Lo prometido es deuda, claro, y la semana pasada anticipábamos un lote de dos canciones a cargo de dos bandas de señores viejunos, ambas con el sexo en el nombre. Y aquí están, no vaya a parecer que tiento a las masas con clickbaits sin fundamento. Los primeros, los de arriba, lucen el llamativo nombre de Your Heterosexual Violence y, en fin, la primera vez que leí su historia pensé que se trataba de una broma, una fantasía, una falsa biografía. Principalmente, por dos razones. En primer lugar, no me encajaba nada que un grupo de los primeros 80 luciese un bautismo tan propio de nuestros días (y que además, siendo tan chocante en su época, yo no recordase haberme topado nunca con él). Y, en segundo lugar, no me cabía en la cabeza que unos tipos capaces de bordar una canción como esta House Outside The World hubiesen pasado sin pena ni gloria.

Pero leí en Louder Than War una entrevista con su vocalista y parece que sí, que es todo verdad, que se formaron en 1982 en Londres y se pusieron ese nombre ajeno a su tiempo y colaron algún tema en alguna recopilación y se disolvieron y volvieron a juntarse hace una década. Revitalizados además por la presencia juvenil y no binaria de la guitarrista y covocalista Jemma Freeman, acaban de editar su primer álbum, que demuestra que la creatividad y el desparpajo no tienen por qué arrugarse con los años: es un repertorio espléndido que brota del mismo tronco que The Fall o Alternative TV. De hecho, me gusta cómo, en esa entrevista que he enlazado, Brian O’Brien explica que ya entonces eran demasiado viejos para que sus influencias fuesen punk, porque lo que les había marcado en la adolescencia fueron Bowie, la Velvet, los Beatles y el folk: es lo mismo que le pasaba a Mark E. Smith, que su post-punk bebía de muchísimas referencias prepunk. Y ahora, olvídense de las burdas categorizaciones por edades y déjense llevar por esta canción de dos minutos y medio.

La otra banda hunde sus raíces, más o menos, en la misma época, pero en este caso aquellos antecedentes alcanzaron más renombre. The Sexual Objects son el proyecto actual de Davy Henderson, cantante y guitarrista escocés que encabezó en los últimos 70 y primeros 80 los reputados The Fire Engines, ídolos de triunfadores posteriores como Franz Ferdinand. Henderson es un tipo inclasificable que en cada fase de su carrera (estuvieron después Win y The Nectarine No 9) apuesta por un enfoque diferente, y la verdad es que no sé bien cómo clasificar a The Sexual Objects: a mí me hacen pensar en T.Rex, The Only Ones y Television, lo que probablemente signifique que no tienen tanto que ver con ninguno de ellos. Una de las peculiaridades de la banda es que, en las casi dos décadas que llevan en activo, han apostado por ir soltando discos casi clandestinos que muy pronto acaban descatalogados: de hecho, han pasado a la historia por haber editado un álbum con una tirada de una sola copia, que se subastó en eBay y se vendió por 4.213 libras. Ahora acaban de regularizar un poco su producción con Orangutang, donde reúnen un hermoso ramillete de diez canciones que tenían desperdigadas por ahí, incluidas tres producciones de Boards Of Canada. El disco tiene tres cortes que me fascinan (este segundo, el sexto y el décimo, muy distintos unos de otros), además de un homenaje a Ron Asheton titulado Ron Asheton y un homenaje a Kevin Ayers titulado Kevin Ayers o Kevin Ayres, que ahí la cosa baila. Por cosas como estos cuatro minutos, coda incluida, yo lo tengo archivado ya en mi carpeta de candidatos a la minilista de lo mejor del año.

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Foto: Chris Hogge

Me dice la impertinente IA de Google que las palabras gaélicas clachan dubh significan pueblo oscuro, porque clachan quiere decir pueblo y dubh quiere decir oscuro o negro, así que juntas «describen un pueblo que puede ser percibido como oscuro, quizá debido a su apariencia o su historia». Además de impertinente, tiende a enrollarse mucho y a hacerse la importante para lo que un diccionario habría resuelto con dos palabras. En fin, el caso es que así se titula nuestra canción de la semana, que yo iba a presentar como el sencillo más reciente de la banda escocesa Dragged Up, pero acabo de descubrir que originalmente apareció como cara B de una cassingle (vamos, un single en casete) que lanzaron a finales de la primavera. Y, qué quieren que les diga, la cara A estaba bien, pero este lado oscuro (o dubh) le saca mucha ventaja en mis oídos.

Dragged Up son un grupo de Glasgow formado en 2018 y ya con dos álbumes editados. En su descripción aprovechan una cita que los emparenta con la Velvet Underground, Black Sabbath y Crass, y veo que por ahí los relacionan también con The Fall o Pavement. Y me imagino, repasando ahora su discografía, que algo habrá de todo eso, pero a mí la canción que nos ocupa me hace pensar sobre todo en Sonic Youth (más en concreto, en los Sonic Youth más comerciales, los de Goo y alrededores) y en Mudhoney (con esas guitarras que cambian de acorde como emborronando el mástil), que son dos cosas que cuadran estupendamente y dan mucha felicidad.

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Qué cosa el folclore, ¿verdad? Seamos sinceros, muchos nos hemos tirado buena parte de nuestra vida pensando en él como un vestigio aburrido y polvoriento, como una herencia indeseada con la que no teníamos nada que ver. Hasta que nos dimos cuenta de que, en realidad, lejos de ser un trasto que colocamos en un rincón para que no se vea mucho, el folclore es un material prodigioso que se transforma y se puede adaptar a otros tiempos y otras culturas. Y luce estupendo en el centro mismo de la sala. En los últimos tiempos se ha puesto de moda el folclore contemporáneo e incluso de vanguardia (también en nuestro país, con nombres como Rodrigo Cuevas, Maria Arnal i Marcel Bagés, L-R y tantos otros), pero en realidad hace mucho tiempo que mil artistas se dedican a moldear la tradición oral en función de sus inquietudes más o menos alejadas de la ortodoxia. Supongo que así ha sido siempre, y que también en los tiempos previos a las grabaciones cada cantor tiraba un poco a su rollo.

Esta introducción, un poco obvia, nos sirve para llegar al dúo escocés Burd Ellen, que, según su propia descripción, «utiliza la canción tradicional para explorar y evocar paisajes oscuros e historias profundas». La vocalista Debbie Armour y la multiinstrumentista Gayle Brogan editaron en 2019 su primer álbum como Burd Ellen (el nombre de la protagonista de una balada tradicional, que echa una maldición a su compañero por dejarle a ella toda la carga de la crianza del bebé, o eso creo entender yo) y ahora van ya por el tercero, A Tarot Of The Green Wood, un repertorio fascinante que establece vínculos entre las canciones ancestrales y las artes de adivinación. Caramba, ¡hasta lanzaron una oferta limitada en la que Debbie te echaba las cartas!

Seis de las siete canciones del disco tienen origen tradicional, aunque el tratamiento, la instrumentación y la atmósfera difieren mucho de lo convencional y se zambullen de cabeza en lo obsesivo, lo misterioso, lo inquietante. The High Priestess & The Hierophant (es decir, la suma sacerdotisa y el hierofante) se basa en Fair Annie, una canción muy popular en Escocia pero con orígenes en Francia en la que un tipo se hace al mar para buscar una novia rica y abandona a su amante, con la que ha tenido siete hijos y espera un octavo. «Te conocí como una mujer abandonada e igual te dejo», viene a decir el sujeto. Bienvenidos a un extraño viaje entre pasado, presente y futuro. Bienvenidos también al acento escocés.

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Los Cocteau Twins son uno de los grupos de mi vida, de esos que de algún modo llevo dentro: en la adolescencia machaqué hasta la obsesión algunos de sus discos (los que tenía, sobre todo Blue Bell Knoll) y de mayor los sigo escuchando a menudo y me siguen sirviendo como refugio, porque siempre han tenido esa virtud de abrir un paréntesis de armonía cósmica en mitad de las penalidades y las agonías del mundo. Ya he contado alguna vez que el primer texto musical que publiqué (bueno, el primer texto que publiqué, así en general) iba sobre estos escoceses alienígenas, aunque me quedó más pedante que su música, que siempre me pareció libre de esa sobrecarga cultureta que parecía acecharla (llevaban a Cocteau en el nombre, eso se las trae) y que asfixiaba a tantos de sus imitadores.

Nunca he sabido hasta qué punto la gente tiene presentes a Cocteau Twins, cuál es su nivel actual de popularidad. Por si acaso, habrá que explicar que su sonido se levantaba sobre dos bazas infalibles: la voz luminosa de Elizabeth Fraser, que se lanzaba a asombrosos rizos y gorgoritos en un lenguaje inventado, y las guitarras sometidas a mil efectos (a veces, podríamos decir, casi desguitarradas) de su pareja Robin Guthrie. El matrimonio se rompió, el grupo también, y desde finales de los 90 Liz Fraser ha estado más ausente que presente de la escena, con una carrera intermitente y huidiza: por aquí fue canción de la semana con su primer single en solitario, Moses. Pero ahora parece que por fin se anima a reactivarse y ha emprendido un nuevo proyecto, Sun’s Signature, junto a su actual pareja, el percusionista Damon Reece, que ha formado parte de Spiritualized y Echo & The Bunnymen y ha colaborado con gente como Goldfrapp y Massive Attack (para los que, recordemos, también cantó Liz). Su segundo sencillo, este primoroso Underwater, es en realidad una nueva versión de un tema que circuló de manera limitadísima hace veintidós años y remite inevitablemente a Cocteau Twins pero a la vez se aleja todo lo posible de sus característicos arreglos. ¡Y tiene letra de verdad! ¿Que a mí me gustaría que en los dos minutos finales irrumpiese una de esas guitarras gaseosas de Robin Guthrie que parecían abrir los cielos? Pues bueno, no lo voy a negar, pero ya se encarga mi cerebro de imaginarse ese final alternativo.

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Podríamos decir que el trío escocés Soursob produce el sonido opuesto al rock progresivo (¿rock retrocesivo?), un punk garajero esquemático y esquelético que no necesita más de tres acordes para redondear la canción perfecta. Sé que hay haters de este rollo que combina electricidad y minimalismo, pero a mí me parece uno de esos placeres básicos de la vida, como empinar el porrón y echarte un trago de rock and roll de cosechero. Aquí empiezan con el bajo, siguen con la batería, añaden la voz y rematan con la guitarra bien saturadita, y todos los instrumentos se emperran en tocar más o menos lo mismo todo el rato.

Soursob (el nombre, literalmente sollozo ácido, es una flor agreste e invasora) proceden de Glasgow pero en realidad son un proyecto cosmopolita que reúne a una escocesa, una lituana y una australiana. Acaban de editar su álbum de debut, que el sello HoZac Records sitúa entre «el ruido pesado y exuberante del sonido pos-C-86 y la revitalización descarada de las riot grrrl de los primeros 90», todo ello con «fuzz drástico». Qué bien, ¿no? ¡Venga otro trago!

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Post tags: Australia, canción de la semana, Escocia, Lituania, Soursob

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En estos días oscuros, se han puesto muy de moda las selecciones de canciones para levantar el ánimo. Nosotros mismos estamos haciendo una recomendación diaria en el periódico, aunque yo no comulgo mucho con lo de combatir la angustia con buen rollo: siempre he sido más de enchufarme en vena un Disintegration para poetizar la zozobra y emerger poco a poco. En cualquier caso, si en mi turno de elegir no hubiese tirado por el botiquín clásico de los Buzzcocks y hubiese buscado una canción de ahora mismo, perfectamente podría haberme quedado con este Yr Old Dad de los escoceses Catholic Action, un artefacto de indie glam que da ganas de acompañarlo con palmadas y de ponerse a botar de lado a lado de la habitación. Forma parte del segundo álbum del cuarteto (miren, ya aparecieron en el blog hermano Velvety) y es, por supuesto, una canción engañosa, porque anula la racionalidad del oyente con sus bases juguetonas y sus guitarras sin miedo al solo mientras canta una y otra vez ese helador verso inicial: “Tu viejo padre se está muriendo”. Así que no, quizá no sea lo más adecuado para una de esas playlists de emergencia. “Es una catástrofe coreable”, describen los tíos.

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Post tags: canción de la semana, Catholic Action, Escocia

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Empiezo mis vacaciones, así que no creo que haya muchas actualizaciones por aquí en las próximas semanas, y he decidido despedirme con una buena dosis de energía. Tengo la impresión de que Thieves es una canción más convencional de lo habitual por aquí, pero no se asusten: sigue siendo rock encallecido e impetuoso, con una combinación de estribillo hiperpegadizo y sonido seco y agresivo que a mí me ha hecho pensar en The Godfathers haciendo noise-rock. Y poco más les puedo contar, porque la verdad es que el grupo que la firma es muy nuevo: GANGS (parece que es preceptivo escribir el nombre en mayúsculas) son un cuarteto de Glasgow, lanzaron su primer sencillo en marzo y citan como referencias a los Stooges y a esos Slaves que casi me dejaron sordo en el Bilbao BBK Live, aunque yo veo a nuestros escoceses bastante más elegantes. “Mira a tu alrededor, los ladrones vienen a la ciudad”.

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Cuando se habla de Cocteau Twins, se suele hacer hincapié en la voz prodigiosa y deslumbrante de Liz Fraser, pero ese instrumento de otro mundo constituye solo una parte de su grandeza: el grupo escocés supo crear un estilo propio, insular y casi irreal, en el que las guitarras levantan arquitecturas de hielo que parecen ajenas a la física prosaica de hacer vibrar las cuerdas. La personalidad radical de su sonido se aprecia especialmente cuando lo aplican a composiciones ajenas, que quedan transformadas en una especie de transfiguración luminosa. Aquí obran su magia sobre un material alejado de sus presupuestos estéticos: Frosty The Snowman es un clásico navideño del country and western, grabado en 1950 por el vaquero Gene Autry, el mismo que había arrasado con su versión de Rudolph the Red-Nosed Reindeer. La letra habla de un muñeco de nieve que, en cuanto le colocan el sombrero, cobra vida y se pone a bailotear. Es una historia muy distinta de la abstracción lírica habitual en Liz Fraser y compañía, pero acaba envuelta en la nebulosa sonora de unos Cocteau Twins que siguen teniendo un ramalazo místico hasta cuando se muestran particularmente joviales. Incluyeron esta interpretación en Snow, su EP navideño de 1993, y quiero aprovecharla para desearles a todos ustedes una feliz Navidad y un 2016 próspero y musical.

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La verdad es que quizá sea bueno aprovechar este momento en el que Jim y William Reid, los hermanos que parieron la cosa, se sienten capaces de subirse juntos al escenario. En su época no era raro que acabasen resolviendo sus desavenencias a puñetazos, aunque fuese en pleno concierto, así que tampoco es cuestión de tentar a la suerte esperando a que el cumpleaños redondo llegue de verdad. La repesca de Psychocandy tiene además cierto sentido de recuperación de ocasiones perdidas, ya que las actuaciones que daban entonces The Jesus And Mary Chain mostraban cierta tendencia a acabar a los quince minutos, con bronca masiva y atestado policial. «¿Qué pasaría si tocásemos exactamente lo que tocábamos en 1985? Me pregunto si le gustaría a la gente», ha planteado un inquietante William Reid en su entrevista con el Guardian. Sobre Psychocandy, qué voy a decir, si es uno de mis discos favoritos: se trata de un elepé casi absurdo, una combinación de melodías pop y espinas de ruido que establece su propia lógica. Es un universo propio diseñado por dos inadaptados y, de alguna manera, ni siquiera parece envejecer como tanta otra música de la época.

A ver si algún festival se anima a traerlos por aquí el año que viene, aunque, con la impaciencia reinante, a lo mejor para entonces están celebrando ya los treinta años de su segundo álbum. También nos vale.

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En fin, de Ewan se suele destacar su trastorno bipolar y sus problemas de ansiedad, que le llevaron a titular uno de sus álbumes con un homenaje a un medicamento antidepresivo, pero eso no es muy relevante y puede conducir a engaño: su música parece muy centrada y, al menos en esta canción, no resulta particularmente tristona. El tema en cuestión se titula Spilt Milk Perfume, sirve como sencillo de adelanto para su tercer álbum, tiene una guitarrita preciosa y, a partir de los dos minutos y medio, entra en una fase un poco enloquecida, a menos que sea mi fiebre la que ha introducido las turbulencias.

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Post tags: Algernon Doll, canción de la semana, Escocia

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