En realidad PyPy deberían haber aparecido por aquí hace, hummmm, diez años, cuando sacaron su álbum de debut: escuché mucho la canción que lo abría y le daba título, Pagan Day, y también la más famosa She’s Gone, pero por algún motivo se escurrieron por las fisuras del día a día y se quedaron ahí, en un pasado que ya casi parece remoto. ¡2014, qué lejos! No había vuelto a saber de la banda canadiense (quebequesa, para ser exactos), pero de pronto aquí están de vuelta con un segundo álbum tan chulo como el primero. En este hay más teclados, pero eso es algo que encaja perfectamente en la desinhibición garajera del cuarteto, encabezado por la vocalista y multiinstrumentista Annie-Claude Deschênes.

A menudo, cuando escucho a grupos que encuentran inspiración en la era inmediatamente posterior al punk, me sorprende cómo se ciñen solo a alguna de las corrientes de la época, como si hubiesen firmado un juramento solemne de no contaminarse con otras cosas de entonces: ahí están, por ejemplo, todos esos grupos neosiniestros que parecen haberse criado en una cripta, sin enterarse de que los vecinos escuchan a The Cars, a Devo, a Visage o a A Certain Ratio. Pues bien, PyPy (o sea, ππ) son todo lo contrario, pillan de aquí y de allá con desenfado, de manera que en un momento te recuerdan a ESG (es lo primero que pensé al escuchar esta canción y me ha alegrado mucho comprobar que suelen mencionarlas) y un rato después a Ultravox, pero en medio te han colado unas guitarras de altísimo voltaje y un fragmento, pues eso, post punk. Este Lonely Striped Sock (o sea, un calcetín a rayas desparejado) es el primer tema del álbum y ellos mismos lo han descrito así en una entrevista: «Pasa del funk angular a una sección surf a lo Dead Kennedys y, después, avanza hacia los Sabbath vomitando Hawkwind». Y sí, lo clavan.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Canadá, canción de la semana, PyPy, Quebec

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Foto: Ebru Yildiz

Se acabaron las vacaciones, así que lo lógico sería buscar alguna canción oscura, de aire torturado y corazón turbulento. Y sí, claro, eso es justamente lo que traigo: como cantaba el joven Morrissey, llevo negro por fuera porque negro me siento por dentro, ji, ji… En realidad a lo mejor no es para tanto, porque dice su autora e intérprete, la estadounidense-canadiense Vera Sola, que The Ghostmaster’s Daughter es «una meditación sobre la transformación del amor a través de las generaciones y a lo largo de las vidas», pero la verdad es que repaso la letra, como una sucesión de inquietantes visiones, y se acomoda bastante a mi estado de ánimo.

La cantautora y multiinstrumentista Vera Sola se llama en realidad Danielle Aykroyd y, sí, es hija del actor Dan Aykroyd y de la actriz Dona Dixon, aunque camufla su ilustre estirpe con ese nombre artístico misterioso y chulo. A mí me gustó mucho una canción de su primer álbum, aquel Shades de 2018 (rayos, veo que mi favorita del disco, By Mothlight, es la que menos reproducciones tiene en Spotify), y también es muy curioso escuchar lo que hizo en su EP de versiones de los Misfits. Este mismo año ha sacado su segundo álbum, Peacemaker, en el que puede ratificarse ese rosario de referencias con el que la han catalogado, de Nancy Sinatra a Nick Cave pasando por Tom Waits y por la extrañeza de David Lynch. Pero, curiosamente, esta canción de la semana no sale en el disco: se quedó fuera, porque su recogimiento acústico no encajaba en el tono general, pero ha acabado siendo la más demandada en sus conciertos y Vera se ha decidido por fin a editarla suelta, como aperitivo de un EP en el que devolverá unos cuantos temas a una interpretación más austera. The Ghostmaster’s Daughter es una sombría belleza folkie en la que la artista se acompaña a la guitarra acústica (y cómo me gusta lo que hace ahí por los dos minutos y medio, esos sobresaltos mínimos pero expresivos) y se revela, por si le faltaran antecedentes señeros, como una hija espiritual de Leonard Cohen.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Canadá, canción de la semana, Estados Unidos, folk, Vera Sola

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Amery, que trabaja fundamentalmente como ilustradora y artista visual, vive en Montreal pero procede de Canmore, una localidad de 15.000 habitantes situada en las montañas de Alberta, por encima de los 1.300 metros de altitud, y que tradicionalmente produce esquiadores y biatletas. Pues bien, Mountain FM es la emisora del pueblo. «Es una canción sobre regresar a tu viejo territorio, siendo una persona que ha cambiado al mudarse a la ciudad, y echar de menos aquella vieja versión de ti misma que quería largarse porque tenía grandes sueños», explica Amery. No sé si el extrañísimo vídeo aporta mucho más sobre ese trasfondo, pero desde luego llama la atención.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Amery, Canadá, canción de la semana

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Ya he contado por aquí alguna vez que suelo asombrarme al mirar el número de seguidores que tienen los artistas en Spotify. Me pasa lo mismo que al aventurar cuánto público tendrá un concierto, que soy muy mal calculador: siempre creo que las cosas que me gustan tendrán mucha más repercusión de la real y hasta me enfado después al comprobar las cifras. Pero con la cantante y guitarrista Abigail Lapell me ocurrió lo contrario: no tenía ni idea de su existencia cuando me fascinó una canción de su último álbum (por si a alguien interesa, una maravillosa versión de una canción de cuna francesa titulada Isabeau) y me quedé pasmado al ver que tenía más de 300.000 oyentes mensuales en la plataforma sueca, un montonazo para mis estándares. Resulta que, en efecto, Abigail es una figura importante y muy premiada dentro de la escena folk canadiense.

No llegué a meter aquella nana como canción de la semana, y me arrepiento cada vez que vuelvo a escucharla, así que ahora me voy a apresurar con lo nuevo de Abigail: se trata de Rattlesnake, segundo adelanto del que será su quinto álbum, un tema «inspirado por la estructura rítmica de las canciones de guardería» en el que «se entretejen fragmentos de saber popular y superstición con una críptica historia de amor». Frente a la desnudez de otras canciones suyas, en esta Serpiente de cascabel está arropada por un bajista, un batería, una violista y diversos palmeros y pateadores de suelo. El resultado es insistente, obsesivo y fascinante, a medio camino entre los espirituales, lo que podríamos llamar stoner folk y una hipnosis casi… africana, por raro que suene esto último.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Abigail Lapell, Canadá, canción de la semana, folk

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Foto: Janet Kimber

De vez en cuando me topo con algún artista que no conozco de nada y que me provoca una sensación de sorpresa aumentada: vale que yo no me haya enterado de su existencia, pero ¿por que hay tanta otra gente que tampoco? Es el caso de Dinah, que hasta ahora utilizaba nombre y apellido y firmaba sus discos como Dinah Thorpe: su música es atractiva a la primera escucha, suena accesible y a la vez tremendamente sugerente, debería tener –en suma– un montón de seguidores más de los que le veo por ahí. A mí, su nuevo álbum (el sexto) me tiene muy enganchado con ese equilibrio difícil pero primoroso entre cantautora introspectiva y diva electrónica. A ver si contagio a alguien.

Por lo que cuenta la propia artista canadiense, eso de los equilibrios complejos siempre ha sido lo suyo y le ha puesto cuesta arriba lo de encajar en alguna escena: ella tiende a cantar triste y a acompañar sus composiciones con ritmos muy marcados, a menudo abiertamente bailables, en una especie de disociación que a algunos les resulta chocante. «Pongo letras tristes a temazos», resume ella, o como diablos se pueda traducir la palabra bangers. Aficionada a practicar baloncesto (y, por lo que parece, con el tamaño indicado para ello), Dinah se vio atrapada en pandemia con un ukelele bajo y un secuenciador que se acababa de comprar, y que se convirtieron en el fundamento musical del nuevo álbum, titulado simplemente Dinah!. Su estilo ha merecido comparaciones con Laurie Anderson, Portishead o David Bowie, nada menos, pero a mí esa voz profunda y esa sensación de cercanía física y casi diría íntima me han hecho pensar en Scott Walker y Keeley Forsyth.

El disco contiene diecisiete temas que casi son miniaturas, porque ninguno alcanza los tres minutos y hay ocho que ni siquiera llegan a dos, pero me parecen mucho más complejos de lo que puede sugerir su aparente austeridad. Este Hummingbird (vamos, colibrí) y sus juegos de voces sirven como buena muestra.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Canadá, canción de la semana, Dinah

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Foto: Wynne Neilly

En fin, Julie se define como «una cantautora filipino-canadiense, autista y amante de los gatos afincada en Toronto» y, como corresponde a ese adjetivo que aparece en mitad de la frase, es una persona que tiende a la privacidad y la discreción: me da la impresión de que tiene que sobreponerse a sí misma para dar a conocer su obra. En 2014 se autoeditó a través de Bandcamp un álbum precioso al que no dio ninguna publicidad, The Creature That I Call Myself, que fue provocando pequeñas ondas en las aguas subterráneas de la escena hasta que, en 2020, lo reeditó el sello barcelonés Son Canciones, cuyos responsables muestran una devoción entregadísima y extraordinaria por Julie. Y aquí hay que colar una pequeña historia: en marzo de 2020, la gente de Son Canciones organizaba un concierto a beneficio de un hogar de acogida y consiguió que viniese Julie, pese a su «enorme miedo a volar». El inicio de la pandemia obligó a suspender el acto y atrapó a Julie en Cataluña durante los primeros diez días de confinamiento. Pues bien, a su vuelta a Toronto, anunció que cedía todos los beneficios de sus ventas en Bandcamp del mes de marzo a ese hogar de acogida del otro lado del mundo: «Sabemos que Julie no tiene trabajo ahora mismo. Que está pasándolo mal para salir adelante. Y que ahora no es fácil encontrar empleo en Canadá. Y, aun así, ha decidido dar todo lo que tiene a cuarenta niños de acogida que viven a más de 5.000 kilómetros de distancia. Y lo ha hecho sin armar mucho alboroto ni postear una docena de selfis», alucinaban en Son Canciones. ¿A que ustedes también han empezado a ver ese 244 como algo odioso, casi abominable?

Pero, bueno, la bondad y la generosidad serían cosas relativamente secundarias (en un blog como este, quiero decir) si no fuese por la música. Y resulta que Julie Arsenault va soltando, también sin aspavientos, canciones tan perfectas como esta Tiny Beam Of Light que ha servido de avance para su segundo álbum, anunciado para noviembre. Con unas guitarras twangeras que le dan un aire entre cincuentero e intemporal, canta Julie: «Emerjo como un vampiro, mi cuerpo pálido y frío. / Emerjo como un reptil, algo digno de mirar. / Emerjo de mi concha como una criatura salida del infierno. / Porque es verano, tiempo de mirar el lado brillante. / Emerjo como una visión, un pequeño rayo de luz / que brilla a través de tu cortina preguntándote cómo has dormido esta noche».

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Barcelona, Canadá, canción de la semana, cantautores, Julie Arsenault

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Me parece que con esta canción voy un poco retrasado y bastante desinformado, pero creo que las dos cosas tienen disculpa. Lo del retraso: veo que Fin du travail, vie magique lleva fecha del año pasado, pero yo la he descubierto ahora gracias a que el sello Detriti acaba de editarla en vinilo. Y me gusta un montón, claro: iba a escribir que me encanta el pop electrónico minimalista, así en general, pero en realidad lo que me encanta es cierto pop electrónico minimalista que está muy bien representado por esta canción (y también por otras que han pasado por esta sección como Homosexualis discothecus o Baile sin dientes). Son himnos turbios que enraízan en D.A.F., en Liaisons Dangereuses, en aquella estimulante ola alemana que sirvió de puente entre el punk y la electronic body music, a base de sonidos repetitivos y sin pulir que invitan a bailar con las extremidades descoyuntadas en algún club muy oscuro. Veo que la propia artista, Laura Krieg, cita en una entrevista a Malaria! y Einstürzende Neubauten como estímulos para iniciar su actividad creativa allá por 2016. ¿Y lo que decía antes de la desinformación? Bueno, me ha chocado que, en esa misma entrevista, Laura cita su pasión por grupos españoles de los 80 como Parálisis Permanente, Aviador Dro, Aerolíneas Federales o Almodóvar y McNamara, que no son precisamente las referencias que uno se espera de una compositora e intérprete afincada en Montreal. De eso y de los comentarios al vídeo en YouTube deduzco, con brillantez holmesiana, que nuestra protagonista es española, pero no me pidan más detalles, que no los tengo.

La canción está basada en Ahora, el libro de El Comité Invisible, y lo de fin del trabajo, vida mágica procede originalmente de una pintada en un muro de París. El texto de presentación de la canción arremete contra la cultura corporativa, la autopromoción, el team bonding y «abominaciones así». Y el vídeo es como un viaje en el tiempo, no sé si al pasado o a un futuro prometedor y perdido.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Canadá, canción de la semana, electrónica, Laura Krieg, Quebec

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Tengo debilidad por las canciones ultracortas. En realidad, se podría defender que son lo más lógico en géneros como el punk: una vez que has dicho lo que tenías que decir y has expuesto las melodías que querías exponer, cualquier repetición constituye en realidad una peligrosa desviación hacia lo progresivo, lo sinfónico, el ombliguismo, la egolatría. Eso lo entendían muy bien los Wire del principio, con aquellos temas que acababan casi antes de empezar, y es el principio que da vida a un proyecto como los canadienses Modern Cynics. Pese a ese nombre tan chulo de banda y ese gentilicio que concuerda en plural, en realidad se trata de una iniciativa unipersonal a cargo de Matty Grace, la líder de Future Girls, que dedicó la cuarentena pandémica a grabar urgentes canciones de cuarentenacore, es decir, píldoras mínimas que mitigasen de manera casi química el tedio y el agobio de la situación. Una estrofa, quizá un estribillo o así, menos de veinte palabras. Y es cuarentenacore de verdad, porque lo toca todo ella sola, sin colegueos online.

El año pasado Modern Cynics ya editaron su primer álbum (o miniálbum, según a qué parámetro atendamos, porque eran dieciocho canciones en dieciocho minutos y medio) y ahora acaban de sacar siete temas nuevos, de los que solo dos superan el minuto. En realidad podría haber elegido cualquiera, porque todos son superefectivos y perfectamente podrían extenderse a duraciones más convencionales, pero se me ha metido especialmente en la cabeza este This Town de cincuenta segundos. «No quiero morir en esta ciudad», dice. Si se os hace corto, ya sabéis: reproducidlo varias veces.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Canadá, canción de la semana, coronavirus, Modern Cynics

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Viendo los cinco álbumes de mi minilista de fin de año, podría parecer que mi único criterio para elegirlos ha sido la armonía cromática de las portadas, que quedan bien bonitas todas juntas. Pero no, qué va, prometo que la selección es fruto de un largo y estricto proceso de reflexión que ha tenido en cuenta decenas de variables, je, je… Por supuesto, ni una cosa ni la otra: habrá que decir lo de siempre, que estos cinco álbumes no son los mejores de nada (o sí, yo qué sé) pero son los que más me apetece destacar de la cosecha de 2021, un año tristísimo en el que mi universo musical (el de las salas pequeñas y las actuaciones de grupos ignotos frente a 40 o 50 personas) parecía haber desaparecido para siempre, a lo que se ha sumado que mis circunstancias familiares prácticamente me han impedido ir a conciertos cuando las cosas por fin han empezado a reactivarse. ¡Menos mal que nos quedaba la música grabada! La minilista de fin de año ha quedado curiosa y sanamente multinacional, con una canadiense, unos españoles (o catalanes, ustedes elijan), unos estadounidenses (los únicos que repiten de otros años), unas británicas y unos australianos. Vamos allá.

Myriam Gendron – Ma délire: Songs Of Love, Lost & Found
La cantautora canadiense Myriam Gendron debutó en 2014 con Not So Deep As A Well, un disco bellísimo y austerísimo en el que ponía música a poemas de Dorothy Parker y que no entró en mi listita de aquel año por la desventurada circunstancia de que no lo escuché hasta el año siguiente. Ha tardado lo suyo en darle continuación, pero este año ha lanzado por fin el sorprendente y ambicioso Ma délire, en el que repesca temas tradicionales de Quebec, Francia y Estados Unidos, les quita el polvo a las letras allí donde lo considera necesario y combina el resultado con unas cuantas composiciones propias, en un abrazo intemporal entre pasado, presente… y futuro, porque hay pasajes de melancolía cristalina que enlazan con su primer álbum, pero también colaboraciones aventuradas (la guitarra de Bill Nace en C’est dans les vieux pays me parece particularmente memorable) e injerencias de ruidos de fondo que dan al conjunto un tono de música suspendida en el tiempo.

Ca de Bestiar – Rituales del mañana
Me dejó con la boca abierta en la primera escucha, pero lo mejor es que sigue produciéndome la misma reacción ahora, cuando ya me lo debería saber de sobra. La segunda casete del dúo barcelonés (a mí no me miren, que yo ya no tengo ni pletina y lo descargué en digital de Bandcamp) es un artefacto explosivo de electrónica punk o de punk electrónico, con voz distorsionada y a menudo ininteligible, ecualización a su bola, agresividad generalizada y una vocación misantrópica muy apropiada para este año de hartazgo y altibajos emocionales. Es una música que te hipnotiza con sus bases repetitivas y después te da de cachetes a base de voces, guitarras, ruido y odio. Los tíos no solo bordan los temas propios (varios de ellos, por cierto, aparecían ya en su maqueta de 2018), sino que bordan sus versiones de los italianos CCCP, de Monaguillosh y del Only Human de Psychic TV, transformado en un rabioso Solo humanos que me encantaría escuchar alguna vez en un bar.

Low – HEY WHAT
Hablábamos en el parrafito de Myriam Gendron sobre la integración de los sonidos tradicionales y los tratamientos más o menos vanguardistas, y me temo que aquí tendremos que volver sobre eso (y, glups, en el siguiente también, a ver si va a haber aquí una línea temática). Lo de Low es una cosa de otro mundo: hay que ver qué camino han recorrido desde aquellos viejos tiempos del slowcore hasta esto que hacen ahora, que supongo que se podría seguir etiquetando con la misma palabreja antipática pero es una combinación sin precedentes de música de espíritu tradicional, armónico, a veces bucólico y en ocasiones casi hímnico, con unas sonoridades violentas, abruptas, desfiguradas, industriales, en las que el oyente ya no sabe si está escuchando una guitarra o alguna fuente electrónica de identidad indiscernible. En mi dieta sonora no faltan aberraciones de metal disonante y cosas así, pero, en cierto modo, ese contraste despiadado convierte HEY WHAT en uno de los discos más duros que he oído este año. Por cierto, Low ya estuvieron en una minilista de estas hace algunos añitos… ¡diablos, hace catorce ya!

Gazelle Twin & Nyx – Deep England
Gazelle Twin es el nombre artístico de Elizabeth Bernholz, una artista británica de música electrónica y pop de vanguardia que hace algunos años asumió la difícil tarea de reflexionar sobre la inglesidad en tiempos de Brexit: el resultado fue Pastoral, su álbum de 2018, una colección de composiciones inquietantes que enraizaban en el folclore, las tradiciones paganas y la música antigua. Aquel disco ha servido como materia prima para Deep England, un disco todavía más desasosegante en el que Gazelle Twin reconfigura varios de sus temas en compañía de Nyx, un coro femenino de «drone electrónico» que a menudo procesa las voces hasta volverlas irreconocibles. El repertorio se completa con temas nuevos y una espléndida versión de Fire Leap, de la banda sonora de The Wicker Man, una referencia que viene muy bien para hacerse una idea de cómo suena esto: el oyente queda atrapado en una ceremonia siniestra, brujeril, a veces amenazadora y a veces directamente terrorífica. Es música turbadora y absorbente, poco apta para amenizar las cenas familiares, pero ideal para poner a prueba los nervios escuchándola a solas y a oscuras.

Civic – Future Forecast
Todas estas búsquedas sonoras están muy bien, pero de vez en cuando uno necesita desintoxicarse con una buena dosis de rock directo y sin contemplaciones. Lo cierto es que, si allá por mediados de año me hubiesen dicho que este disco de Civic iba a acabar en mi minilista de fin de año, seguramente habría desechado rotundamente la idea, pero he ido volviendo a él una y otra vez cuando necesitaba riffs incendiarios, energía punk, concisión sin rodeos, es decir, algo así como un reseteo de cerebro. Civic son australianos, de Melbourne, y suenan australianísimos, más que dignos representantes contemporáneos de la tradición de rock intenso de su país: entre el protopunk de herencia stoogiana, el punk-rock de la estirpe de The Saints y compañía y los remansos (es un decir) power pop, los treinta y siete minutos del disco pasan en un gozoso suspiro eléctrico. Algún día tengo que ponerme a reflexionar sobre qué es lo que hace que hasta una voz pueda sonar australiana.

Muy cerca de los puestos de cabeza se me han quedado The Monsters, Lassie, Clara Engel, Liquids, Leo Mateos, Dom La Nena, C. Tangana, Karen Peris, Rudimentary Peni, Water From Your Eyes, Richard Dawson & Circle, Maria Arnal i Marcel Bagés, The Shadracks, Hélène Barbier y Triángulo de Amor Bizarro, que hasta cuando se dedican a someter sus discos anteriores a interpretaciones ajenas o a raras manipulaciones logran resultados fascinantes.

Y también me han gustado mucho los álbumes de Rien Virgule, Veik, Jeffrey Alexander And The Heavy Lidders, Cheval Sombre, The Telescopes, The Monsters, Gruff Rhys, I Tpame I Tvrame, /A\, Wau Wau Collectif, Menahan Street Band, Farmer Dave & The Wizards Of The West, Viagra Boys, Cool Ghouls, Pedigree, Tele Novella, Anna B Savage, Modern Cynics, Axolotes Mexicanos, Tim Evans, AZITA, Rata Negra, Olhava, Joanna Gemma Auguri, Esther Rose, Iceburn, Whispering Sons, Megan Siebe, Onetwothree, Lindsey Buckingham, VVV [Trippin’you], Chris Brokaw, Mhaol, Lael Neale, PanSTARRS, Susanna & David Wallumrød, Det Kätterskä Forbund, The Routes, Steve Almaas, Divide And Dissolve, Pauline Anna Strom, Writhing Squares, Upper Wilds, Michael Beach, Vessel Of Iniquity y, por supuesto, Bobby Ramone. Ah, por mucho que destaque álbumes, la he gozado especialmente con una docena de EPs, un formato que quizá sea más adecuado a nuestra atención volátil: ahí han estado Taqbir, Pantocrator, Viuda, Good Looking Son, NASDAQ, Anna Phoebe, SUSS, Amor Butano, Basurita o Das Beat.

Os dejo con Radiant Eye, que sirvió de adelanto al álbum hace ya un año: sirva, de paso, como canción de la semana. Que paséis una feliz Navidad, si el virus os deja.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Australia, Ca de Bestiar, Canadá, canción de la semana, Civic, Gazelle Twin, listas, lo mejor del año, Low, Myriam Gendron, Nyx

Feed enhanced by Better Feed from Ozh

Foto: Dominic Berthiaume

Si tuviese que hacer una lista de mis cinco artistas internacionales preferidos de este siglo, seguro que en ella aparecía la galesa Cate Le Bon, que me parece un modelo en su equilibrio entre lo raro y lo accesible: está muy bien experimentar y deconstruir y destripar salvajemente lo establecido, cómo no, pero reconozco mi preferencia por los músicos que, partiendo de una visión radicalmente individual y anómala, parecen esforzarse en ajustarla como buenamente pueden al concepto de canción. Suele tratarse de personajes solitarios, que no llegan a crear escuela, porque resulta difícil abrazar su enfoque sin incurrir en imitaciones torpes, pero creo que a la amiga Cate le ha surgido una estupenda compañía en la persona de Hélène Barbier, una francesa afincada en Quebec que acaba de lanzar su segundo álbum, Regulus.

Según explica su página, Hélène alista a cómplices musicales que deseen alejarse de «los acordes manidos, los adornos desgastados y las florituras innecesarias» para buscar juntos «una belleza desequilibrada». Desde luego, lo consigue en este disco, un muestrario de doce canciones (en inglés y en francés) que se obstina en lo irregular hasta lograr que parezca totalmente lógico y disfrutable. Podría haber escogido cualquier corte, pero este Lightly lleva un bonito vídeo colorista, entre lo onírico, lo superheroico y lo alienígena.

© Carlos Benito for Evadidos, get_post_time('Y'). | Permalink | No comment | Add to del.icio.us
Post tags: Canadá, canción de la semana, Francia, Hélène Barbier, Quebec

Feed enhanced by Better Feed from Ozh