Hoy traigo producto fresquito, o quizá calentito, que no sé si es pescado o pan, pero el caso es que Season 2 acaban de presentarse al mundo con este sencillo de adelanto de su álbum de debut. Habrá que hacer las presentaciones, claro: la Temporada 2 son un quinteto australiano, formado por artistas que han pasado por distintas bandas de la escena de Melbourne, y solo lleva año y pico en activo. Claro, lo malo de juzgar a un grupo por una sola canción es que a lo mejor esta no tiene nada que ver con el resto, o incluso puede ser que se trate de la única que les ha quedado bien, pero el caso es que a mí me encantó desde el segundo dos, y no exagero demasiado.

La nota de su discográfica cita referentes como The Feelies, The Vaselines o The Clean, pero a mí Abundance of Power me ha hecho pensar en un cruce entre las Breeders y Grauzone, con ese rollo juguetón pero serio, al menos hasta que la guitarra se anima y empieza a cantar con las dos vocalistas. Como el propio videoclip, se trata de música sin grandilocuencias y sin gestos rockistas, un poco huidiza como el pescado pero, no sé, también reconfortante como el pan.

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Como la semana pasada hice pira en la sección, porque estaba de vacaciones, aprovecho esta para endiñar una ración doble, dos tazas de purgante musical recién hecho. En realidad no tienen mucho que ver, pero creo que he enlazado mentalmente las dos bandas porque había confundido sus orígenes: pensaba que la estadounidense era australiana (o quizá alemana) y que la australiana era estadounidense. Ahora que lo pienso, por orden alfabético también les tocaría ir seguidas en muchas colecciones de discos.

Al final me voy a liar, así que vamos al grano. Eraser (en blanco y negro en el combo de arriba) son un cuarteto de Pensilvania que acaba de publicar su primer álbum, si es que podemos aplicar ese nombre tan rimbombante a ocho canciones que vuelan en quince minutos. Podemos, claro que podemos. De las referencias que se emplean para explicar su estilo, hay dos que me llaman especialmente la atención: las suizas Kleenex/LiLiPUT (y ahí están esas canciones esqueléticas e insolentes, de punk entendido como negación de lo convencional y lo pretencioso) y los Pere Ubu del recientemente fallecido David Thomas (y yo creo que eso va más por la afición a los ruiditos incordiantes, aunque el desdén por lo establecido y lo rutinario también era su máxima insobornable). Me ha llamado la atención, por cierto, leer que la vocalista y teclista del cuarteto, Sonam Parikh, no escuchó más que música clásica india a lo largo de toda la infancia y adolescencia, aunque creo que eso no tiene reflejo en canciones como este Talk To Me. Un minuto y cincuenta segundos dura.

Y los australianos, más concretamente de Melbourne, se llaman Equal Parts y son, lógicamente, los de la foto en color de arriba. Y poco más voy a contar de ellos, porque la información brilla por su ausencia, más allá de que comparten personal con otras bandas como Floodlights o CLAMM. Ya que estamos citando referentes que quizá ni vengan al caso, a mí el timbre y el énfasis del vocalista masculino me hacen pensar siempre en Art Brut, pero lo que eleva esta canción por encima de lo esperado es, cómo no, la trompeta. Me da rabia avisar, porque las trompetas siempre causan más efecto cuando aparecen sin avisar en medio de una canción de rock, pero entiendo que en este caso se trata de una seña de identidad insoslayable. Equal Parts han ido editando sencillos y un EP a lo largo de los últimos cuatro años, pero esta canción nueva, There For A Reason, me parece la más chula de las suyas.

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Dicen los australianos Eggy que todo su último álbum, el tercero, viene a ser un viaje cinematográfico. En realidad, basta este tema para dar esa idea, y no solo por esa sensación de ir atravesando diferentes geografías, sino también por las referencias musicales que a uno se le van pasando por la cabeza a medida que la canción avanza: se van abriendo cajones en el cerebro de los que salen nombres como Vangelis, Neu!, The Who, Bruce Hornsby, Michael Nyman… Eso en mi mente, porque supongo que a otros oyentes les brotarán otros igualmente variados y quizá igualmente injustificados. Es cierto que se trata del corte más largo del disco, con casi ocho minutazos, pero también que resulta asombrosamente cambiante, como una suite en tres movimientos comprimida en los parámetros de una canción.

Eggy son de Melbourne y demuestran que en Australia no solo existe punk monomaniaco y rock herrumbroso: lo suyo es una especie de pop progresivo, con una tendencia incorregible a lo excéntrico y lo juguetón. A mí me mezclan esos dos conceptos y me resulta muy difícil resistirme. Ellos son conscientes de su condición y han descrito su nuevo disco como «un encuentro entre John Cale, Ennio Morricone y el indie de principios de este siglo», tres ingredientes de los que seguramente también se pueden encontrar trazas en esta canción. Además, han comentado en una entrevista que les entusiasma cantar esos pasajes suyos que parecen rimas de guardería en las salas de hardcore que suelen acoger sus conciertos: «Pillas al público con la guardia baja y ves cómo se transforman sus reacciones a medida que va cambiando el tono de la canción».

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El álbum que sacaron Split System hace un año se convirtió en uno de mis favoritos de 2024 y, de hecho, se quedó a un paso de entrar en mi minilista de cinco discos: lo metí entre los finalistas, o sea, los cinco que completan el top 10. Y me quedé con la rabia de que tampoco habían tenido canción de la semana, que seguramente habría sido la arrolladora Temporary Freeze, una auténtica exhibición de rock australiano, potente y pegadiza. Pero, mira por dónde, su ausencia de esta sección se ha convertido ahora en virtud, porque me permite destacar la cara B del sencillo que acaban de sacar, On The Looose (es decir, suelto, desatado), que es, sí, otro hit antípoda de intensidad arrolladora y seca melodía, quizá más punk que lo anterior. Y ya lo he dicho, ¡es la cara B!

Split System es un quinteto de Melbourne que le saca partido al inagotable yacimiento guitarrero australiano, ese inapelable rock capaz de sintetizar la felicidad en un riff. Hace ocho años tuvimos por aquí la anterior banda de su guitarrista y líder, Jackson Reid Briggs, que respondía al sobrio nombre de Jackson Reid Briggs And The Heaters y estuvo tocando en el añorado Shake! También Split System van a venir entre mayo y junio, pero, qué rabia, esta vez hacen su escala vasca en Donostia.

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Es mucho más difícil memorizar el nombre de Eleanor Jawurlngali que disfrutar de su música, un puente entre lo ancestral y lo contemporáneo que a mí me recuerda poderosamente lo que hace mi admirada Myriam Gendron en otro extremo del mundo. Eleanor viene de un lugar tan remoto que hay que explicarlo: es una aborigen australiana, de los pueblos mudburra y garrawa, que procede de una de esas comunidades diminutas y situadas en mitad de la nada, Marlinja, en el Territorio Norte de la isla-continente. De ahí, claro, viene ese componente ancestral que mencionábamos, enraizado en una rica tradición oral que nutre también sus anteriores proyectos, el cuarteto Kardajala Kirridarra y el dúo con su padre, Rayella. Pero, como veo que algunos modernetes se me están aburriendo, me apresuraré en decir también que Eleanor ha teloneado a Kim Gordon y es amiga de The Dirty Three, nada menos. He ahí lo contemporáneo.

De hecho, el EP que (creo) inaugura su carrera en solitario está grabado con el acompañamiento de Mick Turner, el guitarrista de Dirty Three, que en Jinkiji no tarda en lanzarse a un espectacular derramamiento sonoro de su instrumento, y la chelista Stephanie Arnold. Juntos dan forma a cuatro canciones sin prisas, que se demoran en explorar notas y texturas y desarrollar melodías fascinantes. Explica la nota de prensa que el disco se centra en la «expresión espiritual» y en «tener libertad para sentir y decir lo que quieras, en un tiempo con tanta información y sin espacio para uno mismo». Llamadme místico, pero me parece música ideal para escuchar a oscuras y/o con los ojos cerrados.

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Sí, hoy es uno de esos días en los que lo tiro todo. Dudaba entre las dos primeras canciones y, en vez de elegir, he acabado añadiendo una tercera. En total suman siete minutos y medio, así que podéis tomarlo como una canción larga y variada o, depende, como una tortura con final feliz.

Empezamos, de arriba abajo en la foto, con el noise rock de los australianos Voice Imitator. Qué cosa el noise rock, un estilo que se centra en el ruido (obvio), en la agresión, en la repetición, en la tensión, sin el alivio del estribillo melódico, muchas veces evitando también ese subidón instintivo del quiet/loud tan propio de experiencias más amables como el grunge. Podríamos decir que juegan con las expectativas frustradas, con una hosquedad que te niega la felicidad fácil de lo pegadizo para reflejar así todo lo malo del mundo. Y en ese esfuerzo muchas bandas acaban resultando áridas y un poco pesadas, pero no es el caso de Voice Imitator, una especie de supergrupo subterráneo muy hábil a la hora de volver atractivas sus canciones y con un vocalista que puede recordar tanto a Killing Joke como a los Young Gods. De su segundo álbum, recién salido, he elegido este esputo de minuto veinte segundos bellamente titulado Fotografía de móvil tomada desde el asiento del pasajero.

Seguimos con Daufødt, que en noruego quiere decir, en fin, muerto al nacer, así que tampoco contemplan el universo con una amplia sonrisa. Encabezados por la salvaje Annika (haré un esfuerzo y no usaré la palabra valquiria, que leo en tantas piezas sobre ellos… ups…), ganaron un Grammy noruego con su debut, de agresivo punk rock, y en vista del éxito decidieron endurecerse y radicalizarse un poco o un mucho más. En su segundo álbum, su sonido se enrarecía y se distorsionaba para explorar «todos los rincones oscuros imaginables del underground», según lo describía la nota de prensa. Pero ahora vamos ya por el tercero, que parece una especie de síntesis, si es que puede aplicarse un término tan sofisticado a esta apisonadora brutota y despiadada. He elegido uno de los temas más melódicos, titulado (según Google Translate) Solo quiero irme a casa.

Y, quizá para compensar tanta violencia y tanto feísmo, vamos a rematar con una canción irresistible de Hollow Hand, el proyecto del artista británico Max Kinghorn-Mill, un duende del folk psicodélico que en Drinking With Judy adopta un envoltorio más pop que en anteriores entregas. El resultado es una golosina intemporal (o supratemporal, como un batido de los 60, los 70, los 80 y hoy mismo), una joya power pop con barruntos de un mundo más inquietante: son como parpadeos de la imagen que permiten atisbar otra realidad, hasta que ese otro lado del espejo se hace patente en el último tramo.

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Me hace mucha gracia, por cierto, la obsesión parasitaria de estas chicas de Sídney: el nombre del grupo significa aproximadamente El Picor y los Piojos (mis hijas, por cierto, conocen la palabra en inglés por la también australiana Bluey) y tienen canciones tituladas Pulgas, Parásitos y Ladillas, nada menos. El disco es una amalgama de la maqueta que editaron el año pasado en casete con cinco temas nuevos, en alguna entrevista han recomendado el álbum Las canciones de Conchita Velasco y, cuando les piden que definan lo suyo en cinco palabras, dicen que es «rápido, feliz, tonto, estrafalario y contagioso». Venga, dejad que parasiten también vuestro cerebro.

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A veces esta sección nuestra de la canción de la semana se ajusta más a su nombre y se consagra, cómo no, a alguna canción que me haya llamado especialmente la atención. Pero, en otras ocasiones, debería llamarse más bien una canción del grupo de la semana, porque el tema elegido viene a ser el botón de muestra de alguna banda o artista que no conocía y que me ha atrapado en los últimos días: destaco un corte, porque así son las reglas, pero en realidad podrían ocupar ese lugar muchísimos otros. Es lo que me ocurre hoy con Party Dozen, un dúo australiano que lleva seis años en activo pero que yo no conocía hasta ahora. Y me encantan: con Kirsty Tickle al saxofón y a las voces ocasionales (según leo, suele cantar dentro del hueco del saxofón, en la campana, y por supuesto somete el sonido del instrumento a mil tratamientos distorsionantes) y Jonathan Boulet a la batería (y a esos samples que dan consistencia guitarrera a muchas de sus canciones), lo suyo son temas enérgicos y libérrimos con un importante componente de improvisación. Qué cosa el saxofón, ¿verdad? Mira que se ha usado de forma gazmoña y cursi en muchas canciones de rock, cuando se trata de una asombrosa máquina de hacer ruido, tan potente y tan versátil y tan potencialmente salvaje. Ahí, a los saxos de Kirsty hay que situarlos entre la vanguardia y la estirpe insolente y cazurra de los Sonics, los Stooges y compañía.

Yo creo que todo lo que voy escuchando de Party Dozen me gusta un montón, pero, aclarado eso, no queda más remedio que destacar su nuevo single, Macca The Mutt, porque en él cuentan con la colaboración de su ilustre paisano Nick Cave. Se hace esperar hasta el final del tema, pero da gusto reencontrarse al amigo Nick en entornos abrasivos, como en los viejos tiempos, cantando como un maniaco a ese chucho llamado Macca.

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Viendo los cinco álbumes de mi minilista de fin de año, podría parecer que mi único criterio para elegirlos ha sido la armonía cromática de las portadas, que quedan bien bonitas todas juntas. Pero no, qué va, prometo que la selección es fruto de un largo y estricto proceso de reflexión que ha tenido en cuenta decenas de variables, je, je… Por supuesto, ni una cosa ni la otra: habrá que decir lo de siempre, que estos cinco álbumes no son los mejores de nada (o sí, yo qué sé) pero son los que más me apetece destacar de la cosecha de 2021, un año tristísimo en el que mi universo musical (el de las salas pequeñas y las actuaciones de grupos ignotos frente a 40 o 50 personas) parecía haber desaparecido para siempre, a lo que se ha sumado que mis circunstancias familiares prácticamente me han impedido ir a conciertos cuando las cosas por fin han empezado a reactivarse. ¡Menos mal que nos quedaba la música grabada! La minilista de fin de año ha quedado curiosa y sanamente multinacional, con una canadiense, unos españoles (o catalanes, ustedes elijan), unos estadounidenses (los únicos que repiten de otros años), unas británicas y unos australianos. Vamos allá.

Myriam Gendron – Ma délire: Songs Of Love, Lost & Found
La cantautora canadiense Myriam Gendron debutó en 2014 con Not So Deep As A Well, un disco bellísimo y austerísimo en el que ponía música a poemas de Dorothy Parker y que no entró en mi listita de aquel año por la desventurada circunstancia de que no lo escuché hasta el año siguiente. Ha tardado lo suyo en darle continuación, pero este año ha lanzado por fin el sorprendente y ambicioso Ma délire, en el que repesca temas tradicionales de Quebec, Francia y Estados Unidos, les quita el polvo a las letras allí donde lo considera necesario y combina el resultado con unas cuantas composiciones propias, en un abrazo intemporal entre pasado, presente… y futuro, porque hay pasajes de melancolía cristalina que enlazan con su primer álbum, pero también colaboraciones aventuradas (la guitarra de Bill Nace en C’est dans les vieux pays me parece particularmente memorable) e injerencias de ruidos de fondo que dan al conjunto un tono de música suspendida en el tiempo.

Ca de Bestiar – Rituales del mañana
Me dejó con la boca abierta en la primera escucha, pero lo mejor es que sigue produciéndome la misma reacción ahora, cuando ya me lo debería saber de sobra. La segunda casete del dúo barcelonés (a mí no me miren, que yo ya no tengo ni pletina y lo descargué en digital de Bandcamp) es un artefacto explosivo de electrónica punk o de punk electrónico, con voz distorsionada y a menudo ininteligible, ecualización a su bola, agresividad generalizada y una vocación misantrópica muy apropiada para este año de hartazgo y altibajos emocionales. Es una música que te hipnotiza con sus bases repetitivas y después te da de cachetes a base de voces, guitarras, ruido y odio. Los tíos no solo bordan los temas propios (varios de ellos, por cierto, aparecían ya en su maqueta de 2018), sino que bordan sus versiones de los italianos CCCP, de Monaguillosh y del Only Human de Psychic TV, transformado en un rabioso Solo humanos que me encantaría escuchar alguna vez en un bar.

Low – HEY WHAT
Hablábamos en el parrafito de Myriam Gendron sobre la integración de los sonidos tradicionales y los tratamientos más o menos vanguardistas, y me temo que aquí tendremos que volver sobre eso (y, glups, en el siguiente también, a ver si va a haber aquí una línea temática). Lo de Low es una cosa de otro mundo: hay que ver qué camino han recorrido desde aquellos viejos tiempos del slowcore hasta esto que hacen ahora, que supongo que se podría seguir etiquetando con la misma palabreja antipática pero es una combinación sin precedentes de música de espíritu tradicional, armónico, a veces bucólico y en ocasiones casi hímnico, con unas sonoridades violentas, abruptas, desfiguradas, industriales, en las que el oyente ya no sabe si está escuchando una guitarra o alguna fuente electrónica de identidad indiscernible. En mi dieta sonora no faltan aberraciones de metal disonante y cosas así, pero, en cierto modo, ese contraste despiadado convierte HEY WHAT en uno de los discos más duros que he oído este año. Por cierto, Low ya estuvieron en una minilista de estas hace algunos añitos… ¡diablos, hace catorce ya!

Gazelle Twin & Nyx – Deep England
Gazelle Twin es el nombre artístico de Elizabeth Bernholz, una artista británica de música electrónica y pop de vanguardia que hace algunos años asumió la difícil tarea de reflexionar sobre la inglesidad en tiempos de Brexit: el resultado fue Pastoral, su álbum de 2018, una colección de composiciones inquietantes que enraizaban en el folclore, las tradiciones paganas y la música antigua. Aquel disco ha servido como materia prima para Deep England, un disco todavía más desasosegante en el que Gazelle Twin reconfigura varios de sus temas en compañía de Nyx, un coro femenino de «drone electrónico» que a menudo procesa las voces hasta volverlas irreconocibles. El repertorio se completa con temas nuevos y una espléndida versión de Fire Leap, de la banda sonora de The Wicker Man, una referencia que viene muy bien para hacerse una idea de cómo suena esto: el oyente queda atrapado en una ceremonia siniestra, brujeril, a veces amenazadora y a veces directamente terrorífica. Es música turbadora y absorbente, poco apta para amenizar las cenas familiares, pero ideal para poner a prueba los nervios escuchándola a solas y a oscuras.

Civic – Future Forecast
Todas estas búsquedas sonoras están muy bien, pero de vez en cuando uno necesita desintoxicarse con una buena dosis de rock directo y sin contemplaciones. Lo cierto es que, si allá por mediados de año me hubiesen dicho que este disco de Civic iba a acabar en mi minilista de fin de año, seguramente habría desechado rotundamente la idea, pero he ido volviendo a él una y otra vez cuando necesitaba riffs incendiarios, energía punk, concisión sin rodeos, es decir, algo así como un reseteo de cerebro. Civic son australianos, de Melbourne, y suenan australianísimos, más que dignos representantes contemporáneos de la tradición de rock intenso de su país: entre el protopunk de herencia stoogiana, el punk-rock de la estirpe de The Saints y compañía y los remansos (es un decir) power pop, los treinta y siete minutos del disco pasan en un gozoso suspiro eléctrico. Algún día tengo que ponerme a reflexionar sobre qué es lo que hace que hasta una voz pueda sonar australiana.

Muy cerca de los puestos de cabeza se me han quedado The Monsters, Lassie, Clara Engel, Liquids, Leo Mateos, Dom La Nena, C. Tangana, Karen Peris, Rudimentary Peni, Water From Your Eyes, Richard Dawson & Circle, Maria Arnal i Marcel Bagés, The Shadracks, Hélène Barbier y Triángulo de Amor Bizarro, que hasta cuando se dedican a someter sus discos anteriores a interpretaciones ajenas o a raras manipulaciones logran resultados fascinantes.

Y también me han gustado mucho los álbumes de Rien Virgule, Veik, Jeffrey Alexander And The Heavy Lidders, Cheval Sombre, The Telescopes, The Monsters, Gruff Rhys, I Tpame I Tvrame, /A\, Wau Wau Collectif, Menahan Street Band, Farmer Dave & The Wizards Of The West, Viagra Boys, Cool Ghouls, Pedigree, Tele Novella, Anna B Savage, Modern Cynics, Axolotes Mexicanos, Tim Evans, AZITA, Rata Negra, Olhava, Joanna Gemma Auguri, Esther Rose, Iceburn, Whispering Sons, Megan Siebe, Onetwothree, Lindsey Buckingham, VVV [Trippin’you], Chris Brokaw, Mhaol, Lael Neale, PanSTARRS, Susanna & David Wallumrød, Det Kätterskä Forbund, The Routes, Steve Almaas, Divide And Dissolve, Pauline Anna Strom, Writhing Squares, Upper Wilds, Michael Beach, Vessel Of Iniquity y, por supuesto, Bobby Ramone. Ah, por mucho que destaque álbumes, la he gozado especialmente con una docena de EPs, un formato que quizá sea más adecuado a nuestra atención volátil: ahí han estado Taqbir, Pantocrator, Viuda, Good Looking Son, NASDAQ, Anna Phoebe, SUSS, Amor Butano, Basurita o Das Beat.

Os dejo con Radiant Eye, que sirvió de adelanto al álbum hace ya un año: sirva, de paso, como canción de la semana. Que paséis una feliz Navidad, si el virus os deja.

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La historia de cómo se formó la banda australiana Power Supply tiene cierto punto de comicidad. Había un cuarteto llamado Ooga Boogas que se separó. Su líder empezó a grabar en solitario y, como no le fue mal, empezó a reclutar gente para acompañarle en directo, pero, igual que si fuese una condena, al cabo de un tiempo se tuvo que resignar a los hechos: había acabado pillando como músicos a sus tres compañeros de Ooga Boogas y, una vez juntos, habían adquirido de nuevo la dinámica de banda, así que decidieron ponerse un nombre. Como dicen ellos, todos los miembros de Power Supply son excomponentes de Ooga Boogas. Son los mismos, con un historial que incluye bandas más conocidas, como Total Control o Eddie Current Suppresion Ring.

Desde luego, por algo volvería a juntarles la vida: les ha quedado un debut que desborda naturalidad, comodidad y buen ánimo. He leído por ahí que los describen como «indie jaspeado de blues» y también he visto algún comentario que los etiquetaba como post-punk, pero los veo un poco de vuelta de esas fronteras que a veces nos parecen tan necesarias. A lo mejor tenemos que empezar a decir de algunos grupos que hacen simplemente rock: en el caso de estos tipos de Melbourne, con una raíz velvetiana (raíz y tronco, a veces) que se hace evidente en las bases de algunas canciones y en la voz y la manera de cantar, y también con cierta afición a explorar caminos menos convencionales una vez que han cogido confianza. Este entusiasta The Land Of The Fire abre el disco, como una espléndida manera de reclutar oyentes.

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