Con los años uno se va dando cuenta de que tiene una debilidad incurable por ciertos planteamientos musicales. Podemos tratar de envolverlo en farfolla teórica y pomposa, pero hay combinaciones de ingredientes que simplemente derriban todas nuestras defensas y nos disparan el deseo de volver a escuchar una canción. Y a mí no me suele fallar lo que podríamos llamar kraut juguetón, o quizá simplemente krautpop, es decir, la suma de elementos tomados del rock progresivo alemán de los 70, sobre todo en su vertiente más electrónica, con una actitud amigable, melódica, concisa, quizá un poco naíf. En nuestros protagonistas, ese ramalazo germánico no podía estar más expuesto. Caramba, se llaman Kling Klang, como los míticos estudios de Kraftwerk, uno de los centros de mayor poder místico de la historia de la música.

Kling Klang proceden de Liverpool y tienen una larga y accidentada carrera, porque empezaron allá por finales del siglo pasado. Pueden presumir del pedigrí de sus protectores, ya que los fueron cobijando bajo el ala grandes nombres como OMD, Mogwai o Portishead, nada menos. Claro que también pueden chulearse de enemigos temibles: en determinado momento, recibieron una cartita de Kraftwerk, o de sus abogados, diciéndoles que ya les valía de andar por ahí con ese nombre que habían robado con tanta desfachatez. Desaparecieron del mapa un par de veces, pero aquí están y se siguen llamando igual: acaban de lanzar su segundo álbum, Half Life (hay que tener en cuenta que el primero, recientemente reeditado, data de 2006) y siguen bordando lo que ellos describen como «destilaciones del espacio interior interpretadas con sintetizadores primitivos, batería y actitud». El disco, mayormente instrumental, abarca desde pasajes que pueden recordar al punk a la vez garajero y electrónico de The Screamers hasta otros que remiten al minimalismo de la electroacústica antañona, pasando por algunos de abigarramiento instrumental más progresivo, pero ya se habrán enterado de que a mí me priva lo juguetón, y ahí brilla el tema que da título al álbum, el último del lote, su canción más propiamente dicha.

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Post tags: canción de la semana, Kling Klang, Liverpool, Reino Unido

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Lo prometido es deuda, claro, y la semana pasada anticipábamos un lote de dos canciones a cargo de dos bandas de señores viejunos, ambas con el sexo en el nombre. Y aquí están, no vaya a parecer que tiento a las masas con clickbaits sin fundamento. Los primeros, los de arriba, lucen el llamativo nombre de Your Heterosexual Violence y, en fin, la primera vez que leí su historia pensé que se trataba de una broma, una fantasía, una falsa biografía. Principalmente, por dos razones. En primer lugar, no me encajaba nada que un grupo de los primeros 80 luciese un bautismo tan propio de nuestros días (y que además, siendo tan chocante en su época, yo no recordase haberme topado nunca con él). Y, en segundo lugar, no me cabía en la cabeza que unos tipos capaces de bordar una canción como esta House Outside The World hubiesen pasado sin pena ni gloria.

Pero leí en Louder Than War una entrevista con su vocalista y parece que sí, que es todo verdad, que se formaron en 1982 en Londres y se pusieron ese nombre ajeno a su tiempo y colaron algún tema en alguna recopilación y se disolvieron y volvieron a juntarse hace una década. Revitalizados además por la presencia juvenil y no binaria de la guitarrista y covocalista Jemma Freeman, acaban de editar su primer álbum, que demuestra que la creatividad y el desparpajo no tienen por qué arrugarse con los años: es un repertorio espléndido que brota del mismo tronco que The Fall o Alternative TV. De hecho, me gusta cómo, en esa entrevista que he enlazado, Brian O’Brien explica que ya entonces eran demasiado viejos para que sus influencias fuesen punk, porque lo que les había marcado en la adolescencia fueron Bowie, la Velvet, los Beatles y el folk: es lo mismo que le pasaba a Mark E. Smith, que su post-punk bebía de muchísimas referencias prepunk. Y ahora, olvídense de las burdas categorizaciones por edades y déjense llevar por esta canción de dos minutos y medio.

La otra banda hunde sus raíces, más o menos, en la misma época, pero en este caso aquellos antecedentes alcanzaron más renombre. The Sexual Objects son el proyecto actual de Davy Henderson, cantante y guitarrista escocés que encabezó en los últimos 70 y primeros 80 los reputados The Fire Engines, ídolos de triunfadores posteriores como Franz Ferdinand. Henderson es un tipo inclasificable que en cada fase de su carrera (estuvieron después Win y The Nectarine No 9) apuesta por un enfoque diferente, y la verdad es que no sé bien cómo clasificar a The Sexual Objects: a mí me hacen pensar en T.Rex, The Only Ones y Television, lo que probablemente signifique que no tienen tanto que ver con ninguno de ellos. Una de las peculiaridades de la banda es que, en las casi dos décadas que llevan en activo, han apostado por ir soltando discos casi clandestinos que muy pronto acaban descatalogados: de hecho, han pasado a la historia por haber editado un álbum con una tirada de una sola copia, que se subastó en eBay y se vendió por 4.213 libras. Ahora acaban de regularizar un poco su producción con Orangutang, donde reúnen un hermoso ramillete de diez canciones que tenían desperdigadas por ahí, incluidas tres producciones de Boards Of Canada. El disco tiene tres cortes que me fascinan (este segundo, el sexto y el décimo, muy distintos unos de otros), además de un homenaje a Ron Asheton titulado Ron Asheton y un homenaje a Kevin Ayers titulado Kevin Ayers o Kevin Ayres, que ahí la cosa baila. Por cosas como estos cuatro minutos, coda incluida, yo lo tengo archivado ya en mi carpeta de candidatos a la minilista de lo mejor del año.

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Post tags: canción de la semana, Escocia, Londres, Reino Unido, The Sexual Objects, Your Heterosexual Violence

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A veces esto de la canción de la semana me supone meterme en un berenjenal, porque no tengo la más remota idea de quiénes son los artistas que elijo. Es el caso de hoy: en cuanto escuché Room at the Top (bueno, en cuanto escuché sus primeros diez segundos), tuve claro que quería traerla por aquí, pero no había oído hablar jamás de Quatermass III y ahora mismo, tras un ratillo de investigación, tampoco es que sea un erudito en la materia. Parece claro que se trata de un quinteto británico y que sus miembros tiene cierta veteranía acumulada en otros proyectos (Earl Brutus, World of Twist, The Dials), y también que les gusta actuar vestidos con monos de astronauta o algo así, un detalle que siempre es un plus. Y, en fin, citan en su ensaladilla de influencias a The Fall, Suicide, Psychic TV, Roxy Music, Hawkwind, Slade, Status Quo y Monty Python, así que nada puede salir mal.

Room at the Top es el adelanto de su álbum de debut y está inspirada en Bilenio, un cuento de J.G. Ballard sobre un mundo superpoblado en el que el uso del espacio físico está severamente regulado, pero dos amigos tienen la suerte de encontrar una habitación grande y vacía por un error administrativo. «Es una historia desoladora, pero la canción no tiene nada de desolador», puntualiza la banda. Y es verdad, a mí me suena como una jam entre Timber Timbre y Chrome Cranks con Martin Rev a los teclados, o sea, una fantasía resultona y adictiva.

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Post tags: canción de la semana, J.G. Ballard, Quatermass III, Reino Unido

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Foto: Chris Hogge

Me dice la impertinente IA de Google que las palabras gaélicas clachan dubh significan pueblo oscuro, porque clachan quiere decir pueblo y dubh quiere decir oscuro o negro, así que juntas «describen un pueblo que puede ser percibido como oscuro, quizá debido a su apariencia o su historia». Además de impertinente, tiende a enrollarse mucho y a hacerse la importante para lo que un diccionario habría resuelto con dos palabras. En fin, el caso es que así se titula nuestra canción de la semana, que yo iba a presentar como el sencillo más reciente de la banda escocesa Dragged Up, pero acabo de descubrir que originalmente apareció como cara B de una cassingle (vamos, un single en casete) que lanzaron a finales de la primavera. Y, qué quieren que les diga, la cara A estaba bien, pero este lado oscuro (o dubh) le saca mucha ventaja en mis oídos.

Dragged Up son un grupo de Glasgow formado en 2018 y ya con dos álbumes editados. En su descripción aprovechan una cita que los emparenta con la Velvet Underground, Black Sabbath y Crass, y veo que por ahí los relacionan también con The Fall o Pavement. Y me imagino, repasando ahora su discografía, que algo habrá de todo eso, pero a mí la canción que nos ocupa me hace pensar sobre todo en Sonic Youth (más en concreto, en los Sonic Youth más comerciales, los de Goo y alrededores) y en Mudhoney (con esas guitarras que cambian de acorde como emborronando el mástil), que son dos cosas que cuadran estupendamente y dan mucha felicidad.

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Post tags: canción de la semana, Dragged Up, Escocia, Reino Unido

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El hermano Frater se describe a sí mismo como habitante en «una tierra de sofisticado pop de los 60 y los 70» y como un hombre «obsesionado con las viejas técnicas de grabación y con un enfoque más es más de la producción». Ha pasado por innumerables proyectos, además de ejercer de teclista en giras recientes de Love y haber trabajado una noche como técnico de guitarras de Ray Davies. De las notas de su nuevo álbum se pueden entresacar algunas de esas cosas que le fascinan: por ahí se apelotonan los mellotrones, las palmas, los bajos Hofner Violin, el Omnichord… Pero no creo yo que nuestra canción de la semana suene particularmente nostálgica, sino más bien vivificante, y las descripciones de su último álbum que aporta el propio Frater tampoco vienen cubiertas de polvo del baúl de los recuerdos, o al menos se trata de polvo sugerente y, cómo no, de polvo enamorado: «Supergrass se encuentran con Roxy Music para una fiesta de baile motórico, Queen irrumpen en el picnic progresivo de Supertramp», propone el colega, a lo que habría que añadir (al menos en este tema) que la ELO  contempla benévolamente el desmadre desde un trono con lucecitas. Ah, por supuesto, esta canción deberían pincharla ya en el Stereo de Logroño, es lo suyo.

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No me suele gustar eso de recomendar lo que todo el mundo está recomendando. Dicho así, puede sonar un poco esnob, pero no se trata de eso: qué sentido tiene centrarnos todos en lo mismo, cuando hay tantas cosas interesantes por ahí, tantos artistas injustamente desapercibidos y tan necesitados de elogios. Pero tendría un punto de deshonestidad no traer (también) por aquí a las Lambrini Girls, que están por todas partes con su imponente álbum de debut, un disco arrollador musical y verbalmente, agresivo y a la vez tremendamente resultón. He leído en una crítica por ahí que, mientras lo escuchas, tienes la sensación de tener a la cantante gritándote al lado y de que su  saliva te salpica la cara. Y así es.

Las chicas Lambrini vienen de Brighton y, tras unos cuantos cambios de formación a lo largo de sus seis años de carrera, son la vocalista y guitarrista Phoebe Lunny y la bajista Lilly Macieira, respaldadas por un misterioso batería que atiende por Banksy (y al que, sí, presentan como «el artista callejero y activista político con seudónimo»). Como una Amyl todavía más mosqueada, Phoebe escupe letras acuciantes y sin rodeos que a menudo pueden resultar incómodas para un señor mayor cis, blanco, heterosexual y aburguesado como yo (en este caso lo tengo todo), y para eso se inventó el punk, claro. He dudado entre la primera y la última y más atípica del lote y, al final, me he quedado con esta Bad Apple que abre el disco a todo trapo con una crítica a los abusos policiales, inspirada por el secuestro y asesinato de Sarah Everard a manos de un agente fuera de servicio. Y, ya que estamos con honestidades, la propia Phoebe admitió lo suyo en esta entrevista con Variety: «Soy consciente de que es muy fácil ser una chica blanca y rubia y decir ‘la Policía es mala’. Vengo de un gran lugar de privilegio para poder criticar a la Policía y no cagarme de miedo por ello».

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Foto: Ray Tarantino

No es muy habitual que tengamos una versión por aquí, pero en el caso de hoy matamos dos pájaros de un tiro. Primero, y por encima de todo, está la canción, claro, una preciosidad delicada y misteriosa: se trata de un antiguo himno maronita de Viernes Santo especialmente conocido en la interpretación de la vocalista libanesa Fairuz, un mito de la música árabe. Según leo, los estudiosos han vinculado su cautivadora melodía con múltiples fuentes, desde una pieza del folclore francés hasta una composición de Pergolesi, pero el caso es que se trata de una de esas músicas que uno podría estar escuchando todo el día, un perfecto lamento de belleza desolada.

Con ese material es difícil fastidiarla, o a lo mejor no tanto, pero el caso es que me gusta especialmente la versión que acaban de publicar Justin Adams y Mauro Durante, dos artistas que han forjado una sólida alianza pese a sus itinerarios dispares. Justin es un versátil guitarrista y productor británico que ha colaborado con Robert Plant, Sinéad O’Connor o Tinariwen, por citar tres nombres, mientras que Mauro Durante es un violinista y percusionista italiano que lidera el veterano conjunto tradicional Canzoniere Grecanico Salentino y ha trabajado mucho con Ludovico Einaudi. En su segundo álbum juntos caben estilos muy diversos, que ellos engloban como «trance blues mediterráneo», pero creo que todos levantamos las orejas como perrillos atentos en cuanto empieza el cuarto corte, su versión de Wa Habibi junto a la vocalista Yousra Mansour, del recomendable grupo franco-marroquí Bab L’ Bluz. Es un arreglo despejado, espacioso, desnudamente litúrgico, con un solo de violín imponente a cargo de Durante.

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Sí, hoy es uno de esos días en los que lo tiro todo. Dudaba entre las dos primeras canciones y, en vez de elegir, he acabado añadiendo una tercera. En total suman siete minutos y medio, así que podéis tomarlo como una canción larga y variada o, depende, como una tortura con final feliz.

Empezamos, de arriba abajo en la foto, con el noise rock de los australianos Voice Imitator. Qué cosa el noise rock, un estilo que se centra en el ruido (obvio), en la agresión, en la repetición, en la tensión, sin el alivio del estribillo melódico, muchas veces evitando también ese subidón instintivo del quiet/loud tan propio de experiencias más amables como el grunge. Podríamos decir que juegan con las expectativas frustradas, con una hosquedad que te niega la felicidad fácil de lo pegadizo para reflejar así todo lo malo del mundo. Y en ese esfuerzo muchas bandas acaban resultando áridas y un poco pesadas, pero no es el caso de Voice Imitator, una especie de supergrupo subterráneo muy hábil a la hora de volver atractivas sus canciones y con un vocalista que puede recordar tanto a Killing Joke como a los Young Gods. De su segundo álbum, recién salido, he elegido este esputo de minuto veinte segundos bellamente titulado Fotografía de móvil tomada desde el asiento del pasajero.

Seguimos con Daufødt, que en noruego quiere decir, en fin, muerto al nacer, así que tampoco contemplan el universo con una amplia sonrisa. Encabezados por la salvaje Annika (haré un esfuerzo y no usaré la palabra valquiria, que leo en tantas piezas sobre ellos… ups…), ganaron un Grammy noruego con su debut, de agresivo punk rock, y en vista del éxito decidieron endurecerse y radicalizarse un poco o un mucho más. En su segundo álbum, su sonido se enrarecía y se distorsionaba para explorar «todos los rincones oscuros imaginables del underground», según lo describía la nota de prensa. Pero ahora vamos ya por el tercero, que parece una especie de síntesis, si es que puede aplicarse un término tan sofisticado a esta apisonadora brutota y despiadada. He elegido uno de los temas más melódicos, titulado (según Google Translate) Solo quiero irme a casa.

Y, quizá para compensar tanta violencia y tanto feísmo, vamos a rematar con una canción irresistible de Hollow Hand, el proyecto del artista británico Max Kinghorn-Mill, un duende del folk psicodélico que en Drinking With Judy adopta un envoltorio más pop que en anteriores entregas. El resultado es una golosina intemporal (o supratemporal, como un batido de los 60, los 70, los 80 y hoy mismo), una joya power pop con barruntos de un mundo más inquietante: son como parpadeos de la imagen que permiten atisbar otra realidad, hasta que ese otro lado del espejo se hace patente en el último tramo.

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Post tags: Australia, canción de la semana, Daufødt, Hollow Hand, Noruega, Reino Unido, Voice Imitator

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Supongo que el fenómeno ya no tiene el alcance de otros tiempos, pero los británicos siguen siendo unos impresionantes creadores de hypes, unos infladores de globos capaces de alzar al estrellato a un artista casi antes de que emita una nota. Y Fat Dog están entre los beneficiarios más recientes de esta arraigada tradición: aún no habían lanzado ni un sencillo cuando ya cosechaban elogios al más alto nivel por un directo con fama de arrollador. Al fin y al cabo, la banda nació en plena pandemia con el objetivo declarado de hacer trizas el aburrimiento propio de aquella época de pocas fiestas, y lo consiguen con una combinación de punk (entendido a la manera inglesa de estos últimos años, en plan Idles y compañía) y electrónica, en una rave impetuosa y popular. Prejuicios manejan pocos, hasta el punto de haber debutado por fin con una canción de siete minutos, un disparate en esta era de la impaciencia. Ahora acaban de editar el álbum.

Dicho todo esto, a mí el hype de marras me pasó totalmente desapercibido, porque no tuve noción de la existencia del Perro Gordo hasta justo antes de las vacaciones, cuando lanzaron este Wither que es, sin ninguna duda, mi tema favorito del elepé. El núcleo de la canción es prácticamente de rock industrial, acuciante e insistente, muy apropiado para un guateque nihilista, con una especie de joven Nick Cave impartiendo doctrina desde el micrófono: «Nena, es mejor que te marchites antes de morir». Ah, sí, olvidaba decir que el batería luce máscara de perro, aunque me parece a mí un chucho demasiado fibroso y guapetón para el nombre de la banda.

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He leído por ahí que Tristwch Y Fenywod son el hype gótico de esta temporada, y mira que tiene mérito convertirse en hype cuando te llamas Tristwch Y Fenywod, que es algo que uno copiapega para no meter la pata y luego no sabe ni cómo pronunciar. En fin, el caso es que La Tristeza de las Mujeres, que eso significa el nombre, son un trío afincado en Leeds (Inglaterra) pero que interpreta todas sus letras en galés. Y lo cierto es que a su música le va muy bien ese aire misterioso, impenetrable, como de conjuro arcano, que tiene la lengua galesa para el resto del mundo, porque las canciones de Tristwch Y Fenywod suenan precisamente a eso, a conjuros, a rituales, a cánticos inquietantes interpretados en círculo en un claro de bosque.

Tristwch Y Fenywod editan este verano su álbum de debut (afortunadamente homónimo, así no tengo que cambiar el texto copiado en el portapapeles), que cuenta con una singularidad sonora: la cítara, un instrumento de cuerda decididamente inusual en el rock que aporta una identidad muy marcada a sus ceremonias pop y descoloca al oyente a la hora de ubicar lo que escucha. En Ferch Gyda’r Llygaid Du (hala, ya está, portapapeles cambiado) esa alfombra de cítara se extiende sobre unos ritmos y un bajo que remiten a los viejos Cure: la nota de prensa cita Pornography, pero a mí me evoca más la melancolía brumosa de Faith. Es música que reproducida en las condiciones apropiadas, y desde luego de noche, a lo mejor acaba provocando algún cambio irreparable en la realidad circundante.

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Post tags: canción de la semana, Gales, Reino Unido, Tristwch Y Fenywod

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