Fueron los resúmenes de la Vuelta Ciclista de 1981 los que, del 21 de abril al 10 de mayo y a lo largo de los 3.446 kilómetros que unieron Santander y Madrid tras recorrer gran parte de la península, nos descubrieron en España este experimento. Como sintonía, Stars on 45 presentó un resumen de los principales éxitos de The Beatles, enganchados por un ‘vínculo’ obra del productor Jaap Eggermont. El resultado constituyó todo un éxito. Sin duda fue el tema del año en nuestro país.

Lo mismo ocurrió en el resto de Europa y en la mayor parte del mundo, incluido el exigente mercado estadounidense, que premió este innovador concepto musical con el número uno de la todopoderosa revista musical ‘Billboard’ en junio del mismo año. Arrebató la cima del hit parade a ‘Bette Davis eyes’, de Kim Carnes, que ya ha pasado por este blog.

La acogida de Stars on 45 al otro lado del Atlántico fue tal que incluso el Huntington Hartford Theater de Hollywood acogió un show del grupo, editado en vídeo por MCA Home en 1983.

La industria discográfica de Reino Unido asimismo premió el proyecto con los galardones al mejor álbum de música disco, al mejor single y al mejor productor revelación.

Sin solución de continuidad Stars on 45 versionó obras del inigualable cuarteto de Liverpool como ‘No Reply’, ‘I’ll Be Back’, ‘Drive My Car’, ‘Do You Want to Know a Secret’, ‘We Can Work It Out’, ‘I Should Have Known Better’, ‘Nowhere Man’, ‘You’re Going to Lose That Girl’ (hasta aquí la versión single), ‘Ticket to Ride’, ‘The Word’, ‘Eleanor Rigby’, ‘Every Little Thing’, ‘And Your Bird Can Sing’, ‘Get Back’, ‘Eight Days a Week’, ‘It Won’t Be Long’, ‘Day Tripper’, ‘Wait’, ‘Good Day Sunshine’, ‘My Sweet Lord’, ‘Here Comes the Sun’, ‘While My Guitar Gently Weeps’, ‘Taxman’, ‘A Hard Day’s Night’, ‘Things We Said Today’, ‘If I Fell’, ‘You Can’t Do That’, ‘Please Please Me’, ‘From Me to You’ o ‘I Want to Hold Your Hand’ (ya en el LP y el maxi).

La interpretación a cargo de siete músicos y cantantes de estudio de los Países Bajos, con voces muy similares a las originales, se redondeó gracias a una tecnología digital en su máximo esplendor. La mezcla fue perfecta. Hasta el punto de que gracias a Stars on 45 muchas canciones de The Beatles volvieron a las listas de éxitos musicales de Estados Unidos y Reino Unido. Y hasta la discográfica de los genios de Liverpool realizó su propia mezcla de éxitos en 1982, con el título «The Beatles Movie Medley».

Todo comenzó cuando Willem van Kooten, director gerente de la discográfica Red Bullet Production, descubrió un maxisingle pirata llamado ‘Let’s Do It In the 60’s’, que se constituía en torno a un poutpourri con canciones de The Beatles, The Buggles, The Archies, Madness… Entre ellos estaba el tema ‘Venus’, del grupo local The Shocking Blue, cuyos derechos pertenecían al empresario, aunque no cobraba ningún royalti por él.

Van Kooten contactó con Eggermont, que había tocado la batería en el grupo Golden Earring, para intentar repetir aquel mosaico musical, ya de forma legal y profesional para la discográfica CNR. El secreto era configurar una obra fácil de bailar y de éxito seguro porque incluía temas atemporales que todos conocíamos.

Como curiosidad hay que destacar que el título legal de aquel primer single fue “Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I’ll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You’re Going to Lose That Girl / Stars on 45”. La normativa obligada a citar todas las canciones que se mezclaban y ello hizo que Stars on 45 firmara el vinilo de 45 revoluciones con el título más largo de la historia que alcanzara el número uno mundial.

De cualquier manera, como en este mundo todo parece inventado ya, hay quien encuentra un precedente a este género musical en el cantante francés LAURENT VOULZY, quien un verano de los años sesenta logró rentabilizar un tema que decía “y Bob Dylan cantaba”, para continuar versionando trozos de los principales hits del cantautor norteamericano. Igual fórmula utilizó, más tarde inspirándose en The Beatles. Tituló el invento ‘Rockollection’.

El conjunto CAFÉ CRÈME también mezcló a The Beatles, aunque sin claps y dando un toque personal a los temas. Este producto nació con el título ‘Unlimited Citations (non-stop beatles disco medley)’.

Tras la estela de Stars on 45 surgieron nuevos intentos de rentabilizar una fórmula que se demostró exitosas. Algunos de ellos fueron:

JIVE BUNNY & THE MASTER MIXERS, con ‘Hit Mix’.

THE ROYAL PHILHARMONIC ORCHESTRA, con sus Hooked on Classics.

Lo mismo hizo LARRY ELGART Y SU MANHATTAN SWING ORCHESTRA, pero con música swing.

En España Luis Eduardo Aute intentó experimentar asimismo con retales de canciones de rock clásicas. Entre las elegidas estaba ‘Love me tender’ de Elvis Presley, pero la familia del rey del rock se negó a versiones de trozos.

Más suerte tuvo el saxofonista y director de orquesta LUIS COBOS, que supo rentabilizar mezclas de clásicos, zarzuela o corridos mejicanos.

Todos los cantantes de STARS ON 45 procedían de los Países Bajos. Bas Muys imitó a John Lennon, Hans Vermeulen a Paul McCartney y Okkie Huysdens a George Harrison. En el proyecto también participaron Albert West, Arnie Treffers, Jody Pijper, Peter Vermeij y Tony Sherman.

Se dieron a conocer con el medley del mítico cuarteto británico, que les permitió editar sus dos primeros singles y la cara A del álbum de debut ‘Stars on Long Play’.

Después de estos primeros éxitos, bajo la dirección de Jaap Eggermont lanzaron al mercado nuevas ediciones monográficas con temas de Abba ‘Stars on Long Play II’ (número 2 en Reino Unido), de la Motown (número 55 en Estados Unidos), The Rolling Stones, Sam and Dave y James Brown. Ediciones europeas incluyeron “Stars on Frankie” como homenaje a Sinatra.

Una secuela femenina de Stars on 45 fue el grupo The Star Sisters, que cantaba temas de los 40 y se hizo famoso en Europa con el éxito del single ‘Andrews Sisters Medley’y el álbum ‘Stars on 45 Presents The Star Sisters’.

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Este himno del rock, tan clásico como la Quinta Sinfonía de Beethoven, también te transportará de inmediato a lo más profundo del sur estadounidense, a sus blancos campos de algodón, a su húmedo calor… Qué lejos estamos de la mítica Alabama y, sin embargo, que cerca nos sentimos de ella gracias a este tema. Icono imperecedero, nos ayuda a sentir ese área norteamericana. Quizá porque ‘Sweet home Alabama’ es una de esas composiciones ideales para viajar, de las que tienes que tener siempre en el equipo de música de tu coche cada vez que te enfrentas a la carretera.(...)
Read the rest of Lynyrd Skynyrd – Sweet home Alabama (Dulce hogar Alabama) (2,034 words)

Hasta aquí el lado amable de una de las canciones superlativas de la historia. Ahora es hora de hablar de la polémica que siempre ha caminado junto a ‘Sweet home Alabama’. Una absurda polémica. Retrocedamos a los años setenta. Alabama, estado históricamente vinculado a la esclavitud, causa que defendió en la Guerra de Secesión, un siglo después de su abolición todavía mantenía normativas muy restrictivas para integrar a la población negra, a pesar de que en algunos condados superaba el 90%.

Ni siquiera las grandes movilizaciones abanderadas por Martin Luther King convencieron a las autoridades del estado para iniciar la apertura en materia de segregación racial. Por ello, Alabama fue objeto de crítica por parte de algunos artistas.

NEIL YOUNG

Entre ellos estaba Neil Young, quien dedicó dos temas –‘Southern man’ y ‘Alabama’– a denunciar aquel comportamiento. En el primero, cuyo título podría ser traducido como ‘Sureño’, el grandioso artista canadiense venía a decir en 1970: «al final vendrá un cambio para el sur / ahora tus cruces arden rápido / he visto el algodón y he visto a los negros / altas mansiones blancas y pequeñas chabolas / sureño ¿cuándo les pagarás por ello? / he escuchado gritos y látigos chasqueando / ¿por cuánto tiempo?».

Dos años más tarde, en ‘Alabama’ la letra incluía estrofas como «vengo a ti y veo toda esta ruina / ¿qué estás haciendo Alabama? / tienes al resto de la unión para ayudarte / ¿qué está yendo mal?».

Todo apunta a que se trataba de dos claros alegatos antirracistas, aunque hay quien sostiene que Young odiaba Alabama desde que en 1969 sufriera una paliza allí.

Esta ‘intromisión’ de Young, lógicamente, fue mal recibida en el estado sureño. La banda local, aunque nacida en Florida, Lynyrd Skynyrd se erigió en portavoz del sentimiento de repulsa y, como respuesta, publicó ‘Sweet home Alabama’.

Lo que presentaron como himno de amor hacia el sur, se convirtió en realidad en el cobro de una factura a Young, no exenta de chulería, y en un ejercicio de orgullo natal. Lynyrd Skynyrd creía que el canadiense había pecado de oportunista y había generalizado demasiado. «Pensábamos que estaba disparándo a todos los patos para ver si le daba a uno o dos», comentó por aquellas fechas Ronnie van Zant, líder de la banda.

LA LETRA cita explícitamente a Neil Young.

Dulce hogar Alabama
la noria sigue girando
llévame a casa para ver a mi familia
cantando canciones acerca del sur
de nuevo echo de menos a Alabama
y pienso que es un pecado, sí

Bien, oí al señor Young cantando sobre ella
bien, oí al viejo Neil admirándola
bien, espero que Neil Young recuerde
de todas maneras, un hombre del sur no lo necesita

Dulce hogar Alabama
donde el cielo es tan azul
dulce hogar Alabama
Dios vuelvo a casa contigo

En Birminghan ellos aman al gobernador ohh
ahora hicimos lo que podíamos hacer
ahora el ‘watergate’ no me molesta
¿tu conciencia te molesta?
di la verdad

Dulce hogar Alabama
donde el cielo es tan azul
dulce hogar Alabama
Dios, vuelvo a casa contigo
aquí vengo Alabama

Ahora los estudios Swamper Muscle tienen músicos
y han sabido escoger una canción o dos
Dios, consiguen dormirme
ellos me recogen cuando yo me siento triste
¿ahora que te parece a ti?

Ahhh, ahhhh ah, Alabama

Dulce hogar Alabama
oh chica dulce hogar
donde el cielo es tan azul
y la verdad del gobernador
dulce hogar Alabama
señor, señor, vuelvo a casa contigo
yeah, yeah conseguí la respuesta de Montgomery

La CONTROVERSIA creció en diferentes medios de comunicación, pero nunca derivó hacia un enfrentamiento entre la banda sureña y el cantante canadiense. Es más, tantos unos como el otro han manifestado siempre admiración mutua. «Estoy orgulloso de que mi nombre estuviera en una de sus canciones», dijo Neil Young en 1976. Ronnie van Zant, por su parte, apareció en varios conciertos con una camiseta con la portada de un disco del cantautor.

También Billy Talbot, bajista de Crazy Horse, el conjunto de acompañamiento de Young, lució a veces la característica camiseta negra de Lynyrd Skynyrd con el diseño imitando el logo del whisky Jack Daniels. Es más, tras la muerte de varios miembros de la banda en un accidente de tráfico registrado en 1977, Young, durante algunos conciertos, intercaló en su canción ‘Alabama’ algunos trozos del estribillo de ‘Sweet home Alabama’.

El tema creó, asimismo, cierta polémica al hacer referencia al gobernador de Alabama en aquel período, George C. Wallace, conocido por su febril defensa de la discriminación racial en las escuelas – «segregación ahora y segregación siempre» era su frase favorita–, y por citar además a la ciudad de Montgomery, que en 1963 acogió graves disturbios entre la Policía y los manifestantes por los derechos civiles.

La mayoría de la opinión pública dedujo que con la canción se pretendía apoyar a Wallace y a su política, pero Van Zant siempre lo desmintió. «La letra fue malinterpretada. La expresión ‘Boo, boo, boo’ no pretendía corearle sino que era una ironía», dijo. Pero lo cierto es que la ambigüedad con la que jugaron los miembros del grupo daba lugar a varias interpretaciones. «Nosotros hicimos lo que pudimos para echar al gobernador», añadió su líder.

Sus explicaciones no convencieron y ‘Sweet home Alabama’ fue tachada de racista, generando un eterno debate sobre ello. La duda era alimentada además porque Lynyrd Skynyrd actuaba muchas veces con la bandera de la confederación a sus espaldas. Luego, paradójicamente, apoyaron la candidatura del demócrata Jimmy Carter a la Casa Blanca.

HISTÓRICO RIFF

Discusiones al margen, nadie puede negar que ‘Sweet home Alabama’ es una gran obra musical, que en su inicio exhibe uno de los riff más reconocibles de la historia del rock, realizado con una guitarra Fender Stratocaster. La compusieron los miembros de Lynyrd Skynyrd Ed King, Gary Rossington –música– y Ronnie Van Zant –letra– en 1974 en unos estudios de Georgia y, pese a ser una canción en principio localista, alcanzó el número ocho en las listas de éxitos estadounidenses.

Como curiosidad, señalar que empieza con Van Zant diciendo ‘Turn it up’ (Súbelo), que no formaba parte de la letra. Simplemente le reclamaba al ingeniero de sonido que elevara el volumen de sus auriculares. Pero, esta expresión gustó y acabó por convertirse en el inicio tras el tradicional ‘one, two, three…’).

Sin embargo, ‘Sweet home Alabama’ tuvo que luchar incluso contra las reticencias del productor de la banda Al Kooper, que no quería grabar este tema porque dudaba de su potencial. Al final fue la discográfica quien, afortunadamente para los melómanos, impuso su criterio.

Kooper creía que la referencia a Young era demasiado explícita y que repercutiría de forma negativa en el grupo. Pero la musicalidad y la adicción que crea la canción superaron cualquier prejuicio. Hoy en día ¿quién no se deja seducir por ella?, ¿quién no la reconoce nada más sonar sus primeras notas?

En la actualidad la apoteósica y mítica ‘Sweet home Alabama’ configura el himno por excelencia del rock sureño, su emblema sonoro. Además, durante los últimos años se ha convertido en el eslogan del estado y forma parte de la campaña de promoción turística diseñada por el gabinete del actual gobernador, Bob Riley. «La frase es saludable, alegre y cálida…», dijo Riley durante la presentación. De hecho, desde 2009, hasta las matrículas de Alabama van precedidas del ‘Sweet home’.

VERSIONES

El filtro irónico de la banda gallega SINIESTRO TOTAL en 1984 convirtió ‘Sweet home Alabama’ en ‘Miña terra galega’.

Los argentinos CJARLY GARCIA Y JAVIER CALAMARO trataron de hacer patria con ‘Sweet home Buenos Aires’.

Peculiar y pegadiza es la revisión que realizó KID ROCK, mezclando hip-hop y country-rock en 1989. La tituló ‘All summer night’.

Pintoresca es, asimismo, la visión personal de la banda finlandesa LENINGRAD COWBOYS, formada a raíz de una película ‘Leningrad cowboys go to America’, del director Aki Kaurismaki. En 1994 se rodearon de miembros del coro del Ejército Rojo en la entrega anual de los premios MTV en Nueva York para hacernos reír con una interpretación tremendamente vistosa.

CINE

La presencia más recordada de ‘Sweet home Alabama’ en la gran pantalla nos lleva a la película de Robert Zemeckis ‘Forrest Gump’ (1994). Suena cuando el protagonista se encuentra con Jenny.

Hollywood es adicta al tema. Así, de pronto, la encontramos en filmes como ‘La masacre de Texas’, ‘Con Air’ –donde suena mientras Garland Greene (Steve Buscemi) define la palabra ironía a Cameron Poe (Nicolas Cage) como «un montón de idiotas bailando dentro de un avión una canción que se hizo famosa por una banda que murió en un accidente aéreo»­–, la homónima ‘Sweet home Alabama’, protagonizada por Reese Witherspoon; ‘Ocho millas’, con una versión cantada por Eminem; la terrorífica ‘The Texas Chainsaw’ o ‘Gru, mi villano favorito’, entre otras.

La televisión también ha recurrido hasta la saciedad al genial tema de Lynyrd Skynyrd. Series de culto como ‘Los Simpsons’ o ‘Malcolm in the middle’ lo han incluido en sus bandas sonoras.

ANÉCDOTA

El equipo de ciclismo profesional norteamericano Garmin –ahora Cannondale– adoptó ‘Sweet home Alabama’ para motivar a sus corredores. En cada entrenamiento en grupo suena por los altavoces del coche del director «Sweet home on a Garmin / where the boys on argyle blue» (dulce hogar en Garmin, donde están los chicos de rombos azules), en referencia al diseño del maillot de la escuadra.

LYNYRD SKYNYRD se constituyó en 1964 en torno a la figura de Ronald van Zant y en el marco de un instituto de Jacksonville, en Florida. En la siguiente década ya era uno de los principales exponentes del rock sureño. Sus siete miembros –además de Van Zant (voz y guitarra), eran Ed King (bajo), Allen Collins (guitarra), Gary Rossintong (guitarra), Leon Wilkeson (bajo), William Powell (teclados) y Robert Burns (batería)– adoptaron su nombre de una burla socarrona hacia Leonard Skinner, su temido profesor de gimnasia, que les afeaba sus largos cabellos.

Fueron descubiertos por Al Kooper, exmiembro de Blood, Sweat & Tears, cuando tocaban en un club y se los llevó a Atlanta para firmar por una pequeña discográfica. Tras una gira como teloneros de The Who, comenzaron a grabar en 1973 con buena acogida y a caminar junto al éxito gracias al tema ‘Free bird’. Pero la popularidad llegó de forma masiva al año siguiente con ‘Sweet home Alabama’. Todas sus siguientes producciones se vieron de inmediato premiadas con discos de oro.

Pero un apretado calendario de actuaciones mermó la energía del grupo y provocó el abandono de Burns y de Ed King. La banda siguió adelante con las incorporaciones de Steve Gaines y Artimys Pyle, al tiempo que incrementó su natural idilio con el escándalo, avivando su fama y la fidelidad del público a uno de los primeros grupos en sacar tres guitarras al escenario, toda una revolución en aquellos tiempos.

Lamentablemente, en octubre de 1977 el avión en el que viajaba la banda durante una gira nacional se estrelló en los pantanos de Mississippi por falta de combustible. Murieron seis personas –Van Zant, Gaines, su hermana y cantante de apoyo Cassie, el mánager Dan Kilpatrick y los dos pilotos–, quedando el resto gravemente heridos. Los supervivientes decidieron seguir adelante, aunque su carrera fue corta. En 1980 crearon Rossinston Collins Band, sin apenas éxito.

Posteriormente, la desgracia no se apartó de ellos y Allen Collins quedó paralítico en 1986 en un accidente de coche en el que murió su novia. En 1990, él mismo falleció de neumonía. Por su parte, el bajista Leon Wilkeson pereció en 2001 por causas naturales; el teclista, Billy Powell, perdió la vida en 2009 por un ataque al corazón; e incluso el batería de la primera época, Bob Burns, fue víctima fatal algo más tarde de un accidente. Probablemente ha sido el grupo con peor suerte de todos los tiempos. Tan sólo sobrevive el guitarrista Gary Rossington, que sigue al frente de la banda, aunque ya con escasa repercusión.

Junto a The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd fue el grupo más importante del rock sureño, basando su repertorio en un estilo sustentado en el blues-rock, el country, el boogie, el honky tonk y el rock’n’roll. Todo salpimentado por raíces confederadas, finalidad reinvidicativa y lúdica.

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Lo cierto es que la película dirigida por James Cameron sí ha sido la más taquillera de la historia del cine, siendo premiada con once Oscar por la Academia de Hollywood. Su tema musical estrella logró una popularidad similar.(...)
Read the rest of Celine Dion – My heart will go on (Mi corazón seguirá latiendo por ti) (Titanic) (2,112 words)

Al margen de las diferentes opiniones, lo que sí es cierto es que la obra interpretada originalmente por Celine Dion sí ha superado a sus antecesoras a la hora de trasladarse de la gran pantalla a bodas, funerales, días de los enamorados, karaokes, anuncios comerciales, nanas, sonidos relajantes, fondos musicales para hacer el amor… Vale para todo. Para todo sirve como banda sonora.

Nos encontramos ante la canción ideal para aquellos que siempre han soñado con un amor de película. A ellos, seguramente, ‘My heart will go on’ les marcó la vida. De hecho, desde aquel 8 de diciembre de 1997, cuando se lanzó el single en la esfera anglosajona, la cantante canadiense de origen francés se convirtió en Afrodita, la diosa del amor. Su voz ensoñadora consiguió entrar en los corazones de millones de personas.

La apreciación no es gratuita. Viene refrendada con los fríos datos que arrojó el mercado discográfico, que convirtió a Celine Dion en la mujer que prestó su timbre al single más vendido del año. Con el tiempo, llegó a ser uno de los más difundidos de todos los tiempos. Se contabilizaron quince millones de copias dando vueltas por todo el planeta. Es, por lo tanto, la canción interpretada por una mujer que consiguió mayor repercusión. Asimismo, está incluida en la lista de composiciones más importantes del siglo XX realizada por la Asociación Americana de la Industria Discográfica y por la Academia Nacional de las Artes estadounidense.

Los hit-parade también se rindieron a su talento. ‘My heart will go on’ alcanzó el número uno en Estados Unidos, Reino Unido, Suiza, Francia, Alemania, Holanda, Suecia, Bélgica, Dinamarca, Italia, Noruega, Irlanda, Australia, Austria, Grecia, Irlanda, Finlandia y, naturalmente, España. En todos permanceció en cabeza durante semanas. Asimismo fue elegido disco del año en Bélgica, Holanda, Suecia y Suiza.

También llovieron galardones. El tema se hizo con un Oscar, un Globo de Oro y cuatro premios Grammy –disco del año, canción del año, mejor interpretación femenina y mejor tema escrito específicamente para una película o televisión–.

La obra compuesta por James Horner y dotada por Will Jennings de una letra arrebatadora, sin lugar a dudas se ha erigido con justicia como uno de los temas cinematográficos más populares de todos los tiempos. Se puede afirmar sin riesgo de error que ya forma parte de la cultura musical universal. Pocos serán los mortales que no sean capaces de identificarla nada más escuchar sus primeros acordes.

La clave de su capacidad de adicción radica, en gran medida, en los arreglos y en una melodía que cautiva de manera instantánea. Si a ello se une la interpretación de Dion, esta obra queda enmarcada en un ambiente atrapante. Sus productores –Simon Franglen, Horner y Walter Afanasieff– lograron ensamblar todas las piezas de un proyecto irrefrenable.

Pero no todo surgió como estaba previsto. La idea original de Horner –fallecido el pasado verano en un accidente de avión– no contemplaba que ‘My heart will go on’ fuese el tema principal de la banda sonora de ‘Titanic’. De hecho, su intención primitiva era utilizar la melodía como el instrumental que adornara algunas de las escenas. Fue la calidad de la letra escrita por Will Jennings la que convenció al compositor.

Tampoco hubo acuerdo a la hora de elegir la intérprete. Tras debatir sobre diferentes nombres, finalmente la discusión se acotó a Whitney Houston, Toni Braxton y Céline Dion. Las dos primeras no estaban disponibles por aquellas fechas y fue Dion quien se convirtió en ‘la voz’ de ‘Titanic’.

Sin embargo, cuando escuchó el tema en un sólo de piano a manos de Simon Franglen, la francocanadiense tampoco quiso registrar la partitura compuesta por Horner. Al final fue su manager y esposo, Rene Angelil, recientemente desaparecido, quien la convenció para grabarla en el estudio The Hit Factory, de Wallyworld, en Nueva York.

«Gracias a Dios que nadie me hizo caso en ese momento. La verdad es que, en un principio, no me gustaba la canción. No estaba segura», aseguró Dion en una entrevista concedida a un programa de la BBC. «Anteriormente había probado con otro tema para una película y la experiencia no fue buena. Pensé que era forzar la situación, pero mi esposo me motivó a hacer por lo menos un demo, que terminó siendo el tema de ‘Titanic’. Luego la he vuelto a cantar unas tres millones de veces. Es un bonito problema formar parte de un clásico y saber que vas a morir con él», dijo con tono irónico.

Quedaba por superar la traba del director de la película, James Cameron, nada partidario de que una canción sonara en los créditos finales. Temía las críticas por comercializar el final del filme. Pero él también cayó rendido ante la interpretación de Dion, quien alcanza graves que no sonarían tan mundanas en una soprano y agudos que logran resonancia sin apenas esfuerzo. Todo gracias a su excelente técnica vocal que podemos ver en el vídeoclip oficial dirigido por Bille Woodruff y que combina imágenes de ‘Titanic’ con la interpretación de Celine Dion.

La voz de la diva canadiense fue el complemento perfecto para una melodía que contenía elementos de música celta inspirados en la canción ‘Flying dutchman’ de Jethro Tull, sonidos orquestales y tonos de sintetizadores, sin olvidar la magistral inserción de los coros.

LETRA

Cada noche que pasa en mis sueños te veo,
te siento allí conmigo,
así es como sé que no me has abandonado

Más allá de los límites de la distancia
y espacios incomprensibles que nos separen,
has venido a mostrar que no existen barreras

Cerca, lejos, dondequiera que te encuentres,
creo que el corazón sigue latiendo.

Una vez más, llegas cruzando esos obstáculos
y te encuentras aquí dentro llenando mi pecho
y mi corazón te seguirá amando sin descanso

El amor puede tocarnos una sola vez en la vida
y acompañarnos por el resto del trayecto,
y jamás dejarnos hasta el fin de nuestro camino
El amor estaba presente cuando me entregué,
un tiempo de la realidad al que sigo aferrada,
y mientras tenga vida siempre seguiremos así

Vivo, o en el más allá, dondequiera que estés,
creo que al corazón no le importa eso para amar
(A qué se deberá que el corazón se comporte así)
Una vez más, en mis sueños despiertas mi fuego
y sigues aquí dentro de mis entrañas clavado,
y mi ávido corazón no se cansa de resguardarte

¡Amor estás aquí, no hay nada que temer,
porque sé que mi corazón seguirá encendido!
¡Nos mantendremos juntos, así para siempre!
¡Sabes que ocupas un lugar seguro en mi ser,
y mi corazón nunca se cansará de amarte!

La letra, aparentemente, nos relata un episodio de amor. Pero, si interpretamos algunas de las expresiones, podemos llegar a pensar que en el fondo ‘My heart will go on’ trata también de la soledad, del dolor que provoca un sentimiento que persiste y hace referencia a alguien que ya se fue. Sólo el corazón mantiene lo contrario. Su autor, Will Jennings, confesó que la había escrito desde «el punto de vista de alquien que ya en la vejez mira hacia atrás buscando revivir su pasado».

DISCREPANCIA CON KATE WINSLET

La sobrexposición soportada por ‘My heart will go on’ ha llegado a saturar los oídos de muchos amantes de la música popular. Es lo que le ocurrió a Kate Winslet, protagonista de ‘Titanic’ junto con Leonardo di Caprio. La actriz declaró hace unos años que estaba hastiada de escuchar la canción principal de la banda sonora de la película.

«Me encantaría poder decir: ‘¡Escuchen todos! ¡Es la canción de Celine Dion!’, pero no puedo. Simplemente me siento mal, me pongo seria e intento ocultar mi fastidio. Creo que no debería confesar este tipo de cosas, pero es cierto, cada vez que la oigo, siento ganas de vomitar. Dios te bendiga, Celine, pero realmente la canción me tiene harta”, afirmó Winslet.

Algunos medios de comunicación aprovecharon sus palabras para intentar generar una polémica entre la británica y Celine Dion. Pero la francocanadiense demostró estar dotada de un gran saber estar y se limitó a asegurar que ‘My heart will go on’ le dio la oportunidad de unirse «a un clásico que vivirá para siempre. Si contara las veces que la he cantado, quizá también me pondría enferma, pero sigo orgullosa de cantarla». Sobre Winslet añadió: «Si Kate se pone mala y siente ganas de vomitar cuando la escucha, me alegro de que no sea ella la que la tiene que cantar».

ANÉCDOTA

Cuando el crucero ‘Costa Concordia’ se estrelló contra las rocas en la isla italiana del Giglio el 13 de enero de 2012, con el fatal desenlace de la perdida de una treintena de vidas, en la fiesta que se celebraba a bordo en el momento del accidente sonaba ‘My heart will go on’. Faltaban tres meses para el centenario del hundimiento del ‘Titanic’.

VERSIONES

Auténtico delicatessen es la interpretación del violinista ANDRÉ RIEU. Aquí podemos verlo en un concierto ofrecido en Montenegro.

La grecogermana VICKY LEANDROS grabó en 1998 ‘My heart will go on’ en alemán, con el título ‘Weil mein herz dich nie mehr vergisst’.

KENNY G. firmó una visión instrumental de la balada basada en su tradicional saxofón y en el violín.

El grupo mexicano GUARDIANES DEL AMOR interpretó en castellano el tema que analizamos hoy. Bajo el título de ‘Mi corazón continuará’ la publicó en 2004.

Los cuatro cantantes de IL DIVO unieron sus voces para interpretar la canción en italiano. ‘Il mio cuore va’ salió al mercado en 2012 con gran repercusión.

BIOGRAFÍA

Céline Marie Claudette Dion será identificada con ‘Titanic’ el resto de, esperemos, su larga vida. Es más, muchos de sus actuales seguidores no conocen apenas nada de su trayectoria anterior. Su condición de diva y el hecho de haber vendido cien millones de álbumes en todo el mundo podrían eclipsar los primeros pasos de esta mujer nacida en Charlemagne, Quebec, el 30 de marzo de 1968.

Es la pequeña catorce hermanos. Su madre era violinista, condición que marcó el acercamiento a la música de la posteriormente estrella. De hecho, junto al resto de la familia, conformaba una banda que tocaba en clubes locales durante los fines de semana. En ella debutó como cantante a los 5 años.

A medida se cumplía años se afianzaba su voz y aprendía a controlar los tonos graves y agudos. Fue descubierta a los catorce, gracias a un tema compuesto por su madre y su hermano Michael. Grabó una maqueta, que fue enviada por correo a una dirección que encontraron en la parte de atrás de un disco del cantante francocanadiense Ginette Reno.

El cassette llegó a manos de René Angelil, quien más tarde se convertiría en mánager y marido de Celine. Éste quedó tan impresionado por su voz que la contrató para lanzar su primer álbum. Angelil incluso tuvo que hipotecar su casa para financiarlo. Se erigió como su Pigmalión y desde entonces se dedicó en exclusiva a convertirla en una estrella. Corría el año 1981.

El LP hizo que el público canadiense conociera el talento de Celine Dion. Los trabajos que llegaron a continuación, también interpretados en francés, la dotaron de reputación y la llevaron a ganar numerosos premios. Viajó a Japón, cantó para el Papa Juan Pablo II cuando visitó Montreal en 1984 y representó a Suiza en la edición de Eurovisión de 1988, imponiéndose en el certamen.

Su definitivo lanzamiento internacional tuvo lugar en 1990, cuando publicó su primer álbum en ingles. Este plástico supuso realmente el comienzo de la gran carrera de Dion que hoy conocemos. Un año más tarde interpretó la canción de la película de Disney ‘La bella y la bestia’, que le abrió las puertas de Hollywood y, desde entonces, ha sido habitual su presencia en las bandas sonoras de las grandes producciones cinematográficas.

El paso definitivo hacia la fama lo dio gracias a ‘The power of love’, tema que popularizó en 1985 Jennifer Rush y que Celine Dion versionó en 1993. Desde entonces era ya la diva que todos admiramos. ‘Falling into you’ (1996) la hizo conquistar todos los mercados y un Grammy. Tenía ganas de tomarse un descanso, pero su discográfica le urgió a grabar ‘My heart will go on’, cuyas ventas llegaron a producir 65 millones de dólares.

Desde entonces nada ha sido igual. Su popularidad ha traspasado todas las fronteras de lo imaginable. Pese a ello, sus trabajos no han bajado de calidad y sigue mostrando su profesionalidad, tanto en los estudios de grabación como en los escenarios. Su voz, grande, trágica y potente, y la inteligente selección de los temas garantizan el mantenimiento de su alto nivel durante muchos años.

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Además tampoco era jugar a la ruleta rusa, porque el tema lo escribió conjuntamente con el mago Burt Bacharach, Carole Bayer Sager y Allen Peter, y el filme titulado en España ‘Arthur, el soltero de oro’ estaba protagonizado por el cómico Dudley Moore, uno de los más taquilleros del momento, y Liza Minelli. ‘Arthur theme’ llegó al número uno estadounidense y de Canadá, y se llevó asimismo el Óscar a la mejor canción. (...)
Read the rest of Christopher Cross – Arthur’s theme (Best that you can do) (Tema de Arturo) (787 words)

A Cross nunca le ha acompañado la garganta, pero su frágil voz y su delicioso timbre agudo destacaron en el tema principal de un argumento que nos describe a un soltero que si quiere heredar una gran fortuna deberá casarse con su novia de siempre. Se prometen aunque no la quiere. Pero poco después conoce a una chica sin dinero de la que sí puede enamorarse. A que os suena el argumento.

El cantante, compositor y multriinstrumentista norteamericano, realmente bautizado como Christopher Geppert, ha sabido siempre adaptar su obra a su registro vocal. Lo hizo en la canción que analizamos hoy, un himno de los lentos y románticos, también conocido como ‘The New York city serenade’ (Serenata de la ciudad de Nueva York) o ‘Between the moon and New York city’ (Entre la luna y la ciudad de Nueva York). Su mérito es sonar nostálgico y no cómico dentro de una película destinada a hacer reír.

‘Arthur theme’ cuenta con todas las características de las composiciones de Bacharach, maestro del juego de acordes que descienden para crecer a continuación sobre una melodía memorable y grandes arreglos. La letra de Carole Bayer Sager no era de menor calidad. Actualmente la canción es considerada como una pieza clásica del pop de los ochenta y aparece en todas las recopilaciones románticas.

En el videoclip que promocionó el tema se combinan imágenes de la grabación del tema por parte de Christopher Cross con tramos de la película protagonizada por Duddley Moore.

Una vez en la vida la encuentras
alguien que te hace dar un vuelco al corazón
y lo siguiente que sabes es que estás cerrando la ciudad
te despiertas y aún tienes eso contigo
aunque la dejaste lejos, al otro lado de la ciudad
preguntándote a ti mismo, «Hey, ¿qué me he encontrado?»

Cuando quedas atrapado entre la luna y la ciudad de Nueva York
ya sé que es de locos, pero es verdad
si te quedas atrapado entre la luna y la ciudad de Nueva York
lo mejor que puedes hacer…
lo mejor que puedes hacer es enamorarte

Arthur hace lo que quiere
toda su vida ha dominado la elección
en lo más profundo de su corazón es sólo, es sólo un niño
viviendo su vida día a día
y pasándose un buen rato
riéndose sobre cómo quieren los demás que él sea

Cuando quedas atrapado entre la luna y la ciudad de Nueva York
ya sé que es de locos, pero es verdad
si te quedas atrapado entre la luna y la ciudad de Nueva York
lo mejor que puedes hacer…
lo mejor que puedes hacer es enamorarte

VERSIONES

La cantante y animadora de la televisión chilena ANDREA TESSA incluyó esta canción en su disco ‘Jazzy’, publicado el pasado año. Deliciosa interpretación.

La gran interprete afrocamericana SHIRLEY BASSEY la incorporó a su repertorio en 1995.

La italiana ORNELLA VANONI hizo lo propio siete años más tarde. La retituló ‘Sogni proibiti’.

http://youtu.be/_BtSf7UAIBI

Por último hay que hacer hueco para un clásico de este blog. ALVIN Y LAS ARDILLAS no pueden faltar a su cita con ‘Arthur’s theme’. Lo grabaron en 2002 dentro de un disco dedicado a Hollywood.

http://youtu.be/dZpiJf1djsQ

Para los grandes aficionados a este tema saber que podéis asimismo localizar revisiones de Peter Allen, Alan Silvestri, Roger Williams, Cincinnati Pops Orchestra, Fausto Papetti, London Symphony Orchestra, Paris Match, Anita Dobson, Hugh Jackman and Stephanie J. Block, Bradley Joseph, Thomas Anders, Dionne Warwick, Barry Manilow, Romina Arena, Mel Tormé, Ute Lemper, Michael Ball, Ronan Keating, Ryuichi Kawamura, Fitz & the Tantrums, J-Pop o Jukebox The Ghost, entre otros.

CHRISTOPHER CROSS nació en San Antonio pero dio sus primeros pasos musicales en el seno de un grupo de Austin llamado Flash. Pronto llamó la atención de la multinacional discográfica Warner Bros, que le posibilitó grabar su primer álbum en 1979 bajo la producción de Michael Omartian. Arrasó con temas soft rock o pop melódico como ‘Sailing’, ‘Ride like the wind’ o ‘Never be the same’. Su trabajo de debut, como decimos más arriba, obtuvo cinco premios Grammy, entre ellos los de mejor grabación, mejor canción, mejor LP y mejor nuevo artista, un récord que posteriormente igualó Norah Jones.

Su segunda trabajo, publicado en 1983, tras el éxito de ‘Arthur’s theme’ confirmó su talla, pero al mismo tiempo supuso el principio de su ocaso, sobre todo en Europa. Ninguna de sus siguientes trabajos puede ser considerado de masas. La ‘Crossmania’’ duro poco, aunque sus seguidores son muy fieles.

Tras componer y cantar el tema ‘A chance for heaven’ de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles de 1984, pasó un poco al olvido mundial a pesar de que sigue grabando y actuando un promedio de cien conciertos por año.

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Pero lo cierto es que fue una canción que rompió sus moldes, consiguiendo el apoyo del público en 1981, año en el que escaló a los lugares más elevados de las listas de éxitos mundiales. De hecho constituyó su single más vendido. Nos quiso representar una llegada desde el futuro gracias a una máquina del tiempo para darnos un concierto de música clásica interpretado por una banda de rock and roll de los años cincuenta.

El tema fue apoyado por un videoclip que innovó desde su primera escena gracias a un presupuesto estratosférico a pesar de que fue filmado parcialmente en blanco y negro, a imagen de las viejas películas de Hollywood.

El mensaje por contra era de lo más terrenal, de lo más humano. El grupo británico nos invitaba a agarrarnos a nuestros sueños cuando la realidad nos traicionaba. A aferrarnos a ellos cuando vemos partir el barco del amor sin que nosotros estemos a bordo. A confiar en ellos cuando nuestro corazón está roto. A soñar mientras el tiempo transcurre y aparece un nuevo hombro sobre el que llorar.

Como curiosidad cabe señalar que en su letra, lógicamente escrita en inglés, se incluyó un verso en francés, que básicamente venía a repetir el primero de la canción. Con el experimento lograron una de sus mejores canciones. Lo mejor de la ELO llegó en su mejor momento.

Hmm …. agárrate fuerte a tus sueños 
Sí … agárrate fuerte a tus sueños 
Cuando ves que el barco parte
Cuando sientas que tu corazón se está rompiendo 
Agárrate fuerte .. oh .. a tus sueños 

Hmm …. es ya mucho tiempo desde que se ha ido 
El tiempo pasa y pasa
Cuando necesites un hombro para llorar 
Cuando estés harto de tratar de remontar
Agárrate fuerte a tus sueños 

Cuando estés tan deprimido que no puedas levantarte
Y cuando quieras tanto, pero no tengas suerte
Cuando te sientas rechazado y nadie te entiende
Mi sueño más grande es no defraudarte
Una y otra vez puedes

Accroches-toi un reve tonelada 
Accroches-toi un reve tonelada 
Quand tu vois ton bateau Partir 
Quand tu senta ton coeur sí briser 
Accroches-toi un reve tonelada 

Cuando estés tan deprimido que no puedas levantarte
Y cuando quieras tanto, pero no tengas suerte
Cuando te sientas rechazado y nadie te entiende
Mi sueño más grande es no defraudarte
Una y otra vez puedes
Sí …. agárrate fuerte a tus sueños
Sí …. agárrate fuerte a tus sueños

Cuando ves las sombras caer
Cuando escuches al frío viento llamarte
Agárrate fuerte a tus sueños 
Ooh sí… Agárrate fuerte a tus sueños

VERSIONES

En el mundo de la PUBLICIDAD y LA TELEVISIÓN ‘Hold on tight’ ha sido muy utilizado. Por ejemplo, en una campaña realizada para fomentar el consumo de café.

También la marca automovilística japonesa HONDA recurrió al tema de ELO para promocionar un modelo.

La serie infantil ‘ALVIN Y LAS ARDILLAS’ realizó su versión en 1982.

La banda británica formada en Birmingham en 1971 dedicó la primera parte de su andadura a emular las grandes interpretaciones del rock clásico, pero poco a poco evolucionó hacia una música más sinfónica hasta conseguir finalmente una sonoridad electrónica propia y peculiar.

Bajo el liderato de Jeff Lynne la ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA fue sumando éxitos, especialmente en Estados Unidos, llegando a su nivel más alto de influencia con ‘Hold on tight’. Los primeros ochenta acogieron sus mejores momentos y a mediados de la década protagonizaron importantes diferencias que llevaron a su separación en 1986. Sin embargo, algunos de los músicos de la primera época intentaron prolongar el invento con el nombre de The Electric Light Orchestra Part II. Fracasaron.

Ya a lo largo de su historia, la ELO había sufrido continuos cambios de formación, rotando un gran número de músicos, siempre bajo la estrella de Jeff Lynne. Juntó a sus compañeros en 2001 para publicar un trabajo que tampoco funcionó pese a contar con colaboraciones de George Harrison y Ringo Starr.

En 2010 se reunieron integrantes del grupo como Mik Kaminski, Louis Clark, Eric Troyer, Phil Bates, Gordon Townsend y Glen Burtnick para ofrecer algunos conciertos por América Latina con motivo del cuarenta aniversario de la salida al mercado de su primer disco.

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‘You drive me crazy’, balada pop-rock con influencias rockabilly, fue el gran hit mundial de Shakin’ Stevens. Aunque versiones apócrifas dicen que la musa inspiradora de este tema fue Marilyn –ella volvería loco a cualquiera–, lo cierto es que esta declaración de amor es genérica y Shaky nunca quiso aclarar a quién estaba realmente dedicada, si lo fue a alguien.

La hipótesis de la belleza rubia se vio ampliada por la aparición de una fotografía de ella en el vídeo profesional, aunque también se podían ver retratos de otras artistas de cabello platino de Hollywood.

Su ritmo recuerda claramente a alguna de las piezas rock de Elvis Presley, a quien el propio Shakin’ Stevens encarnó en 1977 en una obra teatral que se representó en Londres. Interpretó al ‘rey del rock’ en su juventud, ya que en este musical también aparecía un Elvis maduro y un Elvis de los días anteriores a su muerte, gordo, envejecido y decrépito. El éxito fue absoluto.

http://youtu.be/ToLDHqUE5mU

Sabes, nena, cuando estás en mis brazos
puedo sentir tus caricias como encantos mágicos

Me enloqueces, me vuelves loco
Y cuando observo en esos ojazos azules
empiezo a sentirme flotando en el paraíso

El cielo debió de haberte enviado
para brindarme entusiasmo

Cada momento que me acaricias.
… que me abrazas
mi corazón se revoluciona como un tren en una vía

Te amo, nena, y es algo fácil de percibir
te amo, cariño, estábamos destinados

Somos el uno para el otro

El galés Michael Barratt, conocido artísticamente como SHAKIN’ STEVENS, fue el líder del revival de rock and roll británico a comienzos de los ochenta. Durante toda su carrera se ha dedicado a grabar dignamente versiones del rock and roll de los cincuenta que agradaron al público de todas las edades. De hecho, consiguió colocar mas de treinta hits.

Convive con la música desde su adolescencia, cuando vivió el boom del beat, aunque él se decantaba más por los Rolling que por los Beatles. Ello le llevó en 1969 a actuar como telonero de Sus Graciosas Majestades.

Acabada la fiebre del rock and roll a mediados de los 70, Shaky explotó su vena comercial con triunfos y muy buenas ventas durante dos décadas más. En 2010 sufrió un ataque al corazón, pero se repuso y sigue en activo.

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