El tema original llegó a Estados Unidos de la mano de otro histórico crooner, Paul Anka, que por 2.000 dólares compró los derechos de la obra de François tras escucharla durante unas vacaciones en la tierra de los galos. Cambió su letra y hasta rehízo la música para transformarla en la obra que alcanzó la trascendencia que hoy goza. El canadiense, consciente de su potencial, se lo ofreció a Sinatra durante una cena en Florida y el italonoamericano acabó por redondear el producto con su garganta. La transacción se cerró por 40.000 dólares. Ahora es imposible calcular el dinero que obtuvo Sinatra con su explotación. Millones y millones.(...)
Read the rest of Frank Sinatra – My Way (A mi manera) (1,326 words)

‘My Way’ dio a Sinatra algo más que dinero. Por aquella época atravesaba uno de los momentos más duros de su carrera por el auge del rock, la estelar irrupción de The Beatles y la eclosión musical de los sesenta unida al movimiento hippy. Dicen que incluso llegó a barajar la posibilidad de retirarse. «Me salgo del negocio, estoy harto de esto», confesó a Anka, según desveló éste en una entrevista de 2007. Afortunadamente no lo hizo. Se apoyó en el sonido melódico de ‘My Way’, algo más moderno del que era habitual en su repertorio inicial, para volver a lo más alto. Ya nunca más se bajó del trono.

Aunque ‘My Way’ jamás estuvo en los puestos de cabecera de las listas de éxito de 1969 –cuando salió al mercado–, sí se ancló en ellas durante más de un año. Desde entonces la creación más representativa y emblemática de La Voz es considerada una de las creaciones musicales más hermosas de todos los tiempos. Todos conocemos ‘My Way’, todos hemos intentado entonarla alguna vez, todos reconocemos su calidad y hasta todos, aunque no lo admitamos en público, nos hemos visto alguna vez emocionados por sus notas.

Porque es la banda sonora de la historia de la música contemporánea siempre estará ahí por mucho que los años pasen. La trascendencia de este icono y su conversión en un símbolo musical y cultural en todo el mundo son tales que el Gobierno soviético de Mijaíl Gorbachov se refería a su política de no intervencionismo en los asuntos internos de los demás miembros del Pacto de Varsovia como la ‘doctrina Sinatra’, cada uno a su manera.

Aunque la composición primitiva de Claude François se refería a la reciente ruptura sentimental del artista con la también cantante France Gall, la adaptación de Anka versa acerca de un hombre que reflexiona sobre su vida con un amigo cuando se acerca a la muerte. Nos habla de opciones y del modo de decidir sobre ellas. A lo largo de nuestra existencia estamos obligados a elegir entre muchas alternativas. Cada una marca nuestro futuro. Cada determinación nos obliga a definirnos y escoger nos lleva a avanzar en nuestra evolución personal.

La vida es tan fácil como difícil, pero se convierte en muy complicada si nos engañamos a nosotros mismos. Las cosas podemos contarlas con mil verbos, pero el relato más válido es siempre el que realizas a tu manera. Los desafíos hay que resolverlos con nuestros propios medios. ‘My Way’, por tanto, es un culto a la personalidad. La ‘doctrina Sinatra’ exige ser también uno mismo cuando llega la hora de afrontar dificultades. ‘My way’ no deja de ser un ejercicio de autoayuda que apuesta por el valor de seguir un camino propio.

Y ahora el final está aquí,
y entonces enfrento el telón
mi amigo, lo diré sin rodeos,
hablaré de mi caso, del cual estoy seguro

He vivido una vida plena,
viajé por todos y cada uno de los caminos
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Arrepentimientos he tenido unos pocos
pero igualmente muy pocos como para mencionarlos
hice lo que debía hacer
y lo hice sin exenciones

Planeé cada programa de acción,
cada paso cuidadoso a lo largo del camino
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Sí, hubo oportunidades,
estoy seguro que lo sabían,
cuando mordí
más de lo que podía masticar

Pero al final,
cuando hubo duda,
me lo tragué todo y luego lo dije sin miedo
lo enfrenté todo y estuve orgulloso,
y lo hice a mi manera

He amado, he reído y llorado
tuve malas experiencias, me tocó perder
y ahora, que las lágrimas ceden,
lo encuentro tan divertido

Pensar que hice todo eso
y permítanme decir, sin timidez,
‘oh, no, oh, no, a mí no, yo sí lo hice a mi manera’

Pues, ¿qué es un hombre? ¿qué es lo que ha conseguido?
si no es a sí mismo, entonces no tiene nada
decir las cosas que realmente siente
y no las palabras de alguien que se arrodilla

Mi historia muestra que asumí los golpes
y lo hice a mi manera

Sí, fue a mi manera

VERSIONES

Sinatra canta ‘My Way’ como nadie, pero son muchos los que, sin éxito, han tratado de emularle. De hecho se dice que es una de las canciones más versionadas de la historia. Sin embargo, La Voz será muchas veces imitado, pero nunca igualado.

Justo parece empezar con la canción original francesa que inspiró el tema que analizamos. Recordemos que la interpretó CLAUDE FRANÇOIS en 1967, bajo el título ‘Comme d’abitude’.

También parece obligado incorporar la adaptación que hizo PAUL ANKA. El canadiense la grabó hasta tres veces: en 1996 haciendo dúo con Gabriel Byrne para la película ‘Mad Dog Time’, en 1998 junto a Julio Iglesias y en 2007 con Jon Bon Jovi.

Entre quienes interpretaron ‘My Way’ asimismo estuvo el gran ELVIS PRESLEY.

http://youtu.be/emSUMawB3Wo

La argentina ESTELA RAVAL, antigua voz de Los Cinco Latinos, asegura que fue la primera en grabar el tema en castellano en 1970. Lo tituló ‘A mi modo’.

Por último, veamos cómo ANDRÉS CALAMARO convirtió la canción en un reggae.

La lista de los que han interpretado la composición de François-Anka es interminable. He aquí algunos nombres: Radiohead, Ray Coniff, Celine Dion, Gipsy Kings, Tom Jones, Pearl Jam, Il Divo, Charles Aznavour, Ana Gabriel, Aretha Franklin, Arturo Sandoval, Barry Gibb, Bert Kaempfert, Banda Toro, Bethelem, Björn ‘Speed’ Strid, Bertín Osborne, Cacho Castaña, Carlos Torres Vila, César Costa, Cheo Feliciano, Christopher Lee, Cliff Richard, El noi del sucre, Florent Pagny, Franck Pourcel, Frankie Laine, Glen Campbell, Green Day, Greta Keller, Joan Baez, José Carreras, José José, Kalimba Marichal, Kanye West, Khaled, Los del Fuego, Los Panchos, Los Piratas, Luciano Pavarotti, María Marta Serra Lima, Manolo Muñoz, Michel Sardou, Mireille Mathieu, Mika Nakashima, Nana Mouskouri, Nina Hagen, Nina Simone, Northern Kings, Paska, Paul Potts, Pearl Jam, Plácido Domingo, Pocho La Pantera, Polysics, Raphael, Richard Clayderman, Robbie Williams, Sandro, Sex Pistols, Shane MacGowan, Shirley Bassey, Sid Vicious, Siempre Así, Simon Cowell, The Strokes, Tom Jones, True Symphonic Rockestra, Vicente Fernández…

El mundo de la PUBLICIDAD ha recurrido en numerosas ocasiones a ‘My Way’. Como ejemplo, este anuncio de un vehículo.

http://youtu.be/OrIRuWUTNuI

FRANCIS ALBERT SINATRA es, junto a Elvis Presley, el solista que más popularidad alcanzó a lo largo del siglo XX. Aunque lo mejor de su carrera lo ofreció en los años cuarenta y cincuenta, su trayectoria profesional se extendió hasta prácticamente su muerte, en 1998. Grabó más de 1.300 canciones y participó en medio centenar películas, además de recibir multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammy, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del Gobierno estadounidense. Como actor destacó por su gran actuación en la película ‘De aquí a la eternidad’, con la que obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto en 1953.

‘La Voz’ nació en 1915 en Hoboken, New Jersey, en el seno de una humilde familia de origen italiano. Inicialmente actuó como cantante de orquestas como las de Harry James y Tommy Dorsey, hasta que a finales de los treinta se convirtió ya en ídolo gracias a su voz melódica y los temas románticos que interpretaba. En los cuarenta comenzó a compaginar la música con el cine a través de un camino paralelo que prolongó hasta prácticamente su fallecimiento a causa de un ataque al corazón.

Durante su carrera lideró el célebre grupo de crápulas Rat Pack, formado por Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford, Shirley MacLaine, Angie Dickinson o Joey Bishop. Además fue colega de algunos de los mafiosos más célebres del momento.

Canciones como ‘My Way’, ‘Strangers in the Night’, ‘New York, New York’ o ‘I”ve got You under my Skin’ son reconocidas mundialmente y forman parte del acerbo cultural de todos los amantes de la música.

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Supuso asimismo una renovación de sus seguidores y un descenso de la edad de su público, arribando a sus conciertos quinceañeras. Hertzainak no asumió bien esta circunstancia. El cambio había sido demasiado brusco. «Hemos pasado de que nos escupan o lancen latas de cerveza a que peguen grititos las niñas. Siempre huyendo del público, tocando contra él y resulta que aquella canción lo atraía», aseguraban sus componentes en una entrevista de la época. Sentían que habían traicionado a su audiencia tradicional. No querían ser comerciales, pero lo fueron.

Sin embargo, el cantante, Iñaki Garitaonandia ‘Gari’, fue más receptivo a la repercusión que había generado ‘Aitormena’. «Nos abrió a un público mucho más amplio, no tan cerrado, sin tantas connotaciones sociales y políticas», dijo. Lo que sí le molestó es que no se había entendido el mensaje.

Lo cierto es que nunca quedó claro qué quería transmitir el grupo alavés. Hay quien dice que ‘Aitormena’ fue compuesta como despedida porque la banda planteaba la separación. Si ése fuera el caso, lo cierto es que la composición de Josu Zabala le supuso el balón de oxígeno que alargó su vida varios años más.

La versión más extendida sobre el contenido real de ‘Aitormena’ la vincula con la estrecha relación que Hertzainak mantenía con la droga. «Íbamos como máquinas. Antes de tocar nos juntábamos en la furgoneta puestos hasta las orejas», señalaba Gari en el pasado. La voz del cantante de Legazpi, según algunos, relató la ’desintoxicación’ de la banda en forma de balada. Fue sin duda una ruptura amorosa y también una despedida. La droga y ellos caminaron en armonía durante un tiempo, juntos se lo pasaron muy bien, pero había llegado la hora de separarse.

‘Aitormena’ se grabó en la segunda mitad de 1989 en los estudios de Elkar en San Sebastián, alquilados para la ocasión por la discográfica Oihuka. Inicialmente este tema estaba incluido en un maxi. Era una versión rockera. Pero fue la interpretación aterciopelada contenida por el long play la que triunfó. Destacaban sus arreglos de violines, el apoyo del cuarteto de cuerda de José Gudiri y la mano de Bingen Mendizabal. A mi entender, impecable.

Aquella confesión íntima arrasó en el País Vasco en 1990, desde las radios a los bares. ‘Aitormena’ fue el ‘Lau teilatu’ de Hertzainak, que disuelto Itoiz, se convirtió en el grupo de rock vasco de referencia. Hoy es un clásico, un himno imposible de olvidar.

http://youtu.be/jYiqLLxO5lA

Ez dira betiko garai onenak
azken finean gizaki hutsak gara
barearen ostean dator ekaitza

Los mejores momentos no son para siempre
al fin y al cabo somos simples humanos
tras la calma viene la tempestad

Udaberri berririk ez guretzat
denborak aurrera etengabian
ta orain ezin eutsi izan giñana

No habrá nuevas primaveras para nosotros
el tiempo avanza sin cesar
y ahora no podemos ser lo que fuimos

Rutinaren morroiak bihurtu gara
laztana lehen baino
lehen aska gaitzetan

Nos hemos vuelto esclavos de la rutina
cariño, liberémonos cuanto antes

Ohartu gabe arrunt bilakatuta
ohartu gabe heldu gara mugara

Sin darnos cuenta nos hemos acostumbrado
sin darnos cuenta hemos llegado al fin

Mundua jautsi zaigu gainera
maitia lehen baino
lehen aska gaitzetan

El mundo se nos ha caído encima
cariño, liberémonos cuanto antes

Ez dakigu non dagoen hoberena
bila dezagun beste lekuetan

No sabemos dónde está lo mejor
busquemos en otros lugares

Ba, zin dagizut ez dizudala
inoiz gezurrik esan eta
zaude zihur ezin izango
zaitudala ahaztu inoiz

Si, te juro que nunca te he mentido
y seguro que no te olvidaré jamás

Aitortzen dut izan zarela
ene bizitzaren onena
baina orain, maitia lehen baino
lehen aska gaitzetan

Confieso que has sido lo mejor de mi vida,
pero ahora, liberémonos cuanto antes

VERSIONES

La banda gazteiztarra prefería ofrecer la VARIEDAD ROCK de ‘Aitormena’ en los conciertos.

GARI, ya en solitario, no renunció al tema.

El grupo getxotarra WE ARE STANDARD firmó una revisión vanguardista de ‘Aitormena’ en 2010.

El filme musical vasco ‘GO!AZEN’, que llegó a las pantallas en 2008, recurrió al clásico de la banda liderada por Gari.

Los elorriotarras de LOR también incorporaron el tema a su repertorio.

El cuarteto DEMODE QUARTET interpreta ‘Aitormena’ en sus obras teatrales. Muy divertido.

La modalidad disco la ofrecen CARL WATERMARK & SUSANA.

Iñaki Garitaonandia ‘Gari»’ (voz y guitarra), Josu Zabala (bajo y acordeón), Kike Sáenz de Villaverde (guitarra) y Luis Javier Saiz ‘Txanpi’ (bateria) dieron sus primeros pasos bajo el nombre de HERTZAINAK en los míticos ochenta, cuando también la música en euskera sufrió una transformación en detrimento de los cantautores por la presión de las bandas constituidas por jóvenes músicos inmersos en el rock. Se acabaron las letras poéticas y la escena musical y social se llenó de reivindicaciones y expresiones de rabia.

El objetivo del cuarteto vitoriano era luchar contra el orden establecido, pero en euskera, con lo que limitaron su público a la geografía vasca. El comienzo fue complicado, allá por 1981, con movimientos en la composición de la banda y versiones de Lou Reed y New York Dolls en distintos locales del casco viejo gazteiztarra.

La primeras maquetas llegaron en 1983, ya con Gari al micrófono, y el primer vinilo un año más tarde con ‘Arraultz bat piñu batean’ o ‘Ta zer ez da berdin’, que les convirtieron a su pesar, en baluartes del ska y les permitieron dar numerosos conciertos.

En 1985, su segundo LP ‘Hau dena aldatu nahi nuke’ les llevó a una línea mucho más intimista y pesimista. El siguiente trabajo de 33 revoluciones llegó tres años más tarde con ‘Salda badago’, que intentó huir del pasado e introducirse de cabeza en el rock.

Pero fue ‘Amets prefabrikatuak’ y su canción franquicia ‘Aitormena’ el disco que realmente convirtió a Hertzainak en un éxito de ventas, justo cuando se planteaban abandonar el proyecto. La repercusión de la canción que analizamos hoy alargó la vida de la banda vitoriana tres años más. Sacaron al mercado ‘Zuzenean’ (1991) y varios maxis, para finalizar con ‘Denboraren orratzak’ (1992). La despedida tuvo lugar en 1993 en el pabellón de Anoeta de San Sebastián.

En 2012 se juntaron para honrar la memoria de Johnny Brusko, integrante de Potato, y del saxofonista Tito, que tocó con Hertzainak. Ahora los integrantes del cuarteto caminan en solitario en diferentes facetas musicales.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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Fue y es un tema lleno de intensidad y pasión que nos subió la adrenalina a los que entonces tuvimos la oportunidad de ser contemporáneos de la banda madrileña y de la revolución que supuso su aparición. Un sonido a medio camino entre el pop-rock y la nueva ola de la capital desembocó en una gran creación, tan sencilla como vital que alcanzó la cima de la popularidad pese a que sus pretensiones iniciales eran modestas.

El potencial comercial de ‘El pistolero’ se vio confirmado con unas ventas extraordinarias, gracias a un nivel sonoro pocas veces alcanzado en la nueva ola que atravesó el pop español al principio de los ochenta. Eficacia musical sin igual, alcanzando el número 1 en las listas de la época gracias a la melancolía y la angustia que transmitía, a la medida tristeza de ese bajo que lo envuelve y a la voz rota de Agustín Jiménez. Pistones alcanzó la gloria por medio de ‘El pistolero’.

Con la producción del ‘tequila’ Ariel Rott sorprendió desde la primera vez que su vinilo fue pinchado por las emisoras. ‘El pistolero’, un pequeño collage que asimismo fue bien acogido en las pistas de baile, nos recordaba a The Clash. El descaro popero con el que irrumpió se vio recompensado con una repercusión mediática y su brillo nacional fue tal que Pistones estuvo en todas las televisiones y radios, algo que los descentró y les sometió a una presión y a una exigencia que lastró su futuro.

‘El pistolero’ es sin duda la canción más conocida del quinteto, imprescindible en todos los recopilatorios que se realizan sobre la música de aquella época. Incluso cuando está a punto de cumplir tres décadas sigue vigente. Aún es fresco, compacto, con gancho y contagioso, con estructura constante que constituye su mayor cualidad, además de contar una historia interesante.

Versa sobre el miedo ante la llegada de la muerte en forma de un pistolero, de la soledad ante el peligro por la cobardía del restoy de la determinación a cobrar cara su defunción, siempre consciente de que sus esperanzas son escasas.

El pistolero ha llegado ya a la ciudad.
Se ha apodado ‘El tuerto’, su profesión es matar.
El pueblo entero ha volado, nadie quiere salir,
en el salón el barman dejó ya de servir.

Y yo sé que esta vez sin duda viene a por mí…
algo tendré que hacer, sí,
acabaré con él.

Su risa es tan falsa como el Judas aquel,
su mirada la más fría que puedas conocer,
en su cintura más balas que todo un arsenal,
en su revólver más muescas que en la barra del bar,
es el más sucio y rápido en disparar.

Y yo sé que esta vez sin duda viene a por mí…
algo tendré que hacer, sí,
acabaré con él.

Él acaba de entrar por la puerta del salón,
con una señal me indica lo desgraciado que soy.
Ya sé que con el sherriff no se puede contar,
su lema es siempre la ley y para él no es legal.

Y yo sé que esta vez sin duda viene a por mí…
algo tendré que hacer, sí,
acabaré con él.
Sí, sí, acabaré con él.
Sí, sí, acabaré con él. 

VERSIONES

En 2000 ARIEL ROT Y RICARDO CHIRINOS interpretaron ‘El pistolero’ durante un concierto.

El grupo catalán ESLABÓN PERDIDO incorporó este tema a su repertorio.

THE PRINGAOS también recuperaron este clásico del pop de los ochenta.

Agustín Jiménez (voz), Ricardo Chirinos (guitarra y voz), José López (teclados y voz), Juan Luis Ambite (bajo) y Ramón López (batería) se juntaron en Madrid en 1980 para formar PISTONES, nombre adoptado mezclando sus dos grupos de referencia: Sex Pistols y Ramones. Derramaron calidad desde sus primeras maquetas, también en sus singles iniciales, pero sólo se hicieron visibles para el gran público con ‘El pistolero’, a pesar de que firmaron un puñado de buenas canciones de pop refrescante y vital.

Pistones fue un conjunto de power pop basado en potentes guitarras que sucumbió al servicio militar. Su carrera se frenó durante su estancia en el Ejército y ya nunca recuperaron su popularidad. El parón de tres años fue determinante y el buen disco que sacaron una vez licenciados pasó prácticamente desapercibido. El Ministerio de Defensa debería haberles indemnizado.

Fue uno de los grupos de mayor categoría de los primeros años ochenta. Descaro, actitud y ganas fueron sus ingredientes. A ello se unió una calidad poco habitual en los primeros pasos de los conjuntos de aquella época. Canciones cortas, melodías marcadas, punteos de guitarra breves y líricas de lo cotidiano a lo generacional sustanciaron su éxito. Fue un éxito tan rápido como efímero. Sólo un verano en lo más alto de las listas y ochenta conciertos. Su estrella se apagó vestida de caqui.

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Es quizás en esta divertida y preciosa composición, la más famosa y reconocida por el giro comercial que supuso en la andadura de la banda, donde mejor podemos divisar el particular estilo vocal de Hynde. Su acelerado mid-tempo y letra mordaz sirven de estructura ósea de una historia de amor rock. La cantante estadounidense nos confiesa que él la perturba tanto que le impide pensar y hasta el imposibilita ser feliz, todo lo contrario de lo que ansía.

‘Don’t get me wrong’ es de esas canciones que elevan la moral, de las que te invitan a salir a la calle para disfrutar de la vida, a saludar con una sonrisa deslumbrante a quienes te cruzas en tu caminar. Y como es conveniente comenzar este año con las baterías repletas de energía para tratar de que la crisis no nos devore… Igual sirve para que a nuestros responsables políticos también se les despierten las neuronas.

A su éxito también contribuyó el videoclip, un claro homenaje a la popular serie de la televisión en los años sesenta ‘Los vengadores’. También el mundo del cine ha recogido en su seno a ‘Don’t get be wrong’. Se pudo escuchar en ‘El diario de Bridget Jones’, ‘Los amigos de Peter’ o ‘Fábrica de locuras’ o ‘Romy y Michelle’.

No me malinterpretes
si te miro con cariño y deslumbrada,
es porque veo luces de neón por donde tú vas cariño

No me malinterpretes
si al decirme «hola»
me doy un paseo
hasta un mar donde una mística luna
está haciendo estragos jugando con la marea

No me malinterpretes
No me malinterpretes
si te parezco distraída
es porque estoy pensando en fuegos artificiales
que se apagan cuando sonríes

No me malinterpretes
si me desvío como la luz que cambia de dirección
Solo me aíslo para poder pasear
por camino iluminado

De vez en cuando
dos personas se conocen
sin razón aparente
sólo para atravesar la calle rápidamente
como un trueno
inundándolo todo
nadie puede explicar
el trueno y la lluvia
es algo que está en el aire

No me malinterpretes
si voy y vengo a la moda
mañana pareceré maravillosa,
aunque ayer estaba desesperada

No me malinterpretes
si caigo en la «moda provocativa»
tengo que estar increíble
para que no me digan «hasta luego»
deberé estar fantástica
No me malinterpretes

VERSIONES

La popera británica LILY ALLEN realizó un cóver del tema 2007. Luego lo interpretó asimismo en la gala de celebración del cuadragésimo aniversario de BBC Radio.

Asimismo el grupo de versiones HIDDEN tiene a ‘Don’t get me wrong’ en su repertorio.

THE PRETENDERS  –por la canción ‘The great pretender’ de The Platters– fue fundado en 1978 en Londres por la estadounidense Chrissie Hynde –la única que se mantiene en la formación en estos momentos– acompañada de James Honeyman-Scott (guitarrista), Pete Farndon (bajista) y Martin Chambers (batería). Hynde arribó en Reino Unido con 20 años y se introdujo de inmediato en el mundo de la música punk, dominante en aquella época en el panorama británico.

Tras contactar con los componentes de Sex Pistols y hacerse con un pequeño nombre, Hynde optó con lanzarse al escenario con un estilo basado en constantes inflexiones de voz y en su imagen de mujer dura favorable al consumo de drogas y sexualmente ambigua. The Pretenders, con miembros británicos y norteamericanos, debutó con éxito, pero su carrera se vio lastrada en sus inicios por los sucesivos cambios en la formación después de que Honeyman-Scott y Farndon fallecieran por sobredosis. Sin embargo, las nuevas incorporaciones propiciaron que abandonaran sus influencias punk y se pasaran al rock and roll. Fue un acierto.

Desde entonces se han mantenido a lo largo de décadas como uno de los grupos referencia del panorama musical. Sin embargo, su momento de mayor repercusión fue a mediados de la década de los ochenta el pasado siglo con baladas maravillosas como ‘Hymn to her’ y el rock al que hoy dedicamos el blog, sin olvidar ‘I’ll stand by you’.

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Post tags: Chrissie Hynde, Hidden, James Honeyman-Scott, Lily Allen, Martin Chambers, Pete Farndon, Romy y Michelle, Sex Pistols, ‘El diario de Bridget Jones’, ‘Los amigos de Peter’ o ‘Fábrica de locuras’

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