Los lectores no lo saben, pero en esto de la canción de la semana tiro a veces de asesores, o más bien de asesoras: mi música suena en casa, claro, y de vez en cuando mis hijas (14 y 10 años) se pronuncian sobre alguna canción, normalmente con un tono tajante más propio de un crítico pontificador. Y ya se pueden imaginar que, si menciono esto justamente hoy, es porque el tema que nos ocupa ha recibido la decidida aprobación de una de ellas, en este caso la pequeña, que recibió con entusiasmo el nuevo sencillo de The Corner Laughers. Y lo dijo justo cuando yo estaba pensando «pero qué buena es esta canción», así que…

Hasta ahora no conocía de nada a esta gente que se ríe en las esquinas, pero veo que llevan desde principios de siglo con sus canciones de indie folk, por describirlo de la manera más rápida. Ojo, que ese componente folk no es ninguna broma: al empezar a escuchar por primera vez su nuevo sencillo, este radiante Rainbow Cardigan, tuve dudas de si no estaría escuchando una joya perdida de alguna banda de folk rock de finales de los 60 o principios de los 70. Y, puestos a dudar, ni siquiera tenía muy claro a qué lado del Atlántico adscribirla. Y algo de puente debe de haber, porque leo que The Guardian se refirió a ellos en alguna ocasión como «unos Belle & Sebastian de la Costa Oeste». En efecto, se trata de un cuarteto californiano y al frente está Karla Kane, a la voz y al ukelele eléctrico, pero la inspiración parte en este caso de las islas británicas, más concretamente de un jersey arco iris que la vocalista se compró en la localidad inglesa de Kendal. De ahí surgió la letra sobre «una pieza textil que representa el tejido del tiempo y el espacio», según ha explicado, y también sobre cómo unas veces nos sentimos «horrorosamente antiguos» y otras seguimos siendo niños pequeños. «Subí al castillo de Kendal un día frío y lluvioso, / vi las ruinas a nuestro alrededor y el pueblo tan viejo y gris, / envuelta en un jersey de arco iris para mantener la tristeza a raya. / Fui por el cementerio silbando, porque no sabía el camino; / di tumbos por los charcos de barro, más allá de los muros de piedra derruidos, / envuelta en un jersey de arco iris para mantenerme al margen de todo», dice la letra, que se puede seguir cómodamente en este lyric video con imágenes (supongo) de la excursión familiar.

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Pero es que, en realidad, Laena ya ha tocado prácticamente cualquier estilo. Hay que empezar diciendo que esta cantante y multiinstrumentista es hija de Alan Myers, el batería de Devo, y me imagino que su infancia le brindó un excelente entrenamiento para abrir en su mente el abanico de las músicas posibles. Después, a menudo bajo apelativos como Laena Geronimo, Laena Myers-Ionita o Laena M.I., ha tomado parte en numerosos proyectos (como FEELS, The Like, Numb.er o Swahili Blonde, donde colaboró con su padre) y ha participado como apreciada violinista en discos y directos de mucha gente (John Frusciante, Allah Las o Ariel Pink, por ejemplo, aunque también ha puesto voz a los tráilers oficiales de Netflix). Su disco abarca desde lo más convencional hasta lo abiertamente exploratorio, pero yo me quedo sobre todo con lo que queda en medio, desde los motivos insistentes de viola de Pulsar hasta esta zumbante Reflectors, con sus texturas de fondo casi industriales.

Ay, la doble condición de Myers como cantautora y violinista de estudio me ha hecho acordarme de una artista que siempre me encantó, Lisa Germano, tan desaparecida en los últimos tiempos. Me ha dado algo de consuelo comprobar que últimamente ha vuelto al mundo, regresando a sus orígenes como violinista de la banda de John Mellencamp.

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Con eso de que, cuando llega la hora de los balances de fin de año, los responsables de la sección de Cultura nos suelen pedir a los más musiqueros que seleccionemos nuestro disco y nuestro concierto favoritos, me he acostumbrado a confeccionar un hit parade de los artistas a los que voy viendo en directo. Pues bien, mi lista del año pasado estuvo encabezada durante unos meses por esta gente que nos ocupa hoy, los californianos VR SEX, que en febrero de 2023 desencadenaron una poderosísima explosión de energía en las dependencias bilbaínas de Donations Project. Hay quien identifica el post-punk siniestrillo con languidez y afectación, pero aquello fue un bolo arrollador, tremendamente físico, que puso a bailar incluso a macetas como yo. Tuvieron que llegar unas leyendas como Godflesh para relegarlos al segundo puesto, pero llegué a plantearme un liderazgo ex aequo, como reconocimiento a dos manifestaciones radicalmente diversas de un mismo corazón oscuro.

VR SEX (vamos, el sexo en realidad virtual, algo que no siempre da un resultado decoroso en los buscadores) es el proyecto de «post-punk psicodélico» o «punk ácido» de Noel Skum, más conocido como Andrew Clinco e incluso como Deb Demure en su faceta de líder de Drab Majesty. Su intención con VR Sex era canalizar sonidos más potentes, y quizá por eso la cosa ha acabado creciendo hasta convertirse en el intenso quinteto de hoy en día. En marzo lanzan su nuevo álbum, un ramillete de canciones sobre «lujuria retorcida, emociones baratas, dinero sucio, delincuentes condenados al fracaso y romance en ruinas» que, desde luego, promete mucho si lo juzgamos por el que fue su primer adelanto, este Real Doll Time.

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Llevo dos o tres semanas escuchando el nuevo álbum de San Kazakgascar, pero eso no me libra de seguir teniendo que comprobar que no he metido la pata cada vez que escribo el nombre del grupo. San Kazakgascar (sigamos practicando) son un grupo californiano que gira alrededor del guitarrista Jed Brewer: hay ocasiones en las que la formación se limita a él y otro tipo, pero en esta ocasión la nómina incluye nada menos que a siete músicos, con un instrumental que abarca cosas como el clarinete o el hulusi, la flauta de calabaza china. San Kazakgascar (ya está dominado) han definido su estilo en alguna ocasión como «falsa psicodelia de Oriente Medio», pero últimamente también manejan la descripción «country falso para viejos». En definitiva, hacen lo que les da la gana: este año han editado dos discos y uno son dos largas piezas de drone improvisado, mientras que el otro, el que nos ocupa, sí que se ajusta más a esa idea de psicodelia orientalizante, repetitiva y en algunos pasajes tremendamente adictiva.

«Hay canciones que suenan más a psicodelia oriental y otras que suenan menos orientales y más como la Velvet Underground, Can o lo que sea. Nunca hemos pretendido ser auténticos en ningún sentido», explicó hace algunos años el líder de la banda en una entrevista, donde también enumeraba como sus principales influencias a «Savage Republic, Sonic Youth, Om Kalthoum, Thinking Fellers Union, Thin White Rope, Camper Van Beethoven y Erkin Koray». ¡Casi nada! Este tema, cuyo título se podría traducir como Día de los Veteranos en la mesa del comedor, me tiene seriamente enganchado.

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No sé hasta qué punto la música de Steady Holiday es lo mío, así en general, porque este tipo de cantautores pop suelen agotarme muy rápido: ya saben que uno tiene cierta propensión natural hacia la brutalidad y la anomalía. Pero, sin ser en absoluto brutal ni anómala, esta canción que traigo por aquí me cautivó desde la primera escucha y me pone de un excelente humor cada vez que vuelve a sonar. Buena parte de la culpa la tienen los teclados, que parecen abrir un paréntesis ingrávido, como si la canción y la cantante empezasen a flotar entre estrofa y estrofa, pero en realidad me gusta el conjunto entero, me pone de buen humor y, si voy con cascos, me obliga a caminar a su ritmillo. Y está, además, ese primer verso tan bonito: «Hace una vida entera, el tiempo no importaba».

Tiene pinta de que todo el mundo conocía ya a Steady Holiday y yo no, porque veo que lleva ya tres álbumes con este nombre. Que es bien curioso, por cierto: bajo ese apelativo (algo así como Vacación Permanente) está la cantante, violinista, guitarrista y actriz californiana Dre Babinski, una chica pinturera, elegante, con mucho sentido del humor y fan de Harry Nilsson y la música clásica, así que ha llegado la hora de corregirse, porque algo anómala ya es (en su merchan hay imanes poéticos y utensilios de bambú y, caramba, organiza un club de envío de postales). Y en este adelanto de su cuarto álbum busca el equilibrio, algo así como el centro de gravedad permanente que decía otro cantautor pop que, ahora que lo pienso, sí que era lo mío.

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Siempre que escucho a Jeremy Jay me digo que debería seguirle más de cerca. Me encanta cómo canaliza algunas de las cosas que más me gustan de la historia de la música, empezando por esas bases tan The Cure (precisemos quizá un poco más y digamos tan The Cure en torno a Seventeen Seconds) que asoman de vez en cuando en canciones como esta que nos ocupa hoy. Dicho esto, tengo que admitir que el tema y el disco que lo contiene me han sumido en la confusión, porque ni siquiera tengo del todo claro a quién debo acreditarlo. Acaba de asomar en Spotify como parte de un álbum titulado Septembers y firmado a nombre de Jeremy Jay. Pero, husmeando en su Bandcamp, veo que también colgó en enero un álbum titulado Septembers, que lleva las mismas canciones en distinto orden y con distinta portada, y ahí When Shadows Tear está acreditada a September Strangers, que es un proyecto que nuestro hombre puso en marcha hace algunos años. De hecho, Jeremy atribuyó en su momento el disco completo a la banda. También hay en Bandcamp, por cierto, un álbum más nuevo (digo yo, porque lleva fecha de mayo de 2023) y un montón de rarezas que Jay va compartiendo cuando le viene en gana, así que veo que seguirle de cerca exige más dedicación de la que suponia.

Pero, en realidad, poco importa todo esto de las atribuciones. When Shadows Tear es un tema de post-punk obsesivo y atmosférico que el artista californiano, afincado ahora en Londres, arma a partir de unas sencillas líneas melódicas, acumulando guitarras, dejando que se disipen y convocándolas de nuevo, como si fuesen esas sombras de las que habla el título.

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En general, cuando uno no es capaz de decidirse entre dos canciones para esta sección, lo más cómodo es dar las dos de una tacada, en plan edición especial 2×1. Pero es que esta vez, además, las canciones de marras eran de algún modo parecidas, o tenían cierto aire de parentesco: hablamos de dos grupos californianos con un tino muy evidente para crear melodías y atmósferas y con una nostalgia más o menos clara por los tiempos gloriosos de la escena de su tierra, allá por finales de los 60. Así que se han colado felizmente juntos por la gatera de la canción de la semana.

Empezamos por la más tranquila de las dos, a nombre de Farmer Dave & The Wizards Of The West. Al frente de la banda está el tal granjero, el multiinstrumentista Dave Scher, bien conocido por su papel en Beachwood Sparks y All Night Radio, además de haber ejercido de escudero para Kurt Vile, Elvis Costello y Chris Robinson. El hombre llevaba años sin editar nada y ha inaugurado el año con un álbum que se abre (bueno, después de una breve intro) con esta ensoñación llamada Cave Walls, un dulce viaje psicodélico que avanza por el cosmos entre teclados envolventes y guitarras de rayos láser. Bueno, en el vídeo ese viaje imaginario se convierte en un paseíto californiano tirando a hippie, pero también vale.

Y qué bien enlaza una canción con la otra: Cool Ghouls, los payasos de la foto de arriba, son un cuarteto ya veteranito de San Francisco (el nombre, algo así como demonios guais, viene de un saludo de George Clinton a su público) que va a editar en marzo su cuarto álbum. Helpless Circumstance, el tema que les ha servido de adelanto, deja claro que también ellos comulgan plenamente con la armonía folkie-psicodélica de esencia californiana. Es una canción tranquila y reconfortante, sin sobresaltos pero con fibra rock, cercana al power pop y al reciclaje ochentero de sonidos de los 60: ellos dicen que lo suyo «está recomendado igualmente para fans de los Stooges y los Beach Boys». Esa frase procede de la nota de prensa del disco, una de las más chulas que he leído últimamente, con párrafos como este: «Todo está en llamas. No hay conciertos, fiestas ni bares. La gente guay se está largando de San Francisco. Han pasado dos años desde que los Cool Ghouls tocaron por última vez. The Stud [uno de los locales claves en su historia, como los que siguen] ya no existe, The Eagle Tavern está en venta y The Hemlock ha sido demolido para construir apartamentos. Tu jefe es una app. El fascismo está echando abajo la puerta. Hay una pandemia». Buffff, ¿a que dan ganas de refugiarse en canciones como esta, como estas?

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No es muy habitual que alguien publique un álbum y, un mes después, lance una canción que no viene en ese disco y que quizá lo supere, pero eso es exactamente lo que ha pasado con la cantante folkie californiana Jess Williamson. El álbum me gustó mucho, pero Pictures Of Flowers me encanta, y eso que se trata de un artefacto que de partida me inspira tremendo recelo: ¡una canción compuesta durante la cuarentena y que trata sobre la cuarentena! «Si esto es el fin de Los Ángeles, / supongo que no voy a ser una estrella. / Si es el fin de los viajes, / ¿dónde cantaremos y tocaremos la guitarra? / Yo paseaba por estas calles / y te enviaba fotos de flores. / Era otra mujer entonces, / libre para querer demasiado, / libre para esperar nuestro amor, / moviéndome libremente en un mundo sin final», dice la letra del tema, grabado en colaboración remota con Meg Duffy (Hand Habits) y Jarvis Taveniere (Woods y Purple Mountains), aunque nada en la calidez de la canción hace sospechar ese bricolaje de larga distancia.

Según explica Jess, Pictures Of Flowers habla del miedo y la incertidumbre que sintió en los primeros días de la cuarentena, pero también del proceso de aprendizaje que ha supuesto todo esto: «He ganado claridad y he realineado mis prioridades en los últimos meses. Me siento una persona diferente que en enero. ¿Qué sentido tenía todo? Mi ambición musical empezó a parecer vacía ante una pandemia global». Las protestas por el asesinato de George Floyd han completado su sensación de que nos encontramos ante «un apocalipsis en el sentido más auténtico de la palabra: una revelación».

«Tomando vitaminas, / llamando a todos mis amigos. / Mamá se siente segura, / ella confía en el presidente. / No quiero tener una pistola. / ¿Qué tal si me mudo con alguien / y cultivo un jardín por si las tiendas se quedan vacías?». Ojalá todas las canciones que nos esperan sobre la cuarentena y la pandemia sean tan preciosas como esta.

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Foto: Arvel Hernández

Cold Beat nacieron como el proyecto minimalista y electrónico de Hannah Lew, entonces miembro de Grass Widow, pero a estas alturas quizá ya no siempre suenen tan minimalistas ni tan electrónicos, por mucho que esos dos rasgos sigan formando parte indispensable de su ADN. En Prism, los teclados parecen empeñados en una pelea particular con la guitarra, que a veces acapara todo el espacio, y en cierto modo el minimalismo es más melódico que sonoro: estamos ante una de esas canciones (por las que siento debilidad, lo admito) en las que, cuando uno cree que llega el momento del estribillo, se da cuenta de que el estribillo es todo lo que lleva escuchado hasta entonces, ya que entre repetición y repetición de esa melodía solo habrá interludios instrumentales. Prism es fascinante y rara como un prisma de cuarzo, todo el rato igual y todo el rato distinta.

Es el tema que abre, tras una breve introducción, Mother, el cuarto álbum de Cold Beat. Se trata de un disco con cierto ramalazo conceptual, ya que está compuesto mientras Hannah estaba embarazada y se plantea como “una descripción de la tierra para un nuevo humano que nunca había estado aquí”. Denle al play y déjense llevar como bebés.

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Pero he preferido elegir como muestra una canción más en la línea de ese pop-punk chispeante y energético tan característico del trío californiano, con un entronque en la artesanía melódica de toda la vida que les ha valido elogios de figuras como Elvis Costello. O, qué caramba, mejor vamos a quedarnos con dos, porque ese arranque del álbum con That’s For Me (una miniatura que deja con ganas de un par de minutos más) y Down Down Down resume bien la combinación de dulzura, efervescencia y rabia que caracterizaba al grupo, y que tanto nos hizo disfrutar hace cuatro años (cuatro ya, o quizá solo cuatro) en el Hika Ateneo de Bilbao, un local mucho más pequeño de lo que su trayectoria y sus canciones habrían merecido.

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