Qué bien cae Antonio Banderas y qué mal ha sido recibida “Autómata” en San Sebastián. El malagueño produce y protagoniza esta cinta de ciencia ficción dirigida por Gabe Ibáñez, que transcurre en un futuro no muy lejano en el que los robots empiezan a tener conciencia de sí mismos. El actor español más internacional cuenta que nunca ha hecho una película para ganar el Oscar -«un sueño un poco ruin»- y que cada vez busca más trabajo en España porque Hollywood «ha dejado de existir, es una marca». Su acento y condición étnica, reconoce, ha limitado sus oportunidades en el cine americano. «He corrido una carrera a la pata coja».

 
– ¿Está hastiado de Hollywood?
– No es hastío, sino la constatación de un hecho. Ya no se realizan prácticamente películas en Los Ángeles, los estudios se usan para hacer televisión. Las películas se ruedan donde ofrecen incentivos fiscales: Luisiana, Canadá… Hollywood ya no es lo que era cuando yo llegué hace veintitantos años con “Los reyes del mambo”, el ambiente era diferente.
– ¿Ha cambiado a peor?
– En algunas cosas a mejor. Por ejemplo, se ha abierto las puertas al mundo hispano. Los actores latinos de “Los reyes del mambo” me decían: “si te vas a quedar por aquí vas de villano”. Y en “El Zorro” yo era el héroe y el malo era rubio y con ojos azules. Incluso “El Gato con Botas” manda un mensaje a los niños americanos: el bueno tiene mi acento. Se ha ganado espacio gracias al esfuerzo de varias generaciones que se han partido los cuernos para mandar a sus hijos a la universidad.
– “Autómata” ha contado con un ajustado presupuesto de 5 millones de euros.
– Nuestros robots son torpes, cincuenteros, naif. Al final se trata de crear ilusión a través de los medios que tienes. La ciencia ficción como género no solo pertenece al cine americano. Los extraterrestres siempre aterrizan en Estados Unidos. ¿Por qué no lo hacen en Córdoba? Coño, porque no hay dinero para hacer películas de extraterrestres.
– ¿Qué le parece que España de incentivos fiscales a las producciones extranjeras que se rueden aquí?
– Acabo de hacer en Colombia “Los 33”, una película sobre aquellos mineros chilenos atrapados. La íbamos a rodar en Chile, pero en Bogotá nos devolvían el 30% de la inversión. Si hay incentivos fiscales atraes riqueza, como hace Marruecos con producciones que se nos escapan en España. ¿Puede producir resquemor que se ayude a los de fuera y no a los del país? Quizás sí. Pero a los técnicos, que son los que no pasean por la alfombra roja, donde mucha gente cree que vivimos, les favorece.

– ¿Vislumbra un futuro tan terrible como el de “Autómata”?
– Soy un optimista patológico, siempre creo que llegará el momento en el que las cosas se arreglen. Vivimos unos tiempos muy difíciles, los llamaría posdemocráticos. He tenido la suerte de conocer por circunstancias de la vida a un Obama con un brillo especial en los ojos que está perdiendo. Uno se plantea si estamos siendo gobernados por aquellos a los que votamos o si los que de verdad manejan el cotarro son poderes invisibles, llámese mercados, lobbies o corporaciones.
– “Autómata” habla un poco de eso.
– Sí. Muestra que los robots heredan los valores que eran los pilares de nuestra civilización, son los buenos de la película. Reflexiona sobre el sentido efímero de nuestra existencia sobre la Tierra, porque vivimos como si nos fuéramos a morir.
– El héroe de “Autómata” es un ciudadano normal, atormentado y superado por las circunstancias. Un registro nuevo en su carrera.
– Preparé el personaje viendo en televisión lo que pasa en el mundo. Esa víctima vestida de naranja a punto de ser degollada, esos niños machacados por los bombardeos como muñequillos… Ese ha sido el alimento de mi personaje.
– Produce, dirige… ¿Podría dejar de actuar?
– Me gusta demasiado. Yo nazco como actor cuando mis padres, grandes aficionados al teatro, me llevan al Cervantes de Málaga. Algo pasó en mi cuerpo. Yo no estaba en la posición correcta del teatro, quería estar al otro lado del espejo. Eso no ha muerto. Me sigue excitando que griten “acción” y estar en otra realidad. Me dicen que me he convertido en un mecenas, pero yo no tengo ningún sentimiento patriótico altruista para rescatar el cine español. Me alío con Gabe Ibáñez porque me interesa este tío. El tirón inicial no es la vanidad, sino leer un guion y querer ponerlo en pie.
– ¿Dará el salto a la política?
– No. La política tiene que nacer de la vocación pública, y eso yo no lo tengo. Prefiero comunicarme a través de mi arte, ahí también puedes ser poderoso. Me gustaría utilizar más ese poder, lo intento a través de mi fundación, de la embajada que me brindó Naciones Unidas… En algún momento algo se me ha ofrecido en España en política, pero lo rechazé al segundo.
– ¿Hará televisión, como tantos actores de Hollywood?
– Me están ofreciendo cosas. Ahora se hacen historias más originales en la pequeña pantalla que en el cine. Esa barrera de act ores televisivos se ha roto, todos los grandes se meten en series: McCounaghey, Spacey, mi amigo Woody Harrelson…
– ¿Y la película de Carlos Saura sobre el “Guernica” de Picasso, “33 días”?
– Está en un proceso judicial, tenemos que esperar a que los administradores concursales tomen una decisión. Carlos, que es un joven de 82 años, está dispuesto a meterle mano y yo también. Me unen muchas cosas a Picasso. Gwyneth Paltrow pregunta cada dos semanas qué pasa con el proyecto.

ROBOTS AVERIADOS

“Autómata” se inspira en una variación de las leyes de la robótica promulgadas por Asimov: un robot no puede hacer daño a un ser humano, pero tampoco puede repararse o modificarse a sí mismo, es decir tener conciencia. Es lo que investiga el agente de seguros encarnado por Antonio Banderas, al servicio de la corporación que fabrica unas máquinas que empiezan a resultar peligrosamente humanas.

 
Sorprende que hayan hecho falta tres guionistas para pergeñar una historia construida cual Frankenstein a partir de mil cintas de ciencia ficción: “Blade Runner”, “El planeta de los simios”, “Inteligencia Artificial”, “Yo, Robot”… Un sobreactuado Banderas duele más en un filme que naufraga desde que la acción salta de una urbe apocalíptica al desierto, por aquello de introducir elementos de western en el batiburrillo.

Twitter es el barómetro de recepción crítica al salir de las proyecciones en San Sebastián. Y los comentarios sobre el segundo largometraje de Gabe Ibáñez tras la estimable “Hierro” fueron sangrantes. El mejor efecto especial, ironizaban, es la ausencia de cuello de Melanie Griffith. Y es que la exmujer de Antonio Banderas tiene un papelito, al igual que Javier Bardem pone la voz a uno de los robots como favor personal.

Ahogada en trascendencia, confusamente narrada y sin pizca de emoción, “Autómata” duele por la simpatía que despierta Banderas, un currante nato que ayer hizo de tripas corazón y se entregó a la promoción. También por el despliegue de producción que ha exigido la cinta, rodada en Bulgaria con buena parte del equipo técnico español. Los robots protagonistas dan perfectamente el pego y podrían pertenecer a cualquier superproducción de un gran estudio. La ausencia de acción tampoco ayuda a que el desaguisado encuentre su público.
Qué pinta “Autómata” en la sección oficial de un festival como San Sebastián solo se explica por la presencia de Banderas, que al menos ya ha vendido internacionalmente la cinta.

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Borja Cobeaga (San Sebastián, 1977) se ha atrevido a mostrar el absurdo del ‘conflicto vasco’ a través de una comedia que fabula sobre las conversaciones que Jesús Eguiguren mantuvo con ETA. Ramón Barea encarna al político en una aguda cinta que el autor de ‘8 apellidos vascos’ presentó en Zabaltegui y con la que regresa a la dirección tres años después de ‘No controles’.
– ‘Negociador’ es una comedia sin chistes.
– Tiene algo de película de espías de andar por casa. Y de ‘road movie’, porque el protagonista viaja a Francia a negociar con ETA. Y de ‘thriller’ político. Era muy importante pillar el tono de comedia donde no existiese el gag ni el cálculo de tres risas por minuto. Es una película muy tristona, melancólica. Una comedia bajonera.
– ¿Puede jugar en su contra el éxito de ‘8 apellidos vascos’?
– Sí. Va a desconcertar, aunque hayamos sacado un póster bastante más dramático. Si esperas algo tipo ‘Vaya semanita’ también te vas a decepcionar por completo. El éxito en este caso puede ser una desventaja.
– Tampoco es similar a ‘8 apellidos vascos’ en cuanto a coste y lanzamiento.
– No. Está hecha con cuatro perras, y lo digo sin mostrar orgullo, porque me hubiera encantado hacerla con el triple de presupuesto. Pero quise tener control total tratando este tema. Viví la experiencia de que Tele 5 se interesara por ‘Fe de etarras’ y después vi sus dudas, que me parecieron muy razonables.
– ¿Si ‘Negociador’ va bien resucitará el proyecto de ‘Fe de etarras’?
– Ya hay gente interesada en ella y la acabaremos haciendo, Diego San José y yo le tenemos mucho cariño a esa historia. Lo que más me preocupa es acabar harto del tema. Hay muchas historias que contar del conflicto vasco.
– ‘Negociador’ habla del absurdo de los hechos trascendentes. Detrás de los grandes acontecimientos hay personas y todo depende a veces de una tontería.
– Eso es. El factor humano pesa mucho. Algo que supuestamente está lleno de cosas oscuras e intrigas depende de cómo ha dormido un tipo y de lo que ha comido. Esta película habla de un fracaso, porque aquella negociación no fue la definitiva.
– No hay un final feliz.
– Bueno, lo tiene en cierto modo. Hay un momento en que todo va mal, cuando ‘Thierry’ aparece en escena. Pero la película cuenta que, al fin y al cabo, aquel proceso de algo sirvió.

– ¿Es un héroe el protagonista?
– No. Es alguien obsesionado por una cosa y muy teledirigido. El personaje obviamente tiene como referencia a Jesús Eguiguren. Y él siempre dice que cuando empezó las negociaciones estaba muy preparado. Había más voluntad que heroísmo. En su inicio el guion era más cínico pero Ramón Barea ha dotado al personaje de humanidad y ternura, porque él no puede evitar ser así.
– ¿Barea ha contactado con Eguiguren?
– Que yo sepa no. No creo que se haya inspirado en él.
– El detonante de ‘Negociador’ es cuando usted ve a Eguiguren en el programa de Jordi Évole absolutamente tocado.
– Me llamó la atención cómo un proceso así podía dejar tocada a una persona. Lo veías en su mirada. Lo que has vivido y visto al final te acaba afectando. Yo he preferido centrarme en la fase inicial de ilusión, aquí no aparece la decepción.
– ¿Va a enseñarle la película a Eguiguren?
– No le hemos invitado, pero me encantaría que la viese. Si lo hace, me gustaría que pensase que es solo un punto de partida, que ese de la pantalla no es él. Aunque no sea una crónica real, la sensación general es que todo debió ser algo así, humano y chapucero.
– ¿Le interesará lo que él piense de la película?
– Bastante. Tengo mucha curiosidad, como también la recepción del público. Solo la han visto (hasta ayer) amigos directores, que me han ido aconsejando en el proceso: Enrique Urbizu, Alberto Rodríguez, Nacho Vigalondo…
– A la izquierda abertzale no le va a gustar demasiado el personaje de Thierry, el más caricaturesco de todos.
– A pesar de no ser una película decididamente cómica el reparto sí lo es: Oscar Ladoire, Secun de la Rosa, Santi Ugalde, Raúl Arévalo…  Y sobre todo Carlos Areces. En la historia real ‘Thierry’ fue el que rompió las negociaciones. No creo que sea un retrato exagerado, él era un tío campechano y amable, pero muy temperamental, de repente tenía golpes de genio. El trato con Josu Ternera fue mucho más frío, pero al menos sabías a lo que te atenías.
– ¿Le asusta haber hecho la primera comedia sobre ETA?
– Más que la cuestión política me preocupa la cuestión cómica. Es una comedia que tiene como eje el conflicto vasco, eso es así. Pero me inquietan más las expectativas de que se espera una ‘Vida de Brian’ carcajeante.
– ¿Le preocupa ofender a alguien?
– La ofensa vendrá cuando se lea ‘una comedia sobre las negociaciones’. Pero cuando se vea…   La única cuestión ideológica que defiende la película viene en el póster: ‘¿Qué problema hay en hablar?’. Apuesta por el diálogo, que en Euskadi ya implica posicionarte ideológicamente. Somos muy cínicos, si nos preguntan por las FARC o el conflicto árabe-israelí diríamos que hay que dialogar. Pero de lo nuestro…  Desde fuera somos capaces de discernir y de tener el sentido común para apostar por el diálogo como único camino, yo no puedo concebir que alguien no esté a favor de él. Seguro que puede haber alguien al que ‘Negociador’ no le haga ni puñetera gracia, pero como director me apasiono por una historia y creo que merece la pena ser contada. Siempre que se ha hecho cine basado en hechos reales en España ha tendido a ser blando o sentimentaloide. Otras cinematografías han sido mucho más maduras.
– ‘Negociador’ es como el reverso de ‘Lasa y Zabala’, que se presenta en este festival.
– No sé si el reverso, pero en cuanto a tono me imagino que sí. No es solemne ni quiere ser trágica. Esa variedad de historias me parece muy sana.

– Sostiene que el público vasco es inescrutable.
– Lo demostró ‘8 apellidos vascos’. Yo pensaba que por qué iba a pagar los mismos chistes que había estado viendo en la tele. ‘Es del sur, de Vitoria’. Ese chiste lo llevo poniendo en guiones desde hace diez años. Por eso puedo decir que el público vasco no deja de sorprenderme.
– ¿Le ha superado el fenómeno ‘8 apellidos vascos’?
– He estado muy ocupado. He rodado ‘Negociador’, escrito una novela y preparado el guion de la secuela de ‘8 apellidos’. Antes de que se estrenase Tele 5 ya nos pidió la secuela.
– Adelánteme algo. ¿Transcurre en Cataluña?
– Sí. Rodaremos en abril con el mismo equipo. La primera parte es en Sevilla y la segunda en Cataluña.
– Habrá que esperar al posible referéndum…
– Claro. Avanzamos en la escritura pero con la mirada puesta en la realidad. Como siempre.

EGUIGUREN, UN HÉROE DE ANDAR POR CASA
‘Negociador’ retrata a un político humano y se ríe con brillantez de lo absurdo del ‘conflicto vasco’

Un rótulo al inicio de ‘Negociador’ sitúa la acción en 2005, cuando se producen contactos entre el Gobierno español y ETA. Y advierte: «Esta es una versión libre de lo que allí sucedió». No hay el menor ánimo documental en el tercer largometraje de Borja Cobeaga, aunque resulte inevitable pensar en Jesús Eguiguren al seguir las peripecias del político que encarna un soberbio Ramón Barea. Pensativo, ensimismado, absorto en sus pensamientos, la primera vez que vemos a Manu Aranguren está comiendo solo en un bar. Se sabe observado desde la barra por antiguos compañeros de colegio… que en 30 años no le han dirigido la palabra. «Solo me miran mal», le cuenta a su jefe. En apenas dos minutos de metraje se ha resumido la situación de un país.

 
Aranguren/Eguiguren es, ante todo, un hombre solo. Su partido consiente a regañadientes que inicie conversaciones con ETA en Francia por su cuenta y riesgo. Ni siquiera sabe manejar un móvil, pero le mueve una misión. Tiene un trabajo. «El que arregle esto tiene que salir de aquí. ¿Qué problema hay en hablar?», se pregunta. Como un Le Carré de andar por casa, este interlocutor de todo un Gobierno sufre las incomodidades de una misión secreta. No puede usar la tarjeta de crédito y se alimenta de perritos calientes. Va tan desastrado que los observadores internacionales que supervisan los diálogos le confunden la primera vez con un etarra.

El escueto metraje de ‘Negociador’ (74 minutos) avanza a través de preparativos, esperas y tiempos muertos. Pero el listísimo Cobeaga tira con bala. Josu Ternera (Josean Bengoetxea) aparece como un vigoréxico, mientras ‘Thierry’ (Carlos Areces) es un patán temperamental. Era muy difícil abordar una temática tan escabrosa sin resultar ofensivo, pero el director de ‘Pagafantas’ lo consigue. Se ríe de la terminología que entre nosotros ha adquirido rango de dogma de fe, porque el conflicto para unos es violencia; la negociación, diálogo; y Euskal Herria, el pueblo vasco. La buena comedia siempre nos descubre lo absurdos que somos y derriba tabúes.
Cobeaga inunda de melancolía un filme de fotografía tristona y no puede evitar mostrar su aprecio por un hombre que quiere cambiar las cosas. Jesús Eguiguren puede estar tranquilo, porque su álter ego, torpón y con debilidad por el sexo opuesto, deviene entrañable y humano. Un buen tipo al que quizá su misión le venga grande, pero que trata de entender al otro y paga el precio de su soledad. ‘Negociador’ no se ríe de ETA, y cuando la violencia irrumpe Cobeaga demuestra su brillantez como director. De otra manera y en las antípodas de ‘8 apellidos vascos’, ‘Negociador’ también ayudará más a la normalización de este país que muchos discursos políticos.

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El mejor director español vivo», titula este mes la revista “Cinemanía”, que adjudica cinco estrellas a “La isla mínima”, la película con la que el realizador sevillano compite por la Concha de Oro. «Es un titular hiperbólico. De hecho, mis amigos me llaman “la más grande”, como si fuera Rocío Jurado», bromea el director de “After” y “Grupo 7”, que sitúa en la España de 1980 las pesquisas de dos policías que investigan la desaparición de dos niñas en las marismas del Guadalquivir. Bajo la (fascinante) apariencia de un “thriller”, “La isla mínima” salda cuentas con un pasado inmediato que proyecta su sombra sobre el presente.

 
– En el germen de “La isla mínima” están las fotos de Atín Aya en las marismas del Guadalquivir.
– Vi una exposición suya y descubrí un mundo fantástico. Aya usó los mapas militares del terreno para su trabajo, porque en ningún otro sitio aparecían esos caminos. Fotografió los paisajes y retrató a la gente como testimonio de una forma de vida que se está extinguiendo. Son fotos crepusculares, de escenario de western más que de cine negro. De hecho, “La isla mínima” tiene algo de western. Suelo citar como referente “Conspiración de silencio”, de John Sturges. Spencer Tracy llega en tren a un pueblo en busca de un amigo y nadie le cuenta nada…
– El modo de vida de las marismas, la producción de arroz, desapareció en los ochenta.
– Eran extensiones brutales, treinta y pico mil hectáreas de cultivo de arroz. Para explotarlas se crearon poblados de colonos, como en “Arroz amargo”. Cuando el campo se mecanizó, esos pueblos se fueron quedando en nada, con gente en mitad de ninguna parte.
– “La isla mínima” parte de un esquema manido -la “buddy movie” o película de dos policías de caracteres contrapuestos- para después dinamitarlo.
– Al principio no tenía el trasfondo de la Transición. Entonces vi dos documentales por recomendación de un amigo: “Atado y bien atado” y “No se os puede dejar solos”, de los hermanos Bartolomé, hechos en la Transición. Dan un sentido a ese momento y son bastante diferentes a la historia oficial. Reflejan perfectamente la tensión que había en 1980 en España, que finalmente desembocó en el golpe de Estado y en algo que quizá ahora esté entrando en cuestión. 1980 y 2014 se parecen bastante en algunas cosas.
– Dos personajes que simbolizan las dos Españas.
– Uno viene del antiguo régimen y otro de los nuevos aires que trae la democracia. Lo de las dos Españas se lee bastante bien.

– Ese trasfondo político se cuenta con sutileza, porque ante todo “La isla mínima” es un “thriller”.
– Cualquiera de las dos lecturas es buena. Algunos espectadores se van a quedar sorprendidos al descubrir que en este país existía una brigada político-social. Gente que no fue castigada.
– Dibuja una sordidez y violencia que no estamos acostumbrados a ver en “Cuéntame”.
– Afortunadamente en cuarenta años de democracia han cambiado muchísimas cosas. “La isla mínima” se pregunta si nos vale un pacto que hicimos hace cuarenta años, impulsado por unos militares que nos dijeron hasta aquí y punto.
– Y todo eso ambientando en un lugar fascinante, casi inédito en el cine.
– En esas marismas siempre tienes la sensación de que hay algo raro. Hasta 1937 no se empezó a cultivar arroz, fue un invento del bando fascista porque el arroz se había quedado en el lado republicano. Hay un pueblo llamado Queipo de Llano y donde rodamos por fortuna ya no se llama Villafranco del Guadalquivir. Una zona con un pasado muy oscuro y turbio, donde trabajaba gente a la que no se pedía la documentación. El entorno de la historia tiene que ver con ese viejo régimen que todavía no se ha pasado a la democracia. Pero que yo cuente la metáfora es obsceno, mejor que el espectador saque sus propias conclusiones.
– Este año coinciden muchas películas políticas en el Zinemaldia: las de Isaki Lacuesta, Icíar Bollaín, Borja Cobeaga, Pablo Malo… Como cineasta, ¿tiene una responsabilidad social?
– Claro. He hecho una película ambientada en los ochenta, que parece que no habla del momento actual. Me gusta el cine que hace pensar al espectador, aunque como primer ejercicio siempre me exijo que el público se entretenga. En este caso, he intentado que el espectador no despegue los ojos de la pantalla. Como ciudadano, soy crítico con el momento que vivimos. Me parece bien que las películas se carguen con algún tipo de función.
– ¿Es cierto que ha sido su película más difícil de rodar?
– Tuvimos muchos problemas: llovió a cántaros, nos sorprendieron las mareas, accidentes de tráfico… La cosecha se adelantó por el calor y los ensayos se cortaron, todo el proceso fue muy acelerado. Esas marismas son inabarcables, no están hechas para los seres humanos, sino para los mosquitos.

– Como protagonistas elige a dos actores habituales en papeles de reparto: Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez.
– Son dos actores con una carrera larga y consolidada, que han hecho mucho teatro. Los policías de la época nos contaban cómo trabajaban. Llegaban a la escena del crimen, veían las manchas de sangre, las huellas y poco más. No era como “CSI”, el resto era preguntar a la gente.
– El filme, que Warner estrena el 26 de septiembre, tiene vocación comercial. ¿Le molesta esa palabra?
– Para nada, me parece estupenda. Lo mejor que te puede pasar es que tu película la vea mucha gente y la disfrute. Como ocurrió con “Grupo 7”, que hablaba de cómo se pasa por encima de la ley para determinados fines.
– ¿Y cuando la cosa sale mal, como en “After”, que pinchó en taquilla?
– No se vio nada. Se te queda mal cuerpo y te haces muchas preguntas sobre qué has hecho bien o mal. En el fondo sigo teniendo mucho cariño a “After”, aunque quizá fue demasiado autocomplaciente.
– Sus películas siempre se anclan en la realidad, sean las Tres Mil Viviendas sevillanas o el desencanto de una generación.
– Si tuviera que definir mi estilo, ese sería el único punto en común. Siempre tengo la necesidad de partir de la realidad. Incluso en ficciones como “La isla mínima”, el personaje de Raúl Arévalo está inspirado en un policía real, Jesús Merino, al que expedientaron por enviar una carta a “El País” criticando una declaraciones de Miláns del Bosch diciendo que necesitábamos un golpe de Estado.
– ¿No le da miedo competir en San Sebastián, con esa tradición de palmareses demenciales?
– Para nada, voy muy contento. Va a ser un buen año con una camada de películas españolas muy interesante. Sólo he visto “Negociador”, de Cobeaga, y me ha encantado.
– Qué paradoja: un buen año de cine español con lo mal que está la industria.
– Sí. Es responsabilidad de un grupo de gente que cree que tenemos la obligación de seguir contando cosas. El amor por la profesión por encima de lo que haya, porque ves películas que se han hecho con lo puesto. Se está produciendo por encima de lo difícil que nos lo están poniendo.

– ¿Se ve con opciones de premio?
– Yo estoy contento de ir a San Sebastián, porque el día 20 se proyecta y el 26 se estrena. Es una buena plataforma para darle visibilidad, la competición es un valor añadido. Si no hay premio, no me voy a deprimir. Tengo muy buen recuerdo del festival y es la vez que voy más relajado.
– ¿Y esa próxima película sobre Francisco Paesa, exagente de los servicios secretos españoles?
– Se aparcó en su día, porque quizá era demasiado ambiciosa: localizaciones en África, Asia, Europa, América… Es posible que rodemos una versión más reducida el año que viene, centrándonos en el caso Roldán.
– ¿Qué le hace tan fascinante a Paesa?
– Paesa atraviesa la Historia española, desde los servicios secretos de Carrero Blanco hasta hace poco, que estafó a un magnate ruso. ¿Cómo ha podido sobrevivir siempre con inmunidad? Paesa tiene muchísimo que ver con el momento que vivimos, con lo de Pujol, sin ir más lejos. Con esa gran partida que juegan unos tipos ahí arriba asaltando la banca y de la que no nos enteramos los ciudadanos. El filme habla de un espía al que le gustaba mucho la notoriedad. Así que no podrá ser otra cosa que una comedia.

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San Sebastián arranca con menos estrellas que el año pasado y un presupuesto ajustado: “Hemos dicho que no a marcas que no eran para unirlas al nombre del Festival”.

A las seis de la mañana camina todos los días. «Tengo los triglicéridos altos». José Luis Rebordinos (Rentería, 1961) también hace ejercicio en su despacho del teatro Victoria Eugenia, yendo y viniendo mientras ultima la tercera edición del Zinemaldia que dirige. Esta mañana cierra la llegada de una estrella sorpresa en la gala de inauguración: «No te digo quién, solo que es una actriz con entidad para ser un Premio Donostia». (Resultó ser Annette Bening).
Rebordinos tiró la casa por la ventana el año pasado al conmemorar el 60 aniversario del Festival con cinco Premios Donostia, entre ellos Dustin Hoffman y John Travolta. En esta edición, que arranca el viernes, tendremos dos más modestos: Carmen Maura y Hugh Jackman. Las vacas flacas en el cine y los recortes de las instituciones, cuenta Rebordinos, se han logrado compensar con patrocinadores privados. Nueve días de glamour para hacer olvidar un año terrible para la industria en España, que, paradójicamente, ha dado una cosecha de películas «espectacular».

– De cinco Premios Donostia a dos. Vaya bajón.
– Es normal, el año pasado era el 60 aniversario. Como no teníamos dinero para una macrofiesta lo celebramos trayendo Premios Donostia. Y como todo el mundo nos confirmaba su presencia… Es muy difícil que se repita. Lo ideal para mí son dos. Todos los años hacemos gestiones con gente que, el día que los astros se alineen, vendrán.

– ¿Por ejemplo?
– George Clooney, Steven Spielberg… Nos encantaría tenerlos.

– Clooney estuvo hace poco en Venecia y tiene película en la sección Perlas, “Gravity”.
– No puede venir porque está rodando. “Gravity” es de Warner, que el año pasado hizo el estreno europeo de “Argo” en San Sebastián y acabó ganando el Oscar. Ben Affleck se fue encantado. Veinte días más tarde, Clooney hubiera podido venir. Este año hemos lanzado la caña a menos figuras, porque si muchas dicen que sí hacemos un agujero de 300.000 euros.

– Su sueño es traer a Clint Eastwood.
– Clint Eastwood, Robert Redford… Los obvios, lo son todo en el mundo del cine. Como Scorsese, que hace cuatro años estuvo a punto de venir a recoger el Donostia cuando dimos su documental de los Stones. El Festival está mejor situado que hace dos años, sobre todo con el cine americano. Lo notamos a la hora de conseguir películas.

– Por primera vez en la historia del Festival la cinta de inauguración, “Futbolín”, de Juan José Campanella, es en 3D. Ese formato que iba a salvar Hollywood.
– Nunca me lo he creído. El 3D tiene sentido en ciertas películas, como en “Gravity”, donde ver el espacio así es una pasada. “Futbolín” también está concebida en ese formato, no es un añadido.

– ¿Qué siente ante este panorama catastrófico con salas vacías, el cierre de la distribuidora Alta Films…?
– Lo vivo con mucho dolor. Igual me estoy quedando viejo, pero soy de los que siguen pensando que el cine hay que verlo en una sala. Internet está muy bien, aunque estoy absolutamente en contra de la piratería. Me indigna la gente que la defiende como algo progresista, cuando en realidad hay que ser muy reaccionario para defenderla. Estar en contra de la piratería no significa que la gente no pueda acceder al cine a través de la Red. Reclamo que se busquen soluciones para que se puedan ver películas en Internet de forma legal. ¡Pero a mí me han dado tanto placer los programas dobles en Rentería! Ir al cine solo o acompañado para discutir luego la película… Me da tanta pena que desaparezca y que los jóvenes no lo disfruten… Cuando acabe el festival, tengo unas ganas locas de irme a los Príncipe a las cuatro de la tarde a ver una peli solo.

– Las salas que se cierran ya no se van a volver a abrir.
– Tiene difícil solución. La situación es terrible, cada vez que se cierra una sala se me rompe algo por dentro. Pero no soy pesimista, volveremos a salir, como de la crisis. En los próximos años va a haber transformaciones. Red Bull ha creado una cadena de cines europeos para exhibir películas de deportes de riesgo, y están llenos de jóvenes. Francia ha reducido el IVA al 5%… A lo mejor tenemos que bajar el precio de las entradas.

– ¿La subida del IVA cultural ha sido la puntilla?
– No sé si el Gobierno ha conseguido los beneficios que esperaba con esa medida, solo sé que ha perjudicado al cine. Un IVA del 21% para temas culturales es muy duro. En una situación de crisis la gente se quita lo que no es imprescindible, hay que comer antes que ir al cine.

– Usted que está en contacto con el cine español, ¿qué le cuentan de la situación?
– Que lo están pasando mal. Los que pueden buscan cómo sobrevivir en base a bajar los presupuestos y con coproducciones. “Las brujas de Zugarramurdi” es coproducción con Francia; “Caníbal”, con Rumanía, Rusia y Francia.

– Los actores también se han bajado el caché.
– Sí. Nosotros también pagamos menos por presentar las galas. Y sin embargo, aunque vaya tan mal, es un mérito que en estos momentos el cine español sea espectacular. Las películas españolas en Toronto, San Sebastián, Sitges, Valladolid, Sevilla, Málaga… Para la que está cayendo estamos muy fuertes. No nos ha costado nada seleccionar los títulos españoles en el Festival. Reto a que alguien me diga tres países europeos con películas tan interesantes.

– Hablemos de las cuentas del Zinemaldia. Este año el presupuesto es ligeramente inferior al del año pasado.
– Andaremos por los 7,2 millones de euros y el año pasado fue de 7,4. La cifra es un poco tramposa, porque hay dos aspectos en los que, a pesar de la crisis, hemos aumentado el presupuesto. El tema técnico, porque hemos tenido que reconvertirnos al digital, adecuar las salas y cambiar los proyectores (todas las películas se exhiben en digital menos las retrospectivas). Y también se ha hecho un esfuerzo mayor en las actividades de industria, en el Foro de Coproducciones, donde la gente invierte en proyectos en marcha. En San Sebastián se venden películas, pero no podemos compararnos con mercados como Toronto, Berlín y Cannes. Queremos ser imprescindibles en los proyectos entre Europa y América Latina.

– ¿Qué instituciones han disminuido su aportación?
– Ha habido un ligero recorte en el Ministerio de Cultura, aunque luego ha sido prácticamente cubierto por Industria, que entra en el Foro de Coproducciones. Gobierno vasco y Ayuntamiento mantienen la suya y la Diputación de Gipuzkoa, que ya rebajó el año anterior, lo ha vuelto a hacer este, aunque también a última hora ha dado una aportación extra de 100.000 euros. Sigue siendo la que menos aporta (unos 850.000 euros).

– Han disminuido los patrocinadores privados.
– Cada año es un sinvivir. La edición pasada se cayeron patrocinadores privados por unos 400.000 euros, pero conseguimos 600.000. Este año se nos han caído por el mismo valor y solo hemos conseguido compensarlo. También tenemos previstos prudentemente menos ingresos que el año pasado. Por ejemplo, en la publicidad de las vallas vamos a recaudar menos, pero no nos quejamos, porque hay festivales que han perdido todos los ingresos en este concepto.

– Nos tenemos que ir acostumbrando a ver marcas comerciales por doquier en los festivales.
– Ya se está viendo. Casi todas las secciones de los grandes festivales llevan marcas. No hay más remedio, aunque nosotros intentamos que no sea cualquiera. No todo vale. De hecho, hemos rechazado alguna oferta económica importante porque la marca no era como para unirla al nombre del festival.

– ¿Por qué?
– Porque hay algunas que pueden estar lastradas políticamente. Personalmente no me asociaría con ningún país o institución que no respeten mínimamente los derechos humanos.

– ¿Los bancos?
– Bancos sí, tenemos el Premio Kutxa-Nuevos Directores. Me refiero a países donde los derechos de la mujer no son los mejores. Aunque pusieran todo el dinero del mundo no entraríamos. También puede haber marcas cutres que no encajarían con el espíritu del festival.

– Hay equipos de fútbol que no tienen tantos escrúpulos.
– Bueno, yo solo puedo hablar del Festival, un lugar de encuentro donde el cine debe unir a los pueblos. Tampoco programaríamos una película que apoyase abiertamente el terrorismo o con un mensaje fascista o a favor de la segregación racial. No aceptaremos dinero claramente marcado.

– ¿Llegará un día en que el Premio Donostia se llame Premio Coca-Cola?
– No me importaría. No pasa nada.

– Cierta actriz se negó a recoger un galardón en el Festival de Málaga porque se llamaba Premio Nespresso.
– Bueno, si nosotros damos un premio, el que lo recibe va a saber que se llama así. Lo que no puedes es ocultárselo.

– Un estudio cifra el impacto económico del Zinemaldia en 27,3 millones de euros, lo que multiplica por siete la inversión de las instituciones. ¿Cree que las administraciones son conscientes de ello?
– Sí. Yo me he sentido absolutamente apoyado por las cuatro instituciones (Ayuntamiento de Donostia, Gobierno vasco, Ministerio de Cultura y Diputación de Gipuzkoa) en los tres años que llevo. Tienen clarísima la importancia del Festival y su apoyo es incondicional. Saben que esta es una apuesta de futuro, que el Zinemaldia está por encima de ellos y de su director. Un motor económico, social y cultural, un proyecto de país para Euskadi y el resto del Estado. Lo que ocurre es que la situación económica es muy dura. Mi obligación es reclamarles que sigan apoyándonos con la mayor cantidad posible, desde el entendimiento de las dificultades que tienen para poder hacerlo. Ese estudio de impacto económico no era para meter presión, sino para darles argumentos. También hay ciudadanos que dicen: con la que está cayendo, ¿cómo se gastan ustedes un millón de euros en un festival de cine cuando hay gente que pasa hambre? Pues porque genera beneficio económico. Si solo atendemos a las necesidades asistenciales nunca saldremos del túnel.

– El proyecto de Capitalidad Cultural de Donostia 2016 está siendo cuestionado. La polémica designación de su directora, el informe del jurado internacional denunciando intervencionismo político y retrasos en los plazos… ¿No puede acabar viéndose afectado el Zinemaldia?
– La polémica no nos afecta para nada. En cualquier caso afectaría positivamente que San Sebastián sea Capital Cultural. De hecho, Donostia 2016 colabora con nosotros este año en el Encuentro de Estudiantes de Cine. Y tenemos un par de proyectos sobre la mesa con ellos, al igual que con Tabakalera y la Filmoteca Vasca, para ver qué podemos hacer ese año.

– ¿Pero tiene una opinión personal al respecto?
– Ni entro ni salgo, me siento incapaz de dar una opinión. A veces, también leo cosas sobre el Festival que no son ciertas. Me pierdo. Soy un técnico y no entro cuando se entra a discutir algo desde el punto de vista político. Como ciudadano tengo mi opinión, como director del Zinemaldia no puedo darla. Lo único que sé es que nuestra relación con Donostia 2016 es espléndida y estamos trabajando juntos, aunque digan que no se hace nada.

– ¿También hay sintonía con el Ayuntamiento y con el alcalde de Bildu, Juan Karlos Izagirre, presidente del consejo de administración del Festival?
– Es mi alcalde como ciudadano, le debo respeto absoluto como a cualquier otro, sea de Bildu o de otro partido. En el trato personal nos conocemos desde chavales. Cualquiera que le conozca, al margen de las discusiones políticas, sabe que es una persona muy cercana. Afortunadamente, el consejo de administración del Zinemaldia es tan plural como la sociedad vasca. Hay miembros elegidos por el Ayuntamiento y la Diputación (Bildu), el Ministerio de Cultura (PP) y el Gobierno vasco (PNV). El clima no puede ser mejor: desde que estoy yo todo se ha aprobado por unanimidad. Eso demuestra la sintonía.

(Entrevista publicada en el Diario EL CORREO el 16 de septiembre de 2013).

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El actor Aitor Merino estrena en el Festival de San Sebastián ‘Asier eta biok’, un filme sobre su amistad con Asier Aranguren, condenado por pertener a ETA

‘Asier eta biok’ es la historia de una amistad. La mantenida por Aitor Merino y Asier Aranguren desde que jugaban de niños a finales de los 70 en las agitadas calles de Pamplona. A los 16 años, Merino se fue a vivir a Madrid a buscarse la vida como actor. Fue uno de los jóvenes intérpretes más prometedores a mediados de los 90, con “Historias del Kronen” como título más destacado de su filmografía. Después le hemos visto en papeles de reparto en películas como “Te doy mis ojos” y “Días de futbol”, aunque en los últimos años casi solo hace televisión.
La vida de Asier Aranguren fue por otros derroteros. Hace tres años, Francia le expulsaba del país tras cumplir siete de los diez años de condena que le habían impuesto los tribunales de París por formar parte del aparato de información de ETA. Hace poco, su nombre salía como firmante del llamado Acuerdo de Gernika, en el que un grupo de 25 personas ligadas a la izquierda abertzale, entre las que figuran varios miembros históricos de la organización terrorista y de sus abogados, anunciaban su decisión de convertirse en mediadores, en apoyo a la petición de intercesión lanzada por el autodenominado colectivo de presos políticos vascos.

Merino cuenta en “Asier eta biok” (Asier y yo) su relación de amistad con Aranguren, que no se interrumpió mientras estaba en la cárcel. El filme, codirigido con su hermana, Amaia Merino, se estrenará en la sección Zinemira del Festival de San Sebastián, que presenta las producciones vascas más destacadas del año. «Quiero explicar a alguien de Soria, de Valencia o de Madrid mi amistad con Asier», cuenta Merino. «Me daba muchísimo respeto, incluso miedo, tocar este tema tan complejo por cómo se aceptaría fuera de Euskadi. Se han hecho muchas películas sobre este asunto que no han tenido trascendencia fuera del País Vasco, casi todas dirigidas a las víctimas de ETA. Yo quería mostrar a alguien de fuera un relato distinto, que tuviera claves diferentes».

Merino muestra en el filme la llegada a la frontera de Aranguren, donde le aguarda su familia y recibe un abrazo del actor, así como la bienvenida en Pamplona organizada por la izquierda abertzale. Las conversaciones entre ambos pretenden constituir «una historia de amistad en un entorno de violencia y conflicto». También aparecen amigos actores del realizador, afincado en Madrid, como Willy Toledo, Pilar Castro y Juan Diego Botto. Merino prefiere hablar de «película autobiográfica de no ficción» en vez de documental. «Nos sentimos con una responsabilidad inmensa porque nos expone a Asier, a mí y a toda nuestra familia. Es muy duro asimilar que un gran amigo tuyo forma parte de ETA».

 
Merino y su hermana, residente en Ecuador, llevaban años dándole vueltas a la idea de abordar la doble condición de Aranguren, militante de ETA y amigo suyo. El día anterior a su liberación sintió el impulso de agarrar una cámara y viajar hasta La Junquera para encontrarse con él. «La película no tiene un guion como una cinta convencional, las entrevistas son improvisadas. El resultado ha sido muy enriquecedor, me he quedado a gusto. Es la historia que quería contar».
Rodada sin subvenciones de la Administración española, “Asier eta biok” es una coproducción con Ecuador que ha recibido ayudas del Consejo Nacional de Cine de aquel país. La fase de postproducción se ha completado gracias al “crowdfunding” o micromecenazgo por Internet, donde 220 “productores” aportaron más de 8.000 euros. También recibió ayudas del Festival de Guadalajara (México).

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DIRECTOR DEL FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN

La edición con más estrellas de los últimos años ha sufrido acusaciones de censura por no seleccionar un filme sobre presos etarras

Una lápida de cartón-piedra con su foto se yergue en una esquina de su despacho en el teatro Victoria Eugenia, recuerdo de su paso por la Semana de Cine de Terror. Un Mazinger Z y un cuervo hithcockiano también contemplan a José Luis Rebordinos (Rentería, 1961), que estos días no tiene mucho tiempo para jugar con ellos. El próximo viernes arranca el Festival de San Sebastián con la edición más apabullante de los últimos tiempos. Entre el aluvión de estrellas destacan cinco Premios Donostia, que vendrán a recoger mitos como John Travolta y Dustin Hoffman.

En un año en que la crisis y los recortes han despedazado la industria cultural, Rebordinos ha sabido suplir la rebaja de dinero público con patrocinadores privados. Lo único que ha enturbiado los días previos al principal acontecimiento cultural del País Vasco son las acusaciones de censura por parte de la izquierda abertzale al no haber seleccionado el documental “Ventanas al interior”, protagonizado por cinco presos de ETA. En su segundo año al frente del festival, su responsable jura que no habido ningún tipo de censura. Tampoco, asegura, ha recibido presiones de Bildu, partido que gobierna San Sebastián y participa en el consejo de administración del Zinemaldia.

– Cinco Premios Donostia. Menos mal que usted no es de Bilbao.
– Queríamos que hubiera cuatro o cinco y al final han salido todos. Es la forma de celebrar nuestro 60 aniversario, ofreciendo al público de a pie cinco grandes estrellas que van a estar en la calle y las van a poder ver. Queríamos que fueran historia viva, con una gran obra detrás, pero que siguieran en activo. Y todas vienen con su última película, una condición que nos habíamos impuesto.

 
– Es un agravio comparativo con ediciones anteriores.
– Como todo, es una cuestión de suerte. Además de los Donostia vienen Richard Gere, Susan Sarandon, Ben Affleck, Claudia Cardinale, Penélope Cruz… Y algunos que todavía no podemos adelantar. Coincide que hay muchas películas importantes de promoción en Europa.

 
– Mantienen el presupuesto del año pasado.
– Rondará los 7,3 millones, un poquito más que la edición pasada, que acabó con un superávit de 19.000 euros. Tener más premios y traer a grandes estrellas no significa que el festival sea más caro. Ofrecemos un escaparate y es la propia distribuidora la que corre con los gastos del viaje. Eso sí, una vez que llegan a San Sebastián nos ocupamos de todo.

 
– Jamás se trae a las estrellas a golpe de talonario ni se les paga el avión privado.
– Para viajes tenemos reservados 350.000 euros, que se gastan sobre todo en traer a gente de secciones pequeñas. Un avión privado desde Los Ángeles cuesta más de 200.000, es inasumible. Y no todas las estrellas vienen en vuelo privado, algunas viajan en primera. Donde invertimos dinero es en la estancia: suites, seguridad… Y por supuesto, nunca se les paga un euro. Llevo quince años en el festival y nunca se ha hecho. Hay un bulo que asegura que se le pagó a Robert de Niro. Pues fíjate lo que tendríamos que haberle dado… San Sebastián cada vez tiene más prestigio, los Premios Donostia anteriores actúan de embajadores. Y después está lo que ofrecemos para promocionar una película. Les interesa venir.

 
– ¿John Travolta viene a los mandos de su avión?
– No lo sé. Intuyo que es probable que sí. Universal se encarga de que vengan los actores de “Savages” y la Warner hace lo propio con “Argo”, de Ben Affleck.

– ¿Qué estrella se sigue resistiendo?
– Siempre tenemos alguna en cartera. Traerles es un trabajo de años. Hay algunos obvios: Robert Redford, Clint Eastwood, George Clooney. Se trabaja en esa dirección. Hay que crear las condiciones: hablar con el representante, la productora… Tejer una tela de araña.

 
– Hablábamos del presupuesto.
– Hemos bajado el dinero público en 225.000 euros: 100.000 menos de la Diputación y 125.000 que aportaba la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo con un programa de ayudas a festivales que ha desaparecido tras los recortes del Gobierno español. Hemos perdido cuatrocientos y pico mil euros en sponsors privados respecto al año pasado, pero a cambio hemos conseguido 660.000 nuevos. E Industria del Gobierno vasco ha aportado 270.000 para el Foro de Coproducción. O sea, que prácticamente tenemos el mismo dinero que el año pasado.

 
– ¿Suficiente?
– Siempre he dicho que necesitaremos aumentar el presupuesto en los próximos años si queremos ser competitivos. Berlín cuesta 18 millones y pico; Cannes ni se sabe, treinta y tantos. Pero no somos comparables. San Sebastián no podría hacer un festival con el presupuesto de Berlín porque no tenemos ciudad ni infraestructuras. Nuestro modelo necesitaría 9 millones para estar cómodos.

 
– ¿El Zinemaldia ha tocado techo? No se pueden entregar diez premios Donostia, solo hay un hotel de cinco estrellas…
– El año que viene solo entregaremos uno o dos Premios. La propia ciudad, el aeropuerto… Todo te condiciona el modelo de festival. No tenemos que compararnos con Berlín y Venecia, que son más importantes que San Sebastián. Pero podemos ofrecer otras cosas. A una película le puede interesar más competir aquí en un momento determinado. Lo importante es que seamos competitivos y con personalidad.

 
– Esos cuatro millones de dinero público invertido revierten en beneficios para la ciudad.
– Está clarísimo. Contratamos a 25 personas durante todo el año. Y más de 450 durante el festival. Gran parte de nuestro presupuesto se gasta en la ciudad. No solo en hoteles y restaurantes, también en imprentas, empresas de montaje de vallas… Pagamos gran parte de IVA. Ojalá el año que viene hagamos un estudio serio sobre el impacto económico. Estoy convencido de que las cifras van a sorprender, porque ya hace años que el festival genera más de lo que cuesta.

 
– Han tenido que repercutir el IVA en las entradas.
– Era imposible no hacerlo. Logramos más de 600.000 euros en taquilla, es una fuente de financiación importante. No subirlas supondría una pérdida importante. Pero también hemos aumentado el descuento: si compras diez entradas o más, sale cada película a 5 euros. Los jóvenes con tarjeta joven pagan 3 euros y pico, y las 24 películas subtituladas en euskera, a un euro. Intentamos que el público joven pueda seguir llenando las salas del festival.

 
– ¿Ha palpado la preocupación en el sector por la subida del IVA?
– Sí. A priori se perderán espectadores y habrá salas que tendrán que cerrar. No me corresponde a mí juzgar esa medida del Gobierno, pero los efectos son claros. Los cines han hecho un esfuerzo para equiparse con proyectores digitales que cuestan entre 70.000 y 90.000 euros. Muchas salas de pequeñas ciudades cerrarán.

 
– Se ha producido un vuelco en el mapa de festivales: desapariciones, cambios de director…
– A nosotros no nos afecta. Jugamos en una liga diferente, donde el único cambio es que Marco Müller haya dejado Venecia para irse a Roma. San Sebastián puede competir con Málaga o Sitges solo por una o dos películas. Somos el más importante, lo digo con toda la humildad del mundo.

 
– ¿Llegará un momento en que queden solo tres o cuatro festivales en España?
– Va a costar sostener festivales con dinero público. Se van a llevar por delante a unos cuantos y se va a poner racionalidad en el mapa, porque muchos no tenían razón de existir. Somos conscientes de que si queremos crecer tendremos que tirar de sponsors privados. Las arcas del Estado subvencionarán cada vez menos certámenes. Sobraban algunos, lo que no quiere decir que sobren proyecciones cinematográficas, ojalá hubiera hasta en el pueblo más pequeño. Pero no podía ser que la última capital de provincia tuviera una alfombra roja y trajera a actores pagándoles para que el concejal de turno se sacara una foto. Esas operaciones absurdas se han hecho desde todo tipo de ideologías. Los políticos tenían una carísima forma de promoción que ahora estamos pagando.

 
– La izquierda abertzale ha arremetido contra el Zinemaldia por no haber seleccionado un documental sobre presos etarras. Le acusan de censura.
– Yo no me siento acusado de censor por la izquierda abertzale, me siento acusado por algunas personas concretas. En la izquierda abertzale hay todo tipo de opiniones, y conozco algunas encontradas sobre el tema. No quiero hablar demasiado de este asunto porque nunca hablamos de las películas que no están en el festival. De hecho, si ellos no hubieran sacado el tema nosotros no habríamos dicho que no fue seleccionada. No hay ningún tipo de censura y no hemos sufrido ningún tipo de presión. Solo decidimos que esa película no encajaba en el puzzle que es el Zinemaldia.

 
– ¿Qué porcentaje de películas se eligen de entre todas las que se presentan?
– Este año hemos visto mil setecientas y pico para elegir ciento y algo. ¿Ha habido criterios políticos en la selección? Pues claro. La selección siempre es política, no es algo malo ni bueno. Cuando elegimos la película de Bahman Ghobadi sobre la represión a los kurdos entran criterios políticos, aunque el filme tiene un componente artístico brutal. Otra cinta sobre un atentado suicida en Tel Aviv es imposible no juzgarla con criterios políticos, lo que no quiere decir partidistas ni que coincidan con nuestra forma de entender el mundo, muy variada en el comité de selección.

 
– Pero eran conscientes de que con ese documental en concreto podía suceder lo que ha sucedido.
– Sí, pero también con otras muchas puede pasar en cualquier momento. Unos lo cuentan y otros no. Se ha programado otra cinta sobre la situación política en Euskadi, “Mariposas en el hierro”. Habla de mujeres víctimas de la violencia, tanto de la machista como de la política. Desde la chica cuyo padre fue torturado por la Guardia Civil hasta la mujer a la que ETA mató al marido. No rehuimos ningún tema. Intentamos ser honestos aunque a veces nos equivoquemos.

 
– El festival fue portada de “Gara” y se le dedicaron duras palabras: «La censura coloca a su director en una situación de precariedad insoportable». ¿Le sorprendió tanta agresividad?
– No. Probablemente si hubiéramos programado el documental habríamos recibido el mismo nivel de agresividad de otros sectores. Somos una sociedad todavía muy crispada. La violencia de ETA ha dejado muchísimas víctimas. Y hay víctimas de todo tipo, con un número importante de presos en la cárcel cuando ETA ya ha dejado las armas. Hay muchos problemas en este país que nos costará generaciones acabar de solucionar.

– ¿Esto ha hecho que se rompa la sintonía con el alcalde de Bildu, Juan Karlos Izagirre?
– No. La sintonía es estupenda. Le tengo mucho respeto como alcalde, le conozco desde hace años y le tengo aprecio personal.

 
– ¿Han hablado del tema?
– Es el presidente del consejo de administración, y esos temas no los hablo públicamente. Estoy encantado con todo el consejo, en el que hay ocho miembros de Bildu. Siento su apoyo al festival en momentos tan duros. Ellos sienten que es de todos los ciudadanos y no puedo sino darles las gracias.

 
– ¿No teme manifestaciones y actos de protesta durante el festival?
– Yo tengo derecho a decidir, de la misma manera que la gente lo tiene a expresar su opinión. No puedo aceptar que digan que ha existido censura y presiones, pero sí que haya manifestaciones pacíficas.

LAS PELÍCULAS DEL ZINEMALDIA

“El cine español vive un gran momento creativo”

«La selección de títulos españoles demuestra que nuestro cine vive creativamente un gran momento, aunque industrialmente lo va a tener muy difícil. A pesar de las dificultades, hay productores capaces de sacar adelante películas como “Blancanieves”, de Pablo Berger, y “El muerto y ser feliz”, de Javier Rebollo. O “El artista y la modelo”, de Fernando Trueba, un director consagrado que hace algo absolutamente personal. Fuera de concurso estrenamos “Lo imposible”, de Juan Antonio Bayona, que pese a su juventud ha contado con un presupuesto enorme».

LOS PREMIOS DONOSTIA SEGÚN REBORDINOS

Dustin Hoffman: «Me enseñó a ver cine. Rebusco en mi memoria emocional de joven y aparecen “Marathon Man” y “Perros de paja”. A los 75 años debuta como director con una película muy bonita, amable».

Tommy Lee Jones: «Otro de los grandes, hemos intentado tenerle muchas veces y al final lo hemos conseguido. Para los que nos gusta el cine es muy grande. Un Premio Donostia incuestionable».

Oliver Stone: «Será un placer darle el premio, le debemos mucho. Ha llevado nuestro nombre por el mundo. Inauguró el Velódromo con “Salvador” y ya entonces dijo que era la mejor pantalla del mundo».

Ewan McGregor: «Quizá es el más joven en toda la historia de los Premios. Pese a su edad, repasas con quien ha trabajado y alucinas. Además, viene con una apuesta brutal del cine español: “Lo imposible”».

John Travolta: «Un actorazo, llevábamos tiempo tras él. Es un lujazo poder tenerle y además que presente “Savages”, una película muy potente y violenta, que arranca con catorce personas decapitadas».

(Entrevista publicada en el diario EL CORREO el 16 de septiembre de 2012).

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DIRECTOR DE ‘EL ARTISTA Y LA MODELO’

Su filme más personal, en francés y blanco y negro, reflexiona sobre la creación artística y la vejez

Una escultura de su hermano Máximo, fallecido en 1996, preside el lugar de trabajo de Fernando Trueba. A él está dedicada “El artista y la modelo”, una hermosísima y sutil reflexión sobre la creación artística y la vejez, protagonizada por un viejo escultor y su modelo, una chica escapada de un campo de refugiados en la Francia ocupada de 1943. Jean Rochefort, Aida Folch y Claudia Cardinale protagonizan un filme rodado en francés y blanco y negro, con el que Trueba compite por la Concha de Oro.

 
– El guion de “El artista y la modelo” está firmado junto a Jean-Claude Carrière, pero empezó a escribirlo con el llorado Rafael Azcona.

– De su aportación no queda nada. Los dos sabíamos que esta historia no era de su palo, eran más las ganas que yo tenía de estar con él. Recuerdo que me mandó un grabado de Picasso: “Este tendría que ser el cartel”.

 
– ¡Azcona pensando en el márketing!

– Nunca le oí comentar nada sobre el cartel de una película. Es un grabado desconocido, muy de Azcona, con esa tristeza, sin la sensualidad de Picasso.

– ¿Le echa de menos?

– Mucho. Tengo una foto suya sobre mi mesa. Tiene la mirada y la sonrisa exacta de cuando acabábamos de comer y nos quedábamos de pie en la calle dos horas hablando. Cuando escribo siento que me mira y se ríe.

– Azcona le reprochaba que en sus películas siempre hablaba de artistas y no de gente normal.

– Habla de lo que conoces, aconsejaba, pero yo creo que puedes contar las mismas historias con un artista y con un fontanero. Shakespeare habla de la vida y de las pasiones humanas a través de reyes. Nadie me ha convencido de más cosas que Azcona, sin pretender nunca convencerme.

– La película está dedicada a su hermano Máximo y a su ingeniero de sonido habitual, Pierre Gamet, que murió el pasado enero.

– Siempre estuvo dedicada a mi hermano. Cuando empecé a pensar en ella le dije que me encantaría que él estuviera para hacer las esculturas del protagonista. Fíjate si llevo tiempo con esta película… Cuando estábamos acabando el montaje, antes de las mezclas, murió Pierre, que era otro hermano. Llevaba conmigo desde “Ópera prima”.

– El escultor del filme busca la sencillez en su arte de manera obsesiva. ¿Usted también?

– Esa filosofía es la de la propia película. No es la mía, porque yo a veces hago comedias, con enredos y barroquismo narrativo. De hecho, le dije a Carrière que no íbamos a usar los “trucos” que él había empleado con Buñuel. Toda esa dramaturgia, los giros, teníamos que dejarla fuera. El otro día Julian Barnes citaba en el “Guardian” a un aristócrata inglés del XVIII que sostenía: “Hay que leer menos y vivir más”. Barnes no puede oponer los libros y la vida, no sabe qué le gusta más, porque en su caso son la misma cosa. El arte es la vida concentrada, una manera de mirarla, de entenderla y sentirla.

– Sobre todo en tiempos convulsos, como los que muestra su película y como los que vivimos ahora. Reivindicar la necesidad del arte con la que está cayendo suena a provocación.

– Precisamente es cuando es más necesario. El arte no te explica las cosas en el sentido de un filósofo, pero te puede ayudar a digerir la vida. Pessoa decía que la ficción es una necesidad de los hombres para hacer que la realidad sea real, porque esto que vivimos ahora es irreal, una inmensa broma. ¿Quién está detrás de todo esto? El mundo está regido por contables, por gente que hace informes. Los políticos no hacen política. Mira, el otro día me explicaron algo fascinante de Televisión Española, coproductora de “Chico y Rita”. No puede emitirla después de haber puesto el dinero porque contablemente perdería dinero al amortizar en un primer pase el 40%. Así que se la han vendido al Canal Plus. Es el criterio que rige el mundo: la pérdida del sentido común.

– ¿Pero mirar la vida a través del arte no es escapismo? ¿No debemos fijarnos en la prima de riesgo y esas cosas?

– El arte nunca es escapismo. Una comedia para hacer reír sería hoy más necesaria que mi película, una medicina para la gente angustiada. Preston Sturges contaba en “Los viajes de Sullivan” la necesidad que tenemos de reír.

– En crisis lo primero que se recorta es la cultura.

– Y lo que es todavía peor: la educación. Cualquier solución a los problemas de la humanidad viene de la educación. Los políticos son así y la gente les vota por la educación. Un pueblo civilizado de verdad votaría con mucho más sentido. Me desespero, pero luego pienso que en la I Guerra Mundial Proust escribía “En busca del tiempo perdido” y Joyce el “Ulises”. Cuando Billy Wilder rodaba “Perdición” los nazis estaban exterminando a seis millones y medio de judíos, entre ellos su madre. Ahora mismo el mundo se tiene que reordenar. Se nos ha vendido que el comunismo fracasó y el capitalismo triunfó, algo tan aberrante y enfermo como el fascismo. Su triunfo provocó la desregulación de los mercados, el todo vale y que esto sea el imperio de la especulación, la mentira y la información privilegiada. Después de forrarse unos cuantos el edificio se derrumba, y en eso estamos.

– ¿No le dio confianza Rajoy en el debate televisivo?

– No le vi. Estar informado en el día a día es demasiado deprimente. Te destruye. La prensa y los políticos se retroalimentan, hablan el uno en función del otro.

– ¿Le dan ganas de ser francés?

– Muchas veces, desde niño. Yo crecí en un país con una dictadura donde todo estaba prohibido y era pecado. Y descubrí por casualidad que en Francia estaban las cosas que más me gustaban: Picasso, Brassens, Renoir, Truffaut… Azcona me regañaba: “¡Cine italiano, déjate del francés!”.

– El cine no es periodismo, su deber no es reflejar la urgencia de la realidad. Pero cuando vemos “Plácido” o “El verdugo” dicen mucho de cómo somos nosotros.

– Claro. La película que más me gustado el año pasado es “Nader y Simin, una separación”. Puedes ser el más informado y leerte todo lo que haya salido sobre Irán. Y no sabes nada. En cambio, en hora y media de película vives en Irán. Ves las calles, los juzgados, una familia burguesa y otra religiosa, su nevera, como la nuestra, con fotos en la puerta… El cine tiene más verdad y capacidad de darte información que cualquier otro medio. No solo “El verdugo” y “Plácido”, que son las obras maestras del cine español: “Las chicas de la Cruz Roja” y “Los tramposos” cuentan más sobre cómo era este país que muchos libros de Historia. El cine es imprescindible, debe ser una especie protegida.

– ¿Y el cine español está en extinción?

– Está en un momento muy jodido, pero vamos a seguir haciendo películas, con más o menos sacrificios. Nunca he conocido un momento peor, aunque desde “Ópera prima” siempre me han preguntado sobre la crisis del cine español.

– Que no tenga móvil ni esté en las redes sociales no significa que desconozca los nuevos modelos de distribución de películas.

– No tengo móvil porque no me gusta que me interrumpan cuando leo o paseo. Soy un gran usuario de Internet, tengo iPod desde que salió y cuando voy de viaje me llevo quince películas en el portátil. La tecnología me sirve, no quiero estar yo a su servicio. Y sé que el cine se va a consumir de otra manera.

– ¿Y la liturgia de la sala oscura?

– Siempre seguirá habiendo algunas salas. Me apena que los jóvenes de ahora no conozcan la sensación de reírte en la oscuridad en comunión con más gente. Yo he visto las comedias de los Marx en colegios mayores, en cineclubs, en el Griffith con gente sentada en el suelo. Era la gloria del cine.

– “El artista y la modelo” ha iniciado la carrera hacia el Oscar de habla no inglesa. El año pasado compitió en la categoría de animación con “Chico y Rita”. Ya se sentirá como en casa.

– El año pasado tenía una sensación de “déjà vu”, de que nada había cambiado. Empecé a encontrarme con gente que salía de mi pasado, con Antonio y Melanie, con Carlinhos Brown en esmóquin con turbante… La mayor diferencia cada vez que voy a Los Ángeles es que Billy Wilder ya no está. Porque las ciudades son los amigos a los que llaman cuando llegas. Ese vacío es irremplazable, desde que no está, es una ciudad fantasma. Billy Wilder fue la única persona que me dijo que me iban a dar el Oscar por “Be lle Epoque”, porque la favorita era la china. “¡One hour too long!” (una hora demasiado larga), gritaba. Con “Chico y Rita” nos daba como favoritos hasta la revista “People”, pero claro, ¿cómo luchas contra “Rango” y la Paramount con una distribuidora que tiene dos personas en su plantilla? Bastante hicieron con estrenarla en doscientas ciudades.

(Entrevista publicada en EL CORREO el 15 de septiembre de 2012)

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