Sin embargo, ‘Reet petite’ sorteó todos los obstáculos gracias a la voz de Jackie Wilson. No sólo fue un éxito en el mercado destinado a los estadounidenses afroamericanos, sino que también llegó a entrar en los hit parade nacionales. Los blancos comenzaban a comprar discos inicialmente destinados a los negros. Hasta entonces las creaciones de origen negro, por muy buenas que fueran, sólo trascendían de su ámbito si un interprete anglosajón las versionaba.(...)
Read the rest of Jackie Wilson – Reet petite (Tan hermosa) (1,371 words)

El éxito de ‘Reet petite’, que toma su título del tema de Louis Jordan ‘Reet, petite and gone’, fue de tal magnitud que dio origen al sonido que durante varias décadas llenó el mundo de hits con voces negroides y generó también el mito de Gordy Jr.

Nació entonces una canción que, casi sesenta años después, mantiene la misma frescura que arrojó la aguja del primer tocadiscos que pinchó su vinilo. Gracias los mil dólares que cobró por su trabajo y un dinero prestado por su familia, Gordy Jr.creó en un pequeño estudio la discográfica que fue la raíz de Tamla, en primer término, y Motown, después. En el local se recibía a los visitantes con un lema que suponía toda una declaración de principios: Hitsville U.S.A. (ciudad de los éxitos).

Hasta entonces Gordy Jr. era un compositor que peleaba por dar a conocer su obra presentándola a concursos y enviándola a artistas, mientras sobrevivía gracias a empleos precarios. En sus comienzos se hartó, sin éxito, de tocar las puertas de las grandes discográficascomo autor de canciones y demos. Sólo consiguió vender algunas de ellas en Nueva York, por cantidades ínfimas.

Pero en 1957 se topó con Jackie Wilson, recién separado de The Dominoes. La estrella de Detroit aportó la voz idónea para ‘Reet petite’, que se registró en el sello Brunswick con ayuda del también compositor Billy Davis. Fue el primero de una serie de aldabonazos que durante dos años les llevaron a asentarse en lo más alto de las listas. Con celeridad, Gordy Jr. se convirtió en un próspero y respetado compositor, un estatus que le permitió crear su propia casa editora, la mencionada Motown, con Smokey Robinson y sus Miracles como grandes estrellas.

Centrémonos en ‘Reet petite’, uno de los clásicos del rock primitivo, un tema vivaz que muchos han intentado bailar y pocos lo han conseguido por su exigente ritmo, propicio para crear más contracturas que premios de salón. Sólo está al alcance de unos pocos, entre ellos el propio Jackie Wilson. Sobre el escenario se convertía en un torbellino, en una fiera que no paraba de dar saltos y que se adaptaba con precisión matemática a los ritmos más movidos.

Tuvo gran repercusión en su lanzamientro original, como hemos dicho, pero por aquellos tiempos eran pocos los discos estadounidenses que conseguían pasar el Atlántico para ser oídos en una Europa que bastante tenía con recuperarse de la devastación generada por la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el legendario exponente del rhythm & blues tuvo que esperar tres décadas, concretamente veintinueve años, para ser número uno en Gran Bretaña durante cuatro semanas.

Lo hizo en 1987, cuando el disco fue reeditado con motivo del fallecimiento de Wilson y promocionado con un vídeo muy original, interpretado por figuras de plastilina que se movían gracias al método ‘claymation’ y producido por la BBC. Con él volvió a la actualidad el genial intérprete. Su éxito fue tal que ‘Reet petite’ llegó a ser incluido en el disco ‘Boom 3’, la biblia de las canciones más famosas de aquella época. Constituyó un tardío reconocimiento internacional, cuantificado en la distribución de 700.000 copias del single.

Su repercusión en el mundo de la música fue de tal nivel que han sido numerosos los artistas que la han mencionado en obras posteriores. Es el caso de Van Morrison, en ‘Jackie Wilson said (I’m in heaven when you smile)’, de 1972; o de David Bowie, en la canción ‘Red money’. También la publicidad ha utilizado ‘Reet petite’ hasta la saciedad.

LETRA

Bien, mira ahí, mira ahí
mira ahí, mira ahí, ooh wee
mira ahí, mira ahí
mira ahí, ooh wee
¡oh! ¡ah! ¡oh! ¡ah! ooh wee

Bien, ella es tan bella, bella, bella
ella es tan bella,
ella es tan hermosa
es tan bella

Ella es realmente dulce
la chica más bella que quieras conocer

Oh, oh, oh, oh
oh, oh, oh, oh
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer

Alguna vez has visto una chica por quien darías tu alma
por la que lucharías, por la que morirías,
por la que rezarías a dios para vivir

Porque ella es tan hermosa
ella es tan hermosa
ella es realmente dulce
la chica más bella que quieras conocer

Bien, realmente hace justicia a la ropa que lleva
quiero que el mundo sepa que la amo, que la amo tanto

Ella me corresponde
me corresponde
me corresponde
ella me ama día y noche

Oh, oh, oh, oh
oh, oh, oh, oh
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer, oh

Bien , ella es como la miel de abeja, como los melocotones en el árbol
la amo, la necesito, ella significa tanto para mí

Ella me corresponde
ella tiene lo que se precisa
ella tiene lo que se precisa
y conmigo ella realmente gana valor

Bien, ela es mi bombón, mi tutti frutti
mi corazón, mi amor, mi sirena bella

Ella me corresponde
ella tiene lo que se precisa
ella tiene lo que se precisa
y conmigo ella realmente gana valor

Oh, oh, oh, oh
oh, oh, oh, oh
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer
tan hermosa
la chica más bella que quieras conocer

VERSIONES

El ‘Elvis galés’ SHAKIN’ STEVENS, acompañado de The Sunsets, dio su toque personal al tema en 1972.

Dione Larue, conocida artísticamente como DEE DEE SHARP y la primera mujer negra idolatrada por los adolescentes, incoporó ‘Reet petite’ a su repertorio en 1963.

El cantautor canadiense COLIN JAMES se acordó de esta canción en 2006.

El grupo de pop comercial británico DARTS, integrado por nueve miembros, realizó un pegadizo cóver en 1979.

La neozelandesa DINAH LEE ya en 1964 vio las posibilidades de ‘Reet petite’.

http://youtu.be/6uJJmpRnRCg

JACKIE ‘SONNY’ WILSON (Detroit, 1934-1984) era propietario de una de las mejores voces tenor de la música negra popular, del soul y del rhythm & blues. Ella le permitió protagonizar una carrera de éxitos que se prolongó durante dos décadas y que sólo su deterioro físico cercenó.

Como todos los intérpretes afroamericanos, sus primeros pasos los dio en coros eclesiásticos, para pasar luego a formar parte del grupo Ever Ready Gospel Singers y comenzar a grabar sus primeros discos en 1951, tras ser descubierto por el sello Dee Gee, de Dizzy Gillispie.

Conocido como ‘Mister Emotion’ o ‘Mr. Excitement’, en 1953 fue captado por Billy Ward para formar parte de la banda The Dominoes en sustitución del solista de Clyde McPhatter, fichado por los míticos The Drifters. La experiencia se prolongó durante cuatro años, hasta que en 1957 inició su carrera en solitario. Comenzó así el período de su vida artística de mayor éxito, gracias a constantes variaciones de estilo y a las canciones que le aportaron el dúo Berry Gordy Jr-Roquel ‘Billy’ Davis. Llegaron grandes discos como el mencionado ‘Reet petite’, ‘To be loved’, ‘That´s why’, ‘I´ll be satisfied’, ‘Whispers’, ‘Higher and higher’, ‘I get the sweetest feeling’ o la también genial ‘Lonely teardrops’.

En los setenta, alejado ya del público, buscó nuevas fórmulas musicales en pequeñas casas discográficas, sin obtener mucha repercusión salvo en el circuito ‘revival’. Todo acabó en 1975, cuando sufrió un infarto mientras cantaba en directo en New Jersey. Su cerebro resultó fuertemente afectado y quedó en coma durante tres meses. Luego se vio obligado a permanecer hospitalizado en estado vegetativo hasta que murió en 1984 acosado por el Gobierno, que le reclamaba alrededor de 250.000 dólares en impuestos, y por sus dos exesposas, que peleaban por heredar su patrimonio artístico.

Entonces acabó la historia de un personaje fascinante, capaz de lo mejor en el escenario y de lo peor en su vida privada. Representó a partes iguales la espiritualidad y la carnalidad de la música soul, colocando unos cincuenta discos en las listas durante veinte años después de haber coqueteado con el boxeo y de haber caminado siempre de forma paralela al escándado. Incluso, en 1961, una fan fuera de control le disparó, hiriéndole gravemente. Tuvo problemas con las mujeres en todo momento, casándose en varias ocasiones y coleccionando numerosas amantes. Su vida desordenada, que ya de niño le llevó a un correccional, sólo le permitía avanzar a fuerza de alcohol.

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Contemos la historia. Este vigoroso tema fue escrito por Florrie Palmer y producido por Christopher Neil para ser inicialmente lanzado en Reino Unido en 1980 como ‘9 to 5’. Llegó al número 3 del hit parade. Meses después, la multinacional EMI decidió volver a dar una oportunidad a la canción en Estados Unidos y allí llegó, ya como ‘Morning train’, a lo más alto de las listas de éxitos, como también hizo en Australia, Canadá o Nueva Zelanda.

No sé si fue por la polémica -quiero pensar que el motivo fue su gran calidad-, pero lo cierto es que esta canción se convirtió en la más importante en la carrera de la solista, manteniéndose durante dos semanas en el número uno norteamericano. Asimismo sobrevivió durante casi cuatro meses en el listado. Ocurrió en la primavera de 1981.

Estamos hablando de una canción de transfondo laboral, que puede retratarnos a cada uno de los trabajadores que cuando la noche apenas ha terminado tenemos que abandonar la cama porque el día se levanta puntual y con él nuestra obligación de acudir temprano a los respectivos puestos. Cuando las legañas aún impiden que nuestros párpados se despeguen pese a la celérica ducha, tenemos que salir corriendo cada día para, seguramente, llegar tarde a fichar.

Sin embargo, el mensaje literal del ‘Tren de la mañana’ de Easton hace referencia a una mujer espera en casa todo el día la llegada de su marido del trabajo. Lo hace en el tren de la tarde. También se fue en ferrocarril, en el primero de la mañana. El video fue filmado en el Blubell Railway, en Inglaterra.

http://youtu.be/huNejF17gzg

Me despierto muy temprano
salto de la cama
me estiro profundamente
otro día empieza
parecido al anterior
el tiempo pasa rapidamente
mientras mi chico y yo estamos juntos
luego sale corriendo

Porque el tiempo que él está conmigo vuela
en el tiempo en que él es mío todo va bien
la noche es el mejor momento
hacemos el amor
es su momento y el mío
nos los quitamos todo

Mi chico coge el tren de la mañana
trabaja de nueve a cinco
para volver a casa
donde le espero

Me lleva a ver una película
o a un restaurante o a bailar, lo que yo quiera
me ilumino cuando él está conmigo
sólo con lo que me da me hace sentirme fenomenal

Todo el día pienso en él
sueño con él constantemente
estoy realmente loca por él
y él está realmente loco por mí

Cuando sube al tren
me vuelvo loca
trabaja todo el día para ganarse el sueldo
luego podemos jugar toda la noche

El coge siempre ese tren de la mañana
trabaja muy duro
para encontrarme esperando por él

VERSIONES

Para el mercado hispano la propia Sheena Easton grabó la canción EN CASTELLANO. Tardó tres años porque fue en 1984 cuando se publicó ‘El primer tren’.

La cantante austriaca MARGOT WERNER nos ofreció su visión de ‘Morning train’ bajo el título ‘Du lebst nur einmal auf der welt’. Corría el año1981.

Las grandes orquestas tampoco dieron la espalda al tema, como por ejemplo la de JAMES LAST.

http://youtu.be/839W-5ZXAz4

La diva francesa SYLVIE VARTAN ofreció a los franceses su revisión, titulada ‘L’amour c’est comme une cigarette’. También en 1981.

El holandés BENNY NEYMAN convirtió ‘Morning train’ en ‘Liefde is als een sigaret’ en 1982.

http://youtu.be/Oy_2VjOivzA

SHEENA EASTON nació en 1959 en el seno de una familia escocesa con el nombre de Sheena Shirley Orr. Fue criada en el pueblo minero Belshill por su madre, que pronto se quedó viuda y tuvo que sacar adelante a sus seis hijos trabajando en una fábrica. Sheena cursó estudios en la Academia de Música nacional y intentó lanzarse a los escenarios nada más terminar su formación. Para ello integró sin mucho éxito del grupo ‘Something else’.

Su gran oportunidad llegó cuando cumplió 20 años y participó en el concurso de la BBC ‘The big game’ (El gran juego), que seguía durante un año completo la vida de una artista promesa. Allí se dio a conocer y llamó la atención de la discográfica EMI, que le ofreció un contrato para grabar sus discos iniciales.

Su primer trabajo se tituló ‘Modern girl’, que en 1980 cosechó un relativo éxito. Pero fue ‘9 to 5’ (Morning train) el que le dio a conocer un año más tarde y le permitió traspasar las fronteras de Gran Bretaña. Luego siguieron temas con cierta repercusión como ‘When he shines’ o, especialmente, ‘For your eyes only’, tema central de la película de la serie James Bond ‘Sólo para sus ojos’. Aunque nunca más llegó a estar tan alto en las listas como en esa época, su carrera se afianzó a medida que avanzaban los ochenta.

Por ese período también pasó al mundo de la televisión como actriz, interviniendo en varios episodios de la serie ‘Corrupción en Miami’, interpretando a la esposa del protagonista, Don Johnson.

En los noventa obtuvo la nacionalidad estadounidense y fijó su residencia al otro lado del Atlántico, donde decidió dar un vuelco a su carrera con temas tradicionales de los años 40 y 50. También interpretó pequeños papeles en películas y series de televisión, además de apariciones en Broadway y colaboraciones con Kenny Rogers, Prince, Al Jarreau, Barry Manilow, Dyango y Luis Miguel.

Acabó estableciéndose en Las Vegas, donde hasta que decidió tomarse un descanso, ya con el nuevo siglo, era estrella de numerosos shows. Actualmente continúa en activo, pero sus apariciones públicas son escasas, básicamente giras puntuales por Japón o Canadá.

Ha atesorado numerosos premios como dos Grammy y ha vendido más de veinte millones de discos en todo el mundo. Además colocó trece sencillos dentro del top 40 en la década de los 80. Asimismo, es considerada un ícono gay en Latinoamérica.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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La aceptación de ‘Lola’ fue tal que reimpulsó la carrera de la banda y le permitió controlar su producción discográfica mediante la construcción de un estudio propio en Londres, desde donde consiguieron autonomía creativa y administrativa sobre su obra.

Tras un período de sequía musical, la salida al mercado de ‘Lola’ en 1970 supuso el relanzamiento del grupo con un número uno instantáneo en las listas de todo el planeta. Les puso de nuevo en el punto de mira del público. Asimismo les abrió definitivamente las puertas norteamericanas después de que el sindicato de músicos les prohibiera actuar desde 1965.

La magia de ‘Lola’ surgió tras el veto estadounidense, que les llevó a suspender giras y a encerrarse en un estudio para labrar su nuevo trabajo. Brotó un pop sincero que derivó en clásico, en un tema imprescindible en todos sus conciertos. Destacó por sus armonías, que emanan tanto calidad y elegancia como contundencia.

Su autor oficial es el líder de ‘The Kinks’, Ray Davies, y nos relata un encuentro romántico entre un joven y un travesti que conoce en una discoteca del Soho londinense. Al parecer se basa en una experiencia real de una noche loca del manager del grupo, Robert Wace, a la que Davis incorporó una letra que hacía gala de su gran habilidad parar manejar el humor, la ironía y el sarcasmo. ‘Lola’ puede ser una de las primeras canciones comerciales que se dedicó a la transexualidad.

En el libro ‘The Kinks: la biografía oficial’, Ray Davies sostiene que Wace había estado bailando con una chica morena toda una noche. Al parecer, cuando allá por las seis de la mañana a la bella dama comenzó a salirle la barba quedó en evidencia el error. Pero para entonces todos estaban lo bastante borrachos como para que la sorpresa ya no importara. Vive y deja vivir, pensaron tal vez.

Sin desmerecer la lírica de la historia de la chica que no era tal chica, lo que realmente enganchó a la masa fue el estribillo, tremendamente pegadizo e incitador para que tomemos parte en los coros. Hay controversias sobre su firma. Dave Davies, hermano de Ray, sostiene que la melodía y los riffs de guitarra son suyos. Sin duda, es una disputa sobre los royaltys que aún no parece resuelta.

En la letra original se hacía referencia a la Coca-Cola, algo que no gustó a la marca de refrescos norteamericana, que exigió un cambio en la prosa y Coca-Cola pasó a ser Cherry-Cola. Sin embargo, paradojas de la vida décadas después la empresa pagó una fortuna a Davies por una campaña publicitaria con esta canción como fondo.

También la BBC prohibió ‘Lola’ por la referencia a la bebida carbonatada de la chispa de la vida. La cadena estatal británica se negaba a citar nombres de productos comerciales por su política de publicidad. Sin embargo, en directo The Kinks utilizaban la versión original en bastantes ocasiones.

http://youtu.be/nVXmMMSo47s

La encontré en un club del bajo Soho
donde pedís champán y te dan algo
con gusto a Coca-Cola

Ella me sacó a bailar
y me dijo con voz grave
mi nombre es Lola

Debo decir que no soy el tipo
más fuerte del mundo
y cuando me apretó en la pista
casi me rompe la espalda

Tampoco soy el tipo
más listo del mundo
pero no entendí bien por qué
caminaba como chico
y hablaba como un señor
así que tomamos champán y bailamos
entre lamparitas que imitaban a velas

Después me sentó en su falda
y dijo: nene vamos a mi casa
Se sabe que no soy el tipo
más apasionado del mundo, pero casi
me desmayo de emoción

Cuando llegamos
de la borrachera me caí al suelo
y quedé a cuatro patas
y la miré desde ahí

Así era como yo quería estar
y siempre quiero estar
así para mi Lola

Lola se reía
me agarró la mano
y dijo: nene te voy a hacer hombre

Claro, yo no era el tipo
más experto del mundo,
la verdad ni siquiera
había besado a ninguna

Las chicas pueden ser hombres
los hombres pueden ser chicas
es una confusión para todo el mundo
menos para Lola

En fin, no soy el tipo
más macho del mundo
pero ser hombre me gusta
y a Lola también

VERSIONES

Es muy reseñable la revisión en castellano que hicieron los murcianos de M-CLAN.

A nivel internacional destaca la interpretación de ROBBIE WILLIAMS. Fue en 2007 con motivo del cuarenta aniversario de BBC Radio.

La banda inglesa de ska BAD MANNERS la incorporó a su discografía en 1993.

MADNESS hizo lo propio en 2005.

Existe un número incontable de covers a lo largo de todo el planeta, como, por ejemplo, los firmados por el griego Paschalis en 1972, Don Fardon en 1974, Nicky Thomas en el mismo año, The Raincoats en 1979, Cud en 1989, el alemán Heinz Rudolf Kunze, Weird Al Yankovic, Andy Taylor en 1990, Mollies Revenge en 1997, Damon Albarn en 2000, Thunder, Natural Born Hippies, Dana Baitz, Jan Rot, McFly & Busted, Travis, Widespread Panic, Leela…

THE KINKS surgió en 1963 en el área de Muswell Hill, al norte de Londres, de la mano de los hermanos Ray (cantante principal, guitarra rítmica) y Dave Davies (guitarra principal, voz). Junto a ellos, con el nombre de The Ravens participaron en la génesis Peter Quaife (bajo, voz) y Mick Avory (batería, percusión), aunque luego fueron reemplazados por John Dalton –en 1969– y Bob Henrit –1984–, respectivamente. A su vez Dalton se marchó para dejar sitio a Jim Rodford en 1978, mientras que los teclistas Nicky Hopkins, John Gosling e Ian Gibbons acompañaron a la banda durante las sesiones de grabación a lo largo de su dilatada trayectoria.

Ya con su tercer single –’You really got me’–, alcanzaron un éxito internacional cuando sólo llevaban un año de andadura por el camino del rock & roll con fusiones de rhythm & blues. El disco causó un gran revuelo entre los críticos radiofónicos y de la prensa especializada, que destacaron su sonido innovador al ser considerado el primer tema de hard rock de la historia.

Le siguieron otras composiciones de éxito como ‘All day and all of the night’. ‘A well respected man’, ‘Dedicated follower’, ‘Sunny afternoon’, ‘Session man’, ‘Waterloo sunset’, ‘Death of a clown’, ‘Days’, etcétera. Su fama y prestigio eran ya mundiales.

No obstante, su música varió con el tiempo y, obsesionados por romper el veto estadounidense, miraron hacia el otro lado del Atlántico con un pop más sosegado y teatral, que a la postre les hizo atravesar un bache. La mala racha acabó con la publicación de ‘Lola’, el mayor éxito del conjunto desde su formación.

Desde entonces su carrera se mantuvo estable hasta que en 1996 tocaron juntos por última vez. Durante 2006 se especuló sobre una supuesta reunión. Nunca se plasmó.

The Kinks ha sido uno de los grupos de rock mas influyentes de toda la historia. De la mano, sin duda, de los hermanos Davies, que permanecieron al frente durante más de 32 años pese a los constantes altibajos que sufría su relación personal. Su música recogió influencias de una amplia gama de géneros y quizás ése fue su secreto.

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El argentino firma un bello homenaje en poco menos de tres minutos. Un tema conmovedor, original, tierno… desnudo en su estructura, permite que un genio rinda pleitesía a otro. Ambos comparten carisma, talento y excentricidad

Calamaro resucita a Elvis jugando con esa leyenda urbana que mantiene que el de Tupelo nunca murió, si no que simplemente simuló su fallecimiento para disfrutar de un tranquilo retiro en Graceland o que todo fue una operación montada por el FBI y la CIA para proteger al músico de los intentos de asesinato de la Mafia.

Los que no reconocen que su vida se acabó el 16 de agosto de 1977 son los mismos que, como John Lennon, creen que «antes de Elvis no había nada», aquellos que no aceptaron la idea de perder a uno de sus mayores ídolos. Algunos, incluso, aseguran haber visto con vida al Rey. Calamaro es de ésos y lo plasmó en los siguientes versos:

No sólo está vivo en el corazón del rock,
mucha gente lo ve…
en Buenos Aires,
en Memphis,
en Graceland.

Viva el rey,
el que encendió la mecha que encendió el fuego.
El rock ‘n’ roll es rock,
y es poesía, y es caderas…
y es blanco y es negro,
porque hay un Elvis
que un día 16 se escondió
en el cuarto forrado de leopardo dorado
viendo su propio rock ‘n’ roll.

Pues claro que Elvis está vivo. Queda demostrado con cada recopilación que se publica. Vende millones de copias. Está más vivo que nunca. Y si no escuchen a Calamaro.

Elvis está vivo
me lo dijo un amigo
cuando el sol empezaba a caer

Está en el cuarto forrado de leopardo dorado
se queda viendo su propio funeral

En Memphis lo saben todos
pero es gente muy discreta y no dicen nada
será mejor así, será mejor así

Elvis está vivo
eternamente dormido
en un inodoro de cristal

Elvis está vivo
se escribe cartas conmigo
cuando el sol empieza a caer

Bob Dylan también lo sabe
pero Bob es muy discreto y no dice nada
será mejor así
será mejor así

Elvis está vivo
está lavando la limo
cuando el sol empieza a caer

Supongo que está en su casa
en una bata de seda
mirando diez canales a la vez

Elvis está vivo
Elvis es un buen tío
espero que me
invite a comer.

VERSIONES

CANDY CARAMELO nos ofreció una revisión rockabilly.

Con motivo del trigésimo aniversario de la muerte de Elvis, la televisión pública británica BBC difundió un anuncio en el que también participaban Noel Gallaher, Keith Moon, Stevie Wonder o Jimmy Page, entre otros.

También DIRE STRAITS volvió a dar vida a Elvis en ‘Calling Elvis’.

La canción ‘Crash’ de PROPELLER HEADS ofrece una reencarnación hogareña del Rey del Rock finales del siglo XX.

ANDRÉS CALAMARO dicen que nació de la unión entre una guitarra y unas gafas oscuras, pero no es cierto. Se casó con ellas un poco más tarde. Vio la luz en Buenos Aires allá por 1961 y sin llegar todavía a la década de los ochenta ya se lanzó a intentar vivir de la música con el grupo Raíces.

No obstante, su primer dinero no lo cobró hasta 1981, cuando se integró en Los Abuelos de la Nada, con quienes compartió banda cuatro años. Se dio cuenta de que cuando se gana poco lo mejor es no repartir y por eso decidió caminar en solitario gracias a su primer disco ‘Hotel Calamaro’. Vendió pocos y vio cómo su discográfica cerraba.

En 1985 llegó otro disco sin mucho éxito pese a contar con la colaboración de famosos compatriotas. Tres años de errática andadura le colocaron a las puertas de la fama en 1988, cuando ‘Por mirarte’ le consagró.

Su fama le permitió dar el salto a España en 1990 para formar Los Rodríguez, grupo con el que nos ofreció un lustro de gloria. Su prestigio posibilitó que volviera a cantar sin compañía y sin perder el lugar que se ha ganado con creces. Y ahí sigue escribiendo temas excepcionales, relativos a lo que le interesa a él, no a su discográfica.

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‘The power of love’ es una creación atípica, como todo lo que hizo Frankie goes to Hollywood. Después de conseguir mucho éxito y provocar grandes polémicas con ‘Relax’, cuya letra aludía explícitamente a la homosexualidad, y ‘Two tribes’, parodia de la guerra fría con un combate de lucha entre Reagan y Breznev, llegó esta composición, alejada de su estilo anterior.

‘The Power of Love’ se publicó a finales de 1984 en forma de balada para convertirse, en mi opinión, en la mejor obra de FGTO, volviendo a confirmar que las más destacadas canciones de este tipo las hacen precisamente grupos habitualmente alejados del estilo. Sorprendentemente inspirada y bien arreglada, fue número uno inmediato y otorgó al conjunto el honor de ser la primera formación desde hacía dos décadas que conseguía trepar hasta el puesto más alto del hit parade de ventas con los tres primeros trabajos publicados.

El vídeo no fue censurado, algo habitual en los anteriores de Frankie goes to Hollywood. Pero también levantó algo de polémica porque fue considerado equivocadamente un disco de música navideña mientras que el grupo se empeñaba en negarlo. La letra no tiene en principio relación con estas festividades, aunque las imágenes sí. Habla de un amor que podría ser sobrenatural, algo ligeramente oscuro. Es, sin duda, una canción metafórica sobre el sida.

Espero que guste a los que no la conocían y que traiga buenos recuerdos a quienes ya sabían de su existencia. FELIZ NAVIDAD.

Te protegeré de la garra encapuchada
Mantendré a los vampiros alejados de tu puerta
Sentimientos como el fuego
Estoy tan enamorado de ti…
Los sueños son como ángeles
Mantienen fuera el mal, fuera el mal
El amor es la luz
Asustando la oscuridad, sí…
Estoy tan enamorado de ti…
Arde el alma
Haz del amor su meta

El poder del amor
Una fuerza de arriba
Limpiando mi alma
Llama en deseo ardiente
Amor con lenguas de fuego
Arde el alma
Haz del amor tu meta

Te protegeré de la muerte encapuchada
Mantendré los vampiros alejados de tu puerta
A la hora de la verdad estaré a tu alrededor
Con mi eterno, desafiante a la muerte, amor por ti
La envidia se herirá a si misma
Te dejará ser hermosa
Amor brillante, flores
Y perlas y chicas guapas

El amor es como una energía
Fluyendo, fluyendo dentro de mi
El poder del amor…

Esta vez somos sublimes
Los amantes tejen lo divino
El amor es peligro, el amor es placer
El amor es pureza, el único tesoro
Estoy tan enamorado de ti…
Arde el alma
Haz del amor tu meta
El poder del amor
Una fuerza desde arriba
Limpiando mi alma

Frankie goes to Hollywood se formó en Liverpool a principios de los años 80 bebiendo de las fuentes del techno. Su formación incluía a Holly Johnson y Paul Rutherford como vocalistas y a Mark O’Toole y Brian Nash, al bajo y a la guitarra, mientras Peter Gill se encargaba de la batería.
Pronto cosecharon éxito en Reino Unido y en el resto del planeta ganándose el respeto del mundo de la música –una ardua labor si se tiene en cuenta que la homosexualidad musical en los ochenta aún no estaba demasiado bien vista– con creaciones como ‘Relax’, el primer sencillo del grupo, que fue censurada por la BBC durante casi un año.
Solamente publicaron dos discos de estudio. El primero, ‘Welcome to the pleasuredome’ fue una obra maestra, con canciones como la mencionada ‘The power of love’, ‘Two Tribes» o la también comentada ‘Relax’. En todas ellas, en sus letras y en sus videoclips, se jugaba con la ambigüedad de la bisexualidad, bastante explícita en algunos casos. ‘Liverpool’ fue su segundo disco largo, también con bastante éxito, con piezas como ‘Warriors of the wasteland’ o ‘Watching the wildlife’.

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