Gracias a ‘Depende’ mi amiga desconocida recuerda a seres queridos –unos presentes y otros desaparecidos– allá en su Mallorca natal. Sufre, pero al mismo tiempo disfruta con los pensamientos positivos que seguro precedieron a los negativos y que, además, los superaron en intensidad. Esos a los que ella recurrirá cuando quiera retrotraerse a lo que fue y ya no es. O sí lo es, porque la mente siempre inmortaliza las emociones que esculpieron mensajes perennes en nuestros corazones.

El camino fácil para emprender la tarea, quizá también el más periodístico, sería aquel que condujera a centrar este escrito en Pau Donés, líder de la banda autora de ‘Depende’, y su calvario. Sin embargo, poco puedo aportar si penetro en esa senda. Creo, además, que ni mi lectora ni el propio autor lo querrían. Me limitaré a señalar que las enfermedades también dependen de cómo se afrontan. Cambia la forma de ver las cosas y las cosas cambiarán de forma. Aunque parece que actualmente para la opinión pública el segundo apellido de Donés sea cáncer, ello no logra ocultar la grandiosa faceta artística del cantautor aragonés criado en Barcelona.

Decir la palabra ‘depende’ sin acordarse de esta canción es imposible y cualquier referencia a ‘Depende’ debe comenzar con una pregunta: ¿de qué depende? No tenemos la oportunidad de cuestionárselo al propio autor, pero su respuesta no se desviaría mucho de lo elemental. Siempre depende de cómo tú lo mires, del momento, de tu ánimo, de tu estado…

Creo que Donés pretende huir de las verdades absolutas y para ello escribe este himno a la relatividad, a la ambigüedad… y al mismo tiempo rinde culto a la actualidad, el factor que finalmente resulta determinante en cualquier faceta de la vida. Hasta los dogmas resultan cuestionables en una sociedad tan cambiante y tan voluble, siempre bajo del arbitrio del ser humano, por naturaleza inestable, aunque algunos de sus ejemplares traten de disfrazarse con un traje de firmeza que en el fondo no es sino un ropaje endeble.

Contra los absolutismos

‘Depende’ es un canto contra los absolutismos, contra las verdades incuestionables y contra la sordera de quienes imponen sus ideas sin pensar jamás que existen otras distintas y, por supuesto, sin escuchar lo que tienen que decir los demás. En el fondo, hablamos de un mensaje cargado de profundidad y trascendencia, pese a que el título de la canción sugiera cierta banalidad.

La importancia está en el punto de vista y, sobre todo, en la admisión de que existen diferentes enfoques y de cómo todo depende de ellos. Y ninguna palabra mejor que ‘depende’ a la hora de resumir estos axiomas. Es la especialidad de Donés, gran cultivador de las palabras con significado pleno que no precisan de la compañía de otras para componer un mensaje.

Porque él sí que ha aprendido a relativizar. La vida le ha obligado a ello. A mirar al futuro desde una clave positiva. A dibujar una sonrisa en cada faceta de la vida. A aprender de todas las experiencias, hasta de las malas, que ha vivido en demasía. A su cáncer le antecedió el suicidio de su madre cuando él era un adolescente de 16 años. Fue entonces cuando, según confesó en una entrevista, «el sentido de la vida cobró la importancia que en realidad tiene».

‘Depende’ también es todo un tratado de filosofía, la ley de la relatividad de Einstein hecha canción, y resuelve muchos de los interrogantes que los grandes pensadores se han hecho a lo largo de la historia de la humanidad. Todas las preguntas serían baldías si admitiéramos que todo depende de quién y cómo lo mira. Sería el fin de muchas discriminaciones y no habría una única verdad. Sino el entendimiento.

LETRA

Que el blanco sea blanco
y que el negro sea negro,
que uno y uno sean dos
porque exactos son los números… depende

Que aquí estamos de prestao,
que hoy el cielo está nublao,
que uno nace y luego muere,
y este cuento se ha acabao… depende

Depende, de qué depende,
de según como se mire todo depende

Qué bonito es el amor,
más que nunca en primavera,
que mañana sale el sol
porque estamos en agosto… depende

Que con el paso del tiempo
el vino se hace bueno,
que todo lo que sube baja
de abajo a arriba y de arriba a abajo… depende

Que no has conocido a nadie
que te bese como yo,
que no hay otro hombre en tu vida
que de ti se beneficie…….. depende

Que sí quiere decir sí
cada vez que abres la boca,
que te hace muy feliz
que hoy sea el día de tu boda… depende

VÍDEO

La sencillez de la canción se extiende también al videoclip que le dio soporte icónico. Tres cuartas partes de sus cuatro minutos y medio de duración se desarrollan en blanco y negro. El color solo se incorpora a la producción en el tramo final. Blanco y negro, tan opuestos como complementarios, en un intento de trasladar, según consideran algunos, la metáfora de la moneda, cara y cruz.

ANÉCDOTA

Pau Dones, al hablar de ‘Depende’, reveló que recibió una carta antes de un concierto en la que una chica le contaba que despertó del coma cuando escuchaba por primera vez el tema al que hoy dedicamos estas líneas.

La misiva narraba una historia de superación, aunque la autora se mantuvo en el anonimato. «No puso ni su número ni nada, porque no quería que le contactara, solo contármelo», relató el autor.

ÉXITO

Todas sus experiencias personales las volcó Donés en ‘Depende’, un tema redondo que en 1998 nos trasladó cabalgando sobre un ritmo beat de influencia latina tan acelerado como la tranquilidad del mensaje lo permitía. La combinación del dogma y la música desembocaron en una canción emblemática, feliz pero con trasfondo serio. Era muy complicado repetir el éxito de ‘La flaca’, pero Jarabe de Palo lo logró. Ambas canciones sustentaron su consagración artística.

Bajo la producción de Joe Dworniak, ‘Depende’ obtuvo de inmediato el reconocimiento del público, quizás porque era una composición distinta a las que se extendían por el panorama musical español de su época. También la crítica reconoció su verdadero capital artístico y la galardonó con el Premio Ondas al mejor vídeoclip del año, la nominó para los Grammy latinos y la concedió el reconocimiento Carlos Gardel argentino.

Su emulsión de tranquilidad, de calidez, atrajo no sólo a sus seguidores habituales, sino que generó muchos nuevos. El secreto estuvo en ofrecer una canción «directa, sencilla, sin mayores pretensiones. Música de medio tiempo y letras con mensaje, fruto de 31 años de sol y sombra», como el propio Donés confesó.

VERSIONES

La repercusión del tema traspasó las fronteras españolas y alcanzó el mercado ITALIANO con ‘Dipende’, que llegó en 2000.

En 2010 Jarabe de Palo regrabó ‘Depende’ en versión AFRICANA. Con el nuevo título de ‘A glonendo’ el grupo de Dones interpretó la canción en el idioma bambara junto a niños de Mali. El objetivo era recaudar fondos para la ONG Voces, que trabaja en el país africano y que por entonces pretendía construir una nueva escuela en Sangarebougou (Bamako).

Incluso el grupo transalpino MODÀ incorporó la pieza a su repertorio en 2013.

‘Depende’ formó parte de inmediato de la cultura popular y, como tal, se convirtió en un tema muy interpretado en los distintos concursos televisivos cazatalentos de ambos lados del Atlántico. En España fue Jaume Mas el encargado de cantar la composición junto con los propios integrantes de Jarabe de Palo en una emisión de ‘LA VOZ’.

BIOGRAFÍA

Aunque existía una trayectoria anterior con otras denominaciones, JARABE DE PALO comenzó a hacerse con un nombre después del verano de 1996. El éxito fue relativo hasta que, ya en 1997, un spot publicitario que eligió para su sintonía la canción ‘La flaca’ lanzó al estrellato al grupo de Pau Donés (voz y guitarra) –un aragonés residente en Barcelona amante de la música popular–, Toni Saigi (teclados), Alex Tenas (batería), Jordi Mena (guitarra), Mariá Roch (bajo) y Daniel Forcada (percusión).

Inicialmente su estilo recordó al de Juan Perro, alías de Santiago Auserón, antiguo líder de Radio Futura, pero pronto ‘La flaca’ y Jarabe de Palo tuvieron identidad propia. La cadencia y el ritmo de la canción dedicada a una cubana que el autor conoció en la isla del Caribe, con la que el grupo se dio a conocer, se hizo familiar y ya nadie puede olvidarla. Así llegó al número uno a ambos lados del Atlántico y se convirtió en un fenómeno de masas, cosechando numerosos premios. Quizá fue el tema de aquel verano, consiguiendo vender más de cinco millones de copias.

De inmediadto Jarabe de Palo fue reclamado desde todo el territorio español y Latinoamérica. Con un repertorio reducido dieron cientos de actuaciones, siempre sostenidos por ‘La Flaca’, la canción que todos querían oír.

Pero, poco a poco, con claras influencias de Bob Marley, Antonio Machín, los Beatles o The Rolling Stones, fueron llegando otros temas como ‘El lado oscuro’, ‘Desamor’, ‘Grita’, ‘Quiero ser poeta’ o ‘Vuela’, que demostraron que Jarabe de Palo era un corredor de fondo, no un sprinter veraniego, que había llegado para enraizar en la esencia irreverente del pop-rock.

Tras la repercusión de su trabajo de debut, Jarabe de Palo se empeñó en demostrar que no se trataba de una banda de un solo éxito. Con esa idea lanzó ‘Depende’, primero el single y luego el LP, en 1998. Recurrió para su producción a Joe Dworniak, bajo cuyas órdenes durante dos meses grabó los temas en los estudios Moody de Londres.

Fusiones

De nuevo su trabajo surgió de fusionar varios estilos musicales y, de nuevo también, llegaron los galardones y el premio del mercado con un disco de platino al vender más de 400.000 copias. Además de ‘Depende’ el CD contenía grandes productos como ‘Vive y deja vivir’, ‘Realidad o sueño’ o ‘Duerme conmigo’.

A finales de 2000 Jarabe de Palo vuelve a meterse en el estudio para que con el nuevo año llegara a las tiendas ‘De vuelta y vuelta’, más melódico y armónico pero con igual aceptación entre los seguidores de la banda. De esta obra destacan temas como ‘Completo incompleto’, ‘Tiempo’ o ‘De vuelta y vuelta’. La banda estaba en lo más alto de su esplendor. Incluso fue invitada por Luciano Pavarotti a una gala benéfica para obtener fondos para Afganistán.

Luego llegaron los recopilatorios y hasta 2004 la productividad del conjunto de Pau Donés no se plasmó en una nueva obra. ‘Bonito’ surgió con un sonido mas acústico y acompañado de melodías gitanas junto con ritmos de batucada. Fue presentado en Italia antes que en España, sobre todo por la aceptación que trabajos anteriores habían tenido en la península transalpina.

Por su parte, ‘Un metro cuadrado’ arribó en 2005, con letras más elaboradas y ritmos similares a los de sus inicios. Luego sigue una nueva recopilación, ‘Completo incompleto’, y dos años más tarde ‘Adelantando’, que compitió en los Grammy Latinos.

En 2008, ya con propia discográfica, Tronco Records, comenzó a circular por internet la producción ‘Rarezas’ y la banda refunde su nombre en Jarabedepalo para lanzar ‘Orquesta reciclando’ como el primer libro-disco de su carrera, que rápidamente se coloco en los puestos de cabeza de las listas de éxitos.

La nueva década se abrió con ‘¿Y ahora qué hacemos?, cargada de un humor muy poderoso y estridente, un proyecto más rockero en el que participaron invitados como Joaquín Sabina, Alejandro Sanz, Antonio Orozco o Carlos Tarque, de MClan. Fue muy bien recibido por sus seguidores, que llenaron todos los conciertos tanto en la península como en América hasta finales de 2012.

2013 lo dedicó Jarabedepalo a una gira bautizada como ‘Conciertos a piano y voz’, en la que ofrecían al público las canciones de amor más conocidas de su carrera interpretadas junto al pianista Jaime Burgos. Ese año el grupo de Donés se presentó por primera vez ante el público asiático, en Tokio, para terminar con otra gira por Latinoamérica.

Su noveno trabajo, ‘Somos’, arribó en 2014, mientras que el siguiente ejercicio la banda lo dedicó al ‘Tour Americano 2015’. A finales, Donés anunció que le habían operado de un cáncer de colon y canceló más de treinta conciertos.

Volvió a los escenarios hace unos meses con su nuevo proyecto ‘50 palos’, compuesto por un disco, un libro y una gira.

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Y entre ellos destacó Petula Clark, una de las reinas de la generación beat que lo mismo luchaba contra la guerra de Vietnam –a través de su única arma, la música– que trataba de transmitir –estrofa a estrofa- su espíritu de liberación. Cumplió al pie de la letra la frase de Ghandi que aseguraba: «Sé el cambio que quieres ver en el mundo».(...)
Read the rest of Petula Clark – Downtown (Centro de la ciudad) (1,681 words)

La vocalista rubia aterrizó en España con el mayor hit de su historia, titulado ‘Downtown’ y cargado de mensajes subliminales. Inicialmente fue distribuido en formato EP (Extended play) –un single de cuatro canciones–, junto a los temas ‘Thank you’, ‘Baby it’s me’ y ‘True love’. Esta composición nos sedujo de inmediato, como ya había ocurrido el año anterior en Gran Bretaña –donde fue número uno–, el resto del continente y Estados Unidos. Aquí también alcanzó el puesto más alto en la lista de éxitos, para mantener ese liderato durante tres semanas y permanecer hasta treinta y una en el hit parade español.

Es que la obra del productor Tony Hatch era perfecta para aquel emergente mundo pop al que Petula Clark llegó algo talludita, ya con 32 años. ‘Downtown’ disponía de buenos arreglos, basados en la fórmula de las ‘murallas de sonido’, al tiempo que se erigía sobre crescendos sustentados por violines, trompetas y coros celestiales que construían una melodía penetrante. Sólo hacía falta una dulce voz que pusiera la guinda y la inglesa disponía de ella.

El flechazo ente ‘Downtown’ y Clark fue inmediato. Pero ocurrió cuando ya Hatch, que había trabajado con The Searchers y el propio David Bowie, estaba a punto de arrojar la toalla después de que la diva británica rechazara antes una treintena de sus composiciones. Sin embargo, el tema que hoy analizamos le encantó. El productor, por contra, estimaba que el tono de rhythm and blues de la canción tampoco sería aceptado. Era la última bala que tenía en la recámara y con ella dio en la diana.

‘Downtown’ fue grabada en cuatro idiomas en los estudios Pye, cerca del barrio londinense de Marble Arch, en octubre de 1964. En la sesión participaron Bobby Graham, batería de Big Jim Sullivan and the Breakaways, y los guitarristas Vic Flick y Jimmy Page. Hatch tocó el piano.

El resultado de ese trabajo desembocó en una creación que, si se presenta, seguro hubiera ganado de calle la Eurovision de aquellos tiempos, justo antes de la llegada de la música disco a mediados de los setenta. Goza de todas las condiciones necesarias para triunfar en los festivales, gracias a una receta que incluía dosis de pop suave, mucha aportación orquestal y toques de soul. Todo aderezado con la calidad vocal de Petula Clark.

Unas semanas después la canción salió al mercado y fue escuchada por el ejecutivo de Warner Bros, Joe Smith, a quien cautivó hasta el punto de que adquirió los derechos para Estados Unidos, donde Petula acabó vendiendo tres millones de copias y obtuvo un Grammy. En 2004, la británica fue incluida en el Grammy Hall of Fame.

LETRA

Sobre la letra cuenta Petula Clark que cuando llegó al estudio de grabación aún no estaba terminada, por lo que se improvisó a última hora. Por ello, finalmente se optó por buscar un tema recurrente, que fuera ambiguo y pudiera dar lugar a diferentes interpretaciones. En principio parece que hace referencia a la bondades que ofrece el centro de las grandes ciudades para adormecer los problemas personales.

Ya se sabe, dónde encontrarte más sólo que rodeado de gente. Allí todos caminan ensimismados y no detectan los problemas de los demás. Para el autor, la mejor forma de combatir la soledad y la tristeza es ir al centro de las ciudades, siempre rebosantes de luz, color y alegría.

Eso en la versión original, porque en las distintas grabaciones realizadas en alemán, francés o italiano el mensaje deriva dependiendo de las necesidades dialécticas y métricas del correspondiente idioma, pasando a hablar del reencuentro con un amor pasado, la amistad… o cualquier otra reformulación.

Cuando estés solo
y la vida te haga sentirte solitario,
siempre puedes ir al centro de la ciudad,
cuando tengas preocupaciones,
todo el ruido y las prisas
parecen remediarse, lo sé, en el centro

Tan sólo escucha la música
del tráfico en la ciudad,
quédate un rato en la acera
donde los letreros de neón son bonitos
¿cómo te lo puedes perder?

Las luces son mucho más brillantes allí,
puedes olvidar todos tus problemas,
olvidar todas tus responsabilidades e irte
al centro,
las cosas serán geniales cuando estés
en el centro,
no hay lugar mejor, seguro,
el centro,
todo te está esperando

El centro

No te quedes a las puertas
y permitas que tus problemas te rodeen,
hay películas en el centro,
tal vez tú conozcas
algunos pequeños lugares para ir donde
nunca cierran en el centro

Tan sólo escucha el ritmo
de una suave bossanova,
estarás bailando con ellos, también,
antes de que termine la noche,
feliz de nuevo

Las luces son mucho más brillantes allí,
puedes olvidar todos tus problemas,
olvidar todas tus responsabilidades e irte
al centro,
donde todas las luces son brillantes,
el centro,
te está esperando esta noche,
el centro,
vas a estar bien ahora

El centro,
el centro,
el centro,
el centro

Y tal vez encuentres a alguien estupendo
que te ayude y te comprenda,
alguien como tú
y que necesite una mano tierna
que lo guíe en el camino

Así que, tal vez te vea allí,
podemos olvidarnos de todos nuestros problemas,
olvidar todas nuestras responsabilidades e irnos
al centro,
todo será genial cuando estés
en el centro,
no esperes un minuto más,
el centro,
todo te está esperando

El centro (el centro),
el centro (el centro),
el centro (el centro),
el centro (el centro)…

VERSIONES

El impacto de esta canción fue de tal tamaño que casi todos los grandes intérpretes la incorporaron a sus respectivos repertorios. El gran FRANK SINATRA, ‘La voz’, como siempre, la bordó.

Una legión de yeyés, masculinos y femeninos, devoraron esta canción. Entre ellos Los Mustang, Lita Torelló, Francisco Heredero, Dyango, Michel, Magda, Los Waldos, Los Cisnes Rojos, Jorge, Los Tres Sudamericanos, Las Hermanas Benítez, Los Pájaros Locos, Los Pekes, Renata, Los Sirex y GELU. Esta última fue quizá la que más rédito obtuvo en las listas con su remake, bajo el título ‘Chao chao’ y con una letra diametralmente distinta que habla de playa, mar y amor, los tres componentes ineludibles en un tema destinado a ser consumido en verano.

Los británicos B-52 sorprendentemente incluyeron ‘Downtown’, aunque como relleno, en su álbum de debut. Corría el año 1979 cuando, en mi opinión, machacaron la obra. Loquísimos. Sin palabras.

Por supuesto, la televisión vio pronto el potencial de ‘Downtown’. Son muchas las series que la han incorporado a sus bandas sonoras. En la tercera temporada de la popular ‘PERDIDOS’ suena cuando Juliet se quema haciendo unas magdalenas.

En el cine, entre otras muchas películas, aparece en la producción ‘INOCENCIA INTERRUMPIDA’, cantada por Winona Ryder y Angelina Jolie.

CÓMIC

La canción ‘Downtown’ da también título al primer cómic protagonizado por niños con síndrome de Down, una obra de Noël Lang y Rodrigo García publicada en 2012 y enfocada a las más de 34.000 personas que sufren esta discapacidad intelectual en España.

Blo, uno de los protagonistas junto a Miguelote, Bibi, Ruth y Benjamín, tiene como obsesión llevar siempre consigo el vinilo del ‘Downtown’ de Petula Clark.

BIOGRAFÍA

PETULA CLARK no sustentó su éxito en ese nombre tan peculiar. No. La artista británica más prolífica –de hecho lo certifica el libro Guinness– caminó siempre amparada por su calidad vocal y esa forma tan particular de interpretar temas que destacaron dentro de la ‘ola inglesa’, como el mencionado ‘Downtown’ o ‘My love’, piezas que contribuyeron a cambiar la música pop.

Sally Olwen Clark, como fue bautizada, llegó a este mundo el 15 de noviembre de 1932 en Epsom, dentro del condado inglés de Surrey. Nació en el seno de una familia de artistas y ello ineludiblemente le condujo muy joven hacia el teatro, participando en diferentes producciones. En octubre de 1942, con 9 años y en plena Segunda Guerra Mundial, debutó en la radio mientras asistía a un programa de la BBC con su padre, con la intención de enviar un mensaje a un tío destinado en el extranjero.

La emisión se retrasó por un ataque aéreo y durante el impasse el productor pidió que alguien entretuviera al público asustado. Petula se ofreció y dio una representación muy aplaudida. A partir de ahí, repitió su actuación más de quinientas veces para la audiencia de la BBC, en programas diseñados para entretener a las tropas.

Al mismo tiempo, recorrió el país con otra niña, Julie Andrews, llegando a actuar ante el rey George VI y Winston Churchill. Por aquel entonces fue denominada la Shirley Temple inglesa y, ya con 13 años, se pasó al cine, para atesorar una larga filmografía.

No fue hasta los 28 años cuando se afianzó su brillante carrera musical. ‘Sailor’ (1960) le dio su primer número uno en una década en la que encadenó un éxito tras otro. Por esta época dio también el salto al continente tras varios recitales en París, donde conoció a Claude Wolf, directivo de la discográfica Vogue. Se casó con él en el pueblo de Bourg La Reine –en lenguaje coloquial algo así como ‘cepíllate a la reina’– y decide afincarse en Francia, plataforma de su lanzamiento europeo e internacional, con constantes apariciones en famosos programas de variedades estadounidenses como ‘Ed Sullivan Show’ o ‘Dean Martin Show’.

Incluso, en 1968, la NBC invitó a Clark a protagonizar su propio especial, donde, en plena guerra de Vietnam, interpretó un tema pacifista a duo con Harry Belafonte. Tuvo ofertas de otras cadenas para establecerse en Los Ángeles pero optó por criar a sus hijos en Europa, aunque viajó constantemente a Estados Unidos para realizar conciertos, siempre con el cartel de completo.

Fue entonces cuando comenzó a cantar en francés y a componer sus propios temas, sobre todo para bandas sonoras cinematográficas.

La carrera de Petula Clark se ha extendido siete décadas, en las que ha vendido más de 70 millones de discos en todo el mundo. Su nombre ha quedado grabado para siempre en la memoria del pop femenino de los sesenta.

No se retirará nunca. Con 83 años sigue grabando, con una voz que, lejos de sonar a la de una anciana, es aún fresca.

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Su alegre melodía y la incorporación de los violines bastaron para encandilar a los aficionados al pop de todo el mundo. Hubo incluso quien quiso ver en la composición del de Mineápolis ciertos tintes de la estética musical de los propios Beatles. Para ello se olvidó de su querencia a las exhibiciones de guitarra y redujo los punteos al mínimo.(...)
Read the rest of Prince – Raspberry beret (Boina frambuesa) (902 words)

‘Raspberry beret’ resultó exitosa y comercial, a pesar de que dio un golpe de timón tras ‘Purple rain’, el disco que convirtió a Prince en dios musical. Abandonó incluso sus habituales provocaciones sexuales, para centrarse en la conquista del mercado de masas, aunque siempre de la mano de la calidad y de la exigencia creativa. Incorporó instrumentos de cuerda, violines, cello, percusión oriental e incluso una armónica en la versión extendida, pero sin olvidar algunas gotas de funky. En el proyecto colaboraron grandes instrumentistas como Suzie Katayama o David Coleman, además de las coristas Wendy & Lisa.

‘Raspberry beret’, como las grandes obras, también tiene su anécdota. Prince, en la cúspide de la fama tras el éxito anterior de ‘Purple rain’, prefirió no interrumpir su gira y rechazar la invitación a participar en el multitudinario disco ‘We are the world’ y el proyecto USA for Africa, diseñado para recaudar fondos con los que combatir la perenne hambruna que asuela el continente negro. No obstante, sí mostró su compromiso con el proyecto con la donación de ‘Raspberry beret’ para que fuera incluida en el LP. Sin embargo, su regalo fue rechazado por la organización.

El videoclip  también contribuyó en buena medida al éxito de ‘Raspberry beret’. Fue filmado cargado de efectos especiales. Esos colores, esos dibujos animados, ese fondo en movimiento, la chaqueta celestial de Prince acompañado por el grupo The Revolution, ese público presente durante la interpretación del tema a modo de concierto… Todo genial. Lastima que ahora casi sea imposible verlo porque el propio Prince ha decidido borrar toda su obra de formato visual. Cosas de genios o locos.

La letra nos relata un romance adolescente y la primera experiencia sexual con una chica que lleva la boina que da título a la canción.

Yo estaba trabajando a tiempo parcial
en una tienda de cinco y diez centavos

Mi jefe era el señor McGee
él me dijo varias veces que no le gustaba
porque yo era un poco pausado

Parecía que estaba ocupado haciendo algo
diferente que el día anterior
pero cuando la vi, oh, la vi
cuando ella entró por la puerta de salida

Llevaba una boina frambuesa
del tipo de las que se encuentran
en una tienda de segunda mano
boina frambuesa

Y si es caliente ella no gastará mucho más
boina frambuesa
creo que me enamoré

VERSIONES

La banda HINDU LOVE GODS, compuesta por los antiguos miembros de REM excepto Michael Stipe, que fue sustituido por Warren Zevon, intentó ofrecer una nueva visión de ‘Raspberry beret’, sin demasiado éxito.

http://youtu.be/6pE5t3knEKU

El grupo BELLY BUTTON también ofreció su punto de vista del tema.

http://youtu.be/sY7weXf_Kas

Los miembros de la banda texana THE DERAILERS ofrecieron un cóver mezcla de rock y country.

http://youtu.be/RbzKQLEQ3Cg

Bajo el nombre de DUMP, James McNew, bajista de Yo La Tengo, grabó también el éxito del genio de Mineápolis.

Asimismo existen versiones de D’Angelo, El Presidente, Kate Ceberano, Neil Hannon o Ben Nichols. Hasta Justin Timberlake se ha inspirado en este tema.

PRINCE es, o quizá ya fue, uno de los artistas de mayor talento. Nos ofreció lo mejor de su obra en los ochenta, década en la que se salió del carril por el que caminaba la mayoría de la comunidad musical negra, adicta por aquella época al funk o al hip hop. Sin embargo, el de Mineápolis (7 de junio de 1958) se empeñó en mantener viva la herencia de los grandes genios de color de las décadas anteriores.

Su afición al mundo de la música la heredó de sus padres, quienes, a pesar de trabajar en la construcción y como asistenta social, en los tiempos libres actuaban en modestos clubes de jazz. Sus primeros pasos sobre los escenarios los dio como integrante del grupo Grand Central a comienzos de los setenta, aunque su primer paso por los estudios de grabación lo realizó dentro de otra banda, 94East.

Pero pronto quiere caminar solo y comenzó a trabajar en proyectos individuales. Con una maqueta de catorce temas grabada interpretando él todos los instrumentos se marchó a Nueva York con la firme intención de conquistar el mundo. Fracasó en el primer intento y tuvo que regresar a su ciudad natal.

Desde casa mantuvo su empeño y consiguió un contrato con Warner Bros, discográfica con la que sacó varios álbumes que llamaron más su atención por sus portadas provocativas que por su música. El éxito tardó en llegar. No lo hizo hasta 1984, con la banda sonora de la película ‘Purple rain’, una especie de autobiografía que se llevó un Óscar.

La mezcla de rock, jazz y funk atrajo a un numeroso público y le hizo acreedor de un gran audiencia, reforzada un año más tarde por el LP ‘Around the world in a day’, que contenía ‘Raspberry beret’. Pero Prince es un genio y como todos los genios es un tipo muy especial. Su carácter peculiar salió de inmediato a relucir, cuando de repente renunció a su nombre y decidió ser designado por un símbolo gráfico o pseudónimos como Love Symbol o TAFKAP (El artista anteriormente conocido como Prince).

Con la llegada del nuevo siglo, su peculiar personalidad se agudizó y su obra se distanció de los mercados. Sin embargo, con más de cien millones de discos vendidos, no se puede negar que Prince es una de las principales figuras de la música moderna. Su adicción al trabajo permite afirmar que su producción no se detendrá.

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La obra del cuarteto de Liverpool es objeto contante de revisiones que van desde el punk a la rumba. Las hay buenas, mediocres y hasta vergonzosas, pero casi todas acaban teniendo un sitio en los hit parade. Muchos artistas se valen de ello y sólo buscan un triunfo fácil. No es el caso de Bernie Lyon y su ‘Eleanor Rigby’, que en estilo reggae ofreció a finales de los años setenta del pasado siglo una interpretación más que notable.

Si la original que firmaron Lennon, McCartney, Harrison y Star en 1966 era grandiosa, tampoco queda muy por debajo la que Lyon publicó en 1979 para la casa discográfica francesa Barclay. Un ritmo embriagante, arreglos hipnóticos y la potente voz del cantante de origen caribeño desgranaron sobre el vinilo un producto que hoy es más reconocido incluso que cuando salió al mercado, siendo el disco que lo contenía presa de coleccionistas.

http://youtu.be/GlV_1U3fMCE

Ah, mira a toda la gente solitaria
Eleanor Rigby 
recoge el arroz
de la iglesia donde ha tenido lugar una boda.
Vive en un sueño
espera tras la ventana con una expresión
que guarda en un jarrón junto a la puerta
¿Para quién es?
Toda la gente solitaria
¿De dónde viene?
Toda la gente solitaria
¿A dónde pertenece?
El padre Mc Kenzie escribe las palabras
de un sermón que nadie va a escuchar
Nadie se acerca
mírenlo trabajando, remendando sus medias
de noche cuando no hay nadie
¿De qué se preocupa?
Eleanor Rigby 
murió en la iglesia
y fue enterrada junto con su nombre
Nadie asistió
El padre Mc Kenzie sacude la tierra de sus manos
mientras se aleja de la tumba
Nadie fue bendecido

El compositor, cantante, arreglista y guitarrista británico Bernie Lyon, de origen caribeño, protagonizó una corta pero intensa carrera a finales de los años setenta y principios de los ochenta del pasado siglo. Posteriormente su estrella se fue apagando aunque siguió grabando hasta los noventa.

Además de ‘Eleanor Rigby’ fueron éxito ‘Babylon is not a dream’, ‘Get back to yourself’, ‘I’m home’, ‘Hell’, ‘Your world is fine’ o ‘I’m living in the sunshine’.

Asimismo colaboró con otros músicos como la banda Rastas Rhythm Section, Vicky Edimo, Wally Badarou, J. P. Batailley, Ann Calvert,Carol Frederiks o Yvone Jones. Actualmente se encuentra retirado, aunque de vez en cuando vuelve a la actualidad con motivo de la salida al mercado de recopilaciones que incluyen alguno de sus temas.

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De hecho, tras la separación del cuarteto de Liverpool Harrison fue el primero en conseguir el éxito en solitario con ‘My sweet lord’, que salió en 1970 como primer sencillo del triple disco con el que el tercer beatle comenzó su andadura individual. De inmediato, logró ascender al número uno de las listas estadounidense y británica.

Es una composición preciosa, aparentemente profunda y dotada del sentimiento religioso que impregnó los últimos años de la carrera del mítico cuarteto tras sus contactos con el hinduismo. Aunque lo que realmente pretendía, según dijo Harrison, era mostrar sus ilusiones y sus miedos respecto a la muerte mediante la repetición de una oración que utilizan los Hare Krishna. Era fiel seguidor de esta secta y en 1973 dio como donación a sus miembros una mansión en la localidad inglesa de Letchmore Heath.

Entre las distintas versiones que Harrison hizo de ‘My sweet lord’ la más popular fue la que ofreció el 1 de agosto de 1971 dentro del concierto que él mismo y Ravi Shankar organizaron en el Madison Square Garden de Nueva York para recaudar fondos para los refugiados de Bangladesh.

Mi dulce Señor
Hm, mi Señor
Hm, mi Señor
Realmente quiero verte
Realmente quiero estar contigo
Realmente quiero verte Señor
Pero falta mucho tiempo, mi Señor
Mi dulce Señor
Hm, mi Señor
Hm, mi Señor
Realmente quiero conocerte
Realmente quiero ir contigo
Realmente quiero mostrarte, Señor
Que no falte mucho tiempo, mi Señor (Aleluya)
Mi dulce Señor (Aleluya)
Hm, mi Señor (Aleluya)
Mi dulce Señor (Aleluya)
Realmente quiero verte
Realmente quiero verte
Realmente quiero verte, Señor
Realmente quiero verte, Señor
Pero falta mucho tiempo, mi Señor (Aleluya)
Mi dulce Señor (Aleluya)
Hm, mi Señor (Aleluya)
Mi, mi, mi Señor (Aleluya)
Realmente quiero conocerte (Aleluya)
Realmente quiero ir contigo (Aleluya)
Realmente quiero mostrarte, Señor
Que no falte mucho tiempo, mi Señor (Aleluya)
Hmm (Aleluya)
Mi dulce Señor (Aleluya)
Mi, mi Señor (Aleluya)
Hm, mi Señor (Hare krisna)
Mi, mi, mi Señor (Hare krisna)
Oh hm, mi dulce Señor (Krisna, krisna)
Oh-uuh-uh (Hare hare)
Ahora, realmente quiero verte (Hare rama)
Realmente quiero ir contigo (Hare rama)
Realmente quiero verte, Señor
Pero falta mucho tiempo, Señor (Aleluya)
Hm, mi Señor (Aleluya)
Mi, mi, mi Señor (Hare krisna)
Mi dulce Señor (Hare krisna)
Mi dulce Señor (Krisna krisna)
Mi Señor (Hare hare)

‘My sweet lord’ se trata de un clásico virginal que, no obstante, no escapó de la polémica porque sus acordes se parecen mucho a una canción de The Chiffons. El autor de esta composición acudió a los tribunales y el juez encargado de dictaminar sobre este caso falló que podría tratarse un plagio subconsciente. El beatle silencioso admitió que era probable que de forma involuntaria en su mente recordara los temas de pop negro que, según dijo, The Beatles escuchaban constantemente. El magistrado creyó su versión y sólo le condenó a indemnizar al autor de ‘He’s so fine’.

Al parecer, George Harrison pidió años atrás a un amigo que le mostrara cómo se hacían canciones góspel y éste le puso como ejemplo el tema ‘He’s so fine’ de The Chiffons. Luego la mente, el subconsciente, le jugó una mala pasada. De cualquier manera, el resultado salió sublime.

Dos años después de la muerte de Harrison se realizó un concierto de tributo a su figura en la que participaron nada menos que Eric Clapton a la guitarra acústica, el hijo de George Harrison a la guitarra eléctrica, al piano Paul McCartney, en la primera batería Ringo Starr, en la segunda Phill Collins, en la segunda guitarra eléctrica Tom Petty y al órgano e interpretando la primera voz el increíble Billy Preston.

George Harrison era el tercer Beatle, el hombre silencioso al que no le gustaba la popularidad y que vivía cómodamente a la sombra de John Lennon y Paul McCartney. Nacido en Liverpool en 1943 y fallecido en Los Ángeles en 2001, su prestigio musical se forjó más fuera de The Beatles que dentro del cuarteto. Sus participaciones en el supergrupo Travelling Wilburys junto con músicos de la talla de Roy Orbison, Tom Petty, Jeff Lyne y Bob Dylan, o su carrera de productor cinematográfico en películas como ‘La vida de Brian’ del grupo Monty Python, demostraron que él también era un genio.

Se le criticó por hacer música experimental y no tocar temas de los Beatles, pero realmente siempre quiso escapar de su pasado y optó por abrir camino en la música electrónica. Incluso cuando cayó en la depresión después de que su mujer Pattie Boyd le dejara por Eric Clapton dio lo mejor en discos inolvidables. Falleció a causa de un cáncer pulmonar después de superar años antes otro de garganta.

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‘With a little help from my friends’, que reproduce una conversación entre un grupo de gente, fue personalizada por Cocker en 1969 con esa voz imperial que desgarra cualquier sentimiento. Una reestructuración total del original, con un ritmo más lento y una larga introducción instrumental permitió, en mi opinión, mejorar algo que parecía inmejorable. Ese tono negroide de su garganta, esa imitación no reconocida de Ray Charles, ese coro que recuerda al ‘Hit the road Jack’ del mítico cantante ciego….

Aunque en los tiempos en que salió al mercado ya pegó un aldabonazo tras la interpretación que Cocker hizo en el festival de Woodstock, las nuevas generaciones la han recuperado al ser elegida esta canción como el tema de cabecera de la serie televisiva nortamericana ‘Aquellos maravillosos años’.

¿Qué harías si cantara fuera de tono?
¿Te levantarías y me dejarías solo?
Presta atención y te cantaré una canción
e intentaré no desafinar
Oh, me las arreglo con un poco de ayuda de mis amigos
Mmm, me pongo ciego con un poco de ayuda de mis amigos
Mmm, lo intentaré con un poco de ayuda de mis amigos
¿Qué hago cuando mi amor se ha ido?
(¿Te preocupa estar solo?)
¿Cómo me siento al final del día?
(¿Estás triste porque estás solo?)
No, me las arreglo con un poco de ayuda de mis amigos
Mmm, me pongo ciego con un poco de ayuda de mis amigos
Mmm, lo intentaré con un poco de ayuda de mis amigos
¿Necesitas a alguien?
Necesito a alguien a quien amar
¿Podría ser cualquiera?
Quiero a alguien a quien amar
¿Crees en el amor a primera vista?
Sí, estoy seguro de que ocurre siempre
¿Qué ves cuando apagas la luz?
No puedo decírtelo, es algo que sé por mí mismo
Oh, me las arreglo con un poco de ayuda de mis amigos
Mmm, me pongo ciego con un poco de ayuda de mis amigos
Oh, lo intentaré con un poco de ayuda de mis amigos
¿Necesitas a alguien?
Necesito a alguien a quien amar
¿Podría ser cualquiera?
Quiero a alguien a quien amar
Oh, me las arreglo con un poco de ayuda de mis amigos
Mmm, lo intentaré con un poco de ayuda de mis amigos
Oh, me pongo ciego con un poco de ayuda de mis amigos
Sí, me las arreglo con un poco de ayuda de mis amigos
Con un poco de ayuda de mis amigos.

Para los puristas aquí también está la versión original de ‘With a little help from my friends’ interpretada por The Beatles.

John Cocker es natural de la localidad inglesa de Sheffield, donde nació en 1944. Con quince años ya dio sus primeros pasos en la música con la formación de varios grupos y hasta llegó a grabar con distintos nombres. Pero no fue hasta 1964, al ser captado por una discografíca grande, cuando pudo dedicarse por completo al mundo de la canción y abandonar su trabajo en una gasolinera.

Le costó llegar al éxito. Lo alcanzó precisamente gracias a su interpretación de ‘With a little help from my friends’, que llegó al número uno como dos años antes lo hizo la versión original de The Beatles. Luego destacaron sus participaciones en los grandes festivales de la época y giras interminables.

Y así entró en los setenta, la década de su confirmación con obras que siempre obtuvieron éxitos de crítica y público a pesar de que por un tiempo tuvo que tomarse un respito por un problema como las drogas y el alcohol, su eterno acompañante.

De nuevo volvió a lo más alto de los hit parade con la interpretación que realizó junto a Jennifer Warner de ‘Up where we belong’, tema central de la película ‘Oficial y caballero’, que protagonizaron Richard Gere y Debra Winger. Se aferró al filón de las bandas sonoras y ‘You can leave your hat on’ pasó a ser el himno por antonomasia del erotismo gracias a Kim Bassinger en ‘Nueve semanas y media’.

Los ochenta siguieron con trabajos con gran peso específico y en los noventa tampoco decayó su progresión. En el nuevo siglo, su edad y sus problemas con la botella, le obligaron a bajar su ritmo. Sus apariciones se distanciaron, pero nunca ha defraudado a nadie.

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