Temor por ambas partes. Y la seguridad casi absoluta de que tras la música clásica –y el cine, donde los abusos han sido de tal dimensión que antes de que llegaran las denuncias reales habían proliferado novelas y películas que los trataban con todo detalle– empezarán a conocerse casos en otras disciplinas artísticas. Uno de los entrevistados para este reportaje apunta hacia la danza –”aún no entiendo cómo no ha salido nada ahí”– y el teatro, actividades también muy jerarquizadas y en las que la figura del director está investida de un poder que parecía hacerlos inaccesibles.
¿Y la ópera? En el ámbito lírico, el poder lo encarnan en mayor medida el director artístico y el de escena, por encima del musical. Ahí, apuntan un par de entrevistados, todo son arenas movedizas. Una cantante lo explica de manera elíptica cuando asegura que, de existir casos de acoso –también en este ámbito son muy minoritarios, recuerda– ellas corren menos peligro que sus colegas masculinos. La razón la conocen todos quienes se dedican a ello porque no es ningún secreto: muchos de los responsables artísticos y escénicos de los teatros líricos son gays. Puede que las denuncias a figuras célebres tarden algo más en ver la luz, pero todos consideran que llegarán. Además de la de Levine, ya ha habido algunas más aunque no han afectado a nombres conocidos. De momento, las puertas de los camerinos van a estar abiertas.

 
“Ese instrumento que tiene entre las piernas”

Algunos de los más grandes directores de orquesta del último siglo han sido verdaderos depredadores sexuales. Los biógrafos de Wilhelm Fürtwangler aseguran que su secretaria le llevaba una mujer distinta al camerino antes de cada concierto. Al terminar muchas actuaciones, Leonard Bernstein besaba en la boca a los músicos de sus orquestas. También se sabe que se acostó con muchos de ellos, hombres y mujeres. A Otto Klemperer, el puñetazo de un espectador lo derribó justo al final de una salva de aplausos: era el esposo de una instrumentista con la que el director tenía un affaire. Malcolm Sargent prefería jugar fuera de su campo: su debilidad eran las esposas de sus colegas. También vivía al límite en cuanto al cumplimiento de la ley: a estas alturas se sabe que tuvo sus más y sus menos con una menor hija de un aristócrata amigo suyo.

Solti, Karajan, Maazel y unos cuantos más ejercieron de dueños de la música y del destino y las vidas de quienes estaban a su alrededor, incapaces de negarse a ninguno de sus deseos. En esa generación, lo que sucedía era conocido por quienes estaban más cerca de ellos, pero apenas trascendía. No ocurría igual con las grandes figuras de la primera mitad del siglo XX. Todo el mundo sabía que el volcánico Arturo Toscanini coleccionaba amantes, lo mismo entre las instrumentistas de su orquesta que entre las solistas y las cantantes invitadas. Una de esas artistas se refirió a él durante un ensayo como “Arturo”, a lo que le contestó, ante el centenar de músicos de la formación: “Arturo, en la cama. Aquí, Maestro”.
No era solo una cuestión de alcoba. Los directores también trataban a muchas mujeres de una forma que hoy sería inaceptable. El propio Toscanini se acercó una vez, de nuevo ante todos sus músicos, a una soprano de gran volumen físico que no acertaba a dar una nota y tocando uno de sus pechos dijo: “Si todo esto fuera cerebro…” Pero quizá la agresión verbal –jugando con el doble sentido– más llamativa fue una de Thomas Beecham, conocido por su lengua venenosa. A una violonchelista que no daba la talla durante un ensayo le dijo: “Tiene usted entre las piernas el instrumento más sensible conocido por el hombre, y lo único que sabe hacer es rascarlo”.

(Publicado en El Correo)

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Post tags: acoso sexual, Daniele Gatti, James Levine, orquestas, Robert King

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Esta es la historia de James Rhodes (Londres, 1975), que a partir de los seis años y durante un lustro fue objeto de reiteradas violaciones por parte de su monitor de deporte; consumió drogas y se emborrachó casi a diario al comienzo de la adolescencia; hizo felaciones a hombres mayores a cambio de un helado o unas pocas libras; pasó largas estancias en varios psiquiátricos; trabajó de pinche de cocina en un Burger King; ganó un salario mensual próximo a los 20.000 euros con apenas 20 años; se casó con una mujer mayor que él con quien tuvo un hijo y a quien terminó por destrozar la vida; se autolesionó cortándose con cuchillas de afeitar hasta llegar casi a desangrarse; intentó suicidarse varias veces y lo habría conseguido finalmente si no se hubiese agarrado a un salvavidas: la música clásica.

Rhodes, que solo tiene 40 años, es hoy un pianista de éxito, con su propio programa de TV en una cadena británica, llena grandes salas cada vez que da un concierto, charla con los aficionados que han ido a escucharlo y ha descubierto la misión a la que quiere encomendarse lo que le quede de vida: divulgar la música llamada clásica (él no está de acuerdo con lo que tiene de elitista esa denominación) entre quienes no se han acercado a ella y por tanto no conocen la belleza arrasadora que se encuentra en los grandes compositores de todos los tiempos. Lo cuenta así en sus memorias, tituladas Instrumental. Memorias de música, medicina y locura, que edita en castellano Blackie Books y que solo han podido ver la luz después de que un tribunal británico lo permitiera, hace apenas cinco meses. Su exesposa había tratado de impedirlo con el argumento de que el lenguaje demasiado explícito utilizado por el músico en sus páginas podría ser nocivo para el hijo de ambos.

Lo del lenguaje escabroso es cierto. Rhodes no es un pianista al uso. No solo por su indumentaria -suele salir a tocar con vaqueros, camisetas de rockero, lleva una barba desaliñada y el pelo cortado a tropezones-; lo es sobre todo por el lenguaje y sus maneras. Aunque seguramente todo ello sería distinto de haber ido a otro colegio o no haberse cruzado en su camino con un monitor de deporte de 40 años que nunca llegó a pagar por su delito. Porque Rhodes, nacido en una familia judía acomodada, fue a un buen colegio en el que reinaba la ley del silencio respecto de lo que pasaba en algunos espacios del mismo. Allí fue donde sucedió: «Me utilizaron, me follaron, me destrozaron, me manipularon y me violaron desde los seis años. Una y otra vez durante años y años». «Las violaciones infantiles son el Everest de los traumas», añade. Su caso es la mejor demostración: aún hoy sabe que en cualquier momento aquellas imágenes, aquel dolor, aquel asco, pueden volver a aparecer. Le ha sucedido muchas veces. Y está tan obsesionado por ello que mucho después, cuando su hijo cumplió tres años y llegó el momento de escolarizarlo, lo único que le preocupaba de los centros a los que su mujer y él fueron a pedir información era si garantizaban que un menor no estuviese a solas ni un solo segundo con un único profesor.

Pero volvamos atrás. Cuando terminaron aquellos cinco años de abusos continuos, el pequeño James tenía todo tipo de secuelas físicas y psíquicas. Había aprendido a tocar el piano y descubrió, siquiera fugazmente, que era una forma de evasión. Ahora se avergüenza, pero su primera pieza completa fue Balada para Adelina de Richard Clayderman. Sin embargo, dejó de tocar y se deslizó por una pendiente de sexo a cambio de dinero o favores -siempre con hombres, su primera relación con una mujer no llegó hasta los 18 años y fue con una prostituta-, alcohol y drogas. Su primer paso por un psiquiátrico fue en la adolescencia.

Cuando salió se fue a vivir a París. Allí vivió una breve etapa de bohemia y excesos, haciendo pequeños trabajos para sobrevivir y conociendo un ambiente atractivo y algo canalla. Sin haber llegado a cumplir los 20 años, fue contratado como comercial publicitario en un medio de comunicación y era tan bueno en su trabajo que ganaba bastante más de 3.000 libras por semana. Parecía que su vida estaba encarrilada: conoció a una mujer diez años mayor que él, algo traumatizada tras su segundo divorcio, y la sedujo a base de encanto personal, regalos caros, conversación inteligente y una enorme capacidad de convicción. Se casaron y pronto ella quedó embarazada. Cuando nació su hijo (usa un nombre falso para referirse a su exesposa y a él en el libro), se convirtió en su obsesión. Y su vida descarriló de nuevo porque los fantasmas regresaron a su cabeza.

Entonces, la música, el talento y un par de golpes de suerte cambiaron su vida. O se la salvaron. Una pieza escuchada un día casi por casualidad hizo que pensara dedicarse a la clásica de alguna manera: la Chacona de la Partita para violín Nº 2 de Bach, en la versión pianística de Busoni. Convencido de que no podría ser pianista, quiso convertirse en agente, asociándose con uno de ellos. Este le pidió que tocara algo al piano. Hacía diez años que no se sentaba ante el teclado y tocó muy mal, con grandes dificultades para terminar. Para su sorpresa, el agente le dijo que no iba a hacerlo socio, sino que iba a convertirlo en pianista profesional porque había descubierto que tenía un gran talento. Así que lo envió a Italia a tomar lecciones de un conocido profesor.

Nada de eso evitó otra recaída y un nuevo ingreso en el psiquiátrico. Ya había comenzado a autolesionarse cortándose con cuchillas de afeitar, pero en el sanatorio fue peor: en un descuido del personal, se colgó con un cable de teléfono y lo salvó un asistente en el último momento. La montaña rusa continuó con una escapada del psiquiátrico, un nuevo ingreso y la música de nuevo como salvación gracias a un iPod que un amigo consiguió introducir -estaba prohibido- en un frasco de gel.

A la salida del sanatorio se separó de su mujer y empezó su carrera gracias a un mecenas que le financió su primer disco, que lleva un título muy biográfico: Cuchillas, pastillas pequeñas y pianos grandes. Después vendrían Ahora, por favor, que los freudianos se aparten, Balas y canciones de cuna y algún otro más convencional en cuanto a denominación. También llegaría la firma de un contrato con Warner, una serie de programas para la TV, una nueva pareja con la que rompe para reconciliarse más tarde y casarse y la publicación de su pasado de violaciones y abusos sin cuento. Nada pasó, sin embargo, porque cuando encontraron al profesor no pudo ser juzgado: un derrame cerebral lo había dejado hecho un guiñapo.

En todo este tiempo, Rhodes se ha convertido en un personaje que explica con palabras sencillas las piezas que toca en cada concierto, al igual que lo hace con una selección de veinte de ellas en sus memorias. Una por cada capítulo, y además recomienda una versión en concreto y dónde pueden encontrarse en la red. En esos parlamento no se corta a la hora de hablar del «puto Beethoven», el «trepa y algo racista» Chopin, y el «desastre con patas» que era Schubert. Nada que sorprenda en alguien que empieza sus memorias con una frase de un laconismo absoluto: «La música clásica me la pone dura».

Claro que los compositores son sus ídolos. Todo lo contrario que otros agentes del sector. Veamos lo que dice sobre los intérpretes: «Normalmente (son) socialmente retrasados y supertorpes (…) Emocionalmente castrados o superamanerados, raros en plan asesino en serie, lunáticos a los que no se entiende y tienen un número de fetiches sexuales más altos de la media». Los promotores de conciertos: «Se dedican a remolonear, a tomar champán y a comerles la oreja a miembros del público maduros y forrados de pasta. Parten de la idea de que todo cambio es monstruoso y malo». Las discográficas las dirigen «unos tipos bienintencionados y sumisos sin el menor atisbo de perspicacia comercial y ningunas ganas de probar algo distinto». Hasta ahora, todo muy suave si se compara con su descripción de los críticos: «El gilipollas solitario, amargado, músico fracasado, cabroncete disfrazado de intelectual (…) El quejica esnob, despreciativo, mal informado y sádico al que nadie tomaría en serio en cualquier otra labor periodística» y a quien solo leen «otros críticos, seniles oyentes, algún que otro estudiante y unos cuantos jueces del Tribunal Supremo».

¿Y cómo es el Rhodes pianista, más allá de sus divertidas explicaciones de las obras que pueden verse en los vídeos y escucharse en los discos? Pues seguro que no es el mejor intérprete de Beethoven, Bach o Chopin. Con toda probabilidad, cualquier aficionado tiene un puñado de grabaciones en su casa mejores que las suyas. Pero su Chacona está tocada con tal rabia, con tal intensidad emocional, que impacta más que esas otras más perfectas y canónicas. Probablemente, Rhodes se convierta en el nuevo Bernstein en su tarea de ampliar el público de la clásica. Y sus memorias son de una sinceridad como pocas. Si no lo creen, lean lo que dice de sí mismo: «Soy un imbécil vanidoso, egocéntrico, superficial, narcisista, manipulador, degenerado, pelota, quejica, lleno de carencias, con tendencia al exceso, agresivo, frío y autodestructivo». Seguramente es también un genio que ha sufrido mucho. Más de lo que cualquier ser humano normal puede soportar sin alguna droga que lo haga todo más vivible. La suya se llama música.

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Post tags: Ja Bilbao, música clásica

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Asumo que, como responsable del suplemento -y autor de un par de textos-, no soy el más objetivo a la hora de juzgarlo. Pero les garantizo que es uno de esos documentos periodísticos para leer y guardar, con un espectacular diseño gráfico. Además, podrá verse en papel y en www.elcorreo.com (sólo para suscriptores). Les invito a leerlo y a opinar sobre él. Confío en que no les va a defraudar.

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Post tags: aniversario, número especial

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Qué quieren que les diga: por equivocado que me parezca, la combinación de la faceta digamos política de Vargas Llosa y su relación sentimental con una de las reinas del papel couché puede terminar por tapar al escritor. Se está viendo con las críticas. Estoy seguro de que algunas serían distintas –menos displicentes, menos vengativas– si la novela se hubiese publicado antes de la ruptura matrimonial. Y no tengo ninguna duda de que los comentarios en la versión digital de algunas de esas críticas –ese lugar en el que el anonimato saca lo peor de cada uno– serían diferentes. He leído cosas tan elevadas intelectualmente como «no leeré nada de lo que escribe ese fascista que se acuesta con una fulana». Opiniones así revelan que su autor no puede presumir precisamente de un fino criterio literario.
Una obra literaria no es mejor ni peor por la ideología de su autor ni por la elección que haya hecho respecto de la persona con la que compartir su vida o su lecho. Solo quienes no pueden con la envidia o tienen tanta bilis acumulada que les desborda relacionan una cosa y otra. En el fondo, juzgar a un creador por aspectos que nada tienen que ver con su trabajo como tal es tan solo un síntoma de falta de cultura. Y esto, desgraciadamente, está pasando también con algún que otro crítico.

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Post tags: Isabel Preysler, nobel

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La grabación de Achúcarro elegida es su versión del Concierto Macabro de Bernard Herrmann, el gran compositor que también desarrolló una muy importante carrera como autor de bandas sonoras para el cine. Suyas son las de un puñado de películas de Hitchcock. Debo confesar que la inclusión del pianista bilbaíno en la lista no me ha sorprendido pero la elección de la obra, sí.
Llaman la atención dos elementos de la lista de cien grabaciones: ausencias como las de Barenboim, Sokolov o Pires; y la presencia de un solo pianista joven, Benjamin Grosvenor.
Les dejo un regalo: esa grabación merecedora de estar en el grupo de las cien mejores. Aquí la tienen.

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Post tags: piano, pollini, richter

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Cuando lo nombraron director titular a partir de esta temporada, en la Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS) sabían que Erik Nielsen (Iowa, 1977) había sido intérprete de oboe y arpa antes de tomar la batuta. Lo que desconocían por completo es que también es capaz de subirse al escenario y tocar el piano. Lo hará en el ciclo de cámara, para acompañar a la mezzo Tanja Ariane Baumgartner en el Winterreise (Viaje de invierno) de Schubert, uno de los ciclos de canciones más bellos que se han escrito nunca. Pero mucho antes, en el arranque de la temporada que supone su debut al frente de la BOS, se colocará en el podio junto a una leyenda, el pianista Joaquín Achúcarro, para interpretar las Noches en los jardines de España de Manuel de Falla. “Para mí, es una suerte adentrarme en esta obra con la visión de Achúcarro”, confiesa en una entrevista concedida a EL CORREO.
– En la temporada que está a punto de comenzar, dirigirá seis programas. ¿Cuántas semanas va a trabajar en total con la orquesta durante el año?
– El plan es estar unas siete u ocho semanas trabajando con la orquesta, que puede ser alguna más si surge algún concierto extraordinario.
– A partir de septiembre de 2016 dirigirá también el Teatro de Basilea. ¿Cómo compaginará ambas tareas?
– Los teatros trabajan con mucha más antelación que las orquestas así que eso hace más fácil la compatibilización de ambos cargos. Para la temporada 2016/17 existía la posibilidad de estar ocho semanas en Bilbao, pero de ellas tenían que haber sido cinco o seis seguidas. Eso significa más desgaste y más cansancio para todos, así que he preferido estar una menos pero repartiendo más el trabajo.
– A partir de lo que está conociendo, ¿cómo definiría a la BOS?
– Diría que no es una orquesta de esas que se dicen especializadas en música alemana, o francesa, sino una formación muy flexible. Yo ya he hecho con la BOS La ciudad muerta de Korngold y alguna sinfonía de Dvorák, que son músicas muy diferentes, y la respuesta ha sido muy buena. Creo que esa flexibilidad la da el hecho de hacer no solo música sinfónica, sino también ópera.
– Pero lo que suelen comentar otros directores es que es una orquesta especialmente buena en el repertorio del último romanticismo: Bruckner, Strauss, Mahler…
– Mi corazón se siente bruckneriano, pero no me convencen las orquestas que solo tocan bien un repertorio, aunque sea justamente ese. Me gusta que sean capaces de hacer muy bien repertorios muy diferentes. Y dicho eso, debo confesar que me encantaría hacer varias sinfonías de Bruckner en los próximos años.
– Hará la Tercera en esta misma temporada. Pero lo que llama la atención del programa es el elevado número de conciertos con cuatro y hasta seis títulos en cada uno. ¿Le gusta así?
– No me siento atraído por la forma tradicional de programar, con una obertura y un concierto en la primera parte y una sinfonía en la segunda. Mi concepto perfecto para un programa es que contenga cuatro obras. Eso muchas veces permite dar al aficionado referencias sobre un compositor antes de que llegue la obra principal.
– También va a dirigir un programa jazzístico.
– Podría venir y hacer programas con Beethoven, Brahms, Mozart, Bruckner y algún otro. Podría hacerlo, pero prefiero abordar repertorios diferentes, siempre que estén bien hechos. La cantante que vendrá a ese concierto (China Moses) es buena, las orquestaciones están muy bien hechas y creo que será un reto para la BOS, porque también incluiremos piezas de Copland y Bernstein.
– Para su primer concierto como titular tiene dos obras, las Noches de Falla y la Quinta de Chaikovski, muy famosas. ¿Lo hace para poder marcar así su carácter, dar versiones personales de partituras que todo el mundo conoce?
– Mi manera de abordar la música de Chaikovski lo aproxima más a Mozart que a Rachmaninov. Es ruso, cierto, pero su obra está llena de referencias germánicas. Le encantaba la música de Mozart y quiero hacer una Quinta con menos apasionamiento, con un último movimiento más próximo a una oración. La inclusión de las “Noches” fue una idea de Achúcarro. Hacía mucho que la BOS no interpretaba esa obra y estoy encantado de adentrarme en ella a partir de la visión de un pianista como él.
– Es estadounidense pero vive y trabaja en Europa. ¿Dónde hay más aprecio por la música clásica?
– Vivo en Europa porque aquí hay más cultura. En Europa es posible ir por la calle y encontrar a gente a la que le interesa Schubert. En Alemania, por ejemplo, la música está en el ambiente. En EE UU no hay tradición y, además, las orquestas solo tocan repertorio sinfónico, no entran en la ópera. La estructura de su programación es más tradicional porque, como son privadas, tienen que atraer al mayor volumen de público posible. Aquí se puede confiar más en la audiencia y hay más respeto por la creación contemporánea.
Aprendizaje y proyectos
– Usted se ha interesado mucho por la música de hoy. ¿Piensa trabajar con ella también en la BOS?
– Sí. Me gustaría traer algo de Lachenmann y el concierto para violonchelo Reflections on Narcissus de Pintscher, por ejemplo. Incluso encargar alguna obra. En general, soy más de celebrar acontecimientos históricos, incluso extramusicales, que aniversarios de compositores.

– Antes de dedicarse a la dirección, fue intérprete de arpa y oboe. ¿Por qué lo dejó para tomar la batuta?

– Siempre me he considerado director, desde los tres años (se ríe). Era muy pequeño y ya dirigía el coro de la iglesia. Ser director no es una cuestión de gesto. Eso se aprende en tres días. Es más bien entrar en el contenido de la música, y eso lleva toda una vida. Pero para dirigir bien hay que haber sentido primero lo que es tocar un instrumento. Solo así se puede transmitir a los músicos lo que uno quiere.

– ¿Ha aprendido más como asistente de un director o como instrumentista, viendo desde su silla lo que hace en el podio?
– La manera de aprender cómo se dirige la Primera de Brahms es como oboe de la orquesta. Es como se consigue entender la música, allí rodeado de todos tus compañeros. Y luego, por supuesto, viendo cómo dirigen los mejores. Estar en la Filarmónica de Berlín como oboísta me permitió trabajar Parsifal con Abbado, los Gurre lieder con Rattle… Si me vine de EE UU a Europa fue porque quería aprender alemán y hacer ópera. Lo pude hacer en la Filarmónica de Berlín y luego en la Ópera de Fráncfort.
– ¿Con qué director ha aprendido más?
– Leonard Slatkin suele decir a los jóvenes que miren cómo dirige, para no hacerlo igual (se ríe). He aprendido con muchos, pero creo que el director más grande con el que he trabajado ha sido Claudio Abbado.
– ¿Tiene algún proyecto discográfico en mente para abordarlo con la BOS?
– Tengo intención de hacer cosas, pero eso lo veo como un proyecto asociado a giras, que el disco sea la tarjeta de presentación de la orquesta antes de una salida al exterior. No hay nada específico aún, pero lo que sí puedo decirle es que los estudios de grabación no me inspiran nada, así que lo más probable es que, cuando sea, se trate de un registro en directo.

Fotografía de Fernando Gómez

(Publicada en EL CORREO)

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Post tags: bos, música sinfónica, nueva temporada, Orquesta Sinfónica de Bilbao

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La Historia de la Música registra los asesinatos de dos grandes compositores, muy conocidos en su tiempo aunque hoy un tanto olvidados salvo para los aficionados más expertos. Dos casos distintos pero unidos por elementos comunes: su pertenencia a la misma corriente compositiva y la novela que se puede construir alrededor de la muerte de ambos.

El primero de esos asesinatos fue el de Alessandro Stradella. Es sabido que Gabriel García Márquez se inspiró en una historia real, ocurrida en su país, para escribir la novela Crónica de una muerte anunciada. Pero el título sirve a la perfección para contar lo sucedido con Stradella. Dicho de otra forma: ofendió, estafó, engañó y humilló a tantos poderosos de su tiempo que tenía que saber que alguno de ellos se tomaría cumplida venganza.

Stradella lo tenía todo para haber vivido sin trabajar, dedicándose a la música como un diletante, sin crearse problemas. Nacido en Nepi, en el seno de una familia aristocrática, estudió en Bolonia y no había cumplido aún los 20 años cuando recibió un encargo de la reina Cristina de Suecia. Se sabe que tocaba el laúd y el violín y que escribía versos galantes en latín. Sumen esas habilidades a su fortuna y sus deseos de aventura y tendrán el retrato robot de un seductor de vida azarosa.

La vida azarosa cuando se tienen gustos refinados es cara, y a Stradella pronto se le acabaron las reservas. Así que, entre cantata y cantata, se le ocurrió estafar al Vaticano en compañía de dos amigos. Es conocido que los Papas han dispuesto siempre de magníficos servicios de información, de manera que Stradella fracasó en esa aventura y tuvo que dejar Roma durante una temporada.

Para entonces, su currículum amoroso era ya tan extenso como el catálogo de sus obras. En el mismo, figuraban cantantes de los grupos que interpretaban sus piezas, criadas, jóvenes doncellas y esposas de ricos aristócratas de varias ciudades italianas. En muchos casos, esas relaciones le supusieron la inquina de maridos engañados, padres ofendidos y hermanos con un estricto sentido del honor familiar. Podrían haber formado un pequeño ejército con un solo enemigo.

En 1677 encontramos a Stradella en Venecia, amparado en la larga sombra artística de Monteverdi. Un noble, quizá desinformado sobre el carácter de la persona que estaba metiendo en su palacio, lo contrató para que impartiera clase de música a su joven esposa. Seguro que lo han imaginado. Estaban todavía en las primeras lecciones y la joven y el compositor ya eran amantes. La muchacha se enamoró de verdad del músico, tanto como para aceptar marchar con él a Turín. La salida fue apresurada porque el aristócrata había descubierto lo que pasaba en casa y prometió matar al compositor.

No era una promesa vana. Unos sicarios siguieron a la pareja hasta Turín y solo la ayuda del regente impidió, en un par de ocasiones, que consiguieran su objetivo. Stradella fue entonces consciente de que se había salvado casi de milagro, así que abandonó a la mujer y se instaló en Génova. Durante tres años, se dedicó a trabajar. Compuso oratorios y serenatas, asistió a la representación de alguna de sus óperas y por supuesto persiguió a mujeres de toda condición… pero sin maridos celosos. Hasta que un día conoció a una joven de la familia Lomellini, una de las más ricas e influyentes de la ciudad. El músico bajó la guardia y se enredó con ella en otra historia de alto riesgo. Esta vez no hubo regente que lo salvara. Los Lomellini contrataron a un antiguo soldado que lo apuñaló hasta darle muerte cuando cruzaba la plaza Bianchi. Tenía 42 años. Su historia da tanto juego que se han escrito varias óperas y alguna novela sobre la misma. Ninguna ha gozado de un éxito equiparable al de  su música en el tiempo que fue estrenada.

La historia de Jean-Marie Leclair es más sencilla pero contiene una dosis mayor de misterio porque no se conoce quién lo mató. Su vida da menos juego para una novela aunque este compositor francés nacido en Lyon en 1697 (quince años después del asesinato de Stradella) tenía un padre con un extraño sentido del humor. Tanto que puso a dos de sus hijos varones el mismo nombre: Jean-Marie. Para más confusión, el otro Jean-Marie también fue músico, de manera que en Francia, donde son más conocidos, se habla del joven y el viejo Leclair.

El que protagonizó un crimen sin resolución fue el viejo. En realidad, hasta el día anterior a su muerte no hay nada especial en su biografía. Nada diferente de lo vivido por cualquier otro compositor de su tiempo: estudios en Italia, violinista y profesor de éxito, algunos trabajos para nobles y reyes (entre ellos, Luis XV) y viajes por toda Europa (incluida Madrid, donde atendió encargos del infante don Felipe). Los historiadores de la música creen que la mayor parte de su obra la escribió en un período de tiempo relativamente corto, pero la fue publicando poco a poco.

Casado en 1716, a los 19 años, con una bailarina, enviudó en 1728. Contrajo matrimonio de nuevo, y en 1764, el año de su muerte, estaba divorciado. En ese momento, Leclair vivía en un barrio parisino donde la criminalidad era notable. Una noche, el compositor estuvo jugando al billar con un amigo. Fue la última persona que lo vio con vida. Por la mañana, el jardinero se sorprendió al hallar el sombrero del músico entre las flores. Leclair estaba tirado en el vestíbulo de la casa, muerto en medio de un charco de sangre. Había sido apuñalado. La Policía sospechó de tres personas: el jardinero (cualquier seguidor de series policiales sabe que quien descubre un crimen es siempre el primer candidato a autor del mismo); su exmujer, que era también la editora de sus partituras, y un sobrino con quien tenía una mala relación. Nunca pudieron pasar de las sospechas y nadie fue acusado del crimen.

Y ahora, pregúntense de nuevo: ¿quién puede querer matar a un músico?

(Publicado en elcorreo.com)

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Post tags: Leclair, Stradella

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No quedan demasiado lejos los tiempos en que dirigió la Joven Orquesta de Euskal Herria y la Sinfónica de Euskadi como director ayudante de Gilbert Varga y Mario Venzago. En la Sinfónica de Bilbao estuvo nueve años como titular y de ahí, tras un paréntesis en el que no tuvo formación fija y estuvo trabajando como invitado, llegó el salto a la Filarmónica de la BBC, donde sigue. En medio, ha sido principal director invitado en Bergen y en varias orquestas y teatros europeos.
Nadie duda de que Mena tiene el talento necesario para llegar hasta donde ha llegado. Al talento ha sumado el trabajo y el diseño de una carrera paso a paso, sin buscar atajos ni hacer concesiones. Uno de sus lemas ya cuando estaba en Bilbao era que lo importante no es tanto que te inviten a dirigir una orquesta como que repitan la invitación. Las grandes de EE UU ya le han invitado más de una vez.
Quiero pensar que en la Diputación foral de Bizkaia la noticia de sus conciertos en Berlín ha dejado un regusto agridulce. Dulce porque es un vasco llegando a lo más alto. Un músico que además nunca olvida su paso por la BOS como una etapa crucial en su formación. Pero al tiempo agrio porque la Diputación, como institución mayoritaria en el patronato de la BOS, no se portó con él demasiado bien. Sobre todo al final de su estancia. Nunca lo dijo en voz alta, pero Mena no congenió con Josune Ariztondo, la diputada de Cultura, que alguna responsabilidad tuvo en su despedida. Mena se iba a marchar, eso era evidente, pero la torpe actuación de la diputada aceleró su salida. Y también ayudó a que tomara la decisión la absoluta indiferencia que siempre ha mostrado el diputado general, José Luis Bilbao, respecto de la orquesta. El director alavés solía comentar en privado que creía no haberlo visto nunca en un concierto de la BOS. A su sucesor, Gunther Neuhold, le pasó lo mismo.
Quizá esta mañana, al leer el periódico, Ariztondo y Bilbao han sentido esos sentimientos contradictorios de los que hablaba. Significaría que, al menos, en su interior reconocen el gran error que cometieron con Mena. Aunque también puede pensarse que para él fue una suerte que indirectamente lo invitaran a marcharse.

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Post tags: bos, Diputación foral de Bizkaia, José Luis Bilbao, Josune Ariztondo, Orquesta Filarmónica de la BBC, ose

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Sokolov es noticia aquí por dos motivos: su concierto del sábado en la Sociedad Filarmónica de Bilbao y la publicación de un nuevo disco. Tan novedosa es una cosa como la otra, porque ni Sokolov viene todos los días por la Villa ni publica discos con facilidad. De hecho, hacía veinte años que no lanzaba ninguno.
En su recital en la Filarmónica, interpretará la Partita Nº 1 de Bach, las sonatas Nº 7 de Beethoven y op. 143 de Schubert, y los Seis momentos musicales de este último.
El álbum ( The Salburg Recital, sello Deutsche Grammophon) recoge una actuación en el festival de la ciudad natal de Mozart, el 30 de julio de 2008. En el programa, las sonatas K. 280 y 332 de Mozart, y en la segunda parte los 24 Preludios de Chopin. Las propinas, como siempre generosas: dos mazurkas del polaco, dos poemas de Scriabin, Les Sauvages de Rameau y una coral de Bach.
La personalidad de Sokolov es compleja y eso se muestra a la perfección en todos los aspectos del disco: primero porque ha tardado más de seis años en autorizar la publicación de un álbum pese a que la grabación se había realizado pensando en ello. Segundo, porque su repertorio está probado al límite: de hecho, cada temporada recorre el mundo interpretando durante seis meses el mismo programa y cambiando solo una parte durante los seis restantes. Así que cuando tocó en Salzburgo estas piezas de Mozart y Chopin las había estudiado hasta el milímetro.
Se nota. En el disco hay una verdadera sensación de ingravidez. Como si Mozart y Chopin, sus sonatas y sus preludios, flotaran en el aire; como si la música estuviese suspendida en la nada y cada nota fuera cayendo con lentitud sobre el oyente. Cada compás, casi cada acorde, parece irrepetible en sus manos. Como si esa música no fuera a sonar nunca más.
Los melómanos vascos están de enhorabuena. Este fin de semana tienen una fiesta, el Musika-Música, y un oficio casi religioso: el recital de Sokolov. Vivir para escucharlo.

(Les dejo dos minutos de Sokolov: su interpretación de Les Sauvages de Rameau).

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La pianista donostiarra faltará este año a la cita del Musika-Música a la que había acostumbrado a los aficionados. La razón es simple: el tema en torno al que gira el festival en esta edición –el barroco de Haendel y Bach– no entra en su repertorio. A cambio, volverá a Bilbao con un programa que incluye obras de sus dos últimos discos, con el añadido de unas piezas de Antón García-Abril.
El programa está integrado por los Valses poéticos de Granados, Jeux d’eaux à la Villa d’Este de Liszt, Estampes de Debussy, Tres piezas alejandrinas de García-Abril, Scènes d’enfants de Mompou y cuatro piezas de la Suite Española de Albéniz (Granada, Sevilla, Asturias y Aragón).
Las obras elegidas para su recital en el Campos han acompañado a Jáuregui durante los dos últimos años, desde que publicó Para Alicia, un disco en homenaje a Alicia de Larrocha, que incluía algunas de las piezas que la gran pianista catalana llevó por todo el mundo. Hace unos meses lanzó Aura, un álbum que profundiza en la creación pianística de la segunda parte del siglo XIX y los primeros años del XX. Esta música llena de color y aroma, ingenua a veces, apasionada otras, difícil siempre, se ha convertido así en la especialidad de esta intérprete que forma parte de la mejor generación de pianistas que ha habido nunca en este país.

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