‘Agur María’ no tiene nada que ver con el tradicional rezo de los actos litúrgicos de nuestro entorno. Pero también se ha convertido en una obra religiosa, que incluso crea fieles entre los que nos declaramos agnósticos. Porque Estitxu nos regaló en 1970 una oración tan cargada de amor como de dolor. (...)
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La obra de la bilbaína nacida en Iparralde comparte con el canto ceremonial católico su llamada a la virgen en busca de amparo. Pero Estitxu no pide por ella, pero sí por los suyos. Ese pueblo que responde en conjunto al nombre de Euskal Herria y que, según ella denunció en aquella época y otros podemos certificar hoy, camina desunido hacia el futuro, como ya transitó en el pasado. Ella, creyente, imploraba a la madre de Cristo. El que firma esto, ateo, sólo puede esperar que la inteligencia se imponga sobre los intereses particulares de unos y otros.

‘Agur María’ caló con fuerza en su momento pese a la complicada distribución de los discos en euskera durante la dictadura. Se hizo muy popular en nuestra reducida geografía y, por su título, también conquistó iglesias y catedrales, donde en la actualidad se interpreta como un himno espiritual más.

Agur Maria
agur Maria
zer gertatzen da
nere herrian
anaitasuna hautsi da eta
batzuk besteei beti aurka

Agur Maria
agur Maria
entzun egizu nere otoitza
bildu egizu nere herria
agur Maria
lagun nazu

Ave María
ave María
¿qué ocurre en mi pueblo?
Se ha roto la fraternidad y los unos
siempre andan contra los otros

Ave María
ave María
escucha mi plegaria
reúne a mi pueblo

Ave María ayúdame
ave María
ave María
ayúdame

VERSIONES

Otra magnífica cantante vasca, AMAIA ZUBIRIA, recuperó ‘Agur María’ en 2008.

http://youtu.be/TotcGhoYcrw

NAIA ROBLES, sobrina de Estitxu, realizó un homenaje a su tía.

Pantxi García Etxabe, soprano solista de la CORAL SANTA MARIA DE PORTUGALETE, canta ‘Agur Maria’ en la salve popular en las fiestas patronales de la Asunción de la Virgen.

Qué injusto es el olvido. En este mundo de principios sin final feliz, de ESTITXU sólo nos acordamos ya un reducido grupo de amantes de la música vasca. El tiempo, la desgracia, el franquismo… han contribuido en eclipsar a una de las mayores artistas de Euskadi de todos los tiempos. La guerra la llevó fuera de Euskadi, la dictadura frenó su carrera una vez que volvió a Bilbao y luego el cambio de las tendencias musicales acabó por difuminar su talento.

Incluso es inspiradora del llamado ‘síndrome Estitxu’, que viene a designar a lo que en otros lares se conoce como el tonto útil y que viene a representar a aquellas personas a las que por su carácter voluntarista se recurre en tiempos de penuria, pero de las que luego se olvida la sociedad pese a su valía.

En este caso parece que en tiempos de la transición, cuando los organizadores de fiestas patronales no contaban con apenas presupuesto, se recurría a ella para las actuaciones. Ella, generosa, siempre renunciaba a los emolumentos y se contentaba con la promesa de que en ocasiones venideras, cuando hubiese dinero, se saldarían las deudas. Pero lo cierto es que cuando disponían de recursos contrataban a otros con el argumento de la bilbaína estaba ya muy vista.

Estíbaliz Robles-Arangiz nació en el exilio, en Iparralde, donde su padre se refugió tras la Guerra Civil tras formar parte del bando perdedor. Allí aprendió solfeo y guitarra clásica al tiempo que bebió del ambiente musical del entorno familiar, ya que sus ocho hermanos y hermanas formaban los cuartetos Soroak y Ainarak, respectivamente. Se les conocía como La Familia Trapp de Bilbao.

Estitxu regresó a la capital vizcaína con 8 años y fue labrando su formación artística hasta que a finales de los sesenta comenzó una andadura musical plagada de reconocimientos y prohibiciones, porque el régimen de Franco nunca obvió que era hija de un político significado del campo separatista. Ello le obligó a buscar amparo en los centro vascos de Latinoamérica, que se convirtieron en escenarios de su arte.

Caído el dictador, triunfó en un ambiente musical con aire de cambio, que ya se encaminaba hacia el rock. No obstante, a finales del ochenta tuvo que abandonar los recitales por problemas físicos. Volvió en 1993, pero a los pocos días de ofrecer un concierto en Irun murió víctima de un cáncer.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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No es una canción de amor, aunque son muchos los que se han declarado a sus amados / as con ella. La compuso en recuerdo de Marco Antonio, ex cantante de Tijuana in Blue y de Kojonprieto y los Huajolotes conocido como Eskroto o Gavilán. Se cuenta que la última vez que se encontraron el autor y el protagonista de la historia, este último le pidió «abrázame y no me digas nada». Al día siguiente se suicidó. Tenía 38 años. Un relato auténtico de la vida.

Era un sábado de noviembre de 2003. Era Pamplona. Fue el último concierto de Marco Antonio. Lo abrió con unos versos de Becquer: «¡Dios mío, Dios mío, qué solos se quedan los muertos!».

Eskroto buscaba la energía del tacto en un momento delicado. Buscaba simplemente sentirse mejor. Necesitaba estar protegido por el simple contacto de otro ser humano. Ya lo decían los Beatles en 1963 (When I’ll feel that something, I want to hold your hand – Cuando siento eso, quiero coger tu mano). Porque el contacto físico es una forma directa, honesta y amigable de comunicación.

Los abrazos valen de mucho y las palabras casi nada,

Cuando la copa de los sueños está vacía
y miles de abejas jugando
en las tripas me roban las noches

No me dejes solo que ahora soy tan pequeño
y cuando despierto de una pesadilla nada cambia
todo sigue igual

Abrázame, abrázame…
y no me digas nada
que esta tristeza no me abandona
y este miedo duele más

Abrázame, abrázame…
y no me digas nada
que esta tristeza no me abandona
y este miedo duele más
Abrázame, abrázame…

Como una noche de invierno en Noruega
un manto de escarcha,
un corazón desnudo, tortura de vida.
No me dejes solo que ahora soy tan pequeño
y cuando despierto de una pesadilla nada cambia
todo sigue igual

Abrázame, abrázame…
y no me digas nada
que esta tristeza no me abandona
y este miedo duele más
Abrázame, abrázame…

VERSIONES

En la sala SANTANA 27 de Bolueta Doctor Deseo ofreció una noche mágica. Lógicamente no faltó ‘Abrázame’.

DOCTOR DESEO se constituye en Bilbao durante los ochenta, una década muy agitada en la capital vizcaína por motivo de una crisis económica y de sistema industrial. Era el rock radical el que dominaba las tendencias musicales, pero la banda bebió poco de esta fuente de inspiración.

El quinteto aliña sus letras crudas y nada convencionales con sonidos que caminan por la acera del power pop, el rock, la música electrónica y hasta algo de folklore, con especial habilidad para firmar baladas. Es más, en aquella época se oía el lema de «No escuches a Doctor Deseo, pues te enamorarás».

Tras muchos años en los escenarios de los miembros fundadores sólo siguen Francis Díez (vocalista, guitarrista ocasional, compositor de la mayoría de los temas y alma matter del grupo) y Josi Jiménez (bajista y voz), a quienes se unieron más tarde Raúl Lomas (teclista), Txanpi (batería) y Aitor Agiriano (guitarra).

Alejados de los conceptos comerciales, la calidad de sus canciones se basa sobre todo en las letras, destinadas a versar sobre sexo, deseo y la realidad, con sus fobias y filias, pero sumergiéndose siempre en el mundo emocional de cada yo. Sus directos provocativos y salvajes hacen el resto pese a que muchas veces se han visto obligados a caminar en tierra de nadie. Ni pop ni rock, pero sí todo lo contrario.

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