Sin embargo, el que esto escribe, ejemplo perfecto de contradicción, se convertirá hoy en uno de esos charlatanes al lanzarse a la aventura de intentar escrutar una canción de amor. Mejor dicho, de desamor, la cara oculta de la luna del sentimiento universal que establece su sede en nuestros corazones. Pero lo hará mínimamente, para dejar a los poetas que avancen sobre veredas con las que alcanzan una simbiosis a la que los mortales jamás podremos aspirar.

Es el caso de Lluís Llach y su canción ‘I amb el somriure, la revolta’, un tema erróneamente atribuido al poeta catalán Miquel Martí i Pol cuando realmente es fruto del ingenio del cantautor ampurdanés de Verges, especialista en poner letra y música a la melancolía.

El gerundense nos habla en esta ocasión del amor como una militancia obligatoria, como una terapia contra la tristeza. Teoriza sobre la imposibilidad de alcanzar la alegría sin la consecución del objetivo máximo, en este caso querer y ser querido. Habla, tal vez, de un enriquecimiento vital al que sólo se puede llegar con un intercambio sentimental y defiende que el amor es un paso para descubrir mucho más.

El amor es para él una palanca revolucionaria, una actitud que no sólo debe circunscribirse a la pareja, sino que se debe abrir a la realidad como una experiencia solidaria absoluta, como un autentica revolución que convierte en realidad la utopia. El amor ha nacido como una fuerza transformadora de la realidad social, según recoge el análisis realizado por Luis Torrego Egido en su libro ‘Canción de autor y educación popular’.

Los románticos tendemos a negarlo, pero esta canción puede también ser considerada un híbrido político-amoroso (de hecho se ha convertido en el himno no reconocido del último movimiento independentista catalán), muy en la linea del ampurdanés.

‘I amb el somriure, la revolta’ se conforma como una obra extraordinaria. Sin duda, una de las mejores entre las que han nacido del cerebro de Llach. Dotada de una estilística tan exquisita como apasionada y una carga lírica sin igual, se introduce en la intraducible temática amorosa con la valentía habitual del cantautor catalán.

Para ello no le fue necesario invocar a recursos efectistas ni grandilocuentes. Le bastó con aferrarse a la táctica del rigor poético y a una musicación sobria, sin lugar a la especulación. «Un canto reflexivamente y serenamente lúcido», como ya dijo el crítico Jordi García-Soler allá por 1982, año en que el disco llegó al mercado tras su grabación en los estudios Perpinyá de Barcelona para la discográfica Ariola.

Colaboraron en el nacimiento de esta obra de arte Jordi Camp, al contrabajo; Lluís Ribalta, en la percusión; y Josep María Durán, a la guitarra, mientras que las notas del piano corrieron a cargo del propio Lluís Llach y Manuel Camp. Todo bajo la dirección del ingeniero J. J. Moreno. El fruto de su trabajo fue presentado a finales de aquel año en el Poliorama de la Ciudad Condal.

Además, como ha demostrado el paso de los años, esta creación mejora a medida que madura. Cada audición, como ocurre cuando vemos repetidas veces las grandes películas, nos sugiere algo nuevo. Quizás sea por sus arreglos, tal vez por el propio preciosismo de la música o por el clasicismo que desprende.

Pero no hay duda de que es la LETRA la que produce plusvalía, la que nos introduce en el mundo propio de Llach, salpicado de su intimismo más desolador, de un desamor desgarrador. Aunque siempre dejandola abierta al subjetivismo del oyente, invitado a completar la historia a su gusto o necesidad.

M’agrada el riure dels teus ulls,

on el reflex d’una llum

em sembla un far a la marina

Me gusta el reír de tus ojos,

donde el reflejo de una luz

me parece un faro en la marina

I per la sort d’estar mig foll

jo m’imagino mariner

buscant recer en el teu somriure

Y gracias a mi brizna de locura

me imagino marinero

que busca refugio en tu sonrisa

I així navego pel teu cos

deixant camins en el teu pit

amb la saliva dels meus llavis

Y así navego por tu cuerpo

dejando una estela en tu pecho

con la saliva de mis labios

Per dir-te:

Amb el somriure, la revolta

Així t’espero i t’imagino

i en l’horitzó de la mirada

el gest utòpic que et reclama

Para decirte:

con la sonrisa, la revuelta

así te espero y te imagino

en el horizonte de la mirada

el gesto utópico que te reclama

I em faré au si tu ets el vent

o seré proa de vaixell

si tu ets la dansa de les ones

Y seré ave si eres tú el viento

o seré proa de embarcación

si tú eres la danza de las olas

Que per la sort d’estar mig foll

en la tristor i la soledat

vaig dibuixant la teva forma

Que gracias a mi brizna de locura

en la tristeza y en la soledad

dibujé tu forma

Que vull trobar amb tu el camí dels estels

per llançar els somnis contra el temps.

buscar el coratge perdurant en l’intent

Així t’espero i així em tens

Que quiero encontrar contigo el camino de las estrellas

para lanzar los sueños contra el tiempo

buscar el coraje persistiendo en el intento

Así te espero y así me tienes

I en la bellesa un far per un món més bell,

i en el desig el risc valent.

l’amor un pas per descobrir-me molt més,

així t’espero i així em tens

Y en la belleza un faro para un mundo más bello,

y en el deseo el riesgo valiente

el amor un paso para descubrir mucho más

así te espero y así me tienes

El mayor amor es siempre el que hemos perdido después de haberlo tenido. Aquel que nos ha impregnado con un aroma con el que tendremos que convivir el resto de nuestras vidas, disfrutando del recuerdo y al mismo tiempo penando por una ausencia que siempre ansiamos no sea permanente. Esa tristeza tan dolorosa como placentera que nos genera el recordar ese amor sólo entendible en un propio idioma sentimental.

Ese que sólo se ha compartido con él o ella. Ese amor sin igual que, vuelva o no vuelva, siempre será tuyo. El único, el que nunca podrán borrar otros. Tal vez conseguirán difuminarlo, pero nunca eliminarán el recuerdo de lo que pudo ser y no fue, aunque para ti siempre será, quizá sólo en forma de recuerdo.

Tras tanto divagar con dudoso acierto, quizá la mejor forma de describirlo es recurriendo a los poetas. «Las olas vienen y van con su canto, cuántas noches fueron mudos testigos de aquel amor y de mi triste llanto. Pero hay mujeres que siempre te van a esperar con las miradas tristes y otras sonrientes. Sólo esperan por la tarde o por la noche para poder amar o sobre la arena dejar sus cuerpos ardientes». No son palabras mías, pertenecen a Federico Mendo Sánchez y su ‘Amor de marinero’.

Otra maestra de la lírica, la desaparecida MARI TRINI, lo describe asimismo de forma inigualable. «A ti, hombre marinero, a la deriva loca, sin capitán. De duelo se ha vestido una mujer al ver su marinero no regresar».

LLUÍS LLACH (Verges, 1948) es el cantante catalán con trayectoria musical más larga si exceptuamos a Joan Manuel Serrat. Ambos pertenecieron en los años sesenta del pasado siglo al movimiento Els Setze Jutges, que catalizó el relanzamiento de la ‘nova canço’, pero el ampurdanés siempre se negó a cantar en castellano a pesar de que ello minimizó su campo de acción. Desde entonces sigue haciendo canciones con su guitarra para luego vestirlas de un carácter sinfónico. Ello nunca ha frenado su evolución creativa, con una notable mejoría vocal y dominio de las nuevas tecnologías.

Ya desde sus primeros pasos, quizá por la proximidad de Francia, estuvo abierto a tendencias que no se daban en España. Por ejemplo, fue gran admirador de George Brassens, Jacques Brel o Leo Ferré, a los que consideró sus maestros. Tampoco desdeñó las influencia de Mathalia Jackson o Mikis Theodorakis. De todas esas fuentes ha bebido para generar una obra de extrema sensibilidad y cuidadosa elaboración, rompiendo incluso el abismo que existía entre la música clásica y los cantautores.

Su carrera comenzó en 1967, cuando llegó a Barcelona desde su pueblo natal gerundense y pronto compuso canciones hoy emblemáticas como ‘L’Estaca’, convertida en un himno antifranquista y que le conllevó multas y suspensiones de conciertos. Superada la dictadura, se convirtió en uno de los cantautores más representativos, consagrándose con obras como ‘Viatge a Itaca’ (1975) y ‘Campanades a morts’ (1977), dedicada a los cuatro obreros muertos en Vitoria durante una represión policial.

Con la consolidación de la democracia y pasada la época de la canción política, Llach se introdujo en un tipo de canción más poética –aquí podríamos encuadrar a ‘I amb el somriure, la revolta’– y fue incluso capaz de componer la sinfonía ‘Verges 50’ (1980), una revisión de los paisajes de su infancia a través de la música. Fue una década de trabajos más elaborados.

Al final del pasado siglo transitó hacia el sinfonismo y desde entonces ha mantenido una trayectoria fiel a sus raíces, con el mar Mediterráneo como ecosistema creativo. Jamás ha claudicado a las presiones de las discográficas, aferrándose siempre a una línea de calidad y compromiso.

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‘Sangre española’, que nos llegó junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, es aún el mayor éxito de Manolo Tena. Vendió un millón de copias en todo el mundo, aunque el artista madrileño siempre mantiene que no llegó a ganar ni una peseta con esta canción.

Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.

(...)
Read the rest of Manolo Tena – Sangre española (901 words)

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confesó repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesaba «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añadió más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sotuvo.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derramó arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofreció desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas y difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo volvió a protagonizar, pero el nivel de su obra no decreció hasta que un cáncer detuvo su carrera. Regresó hace poco con un nuevo trabajo. Fue su canto de cisne. Ayer se apagó su voz.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

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Desbordó su objetivo inicial para convertirse en un tema que ilustra el combate de los chilenos contra el régimen de Augusto Pinochet, del que fue víctima el propio Víctor Jara. Sin embargo, la composición es anterior. Data de cuando Chile estaba gobernada por el Gobierno progresista de Eduardo Frei Montalva, época en la que surgieron fuertes movimientos sociales que anhelaban una mejora en las condiciones laborales y de vida.

La creación más famosa de Jara representa a la lucha de la clase obrera a través de la historia de amor de una muchacha llamada Amanda y de un obrero que respondía al nombre de Manuel. Él trabajaba duramente en una fábrica, donde ella la visitaba durante los cortos descansos, cinco minutos escasos hasta que la sirena indicara el regreso al trabajo. Un día su rutina cambió radicalmente, porque Manuel faltó a la cita, víctima de la injusticia del sistema explotador y la codicia de los patronos.(...)
Read the rest of Víctor Jara – Te recuerdo Amanda (912 words)

‘Te recuerdo Amanda’ denuncia la vida gris del proletariado a través de una pareja a la que el autor conocía personalmente, aunque sus nombres reales no eran los que nos presenta la canción. El de Amanda lo cogió de su madre y de su hija, y el de Manuel, de su padre. El amor, en este caso, adquiere otras dimensiones, convirtiéndose en drama social. El tema es, sin duda, el mejor ejemplo de que lirismo y lucha social pueden caminar juntos.

Hay quien sostiene que el cantautor chileno dedicó esta obra a su amada madre unos meses después de que muriera tras un infarto. Otra versión dice que la composición surgió durante un viaje a Londres invitado por el British Council por sus logros como director teatral. Durante su transcurso, su hija Amanda, de 3 años, se puso enferma y, ante la imposibilidad de comunicarse por carta con su esposa por una huelga de correos para conocer el estado de la niña, escribió su mayor clásico en la soledad de su hotel. Desde entonces, 1969, la letra y música que surgieron de su guitarra solitaria deambulan por el planeta esparciendo sentimientos. A pesar de que la dictadura la censuró.

No obstante, Joan, esposa del cantautor, señaló en una ocasión que «la gente se pregunta si la escribió por su madre o por su hija. Creo que no la dedicó específicamente a ninguna de las dos, si bien contiene la sonrisa de la madre y la promesa de juventud de su hija».

¿Una canción de amor o un manifiesto social? Da igual. Lo cierto es que la repercusión de ‘Te recuerdo Amanda’ fue tal en los setenta y en los ochenta que fueron muchas las niñas bautizadas con este nombre.

Te recuerdo Amanda,
la calle mojada,
corriendo a la fábrica
donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha, la lluvia en el pelo,
no importaba nada, ibas a encontrarte con él,
con él, con él, con él, con él

Son cinco minutos,
la vida es eterna en cinco minutos
suena la sirena de vuelta al trabajo,
y tú caminando, lo iluminas todo
los cinco minutos te hacen florecer

Te recuerdo Amanda,
la calle mojada,
corriendo a la fábrica
donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha, la lluvia en el pelo,
no importaba nada, ibas a encontrarte con él,
con él, con él, con él, con él

Que partió a la sierra
que nunca hizo daño, que partió a la sierra,
y en cinco minutos quedó destrozado
suena la sirena, de vuelta al trabajo
muchos no volvieron, tampoco Manuel

Te recuerdo Amanda,
la calle mojada,
corriendo a la fábrica
donde trabajaba Manuel

La sonrisa ancha, la lluvia en el pelo,
no importaba nada, ibas a encontrarte con él,
con él, con él, con él, con él

VERSIONES

La veterana cantautora estadounidense JOAN BAEZ fue de las primeras en hacer uso de ‘Te recuerdo Amanda’.

http://youtu.be/2X0JH05MbH8

El trovador cubano SILVIO RODRÍGUEZ realizó una gran interpretación.

Nuestro JOAN MANUEL SERRAT y PRESUNTOS IMPLICADOS compartieron el tema de Víctor Jara.

La argentina MERCEDES SOSA dar a la canción su toque personal.

Más reciente es la revisión de ISMAEL SERRANO.

VÍCTOR JARA (1932-1973) fue más poeta que cantante, además de profesor, director de teatro, activista político y miembro del Partido Comunista. Bebió siempre de la crónica social para crear sus obras e hizo suyos los problemas de obreros y campesinos, participando en el proyecto político de justicia social del presidente Salvador Allende, abortado por el golpe que el general Augusto Pinochet encabezó el 11 de septiembre de 1973.

Una de las víctimas del baño de sangre que siguió a la asonada fue el propio cantautor, con quien se ensañaron particularmente. Fue asesinado con 44 disparos en un vestuario del estadio Chile, donde estaban hacinados unos cinco mil simpatizantes de Allende. Previamente le torturaron durante días y jugaron con él a la ruleta rusa. Tenía 41 años. Todavía le quedaban muchas cosas por contar.

El trovador incuestionable se erigió por derecho propio en el mayor exponente de la Nueva Canción Chilena con temas inspirados en la cultura popular. Hijo de una familia de campesinos, en él germinó la semilla musical sembrada por su madre, Amanda Martínez, cantora popular. La planta que nació la regó Omar Pulgar, un músico de los arrabales de Santiago. Él le enseñó a tocar la guitarra. Sus estudios musicales los completó en el coro de la iglesia de Blanca Encalada.

Luego se introdujo sin medida en el renacimiento cultural que vivió Chile en la década de los años sesenta, compartiendo territorio con Pablo Neruda o Violeta Parra, que regentaba un local conocido como la Peña de los Parra, dónde Víctor Jara ofreció numerosas actuaciones con canciones comprometidas políticamente, junto a otros músicos como Quilapayún.

Se significó demasiado contra el fascismo y, cuando le sorprendió el golpe de estado, fue objetivo inmediato de los militares. Dicen que un periodista le recomendó que cambiara la guitarra por el fusil, pero el cantante contestó: “No, compañero, yo no sé disparar. La guitarra siempre sirve, aunque sea para animar a los combatientes”. Fue detenido en la Universidad Técnica de Santiago, donde impartía clases. La siguiente noticia se refería a su muerte.

Víctor Jara encarnó un ejemplo de valentía, dignidad, solidaridad y compromiso con un mundo más justo. A través de su canto nos permitió conocer la cruel realidad del Chile de aquella época. Su espíritu y su lucha por la justicia social ha pervivido en su obra.

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Menta y limón’ es de esos temas que nos trae recuerdos que ya parecían borrados. Cualquiera de los que escuchábamos radio a principios de aquella década nos acordaremos de ella y la reflotaremos de nuestro limbo. Una guitarra hechizada salpica toda la composición, dotándola de un ritmo que permite desarrollar a través de él un historia de amor de un joven inmaduro que cree que todo es miel.

La realidad le pone a su sitio y su matrimonio, en principio celestial, se estrella contra la vida. Sin embargo, aunque las circunstancias hicieron imposible aquella pareja, el amor era verdadero y él ahora masca su soledad y rememora a la persona amada.

Una letra sensible que hace especial incidencia en los seres dotados de una sensibilidad capaz de captar la dulzura y el amor que se esconden en sus poco más de cuatro minutos. La combinacion gastronómica de la menta y el limón es explosiva. Garantiza un frescor inmediato, como en su día ofreció este tema, logrando vender miles de copias a ambos lados del océano Atlántico. Este verso lo demuestra todo:

Mis manos son hielo sin tu espalda
mi frente un infierno sin tu calma
mis ojos la pena y la mirada
menta y limón

No hacen falta más palabras para describir lo que el protagonista sentía.

http://youtu.be/HaI24_5Yuow

Nos miramos una vez
y supimos enseguida qué pasaba
nos hablamos una vez y salimos
a buscar la madrugada

El vino fue un complice
para toda aquella fiesta de palabras
y al cabo de un tiempo de querernos
nos casamos de mañana

No era fácil trabajar y difícil
llevar dinero a casa
yo soñaba más y más
pensando que te tranquilizaba

El fracaso fue un cristal
para ver nuestra pareja separada
y después de un tiempo de engañarnos
todo quedo en nada

Y espero despierto la mañana
fumándome el tiempo en la cama
llenando el espacio con tu cara
canela y carbón

Mis manos son hielo sin tu espalda
mi frente un infierno sin tu calma
mis ojos la pena y la mirada
menta y limón

Por las calles de mi vida
voy mezclando la verdad y la mentira
me cambio el nombre en cada esquina
y le pongo al tuyo una sonrisa

He dejado de beber y como tu fruta preferida
y escapando de mi suerte y de mí mismo
vuelvo al punto de partida

VERSIONES

En 2010 los malagueños de DANZA INVISIBLE rindieron un merecido homenaje a Narvaja con una gran adaptacion de ‘Menta y limón’.

La mexicana YURI recurrió al autor mexicano para incorporar el tema a su discografía.

El dúo chileno DOUBLE V incluyeron ‘Menta y limón’ en su disco de debut, en 2009.

También su compatriota ANDRÉS DE LEÓN optó por esta canción romántica.

El bonaerense NITO MESTRE, fundador y ex vocalista de Sui Generis, interpretó asimismo la composición de Roque Narvaja.

ROQUE NARVAJA es de esos artistas que lo apuestan todo desde el principio, de los que no escatiman esfuerzos ni en su vida ni en su obra, de los que el ímpetu inicial se convierte en su causa única. Es la característica que ha presidido su devenir desde que nació en la localidad argentina de San Esteban, cerca de Córdoba, el 10 de febrero de 1951.

El cantautor y guitarrista argentino se hizo popular por ‘Santa Lucía’, que cedió a Miguel Ríos y que es considerada una de los cien mejores temas de amor escritos en castellano. Pero su carrera había nacido ya mucho antes en su país natal, cuando a los principios de los setenta fue el líder y fundador del grupo La joven guardia, exponente de la música beat por aquellos lares.

En 1972 abrió su trayectoria como solista con canciones de protesta y letras politizadas que pronto le pusieron en el punto de mira de la dictadura militar, por lo que cinco años más tarde se vio obligado a exiliarse en España. En Madrid entró pronto en el mundo musical de la época y triunfó con temas como el mencionado ‘Menta y limón’ o ‘Yo quería ser mayor’. Corría el comienzo de los ochenta. Fue en esa década cuando nos ofreció lo mejor de sí.

Aunque al terminar el régimen de Videla todavía decidió quedarse en España, su andadura se difuminó y en 1989 se trasladó a la ciudad argentina de Junín, donde vivió hasta 1995 dejando un poco de lado la música y dedicándose a la aviación. Otra vez viajó a España, pero, con la llegada del nuevo siglo, hizo coincidir el resurgimiento de su carrera y la vuelta definitiva a su país.

Joan Manuel Serrat dijo de el que «Roque forma parte de esa gente que de la lluvia se interesa por la gotas y en los cielos busca los relámpagos. Es un representante emblemático de una música sin fronteras». Las palabras del maestro no pueden tener réplica.

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Jamás creí que nadie pudiera dedicar un tema a estos insectos, pero ellos lo hicieron, Luego descubrí que Joan Manuel Serrat también. Para esta composición Germán Coppini se dotó de un sentido del humor que yo creía imposible en él y se lanzó a la entomología para inquietarnos a todos. Eso sí, negó su enajenación: «Colecciono moscas, pero no estoy loco, ¿por qué?», sostiene su letra.

Lo cierto es que los insectos siempre han sido muy empleados en literatura y Coppini y sus rapaces en el fondo eran unos poetas, esquizofrénicos pero poetas. Este díptero es siempre utilizado como sinónimo de excremento y por ello no parece aventurado asegurar que en el fondo ‘Colecciono moscas’ es una crítica social.

Las insectos ya fueron glosados en el pasado por el escritor Dámaso Alonso en una de sus poemas más célebres. Aunque Golpes Bajos pusieron una melodía imaginativa y original para crear un producto surrealista. Dicen quienes les conocían que las drogas ayudaban a alcanzar un estado de éxtasis donde su creatividad mostraba su máxima expresión. Al final fueron víctimas de sus excesos, como el coleccionista de moscas que en los momentos finales de la canción pierde el control de los insectos y acaba por ser devorado.

El personal universo de Golpes Bajos llegó a su cénit con este tema, presentado a modo de divertida salsa. ‘Colecciono moscas’, como toda su obra, tuvo grandes adeptos y grandes detractores.

Tengo en una caja
metidas unas moscas ¿por qué?…

Tengo moscas pequeñas,
tengo moscas grandes, ¿y qué?

Las guardo a escondidas,
¿qué se imaginan en casa?
Llego del trabajo
y me dedico a observarlas

Mientras las unas parecen
volar confiadas,
las otras en cambio…
en un rincón asustadas

Mis moscas más grades
se comen a las otras, ¿por qué?
¡Mira que están locas
estas bichas tan gordas! ¿y qué?

Escenas macabras
te brinda mi caja
Festín que preparo
todas las mañanas

Estos insectos voraces
no se conforman con nada
Se roban bocados
quedándose hartas

Colecciono moscas
pero no estoy loco ¿por qué?

Han hecho astillas la caja
de lo que están engordando,
y vuelan pesadamente
dando vueltas al cuarto

Ahora soy yo el que se asusta
se han relamido mil veces
como no encuentre las llaves
van a empezar a comerme.

VERSIONES

Golpes Bajos firmó también una EDICIÓN EXTENDIDA y algo más salsera.

http://youtu.be/-tdFAkdhkgE

Hasta la fecha, que yo sepa, nadie se ha atrevido a ofrecer un cóver de este tema tan surrealista. Hace falta mucho valor.

El polifacético Germán Coppini protagonizó una carrera fuera de cualquier estándar. Cuando mejor le iba a su primer grupo, Siniestro Total, rompió con ellos para dar un vuelco a su andadura artística y formar GOLPES BAJOS. Pasó del punk divertido al más puro pop perturbado.

Sorprendieron con su disco de debut, pero su desvarío alcanzó su mayor cota en en el segundo, titulado ‘A Santa Compaña’ y cargado de temas fuera de la lógica imperante en la nueva ola musical española de principios de los ochenta, siguiendo en cierto modo una senda trazada por Radio Futura.

Su andadura fue corta, limitada por las drogas, que colapsaron su creación artística, caracterizada hasta entonces por un peculiar estilo anárquico que sorprendió a una sociedad liberada del traumático régimen franquista.

Junto con La Mode constituyeron la corriente intelectual de la movida y se encargaron de retratar la profundidad de su Galicia natal con creaciones que oscilaban entre la paranoia y el culto a Kafka.

Junto al vocalista Germán Coppini, Golpes Bajos estaba integrado por Teo Cardalda a los teclados, Pablo Novoa como guitarra y Luis García como bajista. Cardalda posteriormente tuvo éxito con Cómplices, donde demostró sus dotes como compositor junto a su pareja María Monsonis.

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