De cualquier manera siempre es buen momento para rendir el homenaje que se debía a Frank Sinatra. Lo haremos apoyados en la canción ‘My Way’, quizás la que está unida con mayor solidez a su extraordinaria carrera. El genial estadounidense la grabó en 1968 y consiguió dotarla de la popularidad que su creador, el francés Claude François, no consiguió un año antes bajo el título ‘Comme d’abitude’.(...)
Read the rest of Frank Sinatra – My way (A mi manera) (1,413 words)

El tema original llegó a Estados Unidos de la mano de otro histórico crooner, Paul Anka, que por 2.000 dólares compró los derechos de la obra de François tras escucharla durante unas vacaciones en la tierra de los galos. Cambió su letra y hasta rehízo la música para transformarla en la obra que alcanzó la trascendencia que hoy goza. El canadiense, consciente de su potencial, se lo ofreció a Sinatra durante una cena en Florida y el italonoamericano acabó por redondear el producto con su garganta. La transacción se cerró por 40.000 dólares. Ahora es imposible calcular el dinero que obtuvo Sinatra con su explotación. Millones y millones.

‘My Way’ dio a Sinatra algo más que dinero. Por aquella época atravesaba uno de los momentos más duros de su carrera por el auge del rock, la estelar irrupción de The Beatles y la eclosión musical de los sesenta unida al movimiento hippy. Dicen que incluso llegó a barajar la posibilidad de retirarse. «Me salgo del negocio, estoy harto de esto», confesó a Anka, según desveló éste en una entrevista de 2007. Afortunadamente no lo hizo. Se apoyó en el sonido melódico de ‘My Way’, algo más moderno del que era habitual en su repertorio inicial, para volver a lo más alto. Ya nunca más se bajó del trono.

Aunque ‘My Way’ jamás estuvo en los puestos de cabecera de las listas de éxito de 1969 –cuando salió al mercado–, sí se ancló en ellas durante más de un año. Desde entonces la creación más representativa y emblemática de La Voz es considerada una de las creaciones musicales más hermosas de todos los tiempos. Todos conocemos ‘My Way’, todos hemos intentado entonarla alguna vez, todos reconocemos su calidad y hasta todos, aunque no lo admitamos en público, nos hemos visto alguna vez emocionados por sus notas.

Porque es la banda sonora de la historia de la música contemporánea siempre estará ahí por mucho que los años pasen. La trascendencia de este icono y su conversión en un símbolo musical y cultural en todo el mundo son tales que el Gobierno soviético de Mijaíl Gorbachov se refería a su política de no intervencionismo en los asuntos internos de los demás miembros del Pacto de Varsovia como la ‘doctrina Sinatra’, cada uno a su manera.

Aunque la composición primitiva de Claude François se refería a la reciente ruptura sentimental del artista con la también cantante France Gall, la adaptación de Anka versa acerca de un hombre que reflexiona sobre su vida con un amigo cuando se acerca a la muerte. Nos habla de opciones y del modo de decidir sobre ellas. A lo largo de nuestra existencia estamos obligados a elegir entre muchas alternativas. Cada una marca nuestro futuro. Cada determinación nos obliga a definirnos y escoger nos lleva a avanzar en nuestra evolución personal.

La vida es tan fácil como difícil, pero se convierte en muy complicada si nos engañamos a nosotros mismos. Las cosas podemos contarlas con mil verbos, pero el relato más válido es siempre el que realizas a tu manera. Los desafíos hay que resolverlos con nuestros propios medios. ‘My Way’, por tanto, es un culto a la personalidad. La ‘doctrina Sinatra’ exige ser también uno mismo cuando llega la hora de afrontar dificultades. ‘My way’ no deja de ser un ejercicio de autoayuda que apuesta por el valor de seguir un camino propio.

Y ahora el final está aquí,
y entonces enfrento el telón
mi amigo, lo diré sin rodeos,
hablaré de mi caso, del cual estoy seguro

He vivido una vida plena,
viajé por todos y cada uno de los caminos
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Arrepentimientos he tenido unos pocos
pero igualmente muy pocos como para mencionarlos
hice lo que debía hacer
y lo hice sin exenciones

Planeé cada programa de acción,
cada paso cuidadoso a lo largo del camino
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Sí, hubo oportunidades,
estoy seguro que lo sabían,
cuando mordí
más de lo que podía masticar

Pero al final,
cuando hubo duda,
me lo tragué todo y luego lo dije sin miedo
lo enfrenté todo y estuve orgulloso,
y lo hice a mi manera

He amado, he reído y llorado
tuve malas experiencias, me tocó perder
y ahora, que las lágrimas ceden,
lo encuentro tan divertido

Pensar que hice todo eso
y permítanme decir, sin timidez,
‘oh, no, oh, no, a mí no, yo sí lo hice a mi manera’

Pues, ¿qué es un hombre? ¿qué es lo que ha conseguido?
si no es a sí mismo, entonces no tiene nada
decir las cosas que realmente siente
y no las palabras de alguien que se arrodilla

Mi historia muestra que asumí los golpes
y lo hice a mi manera

Sí, fue a mi manera

VERSIONES

Sinatra canta ‘My Way’ como nadie, pero son muchos los que, sin éxito, han tratado de emularle. De hecho se dice que es una de las canciones más versionadas de la historia. Sin embargo, La Voz será muchas veces imitado, pero nunca igualado.

Justo parece empezar con la canción original francesa que inspiró el tema que analizamos. Recordemos que la interpretó CLAUDE FRANÇOIS en 1967, bajo el título ‘Comme d’abitude’.

También parece obligado incorporar la adaptación que hizo PAUL ANKA. El canadiense la grabó hasta tres veces: en 1996 haciendo dúo con Gabriel Byrne para la película ‘Mad Dog Time’, en 1998 junto a Julio Iglesias y en 2007 con Jon Bon Jovi.

Entre quienes interpretaron ‘My Way’ asimismo estuvo el gran ELVIS PRESLEY.

La argentina ESTELA RAVAL, antigua voz de Los Cinco Latinos, asegura que fue la primera en grabar el tema en castellano en 1970. Lo tituló ‘A mi modo’.

Por último, veamos cómo ANDRÉS CALAMARO convirtió la canción en un reggae.

La lista de los que han interpretado la composición de François-Anka es interminable. He aquí algunos nombres: Radiohead, Ray Coniff, Celine Dion, Gipsy Kings, Tom Jones, Pearl Jam, Il Divo, Charles Aznavour, Ana Gabriel, Aretha Franklin, Arturo Sandoval, Barry Gibb, Bert Kaempfert, Banda Toro, Bethelem, Björn ‘Speed’ Strid, Bertín Osborne, Cacho Castaña, Carlos Torres Vila, César Costa, Cheo Feliciano, Christopher Lee, Cliff Richard, El noi del sucre, Florent Pagny, Franck Pourcel, Frankie Laine, Glen Campbell, Green Day, Greta Keller, Joan Baez, José Carreras, José José, Kalimba Marichal, Kanye West, Khaled, Los del Fuego, Los Panchos, Los Piratas, Luciano Pavarotti, María Marta Serra Lima, Manolo Muñoz, Michel Sardou, Mireille Mathieu, Mika Nakashima, Nana Mouskouri, Nina Hagen, Nina Simone, Northern Kings, Paska, Paul Potts, Pearl Jam, Plácido Domingo, Pocho La Pantera, Polysics, Raphael, Richard Clayderman, Robbie Williams, Sandro, Sex Pistols, Shane MacGowan, Shirley Bassey, Sid Vicious, Siempre Así, Simon Cowell, The Strokes, Tom Jones, True Symphonic Rockestra, Vicente Fernández…

FRANCIS ALBERT SINATRA es, junto a Elvis Presley, el solista que más popularidad alcanzó a lo largo del siglo XX. Aunque lo mejor de su carrera lo ofreció en los años cuarenta y cincuenta, su trayectoria profesional se extendió hasta prácticamente su muerte, en 1998. Grabó más de 1.300 canciones y participó en medio centenar películas, además de recibir multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammy, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del Gobierno estadounidense. Como actor destacó por su gran actuación en la película ‘De aquí a la eternidad’, con la que obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto en 1953.

‘La Voz’ nació en 1915 en Hoboken, New Jersey, en el seno de una humilde familia de origen italiano. Inicialmente actuó como cantante de orquestas como las de Harry James y Tommy Dorsey, hasta que a finales de los treinta se convirtió ya en ídolo gracias a su voz melódica y los temas románticos que interpretaba. En los cuarenta comenzó a compaginar la música con el cine a través de un camino paralelo que prolongó hasta prácticamente su fallecimiento a causa de un ataque al corazón.

Durante su carrera lideró el célebre grupo de crápulas Rat Pack, formado por Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford, Shirley MacLaine, Angie Dickinson o Joey Bishop. Además fue colega de algunos de los mafiosos más célebres del momento.

Canciones como ‘My Way’, ‘Strangers in the Night’, ‘New York, New York’ o ‘I”ve got You under my Skin’ son reconocidas mundialmente y forman parte del acerbo cultural de todos los amantes de la música.

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La versión de Browne tuvo mayor impacto porque está dotada de un tono romántico del que carecía la original. Aboga por dejar de llorar por las cosas que han terminado y pasar a sonreír porque han existido. Mucha melancolía, pero el resto de tu vida comienza hoy. Adiós tristeza, adiós soledad. Cargada de frescura, sobre todo en sus directos. (...)
Read the rest of Jackson Browne – The Load Out / Stay – Live 1978 (837 words)

Como Browne han sido muchos los que han recurrido a ‘Stay’ para ofrecer su propia percepción de este tema. Es muy buena, por la energía que desprende, la protagonizada por Cindy Lauper en 2003. Asimismo son recomendables la visión ofrecida por el grupo británico de reggae Dreamhouse (1993) o la de The Hollies (1963). En su tiempo asimismo se hizo muy famosa la interpretación realizada por el propio Jackson Browne con Bruce Springsteen & The EE Street Band en el concierto contra las centrales nucleares de New York de 1979. Y en el capítulo de anécdotas había que decir que el cantante uruguayo Jorge Drexler la suele interpretar en sus conciertos, que fue incluida en la banda sonora de ‘Dirty Dancing’ (1987) para que se lucieran Patrick Swayze y Jennifer Grey o que incluso Miley Cyrus se ha atrevido con ella. Qué inconsciencia.

‘The load out’ está dedicada a los músicos y su vida en al carretera. Hace referencia concreta a los ‘rodies’, los acompañantes de los cantantes en las giras y que se encargan de preparar los equipos, de ejercer de ayudas de cámara durante las actuaciones y volver a empaquetar todo al terminarlas. También habla de la vida de los músicos, su paso por diferentes hoteles cada día, de ciudades que pisan pero que no pueden visitar cuando realmente quieren quedarse para conocerlas. La letra pide ampliar esos momentos, ampliar incluso el tiempo de actuación porque el cantante quiere cantar más, seguir más tiempo en contacto con su público.

El vídeo pertenece a una actuación realizada en Londres en 1978.

Ahora que todos se han ido
Los ‘roadies’ subirán al escenario
Para recoger y empacar los equipos
Ellos son los primeros en llegar y los últimos en irse
Trabajando por el mínimo salario
Armarán los equipos en el siguiente pueblo

Esta noche el público fue increíble
Haciendo fila para entrar
Y ya dentro, cuando se pusieron de pie, el show fue de ellos
Y eso fue tan bonito
Pero ahora puedo oír el sonido
Del abrir y cerrar de puertas y del recoger de sillas
Y ese es el sonido que el público nunca escuchará

Ahora todo se guarda en sus estuches
para ponerlos cerca de la rampa
Porque muchachos, cuando de poner todo en orden se trata
vosotros sois los campeones

Aunque cuando la última guitarra es guardada
Vosotros sabéis que yo todavía la quiero tocar
así que se aseguran que todo ha sido recogido
Y entonces sí, vienen por mi piano.

Pero la banda está en el autobús
Esperando para irnos
Tenemos que viajar toda la noche para un show en Chicago
O Detroit, quién sabe

Hacemos tantas presentaciones seguidas
Que todas las ciudades parecen lo mismo
Total, pasamos nuestro tiempo en un hotel
O dando vueltas detrás del escenario
Hasta que las luces se encienden y escuchamos a la multitud
y entonces recordamos para qué vinimos

Ahora en el autobús nos adentramos hacia el oeste
escuchamos punk y música disco en casetes de alta calidad
Pasamos por hermosos pueblitos y leemos revistas
Vemos camioneros hablando por sus radios

Miramos una película de Richard Prior
Y pensamos en nuestros seres queridos
Mientras los kilómetros pasan y pasan
y el único tiempo que parece ser tan corto
es aquel cuando nos estamos presentando.

El público tiene el control sobre nuestro show
Puede sentarse y esperar
O puede gritar y animarnos
Vamos, todos juntos cantemos esta canción

Vosotros sabéis que nada puede salir mal
Ya que mañana cuando el sol salga
despertéis en vuestra propia ciudad
Mientras que nosotros estaremos presentándonos
A mil kilómetros de aquí.

Gentes, quédense un poquito más
Queremos tocar sólo un poco más
Al promotor no le importará

Ni tampoco al sindicato
Si nosotros tocamos un poquito más
Y olvidándonos de todo cantamos
Una última canción.

Oh, se quedarán verdad? Sólo un poquito más
Por favor, por favor, digan que sí
Digan que se quedarán

Al promotor no le importará
Ni tampoco al sindicato
Si nosotros tocamos un poquito más
Y olvidándonos de todo cantamos
una última canción

Jackson Browne es un cantautor estadounidense, aunque nació en Alemania por un destino de su padre. Realmente se crió en Los Ángeles, donde desde los tres años era muy popular por cantar folk en locales de la principal ciudad de la costa oeste.

Siempre enfocó su vida hacia la música. De hecho sus estudios universitarios los realizó también sobre este arte. Sus primeras composiciones las utilizaron otros cantantes como Tom Rush, Steve Noonan o Eagles hasta que de pronto alguien le convenció de que por qué se iban a beneficiar otros de sus creaciones. Desde entonces ha vendido más de diecisiete millones de álbumes sólo en su propio país. El single de ‘Stay’ fue adquirido por más de veinte millones de fans. Paradójicamente el tema que le elevó a los altares es de los pocos que interpreta que no es suyo.

A su prestigio como músico se une su fama de hombre honrado, serio, comprometido por la defensa de los derechos civiles.

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‘Centro de gravedad permanente’ constituyó el impulso definitivo para el siciliano, hasta entonces circunscrito a un público minoritario, básicamente de su propio país. Aunque hay quien piensa que sus letras se confeccionan como las listas de la compra y que realmente tras ellas no hay mensaje, otros descubrimos una poética espiritual, con referencias a la ciencia, a la aldea global… Es decir, una intelectualidad ecléctica de difícil compresión para las masas. Una entelequia, al fin y al cabo.

Para acceder a cierta dimensión de su obra hay que comprender previamente su personalidad. La canción de la que hablamos hoy puede hablarnos de ella. Se trata de un grito de desesperación del propio Battiato en su búsqueda de la normativa que rige su propio universo.

Este himno de los himnos del veterano transalpino se editó en 1981 y pronto fue reconocido como una pequeña gran joya en la que recupera algo de su etapa de experimentación sonora o de la de beligerancia humanística, derivando hacía un rock progresivo y experimental con influencia de la ópera. Vendió más de un millón de copias.

Trata de dejarnos claro que mantenerse vivo después de vivir es muy complicado y que ser feliz tampoco es fácil tras una existencia tan dolorosa como la de los humanos, muñecos con el centro de gravedad por debajo del centro geométrico. Minimalismo existencial, sin duda, el de Battiato. Siempre en la búsqueda de la integridad y el equilibrio.

Los centros de gravedad permanentes son, según el italiano, personales. Se basan en cosas como la familia o la ideología pasando por la pasión o la religión. Proporcionan un equilibrio mental, emocional y social. Tal vez trasladan el deseo de que nada te aliene el pensamiento.

El videoclip que ilustró la canción tampoco tienen desperdicio. En él podemos observar a Battiato deasafiando la fuerza gravitatoria, o sea buscando su centro de gravedad muy ochentero. Histriónico en su autoparodia se ríe de sí mismo y de todos los que le ven.

Una vieja de Madrid con un sombrero,
un paraguas de papel de arroz y caña de bambú.
capitanes valerosos,
listos contrabandistas noctámbulos.
jesuitas en acción
vestidos como unos bonzos
en antiguas cortes con emperadores
de la dinastía Ming

Busco un centro de gravedad permanente
que no varíe lo que ahora pienso
de las cosas, de la gente,
yo necesito un
centro di gravità permanente
che non mi faccia mai cambiare idea
sulle cose, sulla gente.
over and over again

En las calles era mayo y caminábamos juntos
contando entre bromas manojos de ortigas
no soporto ciertas modas,
la falsa música rock, la new wave española,
el free jazz, punkie inglés,
ni la monserga africana.

Busco un centro de gravedad permanente,
que no varíe lo que ahora pienso
de las cosas, de la gente,
yo necesito un
centro di gravità permanente
che non mi faccia mai cambiare idea
sulle cose, sulla gente.
over and over again

VERSIONES

La interpretación original EN ITALIANO es conveniente verla también.

LA MONJA ENANA firmó asimismo una original y fresca revisión.

FRANCO BATTIATO lleva en el mundo de la música cerca de cincuenta años, en los que nos ha ofrecido más de treinta discos de estilos tan diversos como su propia personalidad. Aunque su mayor éxito lo obtuvo en la década de los ochenta del pasado siglo con canciones como ‘Cuccurucucu’, ‘Yo quiero verte danzar’, ‘Bandera blanca’, ‘’La vía lactea’, ‘La estación de los amores’ o la analizada ‘Centro de gravedad permanente’, sus originales letras han pervivido hasta la actualidad.

Extraño e inclasificable, el siciliano ha conseguido encaramarse a una posición que le describe como uno de los músicos europeos y mundiales más conocidos y respetados por sus seguidores, poseedores de un fervor cuasirreligioso. Battiato, que vive refugiado en la casa de su madre en Catania, a los pies del Etna y lejos de la industria discográfica, ha sabido tejer a su alrededor una leyenda de amor y odio en torno a sus inquietudes y maneras de concebir la música.

Su pop cercano al techno ha sido perfectamente radiable y quizás en eso radica su éxito, a pesar de la dificultad de sus creaciones sobre el cosmos o la inmensidad de cosas, que no podemos comprender.

Su creatividad ha sabido también trasladarse de la música al cine y la pintura, con varias películas y exposiciones de su obra por todo el mundo.

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Post tags: Catania, Charlie Mysterio, Etna, La Monja Enana, Los Caramelos

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Su formación jazzista no le impidió que, en la década de los ochenta, cuando ya contaba con casi sesenta años, se introdujera con desparpajo en la música de baile con mucho éxito gracias a la producción de Jacques Morali y Henri Belolo, que también trabajaban con Village People, Patrick Juvet o The Ritchie Family.

El gran estandarte de esa incursión fue ‘This is my life’, que se hizo con un sitio constante en las radiofórmulas de todo el planeta. Su voz peculiar y su imagen no ayudaban mucho en aquellos momentos de culto a la belleza, pero el talento supo imponerse.

Su popularidad también llegó a España, donde estuvo en los lugares más altos de las listas de éxitos y donde actuó por primera vez en 1986 para participar el programa de variedades ‘Entre amigos’, dirigido y presentado por José Luis Moreno. También ‘This is my life’ fue utilizada por Televisión Española para conformar la banda sonora de un reportaje sobre Fórmula Uno que tuvo mucha aceptación, a pesar de que todavía Fernando Alonso no había llegado a ese mundo.

Su repunte profesional se basó en gran medida en el éxito que esta canción tuvo en el público gay, a lo que ella correspondió con actuaciones gratuitas para recaudar fondos para la lucha contra el sida. Como ocurrió a lo largo de toda su vida, esta mujer volvió a adelantarse a su tiempo al apoyar a los portadores de la enfermedad, considerada una lacra de la que la mayoría de los artistas huía con pavor.

¿Y el mensaje que nos traslada ‘This is my life’? Creo que es un ejercicio de reafirmación personal después de ver morir un amor que fue tan intenso como maléfico. La vida continúa y ella es capaz de vivirla si él. Dolerá, pero ya dolía antes, cuando todavía la relación existía. Es mejor caminar con un dolor que se curará que estar quieto con otro que no tiene remedio.

Pase lo que pase, nuestra vida es nuesta y la debemos vivir como queremos y con quien queremos. La vida es corta y hay que sentirla al máximo. Como decía el gran Sinatra en ‘My way’, es mejor hacer las cosas a nuestra manera. Siendo tú mismo, auténtico, fiel a tus principios, aunque siempre respetuoso con las ideas de los demás.

http://youtu.be/IHxcwbKB1MQ

Tú, tú puedes salir por la puerta
pensando que ganaste la guerra,
pero yo no estoy llevando la puntuación

Yo, yo estoy acostumbrado a este juego
gane o pierda es lo mismo,
siempre pierde alguien,
¡qué pena!

Deja de pensar que eres el mejor,
lanzaste los dados y no has ganado nada
no vas a tener una segunda oportunidad conmigo,
no es tan difícil de ver

Cada vez que me has hecho una jugada
te la pasé sin darle importancia,
porque sabía que yo tenía una jugada más alta,
así que enterate

Ésta es mi vida, ¿qué le voy a hacer?
La puedo vivir muy bien sin ti
Sin tus traiciones, sin tus sonrisas,
sin tus brazos ni tus ideas horribles

Ésta es mi vida, ¿qué le voy a hacer?
la puedo vivir perfectamente sin ti
Ésta es mi vida y sólo mía,
y si te vas, puedo vivirla por mí misma

Te crees que hiciste una ruptura limpia,
cuando sólo pensaste en tu propio bien,
no lo volverás a sentir otra vez

Yo, yo puedo ver cómo te vas,
sin ningún trozo de mi corazón,
sin dolor, sólo una sonrisa

Me gustaría decirte que ya te avisé,
pero ya no tiene sentido, nunca lo sabrás
Cuántas veces he intentado en vano alejar de mí el dolor
Comienzo por pensar que ya eres mi pasado,
nosotros dos no podíamos durar,
Este amor nuestro no estuvo bien planeado, entérate.

Ésta es mi vida, ¡qué le voy a hacer!
puedo vivirla muy bien sin ti
Sin sus sonrisas, sin tus ofensas,
sin sus brazos ni tus horribles ideas
Ésta es mi vida, ¡qué le voy a hacer!

VERSIONES

DJ PEDRO actualizó ‘This is my life’ en 2011.

EARTHA KITT, cantante y actriz con gran prestigio en Estados Unidos, fue una gran desconocida en Europa a pesar de que sus primeros pasos profesionales los dio en el Viejo Continente con el Dunham Dance Group, llegando incluso a actuar en 1948 frente a la familia real británica en Londres y protagonizando un show personal en el club nocturno Carrols de París.

Hija de una madre soltera de Carolina del Sur –su padre era blanco–, su infancia fue muy dura y a los ocho años tuvo que ser enviada a Harlem a vivir con una tía. En Nueva York descubríó que lo suyo era el espectáculo. Unos pasos titubeantes le obligaron a marchar a la Europa de postguerra acompañando a las tropas estadounidenses.

A su regreso, descubrió el mundo del cine gracias al contacto con figuras como Orson Welles, Nat King Cole o Sidney Poitier, que también la introdujeron en Broadway. Pero su mayor popularidad llegó gracias a la televisión y la serie ‘Batman’, en la que en los años sesenta encarnó a Catwoman. Fue la primera mujer afroamericana en interpretar ese papel. Su carrera fue premiada con dos Emmy, entre otros galardones.

Luego en los ochenta probó suerte y la obtuvo, con la música disco y canciones como ‘Where is my man?’, ‘I don’t care’, ‘This is my life’ o ‘I love man’. En el pasado ya había triunfado como temas como ‘Gatúbela’, ‘Je cherche un homme’, ‘C’est si bon’, ‘Let’s do it’, ‘My heart belongs to daddy’ y, sobre todo, ‘Santa Baby’.

Después de la exitosa experiencia con el pop volvió al jazz. Cantó en más de cien países hasta que en 2008 murió en Conneticut de un cáncer de colon a la edad de 81 años.

El carácter indómito forjado durante las estrecheces que pasó en su niñez hizo que siempre viviera acompañada por la polémica. Incluso fue vigilada por la CIA y su participación en los medios estadounidenses fue boicoteada tras sus duras críticas a la Guerra de Vietnam durante una cena de gala en la Casa Blanca con el presidente Lyndon B. Johnson.

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Pero cree entender que, ante la teoría que defiende la necesidad de no perder del todo nuestro yo infantil, sostiene que es imposible conservar la magia de la infancia. Sobre todo porque la educación que recibimos nos convierte en adultos sin imaginación, con escasa libertad de expresión y obligados a conformarnos con lo que la sociedad nos otorga por sistema. Eso nos crea tensiones internas y, en muchos casos, ver transitar nuestra vida sumidos en una confusión total.

‘The logical song’ es, por tanto, una historia de inocencia e idealismo perdido, una crítica hacia un sistema educativo que no prima el conocimiento y la sensibilidad, según especificaron en su día los miembros del grupo. Aboga la composición por la importancia de la libertad a la hora de decidir, hacer o luchar, sin permitir que otros decidan por nosotros.

Este tratato filosófico lo publicó Supertramp hace más de treinta años. Es una obra memorable que forma parte de la banda sonora de mi generación. Apareció primero en single, pero fue más conocida por su presencia en el álbum ‘Breakfast in America’ (Desayuno en America), aquel que extendió la fama del grupo a todo el planeta gracias a su escalada a los lugares más altos de las listas de éxitos.

‘The logical song’ es una composición de Roger Hodgson cuasi perfecta. Dotada de un sonido muy particular e inconfundible, produce sensaciones y sentimientos muy diversos como la tristeza y la melancolía o la languidez. Podríamos encasillar este tema en el rock sinfónico o el progresivo, pero envuelto con una precioso papel pop, que lo convirtió en universal y ya histórico. Una base entramada en torno a un teclado eléctrico de la que surgen unas castañuelas, un saxofón, una guitarra tocada con una fuerte influencia de Los Beatles y hasta unos sonidos que provienen de un primitivo juego digital.

http://youtu.be/5k3JVfxluFU

Cuando era joven, la vida parecía tan maravillosa,
un milagro, era bella, mágica
Y todos los pájaros en los árboles, cantando felizmente,
Alegre y juguetonamente me miraban
 
Pero luego me mandaron a aprender a ser sensato,
lógico, responsable, práctico
Y me mostraron un mundo en el que podría ser formal,
frío, intelectual, cínico.
 
Hay momentos, cuando todo el mundo duerme,
En que las preguntas se presentan demasiado profundas
Para alguien tan sencillo como yo
 
¿Podríais decirme, por favor, qué es lo que hemos aprendido?
Sé que suena absurdo pero, por favor, decidme quién soy.
Ahora ten cuidado con lo que dices
O te llamarán radical, liberal, fanático, criminal

¿No quieres apuntarte?
Nos gustaría sentir que fueras aceptable, respetable, presentable, un vegetal.
Y a la noche, cuando todo el mundo duerme,
Las preguntas se presentan demasiado profundas
Para alguien tan sencillo como yo.

¿Podríais, por favor, decirme qué hemos aprendido?
Sé que suena absurdo
Pero, por favor, decidme quién soy.

VERSIONES

Las revisiones de este gran tema son abundantes. Por ejemplo la firmada por ALEJANDRO LIRES.

‘The logical song’ asimismo ha sido interpretada por FLEURINE, acompañada al piano por BRAD MEHLDAU.

http://youtu.be/fUMf3daljkM

Potente cóver el ofrecido por el grupo aleman de power metal melódico AT VANCE.

http://youtu.be/1F1da-sdtjQ

Los parisinos PINK TURTLE realizaron una versión peculiar.

http://youtu.be/LYnf8QA-rac

THE HEE BEE GEE BEES se atrevieron con una parodia como ‘The scatological song’.

La banda alemana SCOOTER sacó al mercado en 2001 el single ‘Ramp! (The logical song)’.

http://youtu.be/IthFYqHiVCA

Asimismo 2007 la banda germana de hands up RAVE ALLSTARS hizo un remake.

http://youtu.be/bebL7zFej2U

En un disco de tributo a Supertramp ‘The logical song’ fue interpretada por MICKEY THOMAS (STARSHIP), STEVE MORSE (DEEP PURPLE, FLYING COLORS) y TONY KAYE (YES).

http://youtu.be/tkg05_7AQW4

‘The logical song’ ha sido incluso incluida en programas de televisión como ‘THE SIMPSONS’ y ‘HISTORY ROCKS’ o en la banda sonora de la película ‘MAGNOLIA’ (1999).

Los británicos de SUPERTRAMP comenzaron a escribir su historia en la revista ‘Melody maker’, en cuya sección de anuncios en 1969 el pianista y batería Rick Davies requirió músicos para forma una nueva banda. Acudieron Roger Hodgson (voz, guitarras y teclados), Richard Palmer (guitarra, balalaika y coros) y Robert Millar (percusón y harmonica). Luego, años más tarde, llegaron Dougie Thomson (bajo), Bob Siebenberg (castañuelas) y John A. Helliwell (Saxo alto y coros).

A a mediados de los setenta tuvieron su época de mayor esplendor con éxitos como ‘Give a little bit’, ‘The logical song’, ‘Dreamer’, ‘Take the long way home’, ‘Breakfast in America’, ‘Fool’s overture”, ‘Forever’, ‘And the night’, ‘Better days’, ‘Human nature’ o ‘School’, entre otros. 

De cualquier manera su éxito como grupo no les hizo populares individualmente salvo a Hodgson. Por ello, los integrantes de Supertramp se jactaban de poder caminar tranquilamente por la calle sin ser reconocidos.

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Canción triste, deprimente para algunos, fue sin embargo una referencia para el pop de los ochenta, dominado principalmente por británicos y estadounidenses, pero esta vez invadido por esta banda de Berlín. Con su pulcritud en los sintetizadores y la versatilidad en la voz de Marian Gold esta deliciosa melodía encandiló a media Europa.

El pop electrónico de ‘Forever young’, con un ritmo pegadizo y sin excentricidad, se difundió con facilidad y ha logrado superar el paso del tiempo porque todavía suena contemporáneo, lo que ha permitido incorporar nuevos seguidores a aquellos que ya adoramos este tema en los ochenta.

Nos habla de un sentimiento tan humano como el de querer ser joven para siempre. «El cielo puede esperar» es toda una declaración de principios. Todo lo contrario de lo que defendía Mick Jagger hace ya cincuenta años, cuando decía que había que morir joven para tener un cadáver con buena pinta. Por cierto, creo que ya es septuagenario.

Bailemos con estilo, bailemos un rato,
el cielo puede esperar, nosotros sólo estamos mirando los cielos
con la esperanza de lo mejor, pero esperando lo peor,
¿vas a soltar la bomba o no?

Muramos jóvenes o vivamos para siempre,
no tenemos el poder, pero nunca decimos nunca,
sentado en la arena, la vida es un viaje corto,
la música es para los hombres tristes.

¿Te imaginas cuando se gane esta carrera?
Volver nuestros rostros dorados al sol,
alabando a nuestros líderes nos estamos uniendo,
la música es interpretada por los locos.

Joven para siempre, yo quiero ser joven para siempre.
¿Realmente quieres vivir por siempre y para siempre?
Algunos son como agua, algunos como el calor,
algunos son una melodía y algunos son el latido,
tarde o temprano todos se irán,
¿por qué no permanecen jóvenes?

Es tan difícil envejecer sin causa,
yo no quiero perecer como un caballo desolado.
La juventud es como diamantes en el sol
y los diamantes son para siempre.

Tantas aventuras podrían suceder hoy,
tantas canciones nos olvidamos de cantar,
tantos sueños se nos escapan,
¡dejemos que se hagan realidad!

VERSIONES

En 1985 Alphaville grabó también una versión de baile titulada ‘Special Dance Mix’.

Alphaville asimismo hizo un remix en 2001.

La banda punk alemana DIE GOLDENEN ZITRONEN revisó ‘Forever young’ con el título de ‘Für immer Punk’.

Los australianos de YOUTH GROUP ofrecieron su cover en 2006 de género indie rock. De lo mejorcito tras el original.

Asimismo THE KILLERS lo interpretan en directo.

También han incorporado ‘Forever young’ a su repertorio grupos y cantantes como Temperance, DJ Company, Karel Gott, Ainbusk,  Pluto, Jay-Z, Tangerine Dream, Gregorian, One Direction, Kim Wilde, Brandi Carlile, Sam Concepcion o Pathfinder.

‘Forever Young’ está de actualidad en España por el musical que dirigido por EL TRICICLE recorre los escenarios de la península.

En el cine ‘Forever young’ sale al final de la película ‘HEROES’, de Pau Freixas. También está incluida en las bandas sonoras de ’ESCÚCHAME’ (1989) y ‘NAPOLEON DYNAMITE’ (2004), además de en infinidad de series de televisión.

ALPHAVILLE nació en 1982 cuando se juntaron Marian Gold (seudónimo de Hartwig Schierbaum), Bernhard Lloyd (nombre real Bernhard Gößling), y Frank Mertens (cuyo verdadero nombre es Frank Sorgatz)., aunque este último no pudo superar la presión del éxito inicial y pronto dejó su puesto a Ricky Echolette. Su apuesta por un tecno muy trabajado, un sonido limpio y composiciones siempre deslumbrantes llamó pronto la atención de una multinacional discográfica, en este caso Warner Music, con quien salieron al mercado en 1983.

Tanto su primer single ‘Big in Japan’ como ‘Forever Young’ labraron el género musical Synthpop de los ochenta y fueron ampliamente reconocidos por el público. El LP que los incluía llegó a vender dos millones de copias gracias a saber combinar las influencias de Kraftwerk y Roxy Music para lograr una mixtura de sonidos muy interesante.

No obstante, no supieron digerir el impacto de su primer álbum y en los siguientes trabajos no consiguieron mantener el éxito, aunque su carrera se extiende hasta la actualidad. Nuevas composiciones como ‘Red roses’, ‘Jerusalem’, “Romeos’ o ‘Dance with me’ les permitieron sobrevivir, con nuevos cambios en la formación pero sin decepcionar a sus fanáticos.

El trío cultivaba una imagen peculiar, con grandes flecos, ropa multicolor y los vaqueros doblados.

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Así descubrimos que el llamado Joe Cocker transalpino era poseedor de una de las voces más destacadas del panorama musical europeo. Pronto también valoraron su potencial artistas consagrados como Bono, Eric Clapton, Sting, Elton John, John Lee Hooker o Stevie Wonder, que colaboraron en algunas de sus canciones. Asimismo el divo Luciano Pavarotti se dignó a rozarse con Zucchero y su mezcla de música soul y blues.

En ‘Senza una donna’ canta a la tristeza que siente un hombre que camina errante sin descubrir el amor. Lo hace con una descripción que acaricia el alma y la traspasa con su voz rota. Para muchos fue uno de los mejores temas románticos de los ochenta, dotado de una delicada sensibilidad que triunfó en los distintos idiomas en que se interpretó el tema. Destacable es asimismo un grandioso solo de guitarra.

«Esta composición nació en una etapa difícil de mi vida. Me estaba separando de mi mujer e imaginaba un mundo sin ella ¿Quién me prepararía la comida? De golpe fue un éxito en todo el mundo», explicó durante una gira por Argentina el propio Zucchero (azúcar) con su imagen perenne, totalmente vestida de negro y coronada con su característico sombrero ya inconfundible

Yo siento que estoy gastando el tiempo… ¿Como estás?
Fuiste con él; ahora vuelves a verme… ¿Y qué tal?
Pero aquí, yo miro el mar
y ya ves: hasta me hice la comida

Aunque haya una herida más,
no voy a asustarme por vivir
Sin una mujer
no más pena, y sin dolor.
Sin una mujer

Voy a empezar mañana
Sin una mujer
es mi tortura y placer
Sin una dama, ja! Mejor así
No aceptaré
que quieras sobornarme

No insistas
Debes buscar un poquito más al fondo (del corazón)
Sí, aún lo tienes
Mi amor incandescente
mírame (mírame) ja, está ardiente

Aunque haya una herida más,
no voy asustarme por vivir
sin una mujer
no más pena, y sin dolor.
Sin una mujer

Voy a empezar mañana
Sin una mujer
es mi tortura y placer
Sin una dama, ja! mejor así

Y aquí miro el mar inmenso
y no se cuál es mi objetivo
Aunque haya una herida más,
no voy asustarme por vivir

Zucchero también grabó el tema EN CASTELLANO.

Para el mercado anglosajón se realizó EN INGLÉS ‘Without a woman’.

En 1991 PAUL YOUNG pidió a Zucchero grabar juntos una versión a dúo.

Recientemente SERGIO DALMA ha publicado ‘Senza una donna- Estoy bien así’, una revisión más que digna.

ZUCCHERO –nombre que le puso uno de sus maestros– Fornaciari es natural de un pequeño pueblo de escasamente mil habitantes incrustado en la Toscana, donde el rockero formó sus primeros grupos de rhythm y blues armado con una guitarra.

Algunas participaciones y éxitos en los tradicionales festivales veraniegos italianos le dieron la posibilidad de acceder al mundo del disco en 1983. Varios intentos sin demasiado éxito precedieron a la llegada de ‘Senza una donna’, el tema que le consagró y le permitió protagonizar una gira junto a Joe Cocker y Miles Davis.

Posteriormente, una vez adquirido el rango de estrella internacional, también actúo con Eric Captan y forjó una firme carrera con trabajos de gran calidad, reconocidos en todo el mundo.

En 1992 incluso aparece junto a los miembros de Queen en el concierto de tributo a Freddie Mercury en el estadio Wembley de Londres y consigue vender tres millones de copias con un álbum que recopila sus mejores obras.

Giras mundiales le permiten ya ser reconocido en todo el planeta, circunstancia que se apuntala con la publicación de ‘Baila (sexy thing)’, que, al igual que ‘Senza una donna’, fue número uno en infinidad de países. Su carrera sigue firme e incluso cuenta ya con continuación en la figura de su hija Irene Fornaciari, una gran voz que ya ha destacado en los escenarios con temas mayormente compuestos por su padre.

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‘Down under’ fue número uno en los principales países del mundo y se convirtió en un himno seudopatriota de nuestras antípodas. Incluso fue designada como epílogo de la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Sidney, en 2000.

Viajando en una furgoneta achicharrada 
en un sendero Hippie, completamente lleno de zombies, 
conocí a una mujer extraña.
Me puso nervioso, me alojó y me dio de desayunar 
Y dijo: «¿Vienes de la tierra de Australia? 
Donde las mujeres resplandecen y los hombres saquean 
¿No puedes escuchar, no puedes escuchar el trueno? 
Será mejor que corras, es mejor que te refugies»
 
Comprando pan a un hombre en Bruselas 
Medía seis pies de alto y lleno de músculos 
Yo dije: «¿Hablas en mi idioma?» 
El sólo sonrió y me dio un sándwich vegetariano 
Y dijo: «Yo vengo de la tierra de Australia 
Donde la cerveza fluye y los hombres hablan entre dientes 
¿No puedes escuchar, no puedes escuchar el trueno? 
Será mejor que corras, es mejor que te refugies»
 
Acostado en una guarida en Bombay 
Con una quijada floja y sin mucho que decir 
Le dije al hombre: «¿Estás tratando de tentarme? 
Porque yo vengo de la tierra de la abundancia» 
Y dijo: «¡Oh!, ¿Vienes de la tierra de Australia? 
¿Donde las mujeres brillan y los hombres saquean? 
¿No puedes escuchar, no puedes escuchar el trueno? 
Será mejor que corras, es mejor que te refugies»

POLÉMICA

Gran parte de su popularidad se debió también a que caminó acompañada por la polémica después de que la cadena de televisión británica BBC acusara a la banda de plagio del clásico tema infantil titulado ‘Kookaburra sits in the old gum tree’, compuesto en 1934 por una maestra.

La cosa acabó en los tribunales y los jueces de Sidney certificaron que existía una clara ‘imitación’, aunque fuera parcial. Los magistrados señalaron que había «un suficiente grado de similitudes objetivas como para pensar que se ha reproducido una parte».

Men at Work surgió en 1978 de la combinación de los talentos del vocalista Colin Hay y el guitarrista Ron Strykert. Inicialmente se unieron con el único objetivo de tocar en Melbourne, con la colaboración del batería Jerry Speiser.

Un año más tarde se incorporó el teclista Greg Sneddon, sustituido poco después por Greg Ham. Luego llegó el bajista John Rees para constituir la formación definitiva.

Aquella con la que se lanzaron al mercado discográfico en 1981. El éxito llegó en 1982 con el LP ‘Business us usual’, que arrasó en medio mundo gracias a ‘Down under’ y provocó las primeras deserciones de sus integrantes, hasta la disolución tras grabar en 1985 el último álbum.

Una corta pero intensa carrera, sólo prolongada por alguna gira póstuma y discos recopilatorios.

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‘Mr. Sandman’ se hizo popular en la versión que ofrecemos hoy, a cargo del cuarteto vocal femenino The Chordettes, en 1954. Fue compuesta el mismo año por Pat Ballard y producida y arreglada por Archie Bleyer. Su trabajo logró encaramarse a lo más alto del hit parade con mucha facilidad, llegando a colocar en el mercado más de un millón de copias del single.

Este tema pide un sueño que sea el más bello que nunca se ha soñado. Lo requiere una joven que se siente sola y quiere alguien a su lado. Alguien sexy, varonil y valiente. Sin embargo, se inspira en ‘Mr. Sandman’ (El hombre de arena), un personaje folclórico anglosajón que ayuda a los niños a dormir esparciendo arena mágica en sus ojos. De hecho, cuando un pequeño se frota los ojos suelen decir «Mr. Sandman se acerca».

La versión terrorífica hace referencia a una criatura precedida por un escalofriante susurro que sume a sus víctimas en un profundo sueño. ‘Mr. Sandman’ aprovecha para salir de sus escondite y devorarla.

http://youtu.be/oNuX7bs2qAM

Míster Sandman, tráeme un sueño,
Haz de él el más lindo que he visto nunca
Dale dos labios como las rosas en el trébol
Entonces dile que sus noches no son solitarias

Míster Sandman, estoy tan sola
No tengo a nadie para llamar mío
Por favor, enciende las luces mágicas
Míster Sandman, tráeme un sueño,
Míster Sandman, tráeme un sueño,

Míster Sandman, tráeme un sueño,
Haz de él el más lindo que he visto nunca
Dale la palabra que yo no soy un robot
Entonces dile que sus noches no son solitarias

Míster Sandman, estoy tan sola
No tengo a nadie para llamar mío
Por favor, enciende las luces mágicas
Míster Sandman, tráeme un sueño,
Míster Sandman, tráeme un sueño,

Míster Sandman, tráeme un sueño,
Dale un par de ojos con brillo
Dale un corazón solitario como Pagliacci
Y un montón de pelo ondulado, como Liberace

Míster Sandman, a alguien que me sujete
Sería tan color de rosa antes de que ser demasiado viejo
Así que por favor, encienda las luces mágicas
Míster Sandman,
Por favor, por favor, por favor,
Míster Sandman, tráeme un sueño

La canción ha tenido siempre gran relación con el cine porque, además de en las diferentes entregas de ‘Halloween’ también apareció en la trilogía ‘Regreso al futuro’ (en la versión de Four Aces), ‘Mr Nobody’ y ‘Philadelphia’.

Ballard asimismo adoptó la letra de su mejor obra a la temática navideña, bajo el título ‘Mr. Santa’.

También incorporaron ‘Mr Sandman’ a su repertorio artistas como Chet Atkins, Blue Diamonds, Marvin Gaye, The Supremes, Linda McCartney o los bilbaínos MOCEDADES.

The Chordettes, formado por Jinny Osborn, Nancy Overton, Lynn Evans y Carol Buschmann, adornó con sus voces melodías que constituyeron la banda sonora de la vida estadounidense de los años cincuenta gracias a su talento vocal .

Surgieron en Winsconsin hacia 1952 y fueron descubiertas por un programa de radio. Sin embargo, no firmaron buenos resultados comerciales hasta ‘Mr. Sandman’, que en 1954 las lanzó a la fama. Luego llegaron ‘Born to be keith Yyou’, ‘Eddie my love’, ‘Lollipop’ o ‘Never on sunday’, que les incorporó a los sesenta, década en la que la falta de éxito les llevó a disolverse. El grupo reapareció en 1990 con distintas componentes para ofrecer una serie de conciertos.

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Esta canción demoledora ha levantado al público de sus asientos cada vez que el grupo la interpretaba en un concierto. El emblemático single de Nacha Pop publicado hace ya más de treinta años constituye una de las páginas más frescas de la historia de la música pop de finales del pasado siglo.

Nació fruto de la poesía, la sensibilidad e la inspiración de Antonio Vega y la vitalidad, el descaro y la luminosidad de su primo Nacho García Vega, pero a medida que creció se hizo con su propia identidad, para pasar a formar parte de la cultura pop hispana. Según la revista musical ‘Rolling Stones’ «Antonio estaba haciendo la mili en Valencia y paseando por la playa de la Malvarrosa cuando empezó a darle vueltas a aquella historia de chicas y nostalgias».

Con el paso del tiempo ‘La chica de ayer’ ha derivado en un clásico eterno, incrustado en el cerebro de los que degustamos en primera persona la música que la llamada movida madrileña ofreció en los míticos ochenta, llenos de magia hipnótica y capaces de habernos dejado un legado que ha ganado con el paso del tiempo, al adquirir sabor, peso y personalidad, como el buen vino.

‘La chica de ayer’ es un todo por sí misma y una razón para amar el pop. Algunas prospecciones lo califican como el tema mas importante del pop de los ochenta. ¿Será porque te llega al alma y te estremece el corazón? Su letra divina, ese bajo que la abre, esa melodía, la voz de un joven Antonio y esa melancolía… Por muchas veces que la escuchemos, siempre nos emocionará.

ACTUACIÓN QUE NACHA POP OFRECIÓ EN TELEVISIÓN ESPAÑOLA EN 1980

Un día cualquiera no sabes que hora es,
te acuestas a mi lado sin saber por qué
Las calles mojadas te han visto crecer,
y tú en tu corazón estas llorando otra vez

Me asomo a la ventana eres la chica de ayer
Jugando con las flores en mi jardín
Demasiado tarde para comprender,
chica vete a tu casa no podemos jugar

La luz de la mañana entra en la habitación
tus cabellos dorados parecen el sol
Duermo por la noche me pongo a escuchar
Canciones que consiguen que te vuelva a amar
Me asomo a la ventana eres la chica de ayer

Demasiado tarde para comprender,
mi cabeza da vueltas persiguiéndote
mi cabeza da vueltas persiguiéndote
mi ca-ca-ca-cabeza da vueltas persiguiéndote
mi cabeza da vueltas persiguiéndote

Como toda gran canción, ‘La chica de ayer’ no ha podido escapar de la polémica y hay quien asegura que se trata de un plagio de ‘La caccia al bisonte’ de Gianni Morandi, de 1975, pero que en España no se publicó hasta 1980 en versión castellana e interpretada por el argentino Piero. Las acusaciones apuntan hacia Teddy Bautista, por entonces productor de Nacha Pop, al que las malas lenguas dicen que le gustaba inspirarse en otros temas. Ahora hemos descubierto que su moral también era distraída en otras facetas.

Lo cierto es que ambas canciones guardan algo de parecido en la línea melódica y en muchos acordes. Comparad vosotros.

‘La chica de ayer’ es una de las canciones mas versionadas de la historia del pop español. Tuvieron la valentía suficiente Enrique Iglesias, Undershakers, Germán Coppini o El canto del loco, sin olvidar a la Orquesta Sinfónica de RTVE. Incluso la banda norteamericana de power-pop Gigolo Aunts nos ofreció ‘The girl from yesterday’ en 2000.

Nacha Pop constituyó una bocanada de aire fresco en el pop español. Formado en 1978 durante la entonces recién nacida movida madrileña, el grupo lo integraron Antonio Vega, Nacho García Vega (guitarras y voces), Carlos Brooking (bajo) y Ñete (batería) y tuvo una década de vida en la que nos ofreció la magia que emanaba el choque de caracteres de los dos primos.

Desde su primer disco, publicado en 1980, tuvieron el apoyo del público, quizá porque en él se incluía ‘La chica de ayer’, su canción franquicia. Pero su técnica y su elegancia musical asimismo nos regalaron otras grandes composiciones como ‘Nadie puede parar’, ‘Grité una noche’, ‘Relojes en la oscuridad’, ‘El sueño’…

Una serie de deserciones –el primero en marcharse fue Ñene– hicieron tambalerar su estructura, que acabó por derrumbarse cuando Antonio Vega decidió irse tras grabar el doble directo. Con su huida se acabó Nacha Pop, porque era él quien atraía al público más diverso, quien era un fenómeno difícil de comprender, quien arrastraba un culto.

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