Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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El tema pronto se convirtió en uno de los muchos himnos del movimiento hippie, de todo una corriente ideológica y contracultural, del llamado verano del amor y de la época de experimentación, descubrimiento y revolución de los sesenta y principios de los setenta.

Su salida al mercado en 1967 significó un ligero endurecimiento en la línea melódica del conjunto californiano, adoptando un sonido lisérgico con voces femeninas mas duro que le alejó de su primitiva psicodelia y, en cierto modo, supuso un regreso a las influencias del folk y el blues. De la suma resultó un eslabón imprescindible en la cadena de la música.

Gracias a su repetitivo estribillo cosechó un éxito comercial no perseguido en un principio y con el paso del tiempo ha logrado superar la esfera temporal y presentarse en la actualidad como una canción imprescindible para conocer lo que se vivió en Estados Unidos por aquella época. Su interpretación en el mítico Festival de Woodstock de 1969 supuso uno de los momentos cumbre en la historia de la psicodelia ligada al LSD, un símbolo de la contracultura.

Grace Slick explicó más tarde en una entrevista que en ‘Somebody to love’ no cantó, sino que se limitó a hablar, con un sonido que salía más de su nariz que de su boca. El tema se inicia a capella, para luego ir subiendo de ritmo hasta llegar a un momento efervescente.

Es una canción de amor con una letra sencilla y sin complicaciones que, sin embargo, nos traslada una petición desesperante, un chillido de angustia. «¿No quieres a alguien a quien amar? ¿No necesitas a alguien a quien amar? Más vale que encuentres a alguien a quien amar…». Todo ello escondiendo entre versos un guiño a la cultura de la droga.

Cuando la verdad resulta ser mentira
y toda la alegría dentro de ti muere
¿no quieres a alguien a quien amar?
¿no necesitas a alguien a quien amar?
¿No te encantaría tener a alguien a quien amar?
Más vale que encuentres a alguien a quien amar.

Cuando las flores del jardín están muertas
y tu cabeza está llena de marihuana
¿no quieres a alguien a quien amar?
¿no necesitas a alguien a quien amar?
¿No te encantaría tener a alguien a quien amar?
Más vale que encuentres a alguien a quien amar.

Tus ojos, puede que tus ojos parezcan los suyos
pero me temo que en tu cabeza estás perdido
¿no quieres a alguien a quien amar?
¿no necesitas a alguien a quien amar?
¿No te encantaría tener a alguien a quien amar?
Más vale que encuentres a alguien a quien amar

Las lágrimas corren por tu pecho
y tus amigos te tratan como si fueras una visita
¿no quieres a alguien a quien amar?
¿no necesitas a alguien a quien amar?
¿No te encantaría tener a alguien a quien amar?
Más vale que encuentres a alguien a quien amar

VERSIONES

La original de GREAT SOCIETY salió unos años antes, pero no obtuvo ninguna repercusión.

http://youtu.be/NzyDLwUgFdc

Los duros de RAMONES hicieron su revisión en 1993.

http://youtu.be/R7hui5OQu1E

Más moderna es la interpretación de ALICE GOLD.

En el cine ‘Somebody to love’ ha sido repetidamente utilizada. JIM CARREY realizó una tremenda interpretación en ‘Un loco a domicilio’.

Los HERMANOS COEN la incluyeron en la banda sonora de ‘Un hombre serio’, de 2002, y también sale al principio de ‘Cuatro hermanos’.

JEFFERSON AIRPLANE surgió en San Francisco y protagonizó los primeros pasos del movimiento psicodélico que caminó de forma paralela al power flower de los hippies. Casi sin buscarlo pronto gozó de éxito comercial y crítico, llegando incluso a protagonizar actuaciones más altamente remuneradas que las de los grandes grupos pop y rock del momento.

Dio sus primeros pasos en 1965 caminando sobre la vereda folk y blues-rock de la mano de Jorma Kaukonen (guitarra), Paul Kantner (guitarra rítmica), Marty Balin (voz), Signe Anderson (voz), Jerry Peloquin (batería, después sustituido por Skip Spence) y Bob Harvey (bajo, después reemplazdo por Jack Casady). También pronto se marcharon Anderson y Spence, entrando en su lugar la cantante Grace Slick y el batería Spencer Dryden.

Con su llegada grabaron el álbum ‘Surrealistic pillow’, que incluía la mencionada ‘Somebody to love’ y ‘White rabbit’. Estas dos canciones les dieron la posibilidad de participar en el festival de Woodstock junto con artistas como Janis Joplin o Jimi Hendrix. 

Fue su momento álgido. Después llegaron numerosos cambios de formación y nombre –Jefferson Starship, Jefferson Starship The Next Generation o Starship–, pero nunca más volvieron a repetir aquel éxito.

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Fue y es un tema lleno de intensidad y pasión que nos subió la adrenalina a los que entonces tuvimos la oportunidad de ser contemporáneos de la banda madrileña y de la revolución que supuso su aparición. Un sonido a medio camino entre el pop-rock y la nueva ola de la capital desembocó en una gran creación, tan sencilla como vital que alcanzó la cima de la popularidad pese a que sus pretensiones iniciales eran modestas.

El potencial comercial de ‘El pistolero’ se vio confirmado con unas ventas extraordinarias, gracias a un nivel sonoro pocas veces alcanzado en la nueva ola que atravesó el pop español al principio de los ochenta. Eficacia musical sin igual, alcanzando el número 1 en las listas de la época gracias a la melancolía y la angustia que transmitía, a la medida tristeza de ese bajo que lo envuelve y a la voz rota de Agustín Jiménez. Pistones alcanzó la gloria por medio de ‘El pistolero’.

Con la producción del ‘tequila’ Ariel Rott sorprendió desde la primera vez que su vinilo fue pinchado por las emisoras. ‘El pistolero’, un pequeño collage que asimismo fue bien acogido en las pistas de baile, nos recordaba a The Clash. El descaro popero con el que irrumpió se vio recompensado con una repercusión mediática y su brillo nacional fue tal que Pistones estuvo en todas las televisiones y radios, algo que los descentró y les sometió a una presión y a una exigencia que lastró su futuro.

‘El pistolero’ es sin duda la canción más conocida del quinteto, imprescindible en todos los recopilatorios que se realizan sobre la música de aquella época. Incluso cuando está a punto de cumplir tres décadas sigue vigente. Aún es fresco, compacto, con gancho y contagioso, con estructura constante que constituye su mayor cualidad, además de contar una historia interesante.

Versa sobre el miedo ante la llegada de la muerte en forma de un pistolero, de la soledad ante el peligro por la cobardía del restoy de la determinación a cobrar cara su defunción, siempre consciente de que sus esperanzas son escasas.

El pistolero ha llegado ya a la ciudad.
Se ha apodado ‘El tuerto’, su profesión es matar.
El pueblo entero ha volado, nadie quiere salir,
en el salón el barman dejó ya de servir.

Y yo sé que esta vez sin duda viene a por mí…
algo tendré que hacer, sí,
acabaré con él.

Su risa es tan falsa como el Judas aquel,
su mirada la más fría que puedas conocer,
en su cintura más balas que todo un arsenal,
en su revólver más muescas que en la barra del bar,
es el más sucio y rápido en disparar.

Y yo sé que esta vez sin duda viene a por mí…
algo tendré que hacer, sí,
acabaré con él.

Él acaba de entrar por la puerta del salón,
con una señal me indica lo desgraciado que soy.
Ya sé que con el sherriff no se puede contar,
su lema es siempre la ley y para él no es legal.

Y yo sé que esta vez sin duda viene a por mí…
algo tendré que hacer, sí,
acabaré con él.
Sí, sí, acabaré con él.
Sí, sí, acabaré con él. 

VERSIONES

En 2000 ARIEL ROT Y RICARDO CHIRINOS interpretaron ‘El pistolero’ durante un concierto.

El grupo catalán ESLABÓN PERDIDO incorporó este tema a su repertorio.

THE PRINGAOS también recuperaron este clásico del pop de los ochenta.

Agustín Jiménez (voz), Ricardo Chirinos (guitarra y voz), José López (teclados y voz), Juan Luis Ambite (bajo) y Ramón López (batería) se juntaron en Madrid en 1980 para formar PISTONES, nombre adoptado mezclando sus dos grupos de referencia: Sex Pistols y Ramones. Derramaron calidad desde sus primeras maquetas, también en sus singles iniciales, pero sólo se hicieron visibles para el gran público con ‘El pistolero’, a pesar de que firmaron un puñado de buenas canciones de pop refrescante y vital.

Pistones fue un conjunto de power pop basado en potentes guitarras que sucumbió al servicio militar. Su carrera se frenó durante su estancia en el Ejército y ya nunca recuperaron su popularidad. El parón de tres años fue determinante y el buen disco que sacaron una vez licenciados pasó prácticamente desapercibido. El Ministerio de Defensa debería haberles indemnizado.

Fue uno de los grupos de mayor categoría de los primeros años ochenta. Descaro, actitud y ganas fueron sus ingredientes. A ello se unió una calidad poco habitual en los primeros pasos de los conjuntos de aquella época. Canciones cortas, melodías marcadas, punteos de guitarra breves y líricas de lo cotidiano a lo generacional sustanciaron su éxito. Fue un éxito tan rápido como efímero. Sólo un verano en lo más alto de las listas y ochenta conciertos. Su estrella se apagó vestida de caqui.

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