Los lectores no lo saben, pero en esto de la canción de la semana tiro a veces de asesores, o más bien de asesoras: mi música suena en casa, claro, y de vez en cuando mis hijas (14 y 10 años) se pronuncian sobre alguna canción, normalmente con un tono tajante más propio de un crítico pontificador. Y ya se pueden imaginar que, si menciono esto justamente hoy, es porque el tema que nos ocupa ha recibido la decidida aprobación de una de ellas, en este caso la pequeña, que recibió con entusiasmo el nuevo sencillo de The Corner Laughers. Y lo dijo justo cuando yo estaba pensando «pero qué buena es esta canción», así que…

Hasta ahora no conocía de nada a esta gente que se ríe en las esquinas, pero veo que llevan desde principios de siglo con sus canciones de indie folk, por describirlo de la manera más rápida. Ojo, que ese componente folk no es ninguna broma: al empezar a escuchar por primera vez su nuevo sencillo, este radiante Rainbow Cardigan, tuve dudas de si no estaría escuchando una joya perdida de alguna banda de folk rock de finales de los 60 o principios de los 70. Y, puestos a dudar, ni siquiera tenía muy claro a qué lado del Atlántico adscribirla. Y algo de puente debe de haber, porque leo que The Guardian se refirió a ellos en alguna ocasión como «unos Belle & Sebastian de la Costa Oeste». En efecto, se trata de un cuarteto californiano y al frente está Karla Kane, a la voz y al ukelele eléctrico, pero la inspiración parte en este caso de las islas británicas, más concretamente de un jersey arco iris que la vocalista se compró en la localidad inglesa de Kendal. De ahí surgió la letra sobre «una pieza textil que representa el tejido del tiempo y el espacio», según ha explicado, y también sobre cómo unas veces nos sentimos «horrorosamente antiguos» y otras seguimos siendo niños pequeños. «Subí al castillo de Kendal un día frío y lluvioso, / vi las ruinas a nuestro alrededor y el pueblo tan viejo y gris, / envuelta en un jersey de arco iris para mantener la tristeza a raya. / Fui por el cementerio silbando, porque no sabía el camino; / di tumbos por los charcos de barro, más allá de los muros de piedra derruidos, / envuelta en un jersey de arco iris para mantenerme al margen de todo», dice la letra, que se puede seguir cómodamente en este lyric video con imágenes (supongo) de la excursión familiar.

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Yo lo atribuyo a la edad, porque hay un momento en el que empiezas a vincular todo cambio con el hecho de hacerte viejo, pero el caso es que noto en mí un aprecio creciente por un tipo muy determinado de grupos: es el caso de los escoceses The Sexual Objects, que acabaron en mi minilista del año pasado, y de nuestros protagonistas de hoy, los estadounidenses Sunday Mourners, que tienen ya bastantes probabilidades de colarse con su debut en la selección del próximo diciembre, hala. ¿Y cómo los describo? No sé hacerlo bien ni yo, que soy el que se está metiendo solito en el berenjenal: tienen un sonido eminentemente clásico, pero en el corazón de ese formato más o menos convencional se esconde una libertad absoluta, una sensación de posibilidades ilimitadas. Hoy venía escuchando a los Sunday Mourners con cascos (y con el balance mal, porque llevo una semana con el oído derecho bastante taponado) y pensaba que, aunque ellos citan el post-punk, a mí me suenan más a pre-punk, a inmediatamente pre-punk, como si brotasen de aquel caldo cósmico de inconformismo y sobreabundancia de ideas donde se gestó el movimiento.

El primer nombre que viene a la cabeza es el de Television (ya saben, el grupo que menos he oído en comparación con las veces que los cito, y esta es una más) y ellos mencionan también, con razón, a los Voidoids. También pienso a veces en The Only Ones, aunque posiblemente sea porque ahí en el fondo está latiendo siempre la Velvet, e incluso hay un momento en el disco que me ha evocado de manera inesperada y gozosa a Los Bichos, mi grupo fetiche. Podríamos decir, se me ocurre ahora, que beben de los mismos manantiales que los Strokes, pero sin estar tan condicionados por el estribillo resultón y el impacto rápido: aquí la música fluye y los tíos se permiten, por ejemplo, añadirle una larguísima coda repetitiva a uno de los temas y colocarlo el tercero del lote, y no el último como haría la mayoría. Con tanto rollo ni los he presentado, por cierto: los Sunday Mourners (algo así como los afligidos del domingo, en plan funerario) son un cuarteto fundado en pandemia que se ubica en California pero, en realidad, es un popurrí de procedencias estadounidenses. Cualquiera de los diez temas del disco podría ir aquí, y de hecho he estado a punto de elegir la balada que deriva en trance y se extiende hasta los doce minutos, pero al final me he quedado con la acometida directa de Biograph.

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Ahora, a principios de este año, ha salido el tercero, III, y supone todo un cambio. Aquí lo que suena es ya una banda completa, un cuarteto con su segunda guitarra y su batería, es decir, la formación que apañaron para dar conciertos. Y, según observo, el repertorio son temas que habían aparecido en sus álbumes anteriores, pero reforzados (y, a menudo, acelerados) con este nuevo tratamiento. En el caso de este Floor, cuya versión original aparecía en su debut, de 2021, la canción ha experimentado además un notable alargamiento propiciado por el juego de guitarras: ha pasado de tres minutos a cinco y medio, la más larga del lote. Con ella inauguramos las referencias del año nuevo, este 2026 que aún no nos hemos acostumbrado a escribir.

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Hoy publicamos un cuadernillo especial para celebrar el 115 aniversario del periódico, y la idea era retratar en la actualidad a personas que protagonizaron en algún momento una portada: tenían que posar con una reproducción de aquella primera plana de antaño, juntando pasado y presente. Claro, la cosa se volvía más difícil a medida que nos remontábamos en el tiempo: primero, porque la gente tiene la fea costumbre de fallecer o, simplemente, se vuelve difícil de localizar, pero también porque hace cuarenta años la idea de la portada era distinta, menos propensa a sacar gente ‘normal’ y, además, copada a menudo por las barbaridades de ETA. A mí me ha tocado bucear en portadas tirando a viejitas para ver si daba con algún personaje: tras mucho esfuerzo y con mucha suerte, pude contactar con el bilbaíno que pescó un mero gigante en Venezuela en 1963 o con el danés que vivió un curso en Ajuria Enea en 1988, pero fracasé en otros o me topé con el muro infranqueable de la muerte. Lo que nunca pensé es poder dedicar una de las páginas (con un poco de trampa, claro) a una portada de 1926. Pero resultó que sí, que el grupo retratado en primera plana de aquella edición de El Pueblo Vasco seguía existiendo. Con otros miembros, claro, pero con idéntico nombre y propósito.

Era aquella una portada tremendamente inusual para la época. La foto de Llopis no era el habitual cromito, sino que se publicó a buen tamaño, seguramente porque los retratados, los cinco miembros de los Fisk Jubilee Singers, resultaban llamativos para los lectores: el grupo afroamericano había actuado en la Sociedad Filarmónica y la crónica que acompañaba a la foto lucía el título Músicos exóticos en Bilbao. Para entonces, en realidad, los Singers ya eran un proyecto veterano: habían surgido en 1871, para hacer giras y recaudar fondos para la Fisk University, la pionera universidad negra de Nashville, Tennessee, y en el siglo XX emprendían tournées por Europa. Sus conciertos, además del mérito artístico, tenían cierta vertiente pedagógica, porque en el Viejo Continente no había costumbre de escuchar a voces tan educadas interpretando espirituales y otras formas de música afroamericana.

Reconozco que me daba un poco de miedo la crónica de El Pueblo Vasco, porque eran tiempos en los que el discurso se deslizaba a menudo (e incluso, muchas veces, inadvertidamente) hacia planteamientos racistas, pero creo que es un texto respetuoso y, en ocasiones, incluso entusiasta. Va sin firma, pero parece claro que el autor era el encargado de la crítica de ópera y música clásica. En una didáctica introducción, explica que el quinteto ya había actuado en Inglaterra, Francia, Alemania y Madrid con su repertorio de «cantos espirituales negros, cantos de las plantaciones y cantos de trabajo». El público bilbaíno los recibió «con simpatía y no poca curiosidad» y la sala estuvo «casi tan brillante» como en la actuación de Pau Casals. «Desde la primera canción entró el auditorio en esta exótica modalidad musical que nos traían los de la Fisk. El conjunto de las cinco voces dio al instante la impresión de un órgano», escribía aquel colega de hace un siglo, que hablaba de «sonidos perfectamente amalgamados» pero reconocía «cierta desorientación en el público» ante una técnica «distinta a la de las escuelas clásicas».

Además, elogiaba la variedad de las piezas: «Tan pronto eran melancólicas, profundamente tristes, como cantos plañideros; o dulces, alegres y pimpantes de eufórica gracia. Tienen, desde luego, un ritmo característico, racial, que es, a nuestro modesto entender, lo más interesante de su haber musical». El quinteto tuvo que ofrecer varios bises y, según la crónica, su «ritmo saltarín» contagió de alegría al público de la Filarmónica. «Sobre todo, las chicas tan guapas que acuden a esta sala estaban entusiasmadas del quinteto. Hasta llegaron a perder esa seriedad que habitualmente aparentan sus agraciados rostros en otros conciertos». Además, funcionó «por primera vez» el micrófono que permitía la radiodifusión del concierto.

Escribí a la gente de la Fisk University, que se mostró encantadora y animosa. Identificaron a aquellos cinco miembros del grupo vocal como el reverendo James A. Myers (que dirigió el conjunto entre 1923 y 1928), su esposa Henrietta Crawley Myers (que fue su sucesora al frente del quinteto), Carl J. Barbour, Horatio O’Bannon y Ludie David Collins. Y el actual director, George Preston Wilson, tuvo la amabilidad de retratar a la actual promoción del grupo en el descanso de un ensayo, sosteniendo una impresión de aquella primera página que protagonizaron sus remotos antecesores, y me respondió a un par de preguntas. «Me resulta muy conmovedor mirar esta foto. Ver a personas que no solo abrieron un camino para mí en la música, sino que además mantuvieron un legado que, en esencia, impactó al mundo. Para mí es un honor poder continuar este legado de educación a través de la interpretación de esta forma musical tan singularmente americana», dice. ¿Y cómo se imagina la reacción de aquellos espectadores europeos, que conocían tan poco de la cultura afroamericana? «Musicalmente, creo que el público quedó cautivado ante una estructura y organización tan clásicas, pero también impregnadas de una emoción y una convicción profundamente personales. Además, me parece que los europeos se sentían intrigados no solo por la música de los afroamericanos, sino también por su presencia: los Fisk Jubilee Singers vestían con elegancia y eran corteses y muy elocuentes. Estoy seguro de que eso era bastante distinto de las ideas preconcebidas que se tenían sobre los afroamericanos en aquella época».

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Golomb son una empresa familiar, un trío compuesto por un matrimonio de Ohio y el hermano de ella (y cuñado de él, claro). Los miembros de la pareja, Mickey y Xenia, fundaron la banda cuando eran prácticamente adolescentes y, después, la pandemia la consolidó al encerrarlos en el hogar de la familia, gente muy musical, con tiempo de sobra y casi con obligación de ensayar (y con el hermano/cuñado, Hawken, haciéndose cargo de la batería). Lo suyo se podría describir como un destilado de rock alternativo de los 80 y los 90, pero las proporciones varían según los temas: Dog, que es la canción que yo he elegido, es una de las lentas, aunque ese concepto siempre resulta un poco engañoso cuando la morosidad viene bañada en electricidad y conduce a explosiones de guitarras, y yo diría que ahí las dos referencias más claras son Low y Spacemen 3, generosas dosis de Spacemen 3, que es algo que en esta casa siempre se agradece.

La canción pertenece al segundo álbum del trío, que les ha quedado estupendo. Ay, no he explicado el nombre… Ni idea de si se llaman así por eso, pero seguro que todos ustedes saben tan bien como yo lo que es en matemáticas una regla de Golomb, una serie de marcas en posiciones enteras entre sí a lo largo de una regla imaginaria de tal forma que ninguna de las marcas tienen entre sí distancias iguales, Sí, acabo de copiapegarlo de la Wikipedia, claro, pero al final me he tirado un buen rato dándole vueltas al asunto y leyendo sobre otros intereses del señor Solomon Wolf Golomb, como los poliminós (objetos geométricos como las piezas del Tetris, vamos) y las repiteselas. Para que digan que con el rock no se aprende.

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Han sido quince días sin canción de la semana, una vez por culpa del Azkena y la otra por culpa de unas minivacaciones, y eso es muy peligroso en blog viejito y comatoso como este: qué fácil es ceder a la dulce tentación de la pereza, dejarse ir y no hacer ya nada, para qué. Pero en ese combate mental con máscaras de luchadores se ha acabado imponiendo la responsabilidad, o quizá la costumbre, y aquí estamos, porque a una gente como Sexfaces hay que compartirla.

Digo Sexfaces y también podría decir Sex Faces, porque estos tipos no se rigen por la consistencia ortográfica. También al título de nuestra canción de la semana le ponen comillas en el listado del vinilo, donde es la única que las lleva, pero veo que en otras partes pasan del detallín. Y, saltando de la ortografía a la vida misma, ni siquiera tengo claro si nuestros protagonistas son tres, como en la foto, o cuatro, como en algunas entrevistas. Lo que sí sé es que vienen de Washington D.C., que son una pandilla de veteranos del underground, que acaban de sacar su álbum de debut y que hacen un punk ruidoso, de ese que parece poco esmerado en la definición de los acordes, más atento a la energía que a la limpieza, rematado por una viola eléctrica que yo no distingo mucho de las guitarras. Ellos mismos han explicado que nacieron con el propósito de hacer «una cosa ruidosa y atonal a lo Birthday Party o Pussy Galore», pero acabaron tendiendo de manera natural hacia el rock and roll y salió esto. También declaran cierta fascinación por el Berlín ochentero, el de Einstürzende Neubauten y los propios Birthday Party y demás emigrados malsanos de Australia, que es una escena ideal por la que obsesionarse.

Ah, otra costumbre de Sexfaces es colar por ahí fragmentos de otras canciones. En una intercalan a su manera el estribillo del You’re So Vain de Carly Simon, en otra (bellamente titulada James Osterberg, el nombre real de Iggy Pop) remiten a varios momentos de los Stooges y en esta Babies, que es a lo que iba, citan a gusto el Bodies de Sex Pistols. Ah, hay otra canción con un título que me encanta, Just Like Johnny And Morrissey, pero en esa no veo rollo intertextual con los Smiths. Al grano: «No quiero un bebé que se parezca a ti, no quiero un bebé que se parezca a mí».

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Exo son un trío de Nueva York al que no conviene confundir con la boy band coreana homónima. Ellas proceden de la escena punk pero se juntaron con el propósito de combinar esa vieja costumbre del guitarreo con otros intereses compartidos, como el ambient o el pop con sintetizadores. Y algo de todo eso hay en Plastic, que empieza potente y tozuda, en una onda que a mí me hace pensar en unos Belly sin refinar, y evoluciona (siendo quienes son, quizá sea mejor decir se metamorfosea) en una coda soñadora y ensimismada con teclados. De hecho, es la última canción propiamente dicha del disco y da paso a lo que era la cara B de la cinta original, una exploración sonora que en algunos momentos parece realmente música de insectos para insectos.

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Creo que, a estas alturas de 2025, todavía no he escrito ni una sola vez eso de este disco va directo a mi minilista de fin de año, la afirmación tajante e irrevocable que, por supuesto, después puedes revocar o no, pero que sirve como expresión de entusiasmo incontenible ante una música. No conocía de nada a Fugue State cuando me puse a escuchar su álbum de debut, pero a los veinte segundos ya tenía claro que iba a gustarme mucho, a la tercera canción estaba totalmente entregado y a la quinta, que es la que nos ocupa, andaba proclamando a voces por mi casa, ante la estupefacción de mis hijas, que era uno de los discos del año.

Fugue State son un trío de Massachusetts, ese estado de endiablada ortografía que siempre nos obliga a copiapegar, pero nació hace tres años como un proyecto en solitario del vocalista y guitarrista Shane Bruno. Escuchando el disco, queda claro que hablamos de gente omnívora en sus gustos, que disfruta de sonidos muy distintos y después vierte lo mejor de cada uno en sus canciones con admirable naturalidad. Frente a esas bandas que se adscriben a los parámetros de un estilo como si hubiesen firmado un contrato con sangre, lo de Fugue State es un río ancho y caudaloso que bebe de muchos afluentes. A medida que iban avanzando las canciones, a mí se me venían a la cabeza referentes selectos como Butthole Surfers, Pere Ubu, los Cramps, Stooges, y me volví loco hasta que caí a qué me recordaba uno de los solos guitarreros que se suceden en I’ll Keep It In Mind, cuando por fin amaneció en mi cerebro y me di cuenta de que era una cita de mis admiradísimos japoneses Flower Travellin’ Band. Pues bien, anoche me puse a leer con un poco más de profundidad sobre esta gente y creo que, en sus entrevistas o su nota de prensa, aparecen en alguna ocasión todos los mencionados, aparte de unos Roxy Music que también se me deberían haber ocurrido. He estado a punto de colgar la tercera canción, una especie de psychobilly-surf, pero al final he aplicado el mismo principio de la semana pasada con 2020 y me voy a la más larga del lote: habría podido ser una estupenda canción de tres minutos, pero es una maravillosa canción de más de nueve, con esos solos maniacos y espasmódicos que le dan tanta vida.

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Como la semana pasada hice pira en la sección, porque estaba de vacaciones, aprovecho esta para endiñar una ración doble, dos tazas de purgante musical recién hecho. En realidad no tienen mucho que ver, pero creo que he enlazado mentalmente las dos bandas porque había confundido sus orígenes: pensaba que la estadounidense era australiana (o quizá alemana) y que la australiana era estadounidense. Ahora que lo pienso, por orden alfabético también les tocaría ir seguidas en muchas colecciones de discos.

Al final me voy a liar, así que vamos al grano. Eraser (en blanco y negro en el combo de arriba) son un cuarteto de Pensilvania que acaba de publicar su primer álbum, si es que podemos aplicar ese nombre tan rimbombante a ocho canciones que vuelan en quince minutos. Podemos, claro que podemos. De las referencias que se emplean para explicar su estilo, hay dos que me llaman especialmente la atención: las suizas Kleenex/LiLiPUT (y ahí están esas canciones esqueléticas e insolentes, de punk entendido como negación de lo convencional y lo pretencioso) y los Pere Ubu del recientemente fallecido David Thomas (y yo creo que eso va más por la afición a los ruiditos incordiantes, aunque el desdén por lo establecido y lo rutinario también era su máxima insobornable). Me ha llamado la atención, por cierto, leer que la vocalista y teclista del cuarteto, Sonam Parikh, no escuchó más que música clásica india a lo largo de toda la infancia y adolescencia, aunque creo que eso no tiene reflejo en canciones como este Talk To Me. Un minuto y cincuenta segundos dura.

Y los australianos, más concretamente de Melbourne, se llaman Equal Parts y son, lógicamente, los de la foto en color de arriba. Y poco más voy a contar de ellos, porque la información brilla por su ausencia, más allá de que comparten personal con otras bandas como Floodlights o CLAMM. Ya que estamos citando referentes que quizá ni vengan al caso, a mí el timbre y el énfasis del vocalista masculino me hacen pensar siempre en Art Brut, pero lo que eleva esta canción por encima de lo esperado es, cómo no, la trompeta. Me da rabia avisar, porque las trompetas siempre causan más efecto cuando aparecen sin avisar en medio de una canción de rock, pero entiendo que en este caso se trata de una seña de identidad insoslayable. Equal Parts han ido editando sencillos y un EP a lo largo de los últimos cuatro años, pero esta canción nueva, There For A Reason, me parece la más chula de las suyas.

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