¡Qué elenco tan atractivo ha reunido el sello Mute para su próximo recopilatorio! En la caja que se ha anunciado para mayo, STUMM433, participarán con grabaciones inéditas artistas como Wire, Einstürzende Neubauten, Depeche Mode, New Order, Laibach, Lee Ranaldo, Liars, Goldfrapp, Michael Gira, Irmin Schmidt, Moby, Yann Tiersen o los Afghan Whigs, por citar unos cuantos de los más de cincuenta. La cosa tiene un punto débil o un punto fuerte, según se mire: cada uno de ellos aportará su propia versión de 4’33’’, la histórica pieza de John Cage que consta de cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio. O de pretendido silencio, ya saben, porque la vida siempre suena y nosotros también. Aquí siempre hemos sido muy aficionados a seguir atentamente la inagotable actualidad de 4’33’’, que debe de ser la pieza musical mencionada más veces en el blog: desde la campaña para convertirla en el número uno de las listas navideñas del Reino Unido hasta la aplicación de móvil para que cada uno grabe su propia versión, pasando por la «respuesta definitiva» y un poco demente que planteó Keiji Haino.

Yo creo que el auténtico sentido de 4’33’’ es interpretarla sin aliños que la hagan más llevadera, pero el medio centenar de silencios que han grabado los artistas para Mute estará acompañado de otros tantos vídeos. Ya se ha difundido el primero, el de Laibach, una especie de performance con un chasqueante disco de 4’33’’ que se pueden imaginar a partir del fotograma de arriba y ver en el vídeo de abajo. Ah, lo que más me gusta del proyecto, la guinda bonita, es que parte de los beneficios irá destinada a la asociación británica de prevención de los acúfenos, el pitido constante en los oídos que afecta a tantos músicos y aficionados, incluido (en un grado bastante leve) un servidor. Esa frecuencia aguda e incesante hace, por supuesto, que los 4’33’’ que escucho sean menos silenciosos todavía.

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Entre quienes trabajaron con él, parece existir unanimidad en que Trevor Key debería ser mucho más conocido. Su trabajo como fotógrafo y diseñador le llevó a crear algunas de las portadas de discos más recordadas de los 70 y los 80, en un itinerario profesional que saltó barreras estilísticas y le llevó a trabajar con estrellas del rock progresivo, del punk y del pop electrónico: resulta complicado dar con otro personaje que sirva para enlazar nombres como Mike Oldfield, Jethro Tull, Sex Pistols, X-Ray Spex, New Order, Wham! y Pet Shop Boys, por citar algunos de los artistas que contaron con sus servicios. En ese reconocimiento tan cicatero a su tarea han influido dos factores. Por un lado, estaba la propia forma de ser de Key, un hombre poco dado a protagonismos, con una visión idealista del negocio que le llevaba a no aparecer siquiera en las agendas telefónicas del sector. Por otro, tampoco ha favorecido su muerte temprana: falleció en 1995, con 48 años, a causa de un tumor cerebral, y en estas dos décadas su figura ha ido cayendo en un injusto olvido.

En un intento de reivindicar su legado, se ha organizado una exposición que ha ido recorriendo varios recintos de Hull, su ciudad natal, hasta final de año. La muestra tratará de compensar también otra manifestación de la desmemoria, que consiste en reducir la carrera entera de un artista a su obra más emblemática. En el caso de Trevor Key, no existe ninguna duda: ese trabajo que ha acabado eclipsando a todos los demás es su portada para Tubular Bells, el álbum de debut de Mike Oldfield, editado en 1973. El propio fotógrafo estaba un poco cansado ya de que vinculasen automáticamente su nombre a aquel trabajo por el que cobró cien libras, pero resulta muy difícil sacudirse el peso de un disco que ha vendido más de quince millones de copias y que, para colmo, ha sido actualizado repetidas veces en nuevas versiones musicales y visuales.

Mike Oldfield cuenta en su biografía que su idea para la carpeta de Tubular Bells era una campana hecha añicos. Trevor Key –que, en su prehistoria, había ejercido de asistente en la portada del Let It Bleed de los Stones– transformó esa sugerencia en algo radicalmente distinto: una campana tubular (el instrumento que da nombre al disco y que remata grandiosamente su primera cara) doblada y con los extremos cruzados. La imagen, una de las más identificables de la historia de la fonografía, es una superposición de dos fotos, una técnica que entonces se llevaba a cabo de manera artesanal y en la que Key era un auténtico virtuoso: el fondo es una playa de la costa sur inglesa, sobre la que flota la extraña campana, que el propio Key construyó y fotografió en su estudio. A Oldfield, el resultado le impresionó tanto que exigió que el título y su propio nombre apareciesen con la tipografía y el color menos intrusivos posible, para no competir con la fuerza de la imagen.

El estudio que Trevor Key compartía con su amigo Brian Cooke, bautizado simplemente como Cooke Key, se convirtió en algo así como el departamento de diseño de Virgin, la compañía discográfica creada por Richard Branson e impulsada al estrellato por el éxito casi inconcebible de Tubular Bells, que había sido su primera referencia. Key y Cooke solían trabajar por separado (nuestro hombre se ocupó también de otros discos de Oldfield, como Hergest Ridge, Incantations o Platinum), pero hay algo que hicieron juntos, como empresa: la Virgin necesitaba urgentemente un logotipo y a sus responsables les gustaba mucho el que utilizaba Cooke Key, escrito a mano por un calígrafo de Covent Garden. De modo que, cuando recibieron el encargo, acudieron al mismo profesional y le propusieron un diseño con la uve muy marcada, como si fuese uno de esos signos que se utilizan al corregir ejercicios o exámenes. Después fotografiaron el manuscrito y modificaron los bordes de las letras. El calígrafo cobró 250 libras y el estudio, 2.000, unas cantidades apreciables pero evidentemente bajas para un logotipo que acabaría extendiéndose por todas las ramificaciones del imperio Virgin: «Pensábamos que aparecería en unos cuantos discos», ha explicado Cooke, que ha acabado viéndolo en trenes, bancos, aviones y hasta naves espaciales.

La alianza con Virgin llevó a Trevor Key a trabajar con los Sex Pistols, para los que confeccionó abundante cartelería y también las portadas de algunos de sus discos póstumos, como los feístas Flogging A Dead Horse o Some Product. En los 80, desligado ya de Cooke, inició una colaboración con uno de los grandes mitos del diseño discográfico, Peter Saville, responsable de la innovadora imagen gráfica del sello Factory. «Fue mi mejor amigo y mi colaborador más importante desde el día que lo conocí», ha resumido Saville. Juntos concibieron y dieron forma a varias portadas de asombroso cromatismo para New Order, como la del álbum Technique o las de los sencillos y maxis de Round & Round, Fine Time y True Faith. Esta última, quizá la más recordada, muestra una simple hoja amarilla sobre fondo azul, fotografiada con una técnica desarrollada por Key. El propio Saville ha contado en Creative Review cómo recorrieron juntos Windsor Great Park en busca de la hoja perfecta, en lo que «parecía una escena de Monty Python».

Mientras tanto, Key seguía haciendo sus propios trabajos, con portadas para grupos y artistas como Wham!, Jethro Tull, OMD, Simple Minds, The House Of Love o, en repetidas ocasiones, Peter Gabriel y Phil Collins. Aunque Key es conocido sobre todo por sus superposiciones de imágenes y sus experimentos de laboratorio, en el caso de los dos exmiembros de Genesis muchas de sus portadas son esencialmente retratos. En el texto de presentación de su retrospectiva, Peter Gabriel destaca este rasgo poco conocido del homenajeado: «Trevor era un fotógrafo maravilloso. Con su forma de ser tranquila y amable, sabía encontrar la manera de que el retratado se relajara y capturaba momentos naturales de forma muy precisa».

(publicado originalmente en la revista para suscriptores Musi-K)

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Post tags: diseño, fotografía, Mike Oldfield, New Order, Peter Gabriel, Peter Saville, Sex Pistols, Trevor Key, Virgin

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Este año, el cartel del Bilbao BBK Live me ha obligado a superar mi festifobia, más acentuada a medida que voy acumulando años, y subir los tres días a Kobetas. Y no me arrepiento, aunque he vuelto a confirmar que no es mi ambiente y que, a menudo, la masificación implica renunciar a todo lo que más me gusta de la música en directo. El caso es que, de todos los conciertos a los que he asistido, dos me han parecido memorables: el de los Pixies (debí de tener suerte, porque desde mi sitio se escuchó todo perfecto, sin los problemas que han relatado Cubillo y más personas) y el de Nudozurdo. Y digo memorables porque hablo de manera subjetiva, no con la intención de emitir un dictamen imparcial de crítico robótico. Los Pixies partían con toda la ventaja del mundo, claro, porque son uno de los grupos más importantes de mi vida, pero superaron mis mejores expectativas con un repertorio inapelable que incluso me hizo tolerables las canciones nuevas. En concreto, enloquecí un poquito con la tanda Isla de Encanta/Broken Face y me maravilló la sucesión de Gouge Away/Hey/Rock Music/Tame/Nimrod’s Son. En cuanto a Nudozurdo, son uno de los escasos grupos en los que me creo eso de la música como necesidad expresiva, como manera de acorralar a unos cuantos fantasmas y expulsarlos un rato fuera de la cabeza, aunque puede que en eso me influya la inquietante presencia escénica de su líder. Disfruté como un perro en su actuación, fotografiada arriba por el amigo Santi Tejada.

El mal sonido hizo que otros dos conciertos que también deberían haber sido memorables se quedasen a medio camino. A New Order los escuché bajísimos, con un volumen ilógico que entremezclaba los instrumentos en una pulpa indiscernible: es pecado, por ejemplo, interpretar The Perfect Kiss sin que el bajo remonte su majestuoso vuelo, aunque de todas formas me emocioné en algunos momentos, especialmente en Ceremony. Y lo de Triángulo de Amor Bizarro me dio mucha rabia, porque los he visto ocho o nueve veces y siempre habían sonado perfectos, nítidos en su ensordecedor desbarre distorsionado: ayer, en cambio, parecían estar tocando al fondo de una gruta. ¡Con lo bien que se les había escuchado a través de monitores en la prueba de sonido!

Me gustaron mucho Courtney Barnett y lo que presencié de José González. Me encantó cómo estaba acondicionado Basoa, el nuevo entorno electrónico, aunque dos de las tres veces que pasé por allí me decepcionó lo que pinchaban. Me dio mucha rabia no poder ver entera a Grimes: aproveché para marcharme cuando sufrió el apagón, para coger sitio en Pixies. Volví a comprobar que algunas canciones de Arcade Fire poseen la capacidad de aburrirme mortalmente, sobre todo a un volumen tan ridículamente bajo como el que tuvieron (que sí, que sí, que otras me gustan mucho). En el extremo opuesto, me anonadaron con su derroche decibélico los animales de Slaves, que me obligaron a largarme para proteger mi tocado oído izquierdo. Y reconozco que uno de mis mejores ratos fue una especie de loca huida del talante festivalero: a los punks ingleses Bad Breeding los vimos unos cuarenta desheredados (cinco minutos antes de su actuación, cuando llegué, no había nadie frente al escenario) y después de su intensa media hora aún me dio tiempo de escuchar mis dos favoritas del repertorio de los contundentes Juventud Juché, Carne y Fuera. Fue como un desahogo por unas cuantas blanduras que ni siquiera mencionaré. En la fotito de aquí al lado tienen al cantante de Bad Breeding, el tío de negro: acabó el concierto abajo, entre el público, y una animosa instagramera se acercó a sacarse un selfi con él, que la rechazó con apurado gesto de espanto, como diciendo que los punks no suelen hacer esas cosas.

Ah, y por fin tuve delante a mi supuesto doble Abraham Boba, el cantante de León Benavente, después de que decenas de personas me hayan dicho que me parezco tantísimo a él: en realidad, nuestras facciones no tienen nada que ver, pero el pelo y la barba son tan similares que yo mismo me sentí raro en algunos momentos. El arranque del concierto de León Benavente me pareció arrollador, pero conmigo no funcionó la segunda mitad, que me fue dejando cada vez más frío en mitad del frenesí generalizado. “¿Recuerdas cuándo fue la última vez que escuchaste a los Smiths, a la Velvet o a Kortatu?”, adaptaron la letra de Aún no ha salido el sol. Aunque yo no acabo de sintonizar con lo suyo, apostaría a que la próxima vez van a estar en el escenario grande.

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Post tags: Bad Breeding, Bilbao, Bilbao BBK Live, festivales, Juventud Juché, León Benavente, New Order, Nudozurdo, Pixies, Triángulo de Amor Bizarro

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Hay gente por ahí que dice que se ha dado cuenta en la primera escucha de lo buenísimo que es el nuevo álbum de La Bien Querida, Ceremonia. Pues bien, yo no. De hecho, mi primer contacto con Arenas movedizas, el tema que difundieron como avanzadilla, resultó simplemente en desconcierto y un conato de aversión: no me acababa de encajar la Ana Fernández-Villaverde más folclórica con esas bases de electronic body music. En realidad, ni siquiera me empezaba a encajar. Y con el álbum en su conjunto me estaba ocurriendo lo mismo, pero el minutaje se me pasó volando y algo me hizo pulsar de nuevo el play, y otra vez, y vengaaaa… Y el caso es que llevo seis siete escuchas prácticamente seguidas del disco entero y ahora sí, ya estoy convencido de lo buenísimo que es el nuevo álbum de La Bien Querida. Yo ya era fan (si pinchan en La Bien Querida ahí arriba, en esa línea inútil que dice tags, les saldrán nada menos que siete entradas del blog), pero aquí han vuelto a ganarme: no desde cero, porque se mantienen la voz, el estilo vocal inconfundible, las letras y las melodías, pero sí desde un replanteamiento total del estilo del grupo, que ahora fluctúa entre New Order (hey, al fin y al cabo han hecho la gracia de titularlo Ceremonia), el tecno belga, Sally Shapiro y el krautrock, o algo así. En vista de su capacidad para reinventarse como pop electrónico, espero que algún día cumplan lo que han insinuado a veces y también hagan un álbum entero de ruidismo guitarrero a lo Sonic Youth.

Les recomiendo, por cierto, esta entrevista en Playground. A mí David Rodríguez (ya saben, la otra mitad del grupo y, según entiendo, un tercio de la familia) me suele incomodar un poco con la acidez de su discurso, pero da gusto leer a una gente capaz de citar en tan poco tiempo a Kraftwerk, New Order, Spacemen 3, Neu!, Whitehouse, Wire y Ser padres hoy. Buena parte de mi vida, vamos. Les dejo con A veces ni eso, con la promesa solemne de que Peter Hook no forma parte de la banda.

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Post tags: Ceremonia, discos, La Bien Querida, lanzamientos, New Order

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«Como sabe cualquiera que haya visto Alta fidelidad, a todo el mundo le gusta una buena lista», dicen los chicos del NME, que están confeccionando una serie de rankings con las cien mejores canciones de cada década desde los 50. En realidad, como sucede siempre que estas cosas se deciden mediante votación, se están eligiendo las canciones sobre las que existe mayor consenso, y por eso las listas se van volviendo más discutibles a medida que avanzan en el tiempo y entran en terrenos que todavía no se han asentado: las de los 50 o los 60 son lotes de vacas sagradas a los que resulta difícil poner objeciones, a menos que uno sea un conocedor en profundidad de la época, pero las de los 80 o los 90 (la siguiente aún no ha salido) son objeto de indignada controversia, porque todo el mundo parece echar en falta algo y creer que sobra mucho.

Les copio abajo los cinco primeros puestos de cada lista, aunque aquí pueden consultarlas enteras. Son anglocéntricas y reduccionistas, como la propia revista que las publica, y a mí me han ido confirmando lo que ya sabía: que mis décadas favoritas son los 80, porque en su mayor parte los viví con pleno aprovechamiento, y los 70, porque simplemente me gustan, o al menos me gusta mucho una parte de ellos. De los 60 y los 50 sé poco, lo compruebo una vez más y lo admito con gran sentimiento, y los 90 son para mí la década perdida: ¡qué indiferente me deja el 80% de esa lista! ¿Y cómo puede ser que R.E.M., y más en concreto el Losing My Religion de R.E.M., no aparezca hasta el número 49? A modo de desagravio, tienen a Michael Stipe en la foto de arriba, tomada por Ignacio Pérez en el concierto de San Sebastián de 1995.

Años 50:
1. Chuck Berry – Johnny B Goode
2. Elvis Presley – Hound Dog
3. Jerry Lee Lewis – Great Balls Of Fire
4. Little Richard – Tutti Frutti
5. Howlin’ Wolf – Smokestack Lightnin’

Años 60:
1. The Beatles – A Day In The Life
2. The Ronettes – Be My Baby
3. The Beach Boys – Good Vibrations
4. The Jimi Hendrix Experience – All Along The Watchtower
5. The Shangri-Las – Leader Of The Pack

Años 70:
1. Sex Pistols – God Save The Queen
2. Fleetwood Mac – Go Your Own Way
3. The Clash – London Calling
4. David Bowie – Heroes
5. The Ramones – Blitzkrieg Bop

Años 80:
1. New Order – Blue Monday
2. Joy Division – Love Will Tear Us Apart
3. The Smiths – How Soon Is Now
4. Talking Heads – Once In A Lifetime
5. The Specials – Ghost Town

Años 90:
1. Pulp – Common People
2. Nirvana – Smells Like Teen Spirit
3. Suede – Stay Together
4. Radiohead – Paranoid Android
5. Manic Street Preachers – Motorcycle Emptiness

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Vaya, qué pocos nos hemos quedado. ¡Si es que nos tenemos que mentalizar de que los interesados por estas cosas somos cuatro! En fin, que yo siempre había atribuido a los tres supervivientes de Joy Division una especie de vínculo especial, como un vestigio de misticismo: del mismo modo que cambiaron de nombre -no tanto de estilo, porque hay más continuidad de la que parece- después de suicidarse Ian Curtis, suponía que jamás seguirían como New Order el día que faltase alguno de ellos. Pero ahí lo tienen, se ve que no se les ocurre ningún otro bautismo de resonancia nazi con el que comenzar una nueva etapa. Eso sí, lo que más me ha aterrado es un comentario que aparece en el foro de su página: un tipo dice que se rumorea que está abierta la contratación para festivales de… ¡¡¡Joy Division!!! ¡Con el tío que interpreta a Curtis en Control interpretando a Curtis en el escenario! No lo quiera Dios, pero, en caso de que se atrevan, que lleven a los valencianos Rajoy Division como teloneros, para subrayar desde el principio que todo es una farsa.

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Post tags: Joy Division, New Order

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Post tags: Joy Division, Manchester Passion, New Order, Oasis, Semana Santa, Stone Roses, The Smiths

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Aquí, en España, el franquismo congeló la cultura e impidió que toda una generación sintonizase con lo que ocurría en el resto del mundo. Ya sé que, en los suplementos dominicales, aparece de vez en cuando gente que cuenta sus batallitas de mayo del 68, pero suele tratarse invariablemente de eso que uno llamaría pijos perdidos. El problema es que, acabada la dictadura, no se ha producido el deseable reenganche a la historia, porque quizá haga falta más tiempo para que todo se normalice: al fin y al cabo, buena parte de los mayores de 40-50 años, que son los que manejan el cotarro, ni siquiera saben quiénes eran los Sex Pistols. Sigue habiendo personas que, para demostrar que son modernas, dicen que les gustaban los Beatles -normalmente usan el verbo así, en pasado- y las teles han recambiado los Raphaeles y Rocíos por las figuras procedentes de OT y sus inconcebibles clones. El rock se contempla aún como un pecadillo de juventud yeyé y, quizá por ello, no existe una aristocracia rockera como la anglosajona, más allá de figuras tan discutibles como Miguel Ríos, Ramoncín o Loquillo. ¿Quién sería el Morrissey español? ¿Quiénes los New Order? ¿Y hay algún Antony además de Falete?

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Post tags: Antony, España, Londres, Morrissey, New Order, Reino Unido

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En los últimos años, el hombre se gana un sobresueldo majo viajando de aquí para allá con su maleta de discos -concretamente, según he leído por ahí, de cedés– y pinchando en sitios más grandes la misma música que pondría en casa, en estricta aplicación de esa figura que los ingleses denominan celebrity DJ. «Se trata de compartir algunos de tus discos favoritos. El inconveniente para mí es que, cuando empecé a pinchar, lo último que quería era poner canciones de New Order. Tenía la sensación de que debía hacer otra cosa cuando salía
por ahí a pinchar, pero la cuestión es que la gente desea oírte a ti y ver que te lo pasas bien con tus propias canciones», explicó hace tres meses al King County Journal. Así que esperen su poquito de New Order y su poquito de Joy Division, aunque parece que al bueno de Hook le priva el rollo bailongo y tiende a hacer sesiones más dance que otra cosa: escuchen esto, que es un set supuestamente centrado en sus propios grupos, y me comprenderán. ¿Confirmará en Fever nuestra idea de que un DJ puede ser la cosa más aburrida del mundo?

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Quizá por eso me alegro tanto cuando me engancha un grupo español del que no tenía pistas. Me ocurrió ayer con Triángulo de Amor Bizarro, unos chicos de Coruña para quienes vale todo lo que dije hace un par de semanas de Psychic Ills, porque también chupan hasta hartarse del rock ruidoso británico de los ochenta, al que los gallegos añaden una dosis importante de Surfin’ Bichos en la manera de cantar. El nombre es un espanto, una bizarra traducción del ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order (qué canción tan buena) capaz de disuadir a cualquiera, pero les aseguro que hay por ahí bautismos mucho peores. Además, lo que importa es la música, que suena viva y no como un regurgitado de referencias chic. No me voy a enredar en más descripciones, porque pueden bajarse su maqueta enterita aquí y ponerme a parir si no les gusta.

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