Gracias a ‘Depende’ mi amiga desconocida recuerda a seres queridos –unos presentes y otros desaparecidos– allá en su Mallorca natal. Sufre, pero al mismo tiempo disfruta con los pensamientos positivos que seguro precedieron a los negativos y que, además, los superaron en intensidad. Esos a los que ella recurrirá cuando quiera retrotraerse a lo que fue y ya no es. O sí lo es, porque la mente siempre inmortaliza las emociones que esculpieron mensajes perennes en nuestros corazones.

El camino fácil para emprender la tarea, quizá también el más periodístico, sería aquel que condujera a centrar este escrito en Pau Donés, líder de la banda autora de ‘Depende’, y su calvario. Sin embargo, poco puedo aportar si penetro en esa senda. Creo, además, que ni mi lectora ni el propio autor lo querrían. Me limitaré a señalar que las enfermedades también dependen de cómo se afrontan. Cambia la forma de ver las cosas y las cosas cambiarán de forma. Aunque parece que actualmente para la opinión pública el segundo apellido de Donés sea cáncer, ello no logra ocultar la grandiosa faceta artística del cantautor aragonés criado en Barcelona.

Decir la palabra ‘depende’ sin acordarse de esta canción es imposible y cualquier referencia a ‘Depende’ debe comenzar con una pregunta: ¿de qué depende? No tenemos la oportunidad de cuestionárselo al propio autor, pero su respuesta no se desviaría mucho de lo elemental. Siempre depende de cómo tú lo mires, del momento, de tu ánimo, de tu estado…

Creo que Donés pretende huir de las verdades absolutas y para ello escribe este himno a la relatividad, a la ambigüedad… y al mismo tiempo rinde culto a la actualidad, el factor que finalmente resulta determinante en cualquier faceta de la vida. Hasta los dogmas resultan cuestionables en una sociedad tan cambiante y tan voluble, siempre bajo del arbitrio del ser humano, por naturaleza inestable, aunque algunos de sus ejemplares traten de disfrazarse con un traje de firmeza que en el fondo no es sino un ropaje endeble.

Contra los absolutismos

‘Depende’ es un canto contra los absolutismos, contra las verdades incuestionables y contra la sordera de quienes imponen sus ideas sin pensar jamás que existen otras distintas y, por supuesto, sin escuchar lo que tienen que decir los demás. En el fondo, hablamos de un mensaje cargado de profundidad y trascendencia, pese a que el título de la canción sugiera cierta banalidad.

La importancia está en el punto de vista y, sobre todo, en la admisión de que existen diferentes enfoques y de cómo todo depende de ellos. Y ninguna palabra mejor que ‘depende’ a la hora de resumir estos axiomas. Es la especialidad de Donés, gran cultivador de las palabras con significado pleno que no precisan de la compañía de otras para componer un mensaje.

Porque él sí que ha aprendido a relativizar. La vida le ha obligado a ello. A mirar al futuro desde una clave positiva. A dibujar una sonrisa en cada faceta de la vida. A aprender de todas las experiencias, hasta de las malas, que ha vivido en demasía. A su cáncer le antecedió el suicidio de su madre cuando él era un adolescente de 16 años. Fue entonces cuando, según confesó en una entrevista, «el sentido de la vida cobró la importancia que en realidad tiene».

‘Depende’ también es todo un tratado de filosofía, la ley de la relatividad de Einstein hecha canción, y resuelve muchos de los interrogantes que los grandes pensadores se han hecho a lo largo de la historia de la humanidad. Todas las preguntas serían baldías si admitiéramos que todo depende de quién y cómo lo mira. Sería el fin de muchas discriminaciones y no habría una única verdad. Sino el entendimiento.

LETRA

Que el blanco sea blanco
y que el negro sea negro,
que uno y uno sean dos
porque exactos son los números… depende

Que aquí estamos de prestao,
que hoy el cielo está nublao,
que uno nace y luego muere,
y este cuento se ha acabao… depende

Depende, de qué depende,
de según como se mire todo depende

Qué bonito es el amor,
más que nunca en primavera,
que mañana sale el sol
porque estamos en agosto… depende

Que con el paso del tiempo
el vino se hace bueno,
que todo lo que sube baja
de abajo a arriba y de arriba a abajo… depende

Que no has conocido a nadie
que te bese como yo,
que no hay otro hombre en tu vida
que de ti se beneficie…….. depende

Que sí quiere decir sí
cada vez que abres la boca,
que te hace muy feliz
que hoy sea el día de tu boda… depende

VÍDEO

La sencillez de la canción se extiende también al videoclip que le dio soporte icónico. Tres cuartas partes de sus cuatro minutos y medio de duración se desarrollan en blanco y negro. El color solo se incorpora a la producción en el tramo final. Blanco y negro, tan opuestos como complementarios, en un intento de trasladar, según consideran algunos, la metáfora de la moneda, cara y cruz.

ANÉCDOTA

Pau Dones, al hablar de ‘Depende’, reveló que recibió una carta antes de un concierto en la que una chica le contaba que despertó del coma cuando escuchaba por primera vez el tema al que hoy dedicamos estas líneas.

La misiva narraba una historia de superación, aunque la autora se mantuvo en el anonimato. «No puso ni su número ni nada, porque no quería que le contactara, solo contármelo», relató el autor.

ÉXITO

Todas sus experiencias personales las volcó Donés en ‘Depende’, un tema redondo que en 1998 nos trasladó cabalgando sobre un ritmo beat de influencia latina tan acelerado como la tranquilidad del mensaje lo permitía. La combinación del dogma y la música desembocaron en una canción emblemática, feliz pero con trasfondo serio. Era muy complicado repetir el éxito de ‘La flaca’, pero Jarabe de Palo lo logró. Ambas canciones sustentaron su consagración artística.

Bajo la producción de Joe Dworniak, ‘Depende’ obtuvo de inmediato el reconocimiento del público, quizás porque era una composición distinta a las que se extendían por el panorama musical español de su época. También la crítica reconoció su verdadero capital artístico y la galardonó con el Premio Ondas al mejor vídeoclip del año, la nominó para los Grammy latinos y la concedió el reconocimiento Carlos Gardel argentino.

Su emulsión de tranquilidad, de calidez, atrajo no sólo a sus seguidores habituales, sino que generó muchos nuevos. El secreto estuvo en ofrecer una canción «directa, sencilla, sin mayores pretensiones. Música de medio tiempo y letras con mensaje, fruto de 31 años de sol y sombra», como el propio Donés confesó.

VERSIONES

La repercusión del tema traspasó las fronteras españolas y alcanzó el mercado ITALIANO con ‘Dipende’, que llegó en 2000.

En 2010 Jarabe de Palo regrabó ‘Depende’ en versión AFRICANA. Con el nuevo título de ‘A glonendo’ el grupo de Dones interpretó la canción en el idioma bambara junto a niños de Mali. El objetivo era recaudar fondos para la ONG Voces, que trabaja en el país africano y que por entonces pretendía construir una nueva escuela en Sangarebougou (Bamako).

Incluso el grupo transalpino MODÀ incorporó la pieza a su repertorio en 2013.

‘Depende’ formó parte de inmediato de la cultura popular y, como tal, se convirtió en un tema muy interpretado en los distintos concursos televisivos cazatalentos de ambos lados del Atlántico. En España fue Jaume Mas el encargado de cantar la composición junto con los propios integrantes de Jarabe de Palo en una emisión de ‘LA VOZ’.

BIOGRAFÍA

Aunque existía una trayectoria anterior con otras denominaciones, JARABE DE PALO comenzó a hacerse con un nombre después del verano de 1996. El éxito fue relativo hasta que, ya en 1997, un spot publicitario que eligió para su sintonía la canción ‘La flaca’ lanzó al estrellato al grupo de Pau Donés (voz y guitarra) –un aragonés residente en Barcelona amante de la música popular–, Toni Saigi (teclados), Alex Tenas (batería), Jordi Mena (guitarra), Mariá Roch (bajo) y Daniel Forcada (percusión).

Inicialmente su estilo recordó al de Juan Perro, alías de Santiago Auserón, antiguo líder de Radio Futura, pero pronto ‘La flaca’ y Jarabe de Palo tuvieron identidad propia. La cadencia y el ritmo de la canción dedicada a una cubana que el autor conoció en la isla del Caribe, con la que el grupo se dio a conocer, se hizo familiar y ya nadie puede olvidarla. Así llegó al número uno a ambos lados del Atlántico y se convirtió en un fenómeno de masas, cosechando numerosos premios. Quizá fue el tema de aquel verano, consiguiendo vender más de cinco millones de copias.

De inmediadto Jarabe de Palo fue reclamado desde todo el territorio español y Latinoamérica. Con un repertorio reducido dieron cientos de actuaciones, siempre sostenidos por ‘La Flaca’, la canción que todos querían oír.

Pero, poco a poco, con claras influencias de Bob Marley, Antonio Machín, los Beatles o The Rolling Stones, fueron llegando otros temas como ‘El lado oscuro’, ‘Desamor’, ‘Grita’, ‘Quiero ser poeta’ o ‘Vuela’, que demostraron que Jarabe de Palo era un corredor de fondo, no un sprinter veraniego, que había llegado para enraizar en la esencia irreverente del pop-rock.

Tras la repercusión de su trabajo de debut, Jarabe de Palo se empeñó en demostrar que no se trataba de una banda de un solo éxito. Con esa idea lanzó ‘Depende’, primero el single y luego el LP, en 1998. Recurrió para su producción a Joe Dworniak, bajo cuyas órdenes durante dos meses grabó los temas en los estudios Moody de Londres.

Fusiones

De nuevo su trabajo surgió de fusionar varios estilos musicales y, de nuevo también, llegaron los galardones y el premio del mercado con un disco de platino al vender más de 400.000 copias. Además de ‘Depende’ el CD contenía grandes productos como ‘Vive y deja vivir’, ‘Realidad o sueño’ o ‘Duerme conmigo’.

A finales de 2000 Jarabe de Palo vuelve a meterse en el estudio para que con el nuevo año llegara a las tiendas ‘De vuelta y vuelta’, más melódico y armónico pero con igual aceptación entre los seguidores de la banda. De esta obra destacan temas como ‘Completo incompleto’, ‘Tiempo’ o ‘De vuelta y vuelta’. La banda estaba en lo más alto de su esplendor. Incluso fue invitada por Luciano Pavarotti a una gala benéfica para obtener fondos para Afganistán.

Luego llegaron los recopilatorios y hasta 2004 la productividad del conjunto de Pau Donés no se plasmó en una nueva obra. ‘Bonito’ surgió con un sonido mas acústico y acompañado de melodías gitanas junto con ritmos de batucada. Fue presentado en Italia antes que en España, sobre todo por la aceptación que trabajos anteriores habían tenido en la península transalpina.

Por su parte, ‘Un metro cuadrado’ arribó en 2005, con letras más elaboradas y ritmos similares a los de sus inicios. Luego sigue una nueva recopilación, ‘Completo incompleto’, y dos años más tarde ‘Adelantando’, que compitió en los Grammy Latinos.

En 2008, ya con propia discográfica, Tronco Records, comenzó a circular por internet la producción ‘Rarezas’ y la banda refunde su nombre en Jarabedepalo para lanzar ‘Orquesta reciclando’ como el primer libro-disco de su carrera, que rápidamente se coloco en los puestos de cabeza de las listas de éxitos.

La nueva década se abrió con ‘¿Y ahora qué hacemos?, cargada de un humor muy poderoso y estridente, un proyecto más rockero en el que participaron invitados como Joaquín Sabina, Alejandro Sanz, Antonio Orozco o Carlos Tarque, de MClan. Fue muy bien recibido por sus seguidores, que llenaron todos los conciertos tanto en la península como en América hasta finales de 2012.

2013 lo dedicó Jarabedepalo a una gira bautizada como ‘Conciertos a piano y voz’, en la que ofrecían al público las canciones de amor más conocidas de su carrera interpretadas junto al pianista Jaime Burgos. Ese año el grupo de Donés se presentó por primera vez ante el público asiático, en Tokio, para terminar con otra gira por Latinoamérica.

Su noveno trabajo, ‘Somos’, arribó en 2014, mientras que el siguiente ejercicio la banda lo dedicó al ‘Tour Americano 2015’. A finales, Donés anunció que le habían operado de un cáncer de colon y canceló más de treinta conciertos.

Volvió a los escenarios hace unos meses con su nuevo proyecto ‘50 palos’, compuesto por un disco, un libro y una gira.

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Hay pocas composiciones que describen mejor un afecto. Bien sea hacia todas las madres personificadas en la Virgen María, como defienden en la mayoría de las hipótesis sobre su dedicatoria, o bien hacia la entonces pequeña hija de Francis Cabrel o también hacia la madre naturaleza, como creen otras teorías. Incluso hay argumentaciones más arriesgadas sobre el origen de la inspiración del cantautor galo. Aquellas que sostienen que realmente se refería a las drogas, marihuana o heroína, concretamente.(...)
Read the rest of Francis Cabrel – La quiero a morir (1,388 words)

Por último, la desaparecida actriz mexicana María Félix se atribuyó también ser la fuente de la inspiración de ‘La quiero a morir’. En una entrevista para la televisión azteca aseguró que el tema fue escrito por un joven amante de la época en la que vivió en París. Según la diva del séptimo arte, el autor, debido a las penurias económicas que pasaba, se vio obligado a venderlo a Francis Cabrel. Existen serias dudas sobre la veracidad de esta afirmación.

Sea cual sea la verdad –el cantante siempre ha guardado silencio, aumentando así el halo de misterio y la ambigüedad de la letra facilita diferentes interpretaciones–, lo cierto es que cada vez que se confecciona una lista de las canciones de amor más festejadas del continente europeo, ‘La quiero a morir’ forma parte de ella. Porque su poesía es interpretada por cada uno de nosotros con nuestras propias variantes. Ése es el secreto de ‘La quiero a morir’, composición abierta y subjetiva.

Pero, como somos unos románticos, quedémonos con la literalidad de la letra. Con ese amor hacia la persona que lo constituye todo para nosotros, que hace que cada mañana acumulemos fuerzas para abandonar la cama, la que nos invita a movernos, la que se ha convertido en diosa de nuestro Olimpo personal. Ella todo lo puede, es la propietaria de nuestro espacio y de nuestro tiempo. Somos esclavos consentidos de su tiranía y su belleza, de su sabiduría y de su carácter.

Nos gustan su mirada, sus palabras y sus silencios, sus reposos y sus movimientos, su risa y su llanto. Nos gusta hasta cuando nos miente. Cómo se cae y, sobre todo, cómo se levanta. Es que la vida es mejor desde que ella forma parte de nuestra existencia. Todos los días son luminosos aunque llueva. ‘La quiero a morir’ es una declaración de amor capaz de ablandar al corazón más pétreo, un desgarrador ejercicio de confesión.

No importan los obstáculos, porque ella conseguirá que todos sean sorteados gracias a un amor que atrapa. A la vez fuerte y delicado. Nuestro propio reflejo en sus ojos hace que alcancemos la eternidad, aunque el reloj sólo recoja el transcurrir de unos segundos. Un momento que queremos no acabe jamás, que no queremos que se consuma. No estamos completos sin ella. La queremos a morir.

Éxito internacional

‘Je l’aime à mourir’ lógicamente vio la luz en el mercado de nuestro país vecino del norte. Allí encandiló de Hendaya a Nomandía gracias a una letra sin igual y a los arreglos y la dirección orquestal de Glen Spreen y la realización de Jean-Jacques Souplet. En 1979 –el año de su lanzamiento– el single que incluía la canción en su cara A llegó a vender 600.000 copias en Francia, obteniendo el galardón de disco de platino. Las estadísticas se elevaron considerablemente con las adquisiciones que realizaron los admiradores del resto del mundo. Por supuesto, fue el tema con mayor repercusión en la carrera de Cabrel. Su magia, desde entonces, es universal.

Dos minutos y cuarenta y dos segundos de obra de arte bastaron para encabezar el hit parade francés durante cinco semanas consecutivas. En España la estancia en la cima de los éxitos se prolongó catorce días. Quizá fue por la sonoridad de ese bajo que secunda con fervor la guitarra o quizá por esos violines que se apoderan de la melodía a medida que avanza para convertirse finalmente en protagonistas absolutos de esta genialidad. En ella el artista genera sensaciones nada tangibles. No quiere revelarnos todo lo que esconde su mente. Nos da la oportunidad de que nosotros rellenemos los puntos suspensivos con nuestras propias sensaciones, que pongamos parte de nosotros. Una canción para dedicar a alguien con nombre y apellidos.

LETRA

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán
y hoy soy el guardián de sus sueños de amor
La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis
porque ella de un soplo lo vuelve a crear
como si nada, como si nada
La quiero a morir

Ella borra las horas de cada reloj
me enseña a pintar transparente el dolor
con su sonrisa

Y levanta una torre desde el cielo hasta aquí
y me cose unas alas y me ayuda a subir
a toda prisa, a toda prisa
La quiero a morir

Conoce bien cada guerra
cada herida, cada sed
conoce bien cada guerra
de la vida y del amor también

Me dibuja un paisaje y me lo hace vivir
en un bosque de lápices se apodera de mí
La quiero a morir

Y me atrapa en un lazo que no aprieta jamás
como un hilo de seda que no puedo soltar
no quiero soltar, no quiero soltar
La quiero a morir

Cuando trepo a sus ojos me enfrento al mar
dos espejos de agua encerrada en cristal
La quiero a morir

Sólo puedo sentarme, solo puedo charlar
sólo puedo enredarme, solo puedo aceptar
ser sólo suyo, sólo suyo
La quiero a morir

Conoce bien cada guerra
cada herida, cada sed
conoce bien cada guerra
de la vida y del amor también

Y yo que hasta ayer sólo fui un holgazán
y hoy soy el guardián de sus sueños de amor
La quiero a morir

Podéis destrozar todo aquello que veis
porque ella de un soplo lo vuelve a crear
como si nada, como si nada
La quiero a morir

VERSIONES

La obra original, bajo el título ‘JE L’AIME À MOURIR’, es, a mi entender, mejor que la que Francis Cabrel grabó en castellano. Además, su letra se corresponde en escasa medida con la difundida para el público hispanoparlante.

SHAKIRA actualizó el tema en 2011, volviéndo a elevarlo hasta el número uno de las listas de éxitos galas. Permaneció en la cima durante siete semanas, superando al original de Cabrel. La colombina ofreció una versión bilingüe –castellano y francés– en sus conciertos en ciudades de habla gala –Francia y Suiza– dentro de la gira que realizó aquel año por Europa.

Una de las interpretaciones más sentimentales fue la que realizó el difunto MANZANITA. A diferencia de la original, su tono es creciente. La voz y la entonación del malagueño es impactante, aunque ya para entonces su salud comenzaba a ser endeble.

El crooner catalán SERGIO DALMA, especializado en reinterpretar clásicos del pop, no desaprovechó la oportunidad de ofrecer su visión de ‘La quiero a morir’. Lo hizo en 2005 con dudoso éxito, en mi opinión.

SERGIO VARGAS acercó ‘La quiero a morir’ al merengue dominicano

Para los que quieran conocer otras revisiones pueden recurrir a las que realizaron Jackito, Alliage, Carole Ferederiks, Marc Antoine, Muchachito, Camilo Sesto, Daniel Betancourt, Quentin Mosimann, Dark Latin Groove (DLG), Giselle, Raphael, Niña Pastori, Jarabe de Palo y Alejandro Sanz, María Carrasco, Nicola di Bari, Joaquín Sabina, Manu Chao, Don Tetto, Conchita, Forraje, Puchero del Hortelano, Gustavo Botero, Pelaos con Salsa o Lenka Filipová-Zamilovaná.

BIOGRAFÍA

FRANCIS CABREL es un baladista, un romántico, un lírico y en esa esfera ha trazado toda su carrera. Nació el 23 de noviembre de 1953 en Astaffort, en el sur de Francia, en el seno de una familia originaria de Italia. Aunque comenzó a componer a los dieciséis años, cuando estaba en el instituto, su debut profesional llegó cuando contaba con dieciocho. Sin embargo, por aquella época tuvo que compaginar la música con otros oficios, como el de dependiente de una zapatería.

Dejó los estudios obnubilado por Bob Dylan, Neil Young y Leonard Cohen, sus tres grandes ídolos. Sus primeros escenarios fueron bares y pubs, por donde dio tumbos como guitarrista del grupo Ray Frank et les Jazzmen, que más tarde pasó a llamarse Les Gaulois.

Transcurrieron varios años hasta que logró emprender una trayectoria en solitario tras presentar varias composiciones de matiz político a un concurso de cantautores celebrado en Toulousse. Allí fue descubierto por un cazatalentos, que se lo llevó a París y lo convirtió en un autor romántico.

Su trabajo discográfico inicial apareció en 1977, titulado ‘Petite Marie’. Pero su primer impacto en las listas llegó en 1979, con la canción ‘Les chemins de traverse’. A continuación publicó ‘Je l’aime à mourir’ y ya nada fue igual. El disco de platino que premió sus ventas cambió su vida. Desde entonces su caminar artístico ha girado en torno a este tema, aunque después compuso otras grandes obras.

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‘La taberna del Buda’ es un claro ejemplo de la gran variedad de ritmos y estilos insospechados hasta entonces en la geografía popera hispana. Es una composición del sonido típico del grupo, con ritmos contagiosos y letras elaboradas en las que cuentan cosas, no tópicos. Puro sonido Quijano, mestizaje total.

Este tema refleja como pocos una historia de bares, de sus moradores, de sus costumbres, de su hábitat. Sensibilidad pura para describir un ambiente que todos conocemos pero que nadie lo dibuja como el trío leonés. Una historia completa. Su repercusión fue arrolladora y les obligó a protagonizar más de doscientos conciertos durante una gira de una longitud desconocida hasta entonces.

Nunca lo han reconocido en público, pero dicen que el Buda no es otro que su padre, que regenta un local en León.

Es un local de mala muerte
donde se juntan cada noche los de siempre,
se escriben guiones, novelas negras,
se escriben paginas de trucos y maneras.

Se abre la puerta, se hace la niebla,
entre los humos y perfumes alguien entra,
unos se miran, otros preguntan
quién es el tipo que parece el mismo buda,
quién es el tipo que parece el mismo buda.

En una esquina un presidiario,
justo en la barra enfrente hay un notario,
un separado con una viuda
hace pareja con la amiga de la viuda,
hace pareja con la amiga de la viuda.

Y hay un decano también, y un abogado también,
y un policía rodeado de ladrones,
y una princesa y una portuguesa,
que en nada quedan si se quitan los tacones.

Y hay un decano también, y un abogado también,
y un policía rodeado de ladrones,
y una princesa y una portuguesa,
que en nada quedan si se quitan los tacones.

Un matrimonio bien avenido,
a sólo un metro la querida del marido,
el bien tranquilo disimulando,
ella pendiente porque ha visto un viejo amigo,
ella pendiente porque ha visto un viejo amigo.

Hay tres banqueros, van con corbata,
están casados, los anillos bien guardados,
tres italianas no se recatan,
se echan a suertes a los tres de la corbata,
se echan a suertes a los tres de la corbata.

Y hay un decano también, y un abogado también,
y un policía rodeado de ladrones,
y una princesa y una portuguesa,
que en nada quedan si se quitan los tacones…

Los hermanos Manuel, Oscar y Raúl Quijano, reunidos en trío con el nombre de CAFÉ QUIJANO, comienzan su carrera artística en 1996, pero su reconocimiento tardó dos años. Es en 1998 cuando de repente cosecharon el reconocimiento de crítica y público. Ese año llegaron a ofrecer más de cincuenta galas sólo en la península.

Su fama de honestidad musical se refrendó un año más tarde con su segundo trabajo discográfico, un claro ejemplo de eclecticismo en su todavía corta trayectoria por aquella época. Con ese vinilo cruzaron el charco y extendieron su éxito a Latinoamérica. De hecho Café Quijano pronto obtuvo el premio al mejor grupo de los Grammy Latinos.

2001 fue el año de su confirmación, gracias en gran medida al tema que glosamos hoy, que rompió todos los registros y convirtió a los Quijano en uno de los grupos referentes del pop-rock latino en España y fuera de sus fronteras.

Dos años más tarde, el cansancio de cinco años intentos pasó factura a Café Quijano. Su último trabajo discográfico hasta el momento no alcanzó la cotas de los anteriores pese a contar con grandes colaboraciones como las de Celine Dion o Joaquín Sabina.

Se separaron en 2007. Manuel, el mayor de los tres, lanzó su primer trabajo en solitario con el nombre de Quijano.

Ahora han optado por reunirse para reemprender lo dejado en la orilla del camino tras años de pausa. Vuelven de la mano de boleros.

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Aunque para algunos supone un sacrilegio hacer interpretaciones personalizadas de los grandes temas, la osadía de Rosario en esta ocasión, claro está siempre en mi opinión, se vio recompensada con la creación de otra joya. La hija de La Faraona la grabó para un disco conjunto en homenaje al cantautor catalán.

La de niñas que fueron bautizadas con el nombre de Lucía por causa de esta canción. Porque Serrat logró enamorar a millones de padres y madres con este tema. Éstos le rindieron homenaje poniendo a sus hijas ese nombre tan simple como hermoso. La belleza de este tema se traspasó, sin duda, a las pequeñas que llegaron a este mundo bajo su influencia.

Este verso libre de Serrat desgrana rima a rima un amor perdido, del que todavía permanecen recuerdos y experiencias Es una carta en forma de canción que se siente obligado a enviar con escasas esperanzas de que llegue a su destino. Frases hiperbólicas y metáforas añoran lo perdido, lo que ya no se tiene pero tampoco se puede borrar de la mente. Porque hay amores que sobreviven a la hoguera del tiempo e incluso al viento del olvido.

Serrat confesó que esta canción era una historia real, personal… y que Lucía fue una antigua amada a la que nunca ha logrado olvidar y que incluso dejó en él un halo de maldad que le llevó a llamarla el día de su boda para recordarle que todavía la seguía queriendo. Porque era «la más bella historia de amor que tuve y tendré”.

La fuerza, la poética y el equilibrio musical de ‘Lucía’, que se grabó originalmente en 1971, la han convertido en inmortal, con una contemporaneidad permanente.

Vuela esta canción para ti, Lucía
la más bella historia de amor
que tuve y tendré
es una carta de amor, que se lleva el viento
pintado en mi voz,
a ninguna parte
a ningún buzón

No hay nada más bello que lo que nunca he tenido,
nada más amado que lo que perdí,
perdóname si hoy busco en la arena,
una luna llena que arañaba el mar.
Si alguna vez fui una ave de paso,
lo olvidé pa’ anidar en tus brazos,
si alguna vez fui bello y fui bueno,
fue enredado en tu cuello y tus senos

Si alguna vez fui sabio en amores,
lo aprendí de tus labios cantores,
si alguna vez amé, si algún día después de amar amé
fue por tu amor, Lucía, Lucía

Tus recuerdos son cada día más dulces,
el olvido sólo se llevo la mitad,
y tu sombra aún se acuesta en mi cama con la oscuridad,
entre mi almohada y mi soledad

SERRAT la sacó al mercado en 1971 dentro del mismo disco grande que contenía ‘Mediterráneo.

VERSIONES

ROSARIO Y MIGUEL BOSE interpretaron esta canción durante la entrega del premio de honor de la música a Joan Manuel Serrat en 1995.

PASIÓN VEGA realizó una nueva revisión en 2010.

DAVID BISBAL Y MANU TENORIO, durante su presencia en ‘Operación Triunfo’.

El propio Serrat y otro poeta, JOAQUÍN SABINA, firmaron una interpretación magistral.

Estamos hablando de un genio. JOAN MANUEL SERRAT i Teresa, conocido también con los sobrenombres del Noi del Poble-sec y el Nano, es quizás el principal cantautor, compositor, intérprete, músico y poeta de la historia de la música española moderna.

Su obra nació influenciada por poetas como Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti… hasta que pronto él mismo se convirtió en un poeta, uno de los grandes. Con más de treinta discos a sus espaldas aún sigue sentando cátedra cada vez que canta a ambos lados del Atlántico.

Su vinculación con corrientes políticas vanguardistas le llevaron a tener problemas con las dictaduras española y sudamericanas. Pero su arte superó todo tipo de obstáculos y hoy es venerado hasta por los que no piensan como él.

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