estudio universitario.

Hay que remontarse hasta 1956 para relatar cómo Manuel de la Calva y Ramón Arcusa coincidieron en su primer empleo en una fábrica de motores de aviación de Barcelona, su ciudad natal. En la fiesta de Navidad de la empresa de 1958 ambos cantaron juntos algunas canciones y sus compañeros les alentaron a intentar rentabilizar su talento.

Así, comenzaron a actuar en clubes. Pero es una interpretación que realizaron en Radio Barcelona con el nombre de Dinamic Boys la que les promocionó. Sin embargo, el locutor, muy afecto al régimen imperante en aquella época, odiaba todo lo que no era español y les cambió el nombre por el de Dúo Dinámico.

Un año después consiguieron su primer contrato discográfico, abandonaron sus puestos en la fábrica y se lanzaron a la música profesional con gran acogida del público, que los aceptó como una de las principales atracciones juveniles del país. Su buena imagen, un repertorio acertado y versiones de temas anglosajones e italianos hicieron el resto en una época de despegue económico.

Llegaron asimismo algunas películas y aparecieron sus grandes éxitos. Tales como ‘Quince años tiene mi amor’, ‘Quisiera ser’, ‘Esos ojitos negros’, ‘Como ayer’ o ‘Somos jóvenes’, que se vendieron a miles en España y Sudamérica. Consiguieron incluso tener hasta su propia revista.

A finales de los sesenta Manolo y Ramón comenzaron a tener un pequeño bache porque los nuevos tiempos estaban presididos por conjuntos y solistas que dejaron un poco de lado al formato dúo. Por eso, se volcaron en la composición, naciendo temas como’ La, la, la’, inicialmente destinado a Joan Manuel Serrat y finalmente vencedor de Eurovisión en 1969 con la voz de Massiel. Por aquella época también aportaron temas a Miguel Gallardo, Manolo Otero, Víctor y Diego, Camilo Sexto, Julio Iglesias, Los Chunguitos o José Vélez.

El éxito discográfico del Dúo Dinámico declinó, pero no así sus galas, en las que todavía siguen inmersos – pese a algunas fases de descanso– en la actualidad, ya ancianos.

Los reconocimientos a su trabajo les han llevado a conseguir, entre otros galardones, la Medalla al Mérito en el Trabajo.

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