Ante todo nos encontramos con una gran canción de amor, de amor tóxico, de una trama de seducción y obsesión que nació al abrigo de la noche, escenario ideal para su desarrollo. Isaak la compuso a altas horas de la madrugada, según ha asegurado siempre. Sólo entonces, sin la cordura que garantiza el sol, afloraron sentimientos irracionales que desembocaron en un himno a la locura insomne. (...)
Read the rest of Chris Isaak – Wicked game (Juego perverso) (1,440 words)

En su letra el estadounidense nos describe varios estados de ánimo, diferentes sensaciones que van desde el enfado a la intensidad, pasando por la tensión. Pero todo sin olvidar nunca esa sensualidad húmeda que busca la luz como una liberación, como una redención.

Es un viaje evocador al infierno, con el alba como límite, que viene a asegurar que todo el mundo quiere amar a alguien. Que todos, como mínimo, soñamos con ese amor que hace que todo lo que venga después pierda interés. Eres consciente de que te romperá el corazón, de que es una gran mentira, de que serás utilizado… No obstante, te entregas a él, como un suicida romántico dispuesto a ser sacrificado por las llamas de algo que sabes efímero… Y, sin embargo, tan intenso.

Será el mensaje, será la música, quizá la sensación de ingravidez que provoca, pero lo cierto es que la voz de Chris Isaak te hace soñar, perder la racionalidad y sumirte en un nirvana en el que el amor, aunque no sea real, domina tu mente.

Incluso los más cerebrales son víctimas de este tipo de sentimientos hacia personas vampiro a las que ofrecemos nuestro cuello para ser mordido. Saltamos al vacío de forma voluntaria, sólo a cambio del placer del momento. Nuestro lado animal neutraliza el sentido común.

“Recuerdo que me llamó una chica y dijo ‘quiero ir y hablar contigo hasta que no puedas refrenarte’. Al colgar, supe que me había metido en problemas, que la palabra ‘hablar’ era un mero eufemismo y que ‘moriría’ esa noche. Pero no me negué. Mientras ella llegaba, escribí la canción. Cuando finalmente apareció en mi casa, se decepcionó porque me vio más excitado por haber compuesto el tema que por verla», relató el autor hace unos años.

Erotismo y romanticismo a partes iguales para decorar una historia de amor no correspondido contada sin igual mediante esta obra mayúscula, un tema magnético que evoca el fuego de la pasión, del deseo, de la furia, de la lujuria desatada…

El soporte melódico de ‘Wicked game’ descansa sobre una buena intro acústica que desemboca sobre una red de acordes repetitivos engarzados por el productor Eric Jacobsen. El místico solo de la Fender Stratocaster, interpretado por James Calvin Wilsey, logró un efecto sugestivo gracias a un tono sombrío que remarca la desgarradora letra y dibuja el escenario de desamor que preside este tema que ha marcado la carrera del norteamericano.

Esas notas metálicas y agudas de guitarra son inolvidables, como inconfundibles resultan también los graves del bajo y el respaldo de la batería, todos sampleados de grabaciones anteriores y luego enlazados en bucle. Todos ellos constituyen el escenario armónico que acoge la voz susurrante que desde la garganta de Isaak nos traslada su lamento.

http://youtu.be/XXmlJQN5Pm8

LETRA

El mundo ardía y nadie
podría salvarme salvo tú
es extraño lo que el deseo
puede hacer a la gente estúpida

Nunca soñé que conocería
a alguien como tú
y nunca soñé que perdería
a alguien como tú

No quiero enamorarme
(esta chica sólo va
a romper mi corazón)

No quiero enamorarme
(esta chica sólo va
a romper mi corazón)

Contigo, contigo

Qué juego perverso juegas
para hacerme sentir así
qué cosa infame haces
para hacer que sueñe contigo
qué juego perverso
qué cosa infame haces
para que sueñe contigo

No deseo enamorarme
(este mundo es sólo
para romper mi corazón)
no, deseo enamorarme
(este mundo es sólo
para romper mi corazón)

Nadie, ama a nadie.

VÍDEO

El éxito de ‘Wicked game’ no vino sólo de la mano de su gran calidad artística. En él influyó mucho sus puestas en escena audiovisuales. El videoclip oficial contribuyó en gran medida, sobre todo por la presencia en él de la top model Helena Christensen. Isaak y la danesa firmaron una de las grabaciones musicales más sexys de todos los tiempos. Inolvidables las imágenes en las que los protagonistas de esta historia se intercambian cariño en la playa.

Fue rodado en blanco y negro en Hawaii por el fotógrafo Herb Ritts, quien consiguió un clima profundamente sensual y artístico sin caer en el escándalo. Fue, sin duda, un gran trabajo, tanto a nivel de composición como visual. Logró una atmósfera hipnótica poco habitual en el género.

Por todo ello, en la edición de los premios de la cadena de televisión musical MTV de 1991 se llevó los galardones al mejor vídeo de un cantante masculino, a la mejor obra cinematográfica musical y al mejor vídeo de una banda sonora.

Existe una segunda versión del videoclip, menos conocida, dirigida por David Lynch, que incluía escenas extraídas de la película ‘Corazón salvaje’, de la que hablaremos a continuación.

CINE

‘Wicked game’ salió al mercado en 1989, pero su romanticismo rockero no logró meterse al público en el bolsillo hasta un año más tarde. Ocurrió cuando una versión instrumental del tema fue incluida por David Lynch en la banda sonora de su filme ‘Corazón salvaje’.

Lee Chesnut, director de una cadena de radio de Atlanta que estaba obsesionado con la obra del cineasta de Montana, comenzó a emitir ‘Wicked game’ de forma repetida hasta que consiguió que alcanzara el top 10 estadounidense en enero de 1991. Finalmente se quedó en el puesto número seis de la lista Billboard Hot 100.

El tema compuesto por Isaak también llegó a la gran pantalla en la producción de Brett Ratner ‘Hombre de familia’ (2000) y en la película de Ridley Scott ‘Los impostores’ (2003), ambas protagonizadas por Nicolas Cage. En el mundo de la televisión apareció en dos episodios de la serie juvenil ‘Sensación de vivir’ y también uno de ‘Melrose place’ y en otro de ‘Friends’.

Recientemente la afamada película ‘Cincuenta sombras de Grey’ también recurrió a este tema, aunque en la versión de Carolina Wallace.

VERSIONES

‘Wicked game’ ha inspirado a un sinfín de artistas de distintos géneros que se han atrevido a dar su visión.

Fue muy difundido el cóver firmado por la banda seudogótica finlandesa HIM (His Infernal Majesty). Puro metal progresivo que convirtió la obra original en algo totalmente nuevo.

Más comercial, y con mayor dosis de azúcar, es la revisión realizada por IL DIVO. La retitularon ‘Melanconia’ (Melancolía).

Fue muy bien recibida por Chris Isaak. «Estoy muy satisfecho, es una versión fantástica. Mi madre, que aprendió a hablar italiano antes que inglés y los adora, me regaló una copia», afirmó en una entrevista.

La neoyorquina LANA DEL REY dio su toque a ‘Wicked game’.

El desaparecido conjunto R.E.M. también incorporó el tema a su repertorio en directo.

Hay también versiones en alemán, sueco, suomi… y de grupos y artistas como Tangerine Dream, Blonde Addiction, Nine Lives, Pipilotti Rist, Nat Simmons, Three Days Grace, London Grammar, Corey Taylor, Paal Flaata, Final Djs o La Ley, entre muchos otros.

BIOGRAFÍA

El californiano CHRIS ISAACK (Stockton, 1956) dio sus primeros pasos profesionales en 1984 gracias a un contrato con la multinacional WEA. Su primer larga duración, que llegó al año siguiente, sirvió para que comenzara su idilio con el público, después de que dos de los temas que incluía -‘Gone ridin’ y ‘Livin’ for your lover’- llamaron la atención de David Lynch, que los incorporó a la banda sonora de su película de culto ‘Blue velvet’.

Isaak estaba condenado a entrar en el séptimo arte. Había soñado con el cine desde su infancia. De hecho, quiso ser actor hasta que se cruzó con un disco de Elvis Presley. Luego descubrió también a Jerry Lee Lewis y, definitivamente, se pasó a la música.

Pero no por ello abandonó su afición a la gran pantalla y ha sabido moverse con acierto en ambos campos. Incluso su producción musical ha sonado siempre a rock clásico, del que salía en las películas antiguas.

Casi todas sus producciones han aportado algún tema al mundo del cine y la televisión. ‘Detective privado’, la mencionada ‘Corazón salvaje’, ‘El silencio de los corderos’, ‘El pequeño Buda’, ‘Deseando libertad’, ‘Twin peaks’, ‘Friends’, ‘De la tierra a la luna’, ‘Eyes wide shut’, ‘The late late show with Craig Kilborn’, ‘Amor a quemarropa’… le han incorporado a sus créditos, bien como autor de alguna de las canciones de sus bandas sonoras o como integrante de su plantel de actores.

Y así, disco a disco, filme a filme, Isaak ha esculpido una trayectoria de calidad innegable, que le ha llevado a ser considerado un clásico del rock y del celuloide. Con más de una docena de LP’s en su bagaje encontramos, además de ‘Wicked game’, canciones imprescindibles como ‘Blue hotel’, ‘San Francisco days’, ‘Baby did a bad bad thing’ o ‘Think of tomorrow’. Actualmente sigue en activo y aún continúa diversificando su carrera.

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‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’–o simplemente, ‘Rock ‘n’ roll radio’– constituye un homenaje al sonido de los años cincuenta, década en la que Spector asentó su popularidad. El productor obtuvo absoluta libertad para alterar la dinámica en la que se movían hasta entonces Ramones. Para ello añadió instrumentos ajenos al universo de los neoyorquinos como el saxofón, la trompeta o el piano, que supieron convivir con la guitarra, la batería y el bajo, tradicionales armas del cuarteto.(...)
Read the rest of Ramones – Do you remember rock ‘n’ roll radio? (¿Te acuerdas de las radios rock?) (1,396 words)

Spector también convenció a la ‘familia Ramone’ para que abandonara su natural tendencia a los temas de tres acordes y una melodía, para apostar por una composición más compleja, sustentada sobre un arquetipo que recordaba al estilo de mediados del siglo pasado, siempre sin olvidar el uso del muro de sonido que le hizo famoso. También apostó por una frivolité, al introducir en la apertura y el cierre del tema una grabación de una emisora de rock ‘n’ roll de aquella época.

Los Ramones recurrieron a Spector en un claro intento –muy criticado por sus seguidores primitivos–, aunque nunca confesado, de alcanzar el éxito comercial que se les había negado hasta entonces. Siempre fue un grupo admirado, pero pocas veces, hasta crear la canción que hoy analizamos, logró un sitio destacado en las listas de discos más vendidos. El desgaste causado por los conciertos y los muchos kilómetros de carretera recorridos para satisfacer en directo a sus fieles les llevó a claudicar y a cambiar de planes.

El objetivo se consiguió y ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ se erigió en uno de los temas franquicia de los Ramones, gracias, tal vez, a esa batería inicial que da pie al aplastante ritmo que preside sus casi cuatro minutos de duración.

Pero en el camino hacia el apoyo de la masa hubo que soportar largas sesiones de estudio que evidenciaron las distancias entre banda y productor. Las repetidas grabaciones que ordenaba Spector hasta que se conseguía el sonido que perseguía acabaron por desesperar a los miembros de la banda. Aún se recuerda en los estudios cómo Spector –cuya estabilidad psicológica siempre ha sido cuestionada– tenía la costumbre de colocar su pistola sobre la mesa de mezclas.

El experimento –y sus protagonistas– lograron sobrevivir a aquel clima. Ninguna víctima quedó por el sendero. Sin embargo, según algunas versiones, se rozó la tragedia. Dícese que tras una de las sesiones de grabación, Spector convocó a Joey Ramone, líder del cuarteto, para debatir. El encuentro se alargó sobremanera porque el productor no quería darlo por finalizado hasta que se alcanzara un acuerdo. Para ello, esgrimió su arma cada vez que el rockero intentaba marcharse. «Tú te quedas aquí y no vas a ninguna parte o te pego un tiro», aseguran que fue su frase literal.

De cualquier manera, la repercusión del tema fue tal que incluso ha generado un profuso anecdotario. Por ejemplo, en 2005 comenzó a emitirse un programa de radio llamado ‘Rock ‘n’ roll radio’ en una radioemisora de Connecticut y en los partidos de nuestro Alavés se pincha esta canción para celebrar los goles del equipo de Vitoria.

La letra de ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ es una declaración de intenciones sobre la conveniencia de volver a las raíces del rock. Explica, además, las bases de la filosofía que regó el crecimiento de Ramones, evidenciando por qué optaron por labrar un estilo musical de rock primitivo, confesando que su devenir tuvo mucho que ver con las influencias que recibieron durante su juventud de artistas como John Lennon, Jerry Lee Lewis, T. Rex o The Barbarians, así como de conocidos programas de radio y televisión.

En el videoclip promocional se puede observar a los Ramones viendo una actuación propia, que no debe gustarles porque Johnny Ramone acaba por estrellar su guitarra contra el televisor. Esta secuencia fue utilizada por la cadena musical MTV para la promoción.

¿Te acuerdas de las radios de rock’n’roll?
Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Te acuerdas de ‘Hullabaloo’? (show televisivo
estadounidense de los años 60)
¿también de ‘Upbeat’ (emisora de radio famosa en los 70),
‘Shinding’ (show de los años 70) y de
Ed Sullivan (famoso presentador estadounidense)?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’roll?
¿te acuerdas de las radios de rock ‘n’ roll?

¿Te acuerdas de Murray K (presentador experto en rock),
Alan Freed (histórico presentador de radio musical) y de high energy (estilo musical)?
Es el fin, el fin de los años 70
Es el fin, el fin del siglo
¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con la radio escondida de manera
que nadie pudiera verla

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

¿Recordarás a Jerry Lee Lewis,
John Lennon, T. Rex y Old Moulty?
es el fin, el fin de los 70’s
es el fin, el fin del siglo

¿Recuerdas estar tirado en la cama
tapando tu cabeza con tus sabanas?
con el radio prendido de manera que nadie pudiera ver

Necesitamos cambiar, lo necesitamos y rápido
antes de que el rock se separe del pasado
porque últimamente todo suena igual para mi
oh oh oh oh, oh oh

Radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos
radios de rock ‘n’ roll, vamos

Ésta es la radio del rock and roll
manténganse sintonizado para más rock and roll

VERSIONES

Otro grupo de los duros, KISS, realizó un cóver excepcional para el álbum homenaje de los Ramones ‘We’re a happy family: a tribute to The Ramones’.

JESSE MALIN Y BRUCE SPRINGSTEEN también sucumbieron ante ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ durante una actuación benéfica de 2014.

El grupo de Melbourne PAINTERS AND DOCKERS incorporó este tema a las actuaciones que realizaba en directo en los ochenta. Alteró la letra para hacer referencia a emisoras y presentadores australianos.

Curiosa la interpretación que ofreció la ORQUESTA SINFÓNICA DE SAO PAULO.

Durante una de sus giras GREEN DAY utilizó ‘Do you remember rock ‘n’ roll radio?’ para iniciar sus conciertos.

En el mundo del cine esta canción también ha sido repetidamente utilizada, sobre todo en las que películas recrean los años cincuenta.

Joey Ramone (Jeffrey Hyman), Dee Dee Ramone (Douglas Calvin), Johnny Ramone (John Cummings) y Tommy Ramone (Tom Endelvi) –luego reemplazado por Marky Ramone (Mark Bel)– crearon RAMONES en 1974 en Forest Hill, pequeña localidad neoyorquina famosa por su torneo de tenis. El nombre que eligieron para bautizar a la banda constituyó un homenaje a The Beatles, porque Phil Ramone fue el nombre que utilizó Paul McCartney cuando formó parte del mítico cuerteto de Liverpool para viajar de incógnito y eludir a prensa y fans en los hoteles.

Nacieron enfundados en una imagen de rockeros primitivos –chaquetas de cuero, tejanos y zapatillas– que han mantenido a lo largo de toda una trayectoria basada en canciones veloces de poco más de dos minutos de duración, un sonido desgarrador y letras sencillas.

Apenas dos años después de aquel concierto de debut que protagonizaron en una sala de Manhattan ante escasamente treinta espectadores y con un repertorio de versiones de canciones de los cincuenta, se erigieron como la mayor aportación del punk-rock americano. Poco a poco, vinilo a vinilo, fueron creando clásicos del minimalismo que cosecharon un reconocimiento mundial.

Temas como ‘Now I wanna sniff some glue’, ‘Blitzkrieg bap’ o ‘Sheena is a punk rocker’ consitituyeron lecciones de cultura urbana, sobre todo en los directos que abrían con el grito de guerra ‘gabba, gabba, hey’.

Pero la decadencia del punk a finales de la década de los setenta les obligó a buscar un nuevo rumbo. Para trazarlo apostaron por Phil Spector, que consiguió elevar a Ramones a los puestos altos de las listas.

Desde entonces mantuvieron una trayectoria uniforme, sin grandes éxitos pero con una legión de fans, a los que vincularon mediante álbumes que siempre mantenían un nivel rudo y uniforme. Sin embargo, desavenencias entre sus miembros y problemas de salud llevaron a la disolución del grupo en 1996. De hecho, en los siguientes años fallecieron tres de los miembros de la banda tras una vida de excesos. Hoy son una leyenda inmortal.

Aún así, todavía mantienen su reinado. Sus camisetas son tan famosas como su música, aunque muchos de los jóvenes que las lucen no conozcan la obra de los Ramones o incluso piensen que se trata de una marca de ropa. Vendieron miles de discos, pero sus prenden se distribuyen por millones.

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Sin embargo, Hit the road Jack’ no es fruto de su talento porque la escribió para él Percy Mayfield. La combinación de ambos genios llevó esta obra hasta lo más alto de las listas de éxitos estadounidenses. Diez años más tarde de que fuera editada recibió también el Grammy a la mejor grabación de rhythm and bues. Mezcla soul, pop y gospel hasta conseguir un ritmo que invita al movimiento.

Recoge un diálogo entre Ray Charles y las integrantes de su coro, las Raylettes lideradas por Marjorie Hendricks. El mito invidente les pide amor y ellas lo rechazan porque no tiene dinero. Se lo repite una y otra vez mientras Ray intenta convencerla para que cambie de opinión. Pero es una batalla perdida, a pesar de que ella puede llevar en su vientre un hijo de ambos. Ella le dice que coja carretera y manta porque no le quiere ver más. Él le responde que es una mala mujer e incluso le amenaza con volver. Podría ser incluso interpretada como una pelea conyugal.

Todo ello relatado por la maravillosa voz de Ray y el magnifico complemento de sus chicas. Juntos consiguen una interpretación armoniosa que hace que uno se mueva y que cambie el semblante. Una palabra basta para describirla: suprema.

Agarra la calle Jack y no vuelvas más nunca,
nunca más, nunca más, nunca más.
Agarra la calle Jack y no vuelvas más.
Agarra la calle Jack y no vuelvas más,
nunca más, nunca más, nunca, nunca más.
Agarra la calle Jack y no vuelvas nunca más.

¿Qué dijiste?
Mujer, mujer, oh, no me trates tan mal
Tú eres la más mezquina que he visto alguna vez
Supongo que si dices eso
Tendría que empacar mis cosas y marcharme

Agarra la calle Jack y no vuelvas más,
nunca más, nunca más, nunca más.
Agarra la calle Jack y no vuelvas nunca más

Ahora nena, escucha cariño,
no me trates de esa manera
porque algún día volveré

No importa si lo haces
No tienes dinero, no eres bueno
Agarra la calle Jack y no vuelvas más,
nunca más, nunca más, nunca más.
Agarra la calle Jack y no vuelvas más

VERSIONES

El histórico precursor del rock blanco JERRY LEE LEWIS fue de los primeros en descubrir este tema.

Los ANIMALS de CLIFF RICHARD grabaron esta canción en 1966.

La rockera estadounidense SUZI QUATRO la incorporó a su discografía en 1970.

HERMES HOUSE BAND ofreció una movida versión en 2004.

Existe una interpretación reggae de ‘Hit the road Jack’ protagonizada en 1976 por el jamaicano BIG YOUTH.

Para modernidades el mix de GARY CAOS, un productor italiano empeñado en hacernos bailar a base de un house.

http://youtu.be/8wRWsjU9BiQ

En 2004 se estrenó una película sobre la vida de Ray Charles, personificado de forma brillante por JAMIE FOX.

La canción fue incluida en el filme ‘BLUES BROTHERS’ y sirvió de cabecera para la serie ‘INFELICES PARA SIEMPRE’ emitida en España entre 1995 y 1998.

RAY CHARLES (1930-2004) tuvo una difícil infancia, al quedarse ciego a los 7 años debido a un glaucoma. Sin embargo, la falta de luz en su vida no impidió que demostrara sus excelentes cualidades para tocar el piano.

Luego topó con la heroína a los 17 años y no logró desengancharse hasta 1965, cuando fue arrestado y pasó un año en libertad condicional. Fue un ejemplo de superación.

De cualquier manera nos encontramos ante una de las figuras más destacadas del rhythm and blues y el soul, precursor de la mezcla de sonidos y ritmos en géneros como el gospel y el jazz (mayormente implantados entre las población negra) y el country (casi exclusivamente blanco).

Fue, sin duda, un genio de la música que rompió barreras en una sociedad que siempre se le presentó adversa en plena época de segregación racial. Falleció a los 73 años.

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Rock y guitarra son sinónimos y Chuck Berry fue el primero que lo demostró. Pionero en una corriente denostada en sus inicios, el hoy octogenario compositor e intérprete de Missouri sorprendió al mundo del blues, al que estaban condenados a circunscribirse los músicos negros, con una introducción en este tema de un riff inicial inspirado en un solo del guitarrista Louis Jordan empleado en la canción ‘Ain’t that just like a woman’, de 1947.

El mensaje de ‘Johnny B. Goode’ nos traslada al sueño americano de un joven músico que trata de avanzar pese al lastre que supone su pobreza y su color, negro evidentemente. Una guitarra es su única arma y es la destreza que demuestra con ella la que le llevará al éxito.

Al parecer en las primeras versiones, nunca publicadas, hablaba específicamente de un niño negro, pero para ganarse el mercado se optó por una versión más difusa en cuanto al tema racial.

Berry nunca aclaró en tema, pero parece claro que la letra está inspirada en su propia vida, aunque también parece recoger retazos de las experiencias de su pianista Johnny Johnson y los problemas con el alcohol de sus baquetas. Se dice que Chuck siempre recriminaba a Johnson su excesos con la frase ‘Johnnie be good’ (Johnnie sé bueno) y que de ahí nació la canción. Paradójicamente en la grabación del tema quien estuvo a los teclados no fue Johnson sino Lafayette Leake. Otros dicen que Goode es un homenaje al lugar donde nació el mítico rockero.

La gran repercusión de esta canción llevó a Berry a escribir dos réplicas que dan continuidad a la historia: ‘Bye bye Johnny’ y ‘Go, go, go’, que jamás gozaron de la aceptación de la primera entrega.

Está canción considerada como una de las maravillas de la humanidad, fue incluida en la sonda espacial Voyager para que las civilizaciones que puedan existir fuera de nuestro planeta puedan degustar también a Chuck Berry. El apoteósico, histórico, irrepetible e inolvidable sonido que salió de su guitarra lo justifica.

Es un lujo que tantos años después de que saliera al mercado los aficionados a Chuck podamos disfrutar de esta obra de arte con la misma frescura que cuando se escribió. Es atemporal.

En lo profundo de Louisiana, pegado a New Orleans
más allá de los bosques, entre las verdes praderas
permaneció en una cabaña hecha de troncos y tierra
un chico de pueblo llamado Johnny B. Goode
que nunca aprendió a escribir ni a leer demasiado bien
pero que podía tocar la guitarra como si hiciera sonar una campana

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Él solía acarrear su guitarra en un saco de yute
y sentarse a la sombra de un árbol al lado de las vías del tren
Ah, el maquinista le vio sentado en las sombras
tocando con el ritmo que llevaban las máquinas
La gente pasaba y se paraba a decir:
¡¿Dios mío, ese chico de pueblo puede tocar así?!

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Su madre le contó: «Algún día serás un hombre»
y serás el líder de una gran vieja banda
mucha gente vendrá de muy lejos
para escucharte tocar música mientras se pone el sol
quizás algún día veas tu nombre escrito en grandes neones
diciendo: «Johnny B. Goode, esta noche»

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.»

VERSIONES

Han sido múltiples los cantantes que han interpretado ‘Johnny B. Goode’. Muchos sostienen que es la canción más versionada de la historia junto a ‘Yesterday’ de The Beatles. La cantó incluso el rey ELVIS PRESLEY.

Otro genio de la guitarra como JIMI HENDRIX no pudo evitar imitar al dios.

También AC/DC incorporó la canción a su repertorio.

http://youtu.be/hV11HRcbCJU

Y hasta el popero ELTON JOHN.

Los Beatles, grandes admiradores de Chuck Berry, incluyeron varias de sus canciones en sus primeros pasos discográficos. Y JOHN LENNON llegó a hacer un dueto con el guitarrista negro.

Grandiosa la interpretación del mito con BRUCE SPRINGSTEEN y su E Street Band.

http://youtu.be/-2CdjOX8kas

Entre los que firmaron covers nos encontramos a The Beatles, The Rolling Stones, B.B. King, Led Zeppelin, Prince, Andrés Calamaro, Judas Priest, Beach Boys, Six Pistols, AC/DC, Johnny Winter, Aerosmith, Bad Religion, BB King, Bill Haley & His Comets, The Carpenters, Dio, Dr. Feelgood, Green Day, The Grateful Dead, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Lynyrd Skynyrd, Men at Work, Motörhead, Carlos Santana, Slade, Stray Cats, Johnny Winter, etcétera

Para la generación de los ochenta ‘Johnny B. Goode’ fue dada a conocer por la película ‘REGRESO AL FUTURO’, donde el protagonista Marty McFly (Michael J. Fox) canta en un baile de instituto celebrado en 1955. Uno de los miembros de la banda, llamado Marvin Berry, telefonea a su primo Chuck durante la actuación para que escuche la canción. Desde entonces todos todos sabemos que el rockero copió a McFly.

http://youtu.be/8BelLyEPGcs

A CHUCK BERRY (Saint Louis, 1926), actualmente una leyenda viva del rock, le costó poder vivir de la música. Tuvo que trabajar en varias fábricas y limitarse a satisfacer sus ansias musicales con actuaciones en pequeños bares de St. Louis, donde versionaba temas de Nat King Cole y Muddy Watters, artistas predecesores que ejercieron una gran influencia artística en su formación de blues.

Por fin, en 1955 se lanzó a la aventura para buscar un futuro en el rock. Se trasladó a probar suerte a Chicago y en la ciudad del automóvil llevaron sus primeras grandes canciones como ‘Roll over Beethoven’ gracias al contacto que mantuvo con Muddy Waters. Dos años más tarde se había ganado ya un prestigio que le llevó a ser invitado a tocar junto a Carl Perkins, Everly Brothers y Buddy Holly.

En 1957 llegó Rock ‘n’ roll music’, otro de sus clásicos, y en 1958 ‘Johnny B. Goode’, aunque realmente la compuso tres años más tarde. Siguieron ‘Route 66’, ‘Maybellene’, ‘Come on’, ‘School day’, ‘Carol’, ‘Sweet little sixteen’, ‘Menphis Tennessee’, ‘Reelin’ and rockin’, ‘Around and around’, ‘Little Queenie’, ‘Too much monkey business’… Todas fueron y son obras maestras. Las aderezaba con su famoso baile del pato, que causó furor incluso entre la población blanca.

De ahí a la eternidad. Si Elvis era el rey, Berry era el dios del rock. Hasta John Lennon lo dijo: «Si al rock and roll hubiera que ponerle un nombre, ese sería Chuck Berry». La también mítica revista ‘Rolling Stone’ le colocó en el escalón número cinco de la historia de la música moderna sólo por detrás The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. Ni siquiera una condena de cárcel que le apartó de la música durante cinco años pudo eclipsarle.

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