‘I wanna dance with somebody (Who loves me)’, escrita por George Merrill y Shannon Rubicam, y producida por Narada Michael Walden, nos llegó en 1987. Inicialmente se le incorporo un arreglo de estilo country, pero finalmente fue acelerada su percusión para crear un tema bailable que constituyó el primer hit de la cantante norteamericana, aunque ya había dado muestras de su talento con su álbum de debut, dos años antes.

Si Sinatra fue ‘La voz’ masculina, Whitney era ‘La voz’ femenina y en esta canción queda patente. Su admirable registro tonal, de soprano, y su sentimiento al interpretar convirtieron el tema en un éxito refrendado por la venta de millones de discos y un Grammy. Todavía sonreía en su espléndida juventud mientras pedía que alguien bailara con ella y la quisiera.

El reloj se clava en la hora
Y el sol comienza a desvanecerse
Todavía suficiente tiempo para descubrir
Como alejar mi tristeza

He estado bien hasta ahora
Es la luz del día la que me muestra como
Y cuando la noche cae, la soledad llama
Oh! Quiero bailar con alguien
Quiero sentir el calor con alguien
Si! Quiero bailar con alguien
Con alguien que me ame

He estado enamorada y perdí mi cabeza
Girando a través de la ciudad
Tarde o temprano la fiebre termina
Y termino sintiéndome triste
Necesito un hombre que tome la chance
En un amor que queme lo suficiente para durar

Así que cuando la noche cae
Mi corazón solitario llama
Oh! Quiero bailar con alguien
Quiero sentir el calor con alguien
Si! Quiero bailar con alguien
Con alguien que me ame
Alguien que me ame
Me sostenga en sus brazos

Necesito un hombre
En un amor que queme lo suficiente para durar
Así que cuando la noche cae
Mi corazón solitario llama
Oh! Quiero bailar con alguien
Quiero sentir el calor con alguien

Si! Quiero bailar con alguien
Con alguien que me ame
Oo oo! (baila)
Vamos bebe (baila)
Whoo! si (baila)
Ahora menea esto (baila)
No quieres bailar? (baila)
Conmigo bebe (baila)
No quieres bailar? (baila)
Conmigo

No quieres bailar conmigo?
Quiero bailar
Con alguien que me ame
No quieres bailar
Di que quieres bailar

No quieres bailar (baila)
Di que quieres bailar
No quieres bailar (baila)
Di que quieres bailar
Con alguien que me ame

VERSIONES

Ben Rector ofreció su visión de la canción.

También lo intentó Glee Cast.

Whitney Houston lo tenía todo y todo lo perdió como mujer y cantante, devastada por el consumo de drogas y una relación turbulenta con su marido Bobby Brown. Esa combinación la llevó a la tumba con apenas 48 años. Pero su corta vida le bastó para demostrar que era una de las grandes con seis premios Grammy, varios American Music Awards, Billboard Music Awards, dos Emmys, un MTV Video Music Award y un MTV Movie Award. Vendió aproximadamente 130 millones de LP’s y más de 50 millones de singles.

Se vio obligada a encaminar su devenir hacia la música. Hija de Cissy Houston, prima de Dionne Warwick y ahijada de Aretha Franklin, estaba predestinada. Su temprana formación gospel, su participación en coros de artistas como Chaka Khan, Jermaine Jackson, Lou Rawls o Michael Zager y unos pasos en el mundo de las pasarelas, sirvieron de preámbulo para dar el salto al mercado discográfico en 1985, fusionando jazz y funk. Tenía 21 años.

Fue un éxito inmediato que la introdujo en el universo de las estrellas y la lanzó a lo más alto de los hit parade. Nunca más se bajó de ellos.

Pero en 1992 llegó a su vida el también cantante Bobby Brown. Entonces comenzaron los problemas en forma de maltrato y consumo de drogas. Allí se acabaron Whitney y su carrera, aunque todavía tuvo algunos éxitos. Murió el pasado febrero.

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Quería escribir un himno a la violencia y lo consiguió, aunque lo degustó poco, porque su reconocimiento, como en muchos casos de genios, llegó cuando a él ya lo habían devorado sus dependencias.

Ninguna conjugación del condicional ha tenido jamás tanto mensaje y tanta resonancia al mismo tiempo. Lágrima de arrepentimiento en forma de canción para denunciar también que vivimos en un mundo violento, en el que, como en el caso del sexo, se habla más de paz que lo que se practica. Tanto cuando se escribió este tema, en 1981, como en la actualidad.

«He ejercido la violencia y derramo mis lágrimas al recordarlo», nos asegura en cada estrofa el hijo de La Faraona. Lo hizo en primera persona porque realmente fue el protagonista de esta triste historia, la de su propia vida, en la que jugó una partida con la droga, sabiendo incluso que las cartas estaban marcadas y que, como en los casinos, siempre se acaba perdiendo.

Las malas experiencias vividas personalmente se convierten en argumento, como también lo es su remordimiento, sobre todo aquel que le causaba su comportamiento con sus seres queridos, con su hija, la hoy actriz Alba Flores. Prometió cambiar sumergido en el terrible estruendo del dolor, la angustia ahogada, pero no pudo conseguirlo.

‘No dudaría’, una balada con reminiscencias de blues, guitarra distorsionada y percusión contundente, ha ganado peso con el paso del tiempo, hasta convertirse en uno de los grandes himnos del pop español de finales del pasado siglo.

Si pudiera olvidar
Todo aquello que fui
Si pudiera borrar
Todo lo que yo vi
No dudaría
No dudaría en volver a reír

Si pudiera explicar
Las vidas que quité
Si pudiera quemar
Las armas que use
No dudaría
No dudaría en volver a reír

Prometo ver la alegría
Escarmentar de la experiencia
Pero nunca, nunca mas
Usar la violencia

Si pudiera sembrar
Los campos que arrasé
Si pudiera devolver
La paz que quité
No dudaría
No dudaría en volver a reír

Si pudiera olvidar
Aquel llanto que oí
Si pudiera lograr
Apartarlo de mí
No dudaría
No dudaría en volver a reír

Prometo ver la alegría
Escarmentar de la experiencia
Pero nunca, nunca mas
Usar la violencia

ROSARIO quiso homenajear a su hermano Antonio y grabó ‘No dudaría’ casi tres décadas más tarde, dándole un toque más actual.

ROSENDO, colega de Antonio, también quiso recordar al genio desaparecido.

Y también IGUANA TANGO se atrevió con ‘No dudaría’.

Antonio González Flores, hijo Lola Flores y del guitarrista Antonio González ‘El Pescaílla’, con el tiempo ha devenido en uno de los compositores más importantes del pop español. Desgraciadamente esta medalla se la hemos colgado tras su muerte. Cantautor sobre todo, sus obras están construidas con ladrillos de poesía urbana, amor, nostalgia y vivencias, recorriendo la distancia que separa el cante gitano que mamó en su infancia y el rock y las baladas, sus estilos preferidos.

En su corta carrera y vida compuso canciones inolvidables, tanto para él como para sus hermanas Lolita y Rosario. Pero nos dejó el 30 de mayo de 1995, justo dos semanas después de la muerte de su madre. Fue hallado sin vida en la casa familiar ‘El Lerele’ en Madrid, víctima al parecer de una sobredosis de barbitúricos y alcohol. Tenía 33 años. La leyenda dice que se suicidó al no soportar la ausencia de Lola.

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Post tags: arrepentimiento, droga, Lola Flores, Rosario, violencia

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Para definir este tema bastaría con decir que es una composición muy hermosa, pura poesía, sobre todo en su versión original. Transmite una melancolía gozosa y a su vez desgarradora, sentimientos, emociones, olores… Enfocada en el perenne tema del desamor y en la necesidad de remontar tras un tropiezo sentimental, la voz rota de Tozzi nos intenta convencer de que la tristeza ya se ha ido o está a punto de hacerlo.

Que es momento de sonreír, amar, vivir volando en un cielo que por fin ha amanecido azul a pesar de que él o ella ya no está a nuestro lado. Es tiempo de olvidar… como si fuera fácil. Olvidar quizá también la droga, como en una entrevista dejó entrever el propio Tozzi. O superar la sensación de soledad que se apodera del ser humano a medida que va cumpliendo años y se está ya más cerca del final que del principio. Es una época en la que priman los recuerdos y la nostalgia.

El resplandor ligero
de cada amanecer,
los pasos del obrero,
aroma de café.
Me asomo a la ventana,
el mundo sigue ahí,
vistiendo la mañana de lunes feo y gris.

El horizonte es mágico como un amante que
le gusta ser romántico, como engañándose.
Olvídate, olvídate, que la tristeza ya se va
pues mi temor es sonreír, amar, vivir y continuar
volando al cielo más azul
sabiendo que a mi lado faltas tú.

Recuerdo que mi madre
a veces me decía
por qué tanto trabajo si no se compra vida.
Y así las estaciones van desfilando aprisa
como desilusiones que arrastra al mar la brisa.

Olvídate, olvídate
y acuérdate que ayer
los que te comprendían
no te querían ver.

Olvídate, olvídate, que la tristeza ya se va
pues mi temor es sonreír, amar, vivir y continuar
volando al cielo más azul
sabiendo que a mi lado faltas tú.
Sabiendo que a mi lado faltas tú.
Sabiendo que a mi lado faltas tú.
_____________________________

Versión española titulada ‘Olvídate, olvídate’

Hay quienes ven cierto parecido entre esta canción y ‘The last resort’ de Eagles. Comparad vosotros.

El turinés Umberto Tozzi (1952) nació en el seno de una familia vinculada con el mundo de la música y sólo tuvo que seguir la estela trazada por su hermano mayor Franco, que obtuvo una discreta popularidad en los sesenta.

Comenzó acompañándole en sus giras, en las que se colgaba la guitarra al cuello. Allí se formó hasta que a mediados de los setenta dio el salto y se lanzó a los escenarios en solitario. Varios triunfos en los concursos de la canción tan usuales en aquella época le posibilitaron componer para otros artistas como Fausto Leali, al que regaló el clásico ‘Io camminero’.

‘Ti amo’ le lanzó al estrellato en 1977 y abrió la puerta para otros grandes éxitos como ‘Tú’ o Gloria, que le permitieron salir de las fronteras italianas, especialmente al mundo hispano.

Casi cuarenta años después, Tozzi es considerado una de las grandes voces románticas italianas de todos los tiempos, con más de veinte millones de discos vendidos a lo largo de su carrera.

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Post tags: balada, desamor, droga, vejez

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La canción la interpreta a dúo con Tina Turner, que en aquella época (1984) protagonizaba un resurgir de su carrera tras separarse definitivamente de su marido Ike Turner. ‘Tonight’ constituye una revisión de un tema que Bowie escribió para Iggy Pop, con un ritmo suave que bebe del clásico sonido jamaicano.

Resultó muy comercial gracias a su tono pegadizo y se benefició de la voz invitada la ‘reina del rock and roll’. El dúo de gargantas supone una combinación única, sobre todo en las actuaciones en directo dentro de la gira ‘Private dance tour’ que Bowie y Tina realizaron juntos a mediados de los ochenta.

‘Tonight’ originalmente –en 1977- versaba sobre la muerte de una chica por una sobredosis de heroína, pero este hecho fue eliminado en la versión de 1984. Bowie explicó entonces que pretendía evitar que Tina Turner cantase algo que no deseaba. La crítica no le creyó y argumentó que el cambio se debió a la búsqueda de mayor comercialidad.

Yo vi a mi bebé
Ella se estaba poniendo azul
Sabía que pronto
su corta vida se acababa

Y así me puse de rodillas
en su cama
Y estas son las palabras
que a ella le dije

Todo va a estar bien esta noche
Todo va a estar bien esta noche
Nadie se mueve
Nadie habla
Nadie piensa
Nadie camina esta noche
Esta noche
Todo el mundo estará bien esta noche
Todo el mundo estará bien esta noche
Nadie se mueve
Nadie habla
Nadie piensa
Nadie camina esta noche
Esta noche

Te amaré hasta el final
Te amaré hasta que llegue al final
Te amaré hasta que me muera
Te veré en el cielo
Esta noche

David Bowie (David Robert Jones) acaba de cumplir 65 años y parece que su carrera ha llegado ya a su fin porque hay rumores de que tiene problemas graves de salud. El grandioso cantante, con dedicación también importante al cine, deja atrás una trayectoria sin igual.

Su carácter camaleónico le ha llevado a cambiar constantemente de estilo y a beber de múltiples influencias, desde la psicodelia al punk pasando por el rock y hasta el glam power, jugando incluso con una dualidad sexual que le hizo adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino.

Un caminar artístico jalonado por discos míticos, éxito y polémica parece, sin embargo, que termina. Siempre nos quedará su obra.

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Pero lo números jamás han servido para certificar leyendas y esta canción no sólo es una leyenda sino que convirtió en leyendas a los integrantes de Eagles. Una obra redonda, una composición perfecta que pervive al paso de los años sin perder su frescura. Un clásico atemporal, multiversionado por todo tipo de artistas, que ha cincelado su título en la historia de la música moderna.

‘Hotel California’ fue compuesta en un establecimiento hostelero del mismo nombre radicado en el pequeño pueblo de Todos Santos, en el sur de Baja California, donde su autor, Don Henley, pasaba unos días. Allí conoció una leyenda local que aseguraba que el fantasma de una chica llamada Mercedes invitaba a tragos todas las noches a los parroquianos del bar del hotel. Henley cuenta cómo llegó al lugar cansado, buscando un remanso donde recuperar fuerzas. Allí encontró su paraíso.

Le recibió una chica, que portando sólo una vela le mostró su habitación. «¡Bienvenido al Hotel California, donde siempre tenemos la misma estación anual!”, dijo la joven antes de entregarle las llaves. La lenguas del lugar dicen que ella también le prometió que pronto volvería con una botella de vino. Pero nunca regresó y en la recepción le aseguraron que entre el servicio no había ninguna chica.

No obstante, la explicación oficial de The Eagles sostiene que la canción es una metáfora al mundo de la drogas y en especial a la cocaína y a la marihuana. Otra teoría es que el ‘Hotel California’ en realidad era un centro de salud mental donde habitaba un grupo de vidas frustradas. Y aún existe una tercera hipótesis que defiende que el tema se refiere a una antigua iglesia cristiana convertida en un lugar de culto satánico.

La leyenda que acompaña a esta canción también incluye una denuncia por parte de Ian Anderson, compositor de Jethro Tull, que repetidas veces sostuvo que ‘Hotel California’ es similar a su canción ‘We used to know’.

http://youtu.be/puHoadtIivc

En un oscuro camino del desierto,
viento frío en mi pelo
cálido olor de flores,
elevándose en el aire
Adelante, en la distancia,
vi una luz trémula
Mi cabeza se puso pesada,
y mi vista se oscureció
Tenía que parar por la noche
Ella estaba allí en la puerta de entrada
Yo escuché la campana de la misión,
y pensaba para mi
Esto debe ser el cielo o el infierno
Entonces ella encendió una vela
y me mostró el camino
Había voces bajo el corredor
Me pareció escucharlas decir…
Bienvenido al Hotel California
Un lugar tan adorable,
un lugar tan adorable
Lleno de habitaciones
el Hotel California
En cualquier momento del año,
lo puedes encontrar aquí
Su mente está perturbada por las alhajas
Ella tiene el Mercedes Benz
Ella tiene muchos chicos lindos
Que llama amigos
Como bailaban en el patio,
dulce sudor de verano
Algunos bailes para recordar,
algunos bailes para olvidar
Entonces yo llamé al dueño,
Por favor, deme mi vino, y él dijo
No hemos tenido ese espíritu aquí desde 1969
Y aún aquellas voces están llamando desde lejos
Te despiertan a la media noche
Solo para escucharlas decir…
Bienvenido al Hotel California
Un lugar tan adorable,
un lugar tan adorable
Ellos disfrutan la vida en el Hotel California
Que linda sorpresa, trae tus excusas
Espejos en el techo,
el champagne rosado en hielo
Y ella dijo, aquí somos todos prisioneros
de nuestra propia invención
Y en la recámara del dueño
Ellos se reunieron para la fiesta
Ellos la apuñalan con sus cuchillos acerados
Pero no pueden matar a la bestia
Lo último que recuerdo
Es que estaba corriendo hacia la puerta
Yo tenía que encontrar el pasaje que me llevara
al lugar donde estaba antes
Relájate, dijo el hombre de la noche
Estamos preparados para recibirte
Tu puedes reservar
en cualquier momento que quieras
Pero nunca puedes irte!

Eagles se formó en Los Ángeles en 1971 cuando Glenn Frey (cantante, guitarrista y compositor) y Don Henley (batería y cantante) se unieron a la banda que acompañaba a la cantante Linda Ronstadt. Una experiencia de aprendizaje que duró dos años, tras los cuales decidieron apostar por un grupo propio con la colaboración Bernie Leadon (guitarra, banjo, mandolina), Randy Meisner (bajo), Joe Walsh (guitarra y coros), Don Felder (guitarra) y Timothy B. Schmit (bajo).

Pronto se vieron premiados con el éxito, pero su conversión en dioses la llevó a cabo ‘Hotel California’ a mediados de los años setenta. Desde entonces no han descendido del Olimpo. Con cinco sencillos y seis álbumes números uno se separaron en 1980 para volverse a reunir catorce años más tarde y centrar su carrera en actuaciones en directo que priman sobre sus producciones en estudio.

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Post tags: balada, droga, rock, satánico

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El mensaje evidente nos ahonda en el desamor, en el romanticismo del que siempre está dotado hasta el que presume de ser el más insensible de los mortales. El latente nos introduce en el drama de la droga, al que no permaneció ajeno el mejor grupo español de los ochenta. Huelga entrar en detalles. Años más tarde y ya separados, el trío madrileño se volvió a reunir para apoyar una campaña contra el consumo de estupefacientes y eligieron… ‘Me cuesta tanto olvidarte’. Sin más comentarios. De cualquier manera, siempre se ha especulado sobre el origen de este tema y son muchos los que han defendido que era autobiográfico. El autor, el considerado el verdadero genio, el que escribió canciones absolutamente increíbles, siempre se ha negado a disipar dudas. La mayoría de sus letras son impresionantes, a pesar de que muchas veces nos dice cosas en un principio sin sentido coherente.

‘Me cuesta tanto olvidarte’ es, en mi opinión, la mejor canción de Mecano, un gusto que puede ser compartido por muchos porque, de hecho, era el tema con el que habitualmente cerraban todos sus conciertos. El público se negaba a abandonar el recinto sin escucharla.

Con un fondo de piano, acompañado de teclados simulando violines -en el papel del bajo— y una letra con la que todos nos hemos podido sentir identificados en algún momento de nuestras vidas, ofrece una composición tremenda, grande y a la vez sencilla, emotiva, melancólica… inolvidable. Su corte minimalista y una estructura que se reduce a sólo lo esencial la llevaron al éxito.

Una pequeña joya en forma de balada acústica protagonizada por la voz de Ana Torroja. Precisamente fue la vocalista la que se quedó con los derechos de esta canción cuando Mecano optó por separar los caminos de sus miembros y la ha utilizado en alguno de sus discos individuales posteriores.

‘Me cuesta tanto olvídate’ tuvo también su versión italiana -’Mi costa tanto scordarti’- y otra francesa, que finalmente nunca ha sido incluida en un disco.

Entre el cielo y el suelo hay algo

con tendencia a quedarse calvo

de tanto recordar

y ese algo que soy yo mismo

es un cuadro de bifrontismo

que sólo da una faz

La cara vista es un anuncio de Signal

la cara oculta es la resulta

de mi idea genial de echarte

me cuesta tanto olvidarte

me cuenta tanto olvidarte

Me cuesta tanto

olvidar quince mil encantos es

mucha sensatez

y no sé si seré sensato

lo que sé es que me cuesta un rato

hacer las cosas sin querer

Y aunque fui yo quien decidió

que ya no más

y no me cansé se jurarte

que no habrá segunda parte

me cuesta tanto olvidarte

me cuesta tanto olvidarte

me cuesta tanto…

Mecano comenzó su andadura de forma paralela a la década de los ochenta. Unos inicios difíciles con problemas para encontrar compañía discográfica y para convencer a público y crítica de que era el momento de hacer un tipo de música todavía inédito en España se vieron superados con su primera producción. Allí disiparon todo tipo de dudas y desde entonces toda su andaduda estuvo jalonada por el éxito.

La banda la fundó José María Cano con el apoyo de su hermano menor Nacho. Pronto ficharon a Ana Torroja para que pusiera voz a sus creaciones. Su timbre personal y sus cambios de imagen constantes contribuyeron al principio de la carrera a sustentar su ascenso, tanto como el talento creativo de los Cano.

Media docena de discos -todos refrendados por el mercado-, singles que siempre llegaron a los lugares más altos de las listas y recopilaciones que se convirtieron en ventas millonarias conforman una producción sin igual en España. Su separación fue una de las peores noticias del mundo de la música pop y todavía se sueña con un regreso del trío.

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Su éxito en 1982 radicó en una apuesta musical que mezclaba con perfección el bluegrass y el folk celta, junto a una letra sólo comprensible por los cerebros especiales de los miembros de este grupo cuanto menos diferente. Violines, banjos, batería y organillos se combinan con numerosos cambios de ritmo y no se sabe con qué intención. Nadie ha podido descifrar el tema hasta ahora, aunque todo apunta a que puede referirse a la delgada línea que separa el amor de la lujuria en la época preadolescente.

Es una obra tan colosal -seguramente surgida fruto de la casualidad- debido a su singularidad, que llevó a Dexy’s Midnight Runners a pasar de una simple banda de soul a ser un camaleónico entramado de almas intraducibles. Pero hasta consiguió que fuera incluida por la Nasa en la relación de temas con los que despertaba a sus astronautas cuando estaban en el espacio. Concretamente el 9 de agosto de 2005 la comandante del Discovery Eileen Collins, la primera mujer piloto y también primera mujer comandante, fue homenajeada con este tema. Quizá por la felicidad que transmite su música. Es también el himno oficioso de los pross, la selección inglesa de fútbol.

Su pegadiza melodía ha llamado también la atención del mundo de la publicidad, apareciendo en anuncios de productos muy variados. En Euskadi fue muy popular porque fue utilizada por Euskaltel para lanzar una campaña en sus primeros años de andadura en el mundo de la telefonía. También volvió a la actualidad gracias una versión muy inferior que realizó Celtas Cortes.

La canción habla de una tal Eileen, una amiga de infancia que tuvo el líder del grupo Kevin Rowland, y de la cuál fue pareja cuando ambos sólo tenían 13 años. Pero también se refiere al cantante norteamericano Johnnie Ray, precursor de la combinación del rock y el jazz en la década de los cincuenta.

Pobre viejo Johnny Ray
Sonaba triste en la radio, conmovió a un millón de corazones en mono
Nuestras madres gritaban y cantaban por doquier y quién las culparía
Ahora habéis crecido, tanto, ahora debo decir más que nunca
Vamos Toora Loora Toora Loo-Rye-Aye
Y podemos cantar como nuestros padres

Vamos Eileen,
Juro (él quiere decir) que en este momento lo significas todo
Contigo con ese vestido, mis pensamientos, confieso, rayo el polvo
Ah, vamos Eileen

Esa gente por aquí viste ojos abatidos
Hundidos en humo, caras áridas, están tan resignados para lo que es su destino
Pero nosotros no, nosotros no, nosotros estamos lejos, demasiado jóvenes y listos
Recuerda Toora Loora Toora Loo-Rye-Aye
Eileen, tararearé esta melodía siempre

Vamos Eileen, juro, él quiere decir
Ah, vamos, sácatelo todo
Ese bonito vestido rojo Eileen (Dile que sí)
Ah, vamos, ah, vamos Eileen, por favor.

Dexy’s Mindnight Runners fue un grupo que nació, vivió y murió alimentado por la personalidad de Kevin Rowland. Oriunda de Birmingham, debe su nombre a los efectos de una droga psicoestimulante llamada Dextroamphetamine, que posibilitaba bailar toda la noche.

Grabó tres álbumes en la primera mitad de los ochenta – ‘Searching for the Young Soul Rebels’ (1980), ‘Too-Rye-Ay’ (1982) y ‘Don’t Stand Me Down’ (1985)-, pero su éxito radicó en ‘Come on Eileen’, por lo que es considerado como un one-hit wonder (grupo de un solo éxito). Nada más se supo de ellos, consumidos por los problemas habituales de los grupos numerosos.

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