¡Si es que uno no da abasto! En las últimas tres semanas han salido tantos discos de santos patrones de este blog que resulta imposible tratarlos con el debido respeto. Es el problema de la disponibilidad y la sobreabundancia: hace años no habría quedado otro remedio que elegir, pero hoy en día se nos agolpa todo y ni siquiera da tiempo a escuchar las cosas debidamente. ¡Como para escribir sobre ellas! Al menos, vamos a hacer un repaso telegráfico (y, en lo posible, videográfico) a ocho novedades.

Lagartija Nick – Los cielos cabizbajos

A este sí que le he dedicado algo más de tiempo. Con Lagartija Nick lo hago siempre, pero es que además este es uno de sus discos ambiciosos, osados, especiales, que perdurarán o deberían perdurar de algún modo. Los cielos cabizbajos plasma un proyecto de Jesús Arias, el hermano de Antonio fallecido en 2015, y se centra en varias ciudades bombardeadas. Me maravilla en general y me remaravilla en particular cada vez que llega este tema.

Nick Cave – Ghosteen

Seguimos con palabras mayores. El nuevo de Nick Cave es uno de esos discos que parecen inseparables de su contexto, ya que canaliza el dolor provocado por la muerte en accidente de su hijo adolescente. En las antípodas de la rabia ciega y el extremismo del primer Cave, es un disco bello, delicado, vulnerable, con momentos tan conmovedores como este, en el que Cave examina el sufrimiento de su pareja.

Los Punsetes – Aniquilación

Vamos a levantar un poco el ánimo, después de dos obras tan graves, con lo nuevo de Los Punsetes. Más allá de contar en cuántas canciones pronuncia Ariadna la palabra mierda, uno siempre puede estar seguro de que cada entrega del grupo madrileño le vigorizará y le proporcionará unos cuantos momentos memorables. Todos los discos de Los Punsetes son buenos, pero el futuro grandes éxitos va a ser imprescindible gracias a canciones como esta.

La Bien Querida – Brujería

Conozco personalmente a varios haters de La Bien Querida y de verdad que, cada vez que les oigo expresar su opinión, me invade una sensación de incredulidad: a mí la carrera de Ana Fernández-Villaverde me parece de una solidez apabullante. Tenía un poco de miedo al cambio de productor (que la introduce en el universo de los necesarios Axolotes Mexicanos), pero este disco de hechizos y enamoramientos funciona, ya que estamos, como un bálsamo curativo. Nadie en nuestro país ha adaptado mejor el pop rutilante de New Order. Mi hija de 3 años, por cierto, ya se ha aprendido el estribillo de esta canción.

Big Thief – Two Hands

Van tan sobrados que este es su segundo álbum de este año. Podría mentirles diciendo que he escuchado mucho el anterior, pero es uno de esos discos que se me han quedado un poco aparcados, en espera de escuchas más detenidas que probablemente jamás llegarán. Con este, en cambio, he sintonizado de inmediato, quizá por su planteamiento menos etéreo y más directo. Gran parte de la culpa es de esta canción, que me parece una nueva cumbre de Adrianne Lenker (a la que tienen en la foto de arriba) y compañía. ¡Y hay que ver cómo les queda en directo!

Kacy & Clayton – Carrying On

Es curioso, pero he estado a punto de citar a Mocedades dos veces en este repasillo. Bueno, de hecho lo voy a hacer: la otra ha sido con La Bien Querida, que me produce una sensación de limpieza y saneamiento mental similar a la que experimento con el legendario grupo bilbaíno, y la otra es con el dúo Kacy & Clayton, que me hizo pensar varias veces en ellos durante su concierto en Bilbao. En fin, los primos canadienses han editado una nueva entrega de esta música suya, tradicional pero siempre con esa guitarra inquieta y sorprendente. Sus canciones se sostienen incluso cuando, como aquí, relegan la voz cristalina de Kacy a los coros.

Serpiente – Krisanteilu

Tenía muchas ganas de que el trío bilbaíno editase su primera entrega larga, porque me encantó el rock recóndito, sugerente y casi ritual de su EP de debut. En realidad, la entrega larga es también bastante corta, porque la mayoría de los temas son extremadamente breves, como llamadas inquietantes que invitan a entrar por la boca de una cueva, pero mantiene y prolonga el encanto y el misterio de su post-punk sin guitarra. Ah, presentan el disco este domingo a mediodía en un lugar secreeeeeto: para acudir hay que apuntarse en su correo electrónico, serpienteband@gmail.com

Los Nikis – Los Nikis contraatacan

¿Alguien puede resistirse a 65 canciones seguidas de Los Nikis? Pues eso.

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Foto: Renaud Monfourny

A menos que caiga rendido de inmediato, no resulta fácil venderle a nadie la música de Television Personalities. Un periodista de The Quietus ha descrito a su líder, Dan Treacy, como «el outsider de los outsiders», y ciertamente el hombre ocupa un espacio tan personal en la historia del rock británico que a veces parece un marciano incapaz de adaptarse a nuestras costumbres. Por aquí ya hemos hablado de su banda y de su música preciosa y emotiva, pero también imperfecta hasta rozar el autosabotaje, sin grandes exigencias en materia de afinación y producción. Si se conecta con ese planteamiento, los Television Personalities pueden ser adictivos y embriagadores, como un extracto de la historia del pop que traslada al oyente hacia un mundo propio, donde reinan la ilusión (a menudo hecha pedazos), la poesía y la vulnerabilidad.

El sello Fire acaba de lanzar una elegante recopilación de todos los sencillos de la banda, reunidos en dos volúmenes: Some Kind Of Happening abarca desde el año 78 hasta el 89, mientras que Some Kind Of Trip se centra en el periodo 90-94. El generoso e intoxicante tracklist incluye un buen número de rarezas (desde temas de flexis hasta otros que aparecieron en tributos a otros artistas), pero aquí vamos a incluir como muestra uno de sus clásicos, el minimalista y entrañable I Know Were Syd Barrett Lives. Y ojo, que seguimos debajo, saliéndonos un poco por la tangente.

Por si los 64 temas de Television Personalities se les hacen insuficientes, estos días ha aparecido además (¡por fin!) el álbum del misterioso Mick Trouble, de quien también hablamos en su momento por aquí. A Trouble se le presentó hace un par de años como una figura perdida de la escena británica de principios de los 80, cuya carrera se truncó justo cuando estaba a punto de despegar. Su legado se esfumó de la historia hasta que apareció un máster de sus canciones debajo de un bote de galletas en un sótano. Por supuesto, como ya apuntamos entonces, todo eso era una entretenida ficción: Mick Trouble es uno de los álter egos del músico estadounidense Jed Smith, que fundamentalmente se había aplicado a la tarea de reproducir con asombrosa fidelidad y creatividad el estilo de Television Personalities. El EP de cuatro canciones publicado entonces es una maravilla, y ahora aparece por fin su álbum de debut (o de resurrección), quizá menos centrado en los manierismos de Dan Treacy, aunque nadie lo diría escuchando este ‘End Of The Lion’.

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Reconozco que tal vez este blog preste demasiada atención a los discos silenciosos. Normalmente se trata de 4’33’’, la composición de John Cage en la que no suena ni una sola nota: me apasionan sus interpretaciones en directo (sobre todo, por la tensión que implica sobreponerse a la tentación de apretar una tecla, pulsar una cuerda, hacer algún ruido) pero también me interesan sus versiones grabadas, esos discos en los que solo está registrado algún sonido ambiental no intencionado (y a veces ni eso, porque se trata de puro silencio digital). A lo mejor a ustedes les entra mucha risa con este asunto, y lo entiendo, porque a mí también me pasa: ante 4’33’’ me debato entre el choteo, el desconcierto, la fascinación y el interés teórico. Caramba, ayer mismo volví a citarla en una introducción al noise que publiqué en el periódico, como referente ineludible para la idea de que todo ruido puede ser contemplado como música, aunque para mí lo más sugestivo de todo esto es cómo cambia la manera de escuchar cuando el silencio es activo, cuando hay alguien no tocando o un disco no sonando.

Pero hoy no vamos a hablar de 4’33’’, sino de una prima suya, aunque los responsables rechazan que tenga nada que ver con la pieza de Cage más allá de la (evidente) similitud formal. Me refiero a Silent Meditation, un nuevo elepé silencioso pensado para acompañar sesiones de meditación. El proyecto merece atención por varias razones, entre las que destaca el gracejo de sus promotores a la hora de explicarlo. Eric Antonov y su hijo Ben pusieron en marcha un crowdfunding después de que Ben se comprase en un mercadillo un disco de meditación grabado en los 70, que no respondió a sus expectativas: las voces que guiaban al oyente hacia la paz mental solo lograban apartarle de ese camino. «Pensé sobre ello con seriedad y entonces me di cuenta de que solo quería silencio. Quería un disco que crease espacio. Me imaginé poniéndolo y escuchando la primera cara: durante esos veinte minutos, docenas de pensamientos aparecerían y desaparecerían. Cada escucha sería totalmente diferente, una sorpresa», argumenta el padre. Así se le ocurrió Silent Meditation, un acompañamiento silencioso para meditaciones de veinte minutos, alrededor de quince si se opta por reproducirlo a 45 revoluciones por minuto.

«Nota: no hace falta un tocadiscos para disfrutarlo plenamente. Técnicamente, ni siquiera hace falta el disco», dice Eric, que es un tipo con mucho sentido del humor. «Dicho eso, el silencio es un territorio valioso que se explora pocas veces. Es sorprendente, a veces aterrador, y a menudo lo evitamos. Este disco puede ser un espejo para verte a ti mismo o una nueva ventana al mundo», añade, además de negar específicamente la cercanía a 4’33’’: «La composición de Cage era música y él quería incluir todos los sonidos en esa definición. Esto no es música, ni ha habido ningún músico implicado en esta grabación. Este silencio es muy diferente, es una invitación a observar tu experiencia y una herramienta para hacerlo». El objetivo del crowdfunding era recaudar 600 dólares, pero la suma final bordeó los 6.000, para que vean la demanda que tienen los discos silenciosos: si alguien está interesado y se le pasó, puede conseguir el disco (en vinilo traslúcido) en tiendas online como Norman Records. Y, después, darse el lujo de reproducirlo a volumen brutal sin temor a los vecinos.

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¿Les apetecen unas cuantas canciones bonitas? Son una de cada madre, pero todas muy agradables y transversales, y me da rabia que se me acaben escurriendo sin salir por aquí. Si tuviese tiempo, aumentaría la lista a diez o doce, pero me temo que tendré que conformarme con tres, que no sé si llega siquiera a ser playlist.

Empezamos con Hierophants, los individuos escalonados de la foto de arriba. Hace cuatro años me gustó un montón el álbum de debut de estos australianos colgadetes, hasta el punto de que estuvo a punto de entrar en mi minilista de fin de año. Después desaparecieron de mi radar, y creo que del mundo en general, hasta ahora, cuando vuelven a asomar la cabeza con este tema igualmente deslumbrante, disfrutable e inclasificable, adelanto de su segundo disco. A mí, el punto naíf de Limousine siempre me hace pensar en la nueva ola alemana.

Fovea Hex es el proyecto preciosista y onírico de la irlandesa Clodagh Simonds, inquieta veterana del folk que ya cantaba en aquellos remotos primeros discos de Mike Oldfield. Aquí somos muy devotos de su reelaboración vanguardista de los sonidos celtas, y lo cierto es que no entiendo por qué no tiene más repercusión. Lo que vamos a escuchar es un remix de su tema All Those Signs a cargo del misterioso Abul Mogard, que estira el tema más allá de los veinte minutos, lo retitula We Dream All The Dark Away y lo acerca quizá a los dominios de Sigur Rós. La remezcla, que más bien es versión, tiene ya más de un año, pero la he descubierto a hora en un disco recopilatorio que ha editado Mogard.

Tampoco sé si se le ha hecho mucho caso a 3×4, el disco conjunto que sacaron hace unos meses cuatro grupos del Paisley Underground, la escena californiana de los 80 que bebía de la psicodelia y los Byrds. Se trataba nada menos que de The Bangles, The Dream Syndicate, Rain Parade y The Three O’Clock, cada uno versionando a los otros tres. Todo suena muy bien, pero les traigo la canción que se ha instalado con más fuerza en mis listas, este That’s What You Always Say de The Dream Syndicate en manos de las Bangles.

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Soy muy consciente, dolorosamente consciente, de que tengo el blog reducido a su mínima expresión. Evadidos se ha convertido en uno de esos estudiantes remolones que calculan el esfuerzo justo para cumplir con su obligación: las secciones fijas (la canción de la semana y los conciertos del mes) aparecen de manera más o menos puntual, pero cada vez es más raro que saque tiempo para contenidos más ambiciosos. Y, para colmo, el propio planteamiento de la canción de la semana, con esa autoexigencia de no repetir nunca artista, me obliga a prescindir de muchas novedades de bandas que me gustan un montón. Así que vamos a hacer un pequeño mercadillo de novedades con ocho temas variadísimos, recién salidos (bueno, de febrero aquí, más o menos) y firmados por artistas que han tenido canción de la semana. Nuestros santos patrones, ya saben. Eso sí, no se esperen grandes desarrollos argumentativos, que no tengo tiempo.

Cate Le Bon. La vocalista galesa, que me parece una de las artistas más interesantes de la última década, ha editado este Daylight Matters como adelanto de su quinto álbum, anunciado para mayo. El vídeo mantiene el nivel de extravagancia consustancial a esta mujer, pero la canción me parece uno de sus logros más accesibles, tarareable desde la primera escucha y directamente memorable a la cuarta o la quinta.

El Lobo en Tu Puerta. Los lobos de Chiclana editaron a finales de febrerillo Guantánamo, un EP «falsamente conceptual» dedicado a cuatro futbolistas. Yo comparto con uno de los miembros del trío la escasa afición al deporte de marras (lo de Guantánamo va por la tortura de escuchar partidos en la furgoneta), pero podría interesarme si en los estadios pusieran temazos como este Dani Güiza And The Lizard Wizard, que es también uno de los títulos más graciosos del año.

Pixvae. De todos los grupos que han pasado por la canción de la semana, estos franceses quizá sean los más singulares. Lo suyo es una mezcla de folclore colombiano y contundente jazzcore, que ha cristalizado en un nuevo álbum centrado en los sonidos de Cali. Este Canto de lejos sirve como buena muestra de su vanguardia ancestral.

Los Ganglios. Sí, están de vuelta con un disco autoeditado y crowdfundeado que se divide dos vertientes, una más electrónica y la otra más punk, aunque tampoco se piensen que las fronteras quedan muy claras. Aquí me voy, cómo no, al tema con vídeo, porque Los Ganglios son maestros en eso de ilustrar sus canciones: se trata de La última palabra, una reflexión sobre Masterchef que utiliza como estribillo una cita de Pasteur. Eso sí que es una receta interesante.

Big Thief. El cuarteto estadounidense posee la rara virtud de sonar tradicional y absolutamente original a un tiempo, porque su líder, la vocalista y guitarrista Adrianne Lenker, parece simplemente incapaz de hacer las cosas de una manera vulgar. En mayo sale su tercer álbum, del que han adelantado la canción que le da título (U.F.O.F.) y este Cattails obsesivo hasta bordear el trance acústico.

Pet Shop Boys. Una de las muchas cosas que me asombran del dúo británico es la calidad increíble del material que van desperdigando a modo de caras B. En febrero editaron Agenda, un EP que incluye «tres canciones satíricas y una canción bastante triste». Pues bien, la triste es esta preciosa The Forgotten Child, un nuevo hito melancólico de Tennant y Lowe. Su canción de la semana en el blog, por cierto, es otro tema poco conocido de la misma cuerda.

Årabrot. La banda noruega se aparta de su estilo habitual (que quizá podríamos definir como noise de vanguardia) en Die Nibelungen, su banda sonora para la peli muda de Fritz Lang. El disco -atmosférico, absorbente e inquietante- es un extracto de la interpretación que hicieron en directo en Tromsø, ya que la obra cinematográfica en cuestión dura en torno a las cinco horas. Ah, en aquella formación de Årabrot figuraba Andrew Liles, de Nurse With Wound y Current 93, que se ha encargado también de la producción.

Jane Weaver. Y vamos a terminar este paseo con una excursión psicodélica al infinito. La británica Jane Weaver, otra imprescindible, ha anunciado para el verano un álbum que combinará temas nuevos y «variaciones» de canciones ya conocidas. Es el caso de este Slow Motion, cuya versión original aparecía en Modern Kosmology, uno de los protagonistas de la minilista evadida de 2017. Ah, el ojo que encabeza el post viene de este vídeo hipnótico, que quizá requiera una dosis previa de biodramina.

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Empiezo por lo más antiguo, que en realidad es novísimo. Acaba de debutar en vinilo la primera maqueta de Primitivos, grupo fundamental en el rock bilbaíno de los 80. Porque, en efecto, las cuatro canciones del EP están grabadas en 1984 y en su momento no pasaron de las trescientas copias en casete, pero ahora han sido recuperadas por el sello Hanky Panky Records, que les ha sacado lustre hasta dejarlas nuevas o mejor que nuevas y las ha acompañado de un interesante fanzine de veinte páginas. Alguien podría pensar que el disco es una reliquia arqueológica, de interés exclusivo para nostálgicos e historiadores, pero sería un error: sigue sonando muy estimulante, a medio camino entre la Velvet y el punk, con las letras maniacas de Andy Montón y la guitarra imprevisible de Jon Zamarripa.

…

Ya tiene un tiempecito (no tanto como Primitivos, claro) el EP del grupo Mazmorra, que se puede escuchar desde hace meses en todos los rincones habituales pero ahora también se puede comprar en bonito vinilo. Son cinco canciones de un sugerente pop electrónico que mezcla las atmósferas inquietantes del post-punk sintético con mutaciones del reggaetón o la cumbia. Yo siempre lo califico de febril, porque, por alguna extraña razón, me hace sentirme como si sufriese alucinaciones a bordo de una barcaza destartalada en ruta hacia Iquitos. Ya es sugerir, ¿eh?

…

También hay cinco canciones en el debut de Buenas Tardes, Comandante, un cedé de elegante diseño («en formato Digipak de cartón de dos cuerpos, nada de las aburridas jewel case de plástico», puntualizan) que presenta una especie de surtido selecto de sus canciones. Al cuarteto se le suele colgar la etiqueta rápida de shoegaze, pero cultivan el estilo de manera creativa y no rutinaria, cuidando los desenlaces melódicos inesperados (y muy adictivos) y no solo la distorsión. A mí su música emocional, melancólica y reconcentrada me ha hecho pensar en My Bloody Valentine, pero también en Décima Víctima, Alcest o incluso, ejem, The Cranberries en la última canción, aunque supongo que eso será tara mía.

…

Y cerramos este variopinto bazar con Campamento Rumano, un trío singular que ha plastificado cinco canciones en un EP titulado El punk está lleno de sinvergüenzas, ese que con tanta prevención sostiene Marta Sánchez en la foto de arriba. Ellos mismos enumeran sus influencias como «Urinals, KGB, Angry Samoans, Los Reactors, Kaka de Luxe y Los Nikis», y ciertamente practican un punk oligofrénico y encantador, entre la ingenuidad y el desfase, que lo mismo remite a Devo que al sector más perturbado de la Movida.

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Pues bien, aquí está el nuevo disco de estos desinhibidos activistas del sexo, el despelote y la química. Se llama Nos vamos a morir de hacer estrategias de amor (sí, les gustan el amor y los títulos largos y crípticos, qué pasa) y mantiene la línea del anterior, ese indie de corazón punk o punk con pelaje indie que puede abarcar desde las atmósferas oscurísimas hasta cumbia bailable. Y siempre con una lírica rara, sugerente, a veces provocadora y a veces poética. Solo llevo cuatro reproducciones del disco (el otro alcanzó las diez en un solo bucle), así que todavía no tengo claras mis favoritas, pero voy a colarles como aperitivo esta misteriosa Capilla del monte, una de las que canta el ruso Julián y no la rusa Luludot.

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Las siguientes diez o veinte líneas van a ser, seguramente, las más repetitivas publicadas en este blog. De hecho, se han convertido ya en una repetición de repeticiones, un eco casi rutinario de cosas que llevo diciendo desde 2006. Pero no puedo evitar una mención por aquí a lo nuevo de Triángulo de Amor Bizarro, el EP de cuatro canciones El Gatopardo, porque me parece un nuevo disco de nueve y medio, y eso porque me dan repelús los dieces: reconozco que, a estas alturas de su carrera, espero cada nueva entrega suya con el temor de la decepción, que siempre barrunto inevitable, pero los cuatro coruñeses van y se las arreglan para mantener su increíble nivel creativo, renovándose sin traicionar jamás su esencia.

¿Qué ha hecho ahora el mejor grupo del mundo? Pues un EP de inspiración política que abarca desde Isabel la Católica hasta Ciudadanos o algo así, con cuatro canciones variadas y mayúsculas de lírica ambiciosa y entrecruzada. Para mí, hay dos que se han incorporado de inmediato a sus clásicos: Les llevaré mi cruz, que es la que voy a colgar debajo porque le han hecho un vídeo muy chulo, y la que es mi favorita por el momento, la propia El Gatopardo, que me tiene cantando por la casa eso de «amaba tanto a la patriaaaa». ¡Hasta mis dos hijas lo cantan ya, pobres niñas! Porque Triángulo (mira, creo que esto no lo he escrito nunca) son maestros de lo que podríamos llamar microestribillo, un verso con un giro melódico particular que se perpetúa en la cabeza del oyente, condenado a cantarlo en bucle aunque no se sepa ni una palabra más de la letra. Les bastan tres sílabas, como en O Isa, para crear un hit.

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Las ediciones lujosas en vinilo suelen estar reservadas a los álbumes que dejan huella en la historia de la música, así que parece totalmente lógico que el sello Fikasound haya brindado ese tratamiento casi aristocrático a Ciclos Iturgaiz y Rajoy Division. De hecho, han dado un paso más en esta estrategia nobiliaria: los ofertan en un tentador pack conjunto que parece ideal para el Día del Padre, siempre que el padre en cuestión pertenezca al 5% de la población que aprecia estas cosas y no al 95% que se escandaliza por un quítame allá esas pajas, nunca mejor dicho. De los vizcaínos Ciclos Iturgaiz ya hemos hablado por aquí, incluso les dedicamos una canción de la semana con un poco de miedo a que las autoridades nos cerrasen el chiringuito y nos llevasen a juicio por enaltecimiento de algo, y de los valencianos Rajoy Division deberíamos haber hablado más, pero me temo que solo recibieron una alusión tangencial e insuficiente. Vamos a colar un temita suyo, para que sigan cobrando cheques de la SGAE, y seguimos debajo.

Las notas promocionales de ambos discos están entre las mejores que he leído en mi vida, así que les recomiendo echarles un vistazo aquí y aquí. Me ha hecho reír mucho y me ha parecido muy revelador, por ejemplo, lo que dicen de Rajoy Division: «Ninguna otra banda ha hecho tantísimas versiones encubiertas del Just Like Heaven de The Cure», apuntan, aunque yo no tengo claro si versionan a los Cure plagiando a New Order o a New Order replagiando a los Cure. El caso es que ambas bandas, Ciclos y Division, comparten lo esencial de su perfil: son grupos ya disueltos, con apellido del PP y trayectoria internetera, que confeccionaban canciones descacharrantes con vocación de salvaje sátira costumbrista, aunque unos tiraban hacia el tecnopop de dormitorio, heredero de Un Pingüino en mi Ascensor, y los otros saltaban alegremente del remedo mutante de New Order al caos aparente (o real) de The Fall. Les une también que, a fuerza de zambullirse en el mal gusto y lo grotesco como un suicida que se tira desde el acantilado, se puede distinguir en su humor un fondo de desengaño y desazón, o tal vez sea cosa mía al contemplarme a mí mismo en su espejo deformante. Y, finalmente, lo más importante: tanto Ciclos como Division, tanto Rajoy como Iturgaiz, poseen un talento melódico que seguiría sosteniendo sus canciones aunque tratasen sobre temas insustanciales como el amor, el paso irreversible del tiempo o la muerte. De hecho, mi canción favorita de Ciclos Iturgaiz es quizá la menos humorística del lote, este himno nuclear que recoge el legado de Aviador Dro. O a lo mejor es simplemente que soy un blando y no quiero que me empapelen.

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Foto: Anne Valeur

La cantante noruega Susanna (Wallumrød, aunque el apellido no forma parte de su nombre artístico) aparece por aquí cada cierto tiempo. Fue canción de la semana por un tema propio, de aquel disco estupendo que grabó a medias con su compatriota Jenny Hval, aunque admito que lo que más curiosidad suele despertar en mí son sus versiones. Susanna es una versionadora reincidente capaz de llevarse a su terreno canciones dispares, desde ancestrales piezas de folk hasta temas de AC/DC, Kiss, Prince o Joy Division. ¿Y cuál es ese terreno suyo? Pues una música ralentizada y preciosista, a medio camino entre los sellos 4AD y ECM, aunque yo tengo la sensación de que al principio recordaba más la delicadeza filogótica de This Mortal Coil y ahora suena más próxima a la música antigua, quizá por su alianza con una arpista barroca, una acordeonista y una violinista.

Susanna ha sacado disco nuevo, en esa vertiente versionera que hoy repaso en nuestra revista para suscriptores. El repertorio va desde su adorado Purcell hasta el Perfect Day de Lou Reed, pero para mí hay dos cortes que destacan poderosamente. Uno es este de abajo: Freight Train, un tema de Elizabeth Cotten compuesto a principios del siglo XX, que suena liviano y alegre para los parámetros habituales de la artista noruega. El otro es Wilderness, una de las canciones menos populares del Unknown Pleasures de Joy Division, con el que la alquimia de Susanna funciona particularmente bien: el original post-punk se transforma en una pieza difícil de datar, algo así como inquietante folk apocalíptico. Es ya una de mis versiones favoritas de Joy Division. Qué pena que solo haya compartido en abierto estos treinta segundos.

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