‘Sangre española’, que nos llegó junto a los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992, es aún el mayor éxito de Manolo Tena. Vendió un millón de copias en todo el mundo, aunque el artista madrileño siempre mantiene que no llegó a ganar ni una peseta con esta canción.

Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.

(...)
Read the rest of Manolo Tena – Sangre española (901 words)

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confesó repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesaba «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añadió más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sotuvo.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derramó arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofreció desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas y difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo volvió a protagonizar, pero el nivel de su obra no decreció hasta que un cáncer detuvo su carrera. Regresó hace poco con un nuevo trabajo. Fue su canto de cisne. Ayer se apagó su voz.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

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Este himno del rock, tan clásico como la Quinta Sinfonía de Beethoven, también te transportará de inmediato a lo más profundo del sur estadounidense, a sus blancos campos de algodón, a su húmedo calor… Qué lejos estamos de la mítica Alabama y, sin embargo, que cerca nos sentimos de ella gracias a este tema. Icono imperecedero, nos ayuda a sentir ese área norteamericana. Quizá porque ‘Sweet home Alabama’ es una de esas composiciones ideales para viajar, de las que tienes que tener siempre en el equipo de música de tu coche cada vez que te enfrentas a la carretera.(...)
Read the rest of Lynyrd Skynyrd – Sweet home Alabama (Dulce hogar Alabama) (2,034 words)

Hasta aquí el lado amable de una de las canciones superlativas de la historia. Ahora es hora de hablar de la polémica que siempre ha caminado junto a ‘Sweet home Alabama’. Una absurda polémica. Retrocedamos a los años setenta. Alabama, estado históricamente vinculado a la esclavitud, causa que defendió en la Guerra de Secesión, un siglo después de su abolición todavía mantenía normativas muy restrictivas para integrar a la población negra, a pesar de que en algunos condados superaba el 90%.

Ni siquiera las grandes movilizaciones abanderadas por Martin Luther King convencieron a las autoridades del estado para iniciar la apertura en materia de segregación racial. Por ello, Alabama fue objeto de crítica por parte de algunos artistas.

NEIL YOUNG

Entre ellos estaba Neil Young, quien dedicó dos temas –‘Southern man’ y ‘Alabama’– a denunciar aquel comportamiento. En el primero, cuyo título podría ser traducido como ‘Sureño’, el grandioso artista canadiense venía a decir en 1970: «al final vendrá un cambio para el sur / ahora tus cruces arden rápido / he visto el algodón y he visto a los negros / altas mansiones blancas y pequeñas chabolas / sureño ¿cuándo les pagarás por ello? / he escuchado gritos y látigos chasqueando / ¿por cuánto tiempo?».

Dos años más tarde, en ‘Alabama’ la letra incluía estrofas como «vengo a ti y veo toda esta ruina / ¿qué estás haciendo Alabama? / tienes al resto de la unión para ayudarte / ¿qué está yendo mal?».

Todo apunta a que se trataba de dos claros alegatos antirracistas, aunque hay quien sostiene que Young odiaba Alabama desde que en 1969 sufriera una paliza allí.

Esta ‘intromisión’ de Young, lógicamente, fue mal recibida en el estado sureño. La banda local, aunque nacida en Florida, Lynyrd Skynyrd se erigió en portavoz del sentimiento de repulsa y, como respuesta, publicó ‘Sweet home Alabama’.

Lo que presentaron como himno de amor hacia el sur, se convirtió en realidad en el cobro de una factura a Young, no exenta de chulería, y en un ejercicio de orgullo natal. Lynyrd Skynyrd creía que el canadiense había pecado de oportunista y había generalizado demasiado. «Pensábamos que estaba disparándo a todos los patos para ver si le daba a uno o dos», comentó por aquellas fechas Ronnie van Zant, líder de la banda.

LA LETRA cita explícitamente a Neil Young.

Dulce hogar Alabama
la noria sigue girando
llévame a casa para ver a mi familia
cantando canciones acerca del sur
de nuevo echo de menos a Alabama
y pienso que es un pecado, sí

Bien, oí al señor Young cantando sobre ella
bien, oí al viejo Neil admirándola
bien, espero que Neil Young recuerde
de todas maneras, un hombre del sur no lo necesita

Dulce hogar Alabama
donde el cielo es tan azul
dulce hogar Alabama
Dios vuelvo a casa contigo

En Birminghan ellos aman al gobernador ohh
ahora hicimos lo que podíamos hacer
ahora el ‘watergate’ no me molesta
¿tu conciencia te molesta?
di la verdad

Dulce hogar Alabama
donde el cielo es tan azul
dulce hogar Alabama
Dios, vuelvo a casa contigo
aquí vengo Alabama

Ahora los estudios Swamper Muscle tienen músicos
y han sabido escoger una canción o dos
Dios, consiguen dormirme
ellos me recogen cuando yo me siento triste
¿ahora que te parece a ti?

Ahhh, ahhhh ah, Alabama

Dulce hogar Alabama
oh chica dulce hogar
donde el cielo es tan azul
y la verdad del gobernador
dulce hogar Alabama
señor, señor, vuelvo a casa contigo
yeah, yeah conseguí la respuesta de Montgomery

La CONTROVERSIA creció en diferentes medios de comunicación, pero nunca derivó hacia un enfrentamiento entre la banda sureña y el cantante canadiense. Es más, tantos unos como el otro han manifestado siempre admiración mutua. «Estoy orgulloso de que mi nombre estuviera en una de sus canciones», dijo Neil Young en 1976. Ronnie van Zant, por su parte, apareció en varios conciertos con una camiseta con la portada de un disco del cantautor.

También Billy Talbot, bajista de Crazy Horse, el conjunto de acompañamiento de Young, lució a veces la característica camiseta negra de Lynyrd Skynyrd con el diseño imitando el logo del whisky Jack Daniels. Es más, tras la muerte de varios miembros de la banda en un accidente de tráfico registrado en 1977, Young, durante algunos conciertos, intercaló en su canción ‘Alabama’ algunos trozos del estribillo de ‘Sweet home Alabama’.

El tema creó, asimismo, cierta polémica al hacer referencia al gobernador de Alabama en aquel período, George C. Wallace, conocido por su febril defensa de la discriminación racial en las escuelas – «segregación ahora y segregación siempre» era su frase favorita–, y por citar además a la ciudad de Montgomery, que en 1963 acogió graves disturbios entre la Policía y los manifestantes por los derechos civiles.

La mayoría de la opinión pública dedujo que con la canción se pretendía apoyar a Wallace y a su política, pero Van Zant siempre lo desmintió. «La letra fue malinterpretada. La expresión ‘Boo, boo, boo’ no pretendía corearle sino que era una ironía», dijo. Pero lo cierto es que la ambigüedad con la que jugaron los miembros del grupo daba lugar a varias interpretaciones. «Nosotros hicimos lo que pudimos para echar al gobernador», añadió su líder.

Sus explicaciones no convencieron y ‘Sweet home Alabama’ fue tachada de racista, generando un eterno debate sobre ello. La duda era alimentada además porque Lynyrd Skynyrd actuaba muchas veces con la bandera de la confederación a sus espaldas. Luego, paradójicamente, apoyaron la candidatura del demócrata Jimmy Carter a la Casa Blanca.

HISTÓRICO RIFF

Discusiones al margen, nadie puede negar que ‘Sweet home Alabama’ es una gran obra musical, que en su inicio exhibe uno de los riff más reconocibles de la historia del rock, realizado con una guitarra Fender Stratocaster. La compusieron los miembros de Lynyrd Skynyrd Ed King, Gary Rossington –música– y Ronnie Van Zant –letra– en 1974 en unos estudios de Georgia y, pese a ser una canción en principio localista, alcanzó el número ocho en las listas de éxitos estadounidenses.

Como curiosidad, señalar que empieza con Van Zant diciendo ‘Turn it up’ (Súbelo), que no formaba parte de la letra. Simplemente le reclamaba al ingeniero de sonido que elevara el volumen de sus auriculares. Pero, esta expresión gustó y acabó por convertirse en el inicio tras el tradicional ‘one, two, three…’).

Sin embargo, ‘Sweet home Alabama’ tuvo que luchar incluso contra las reticencias del productor de la banda Al Kooper, que no quería grabar este tema porque dudaba de su potencial. Al final fue la discográfica quien, afortunadamente para los melómanos, impuso su criterio.

Kooper creía que la referencia a Young era demasiado explícita y que repercutiría de forma negativa en el grupo. Pero la musicalidad y la adicción que crea la canción superaron cualquier prejuicio. Hoy en día ¿quién no se deja seducir por ella?, ¿quién no la reconoce nada más sonar sus primeras notas?

En la actualidad la apoteósica y mítica ‘Sweet home Alabama’ configura el himno por excelencia del rock sureño, su emblema sonoro. Además, durante los últimos años se ha convertido en el eslogan del estado y forma parte de la campaña de promoción turística diseñada por el gabinete del actual gobernador, Bob Riley. «La frase es saludable, alegre y cálida…», dijo Riley durante la presentación. De hecho, desde 2009, hasta las matrículas de Alabama van precedidas del ‘Sweet home’.

VERSIONES

El filtro irónico de la banda gallega SINIESTRO TOTAL en 1984 convirtió ‘Sweet home Alabama’ en ‘Miña terra galega’.

Los argentinos CJARLY GARCIA Y JAVIER CALAMARO trataron de hacer patria con ‘Sweet home Buenos Aires’.

Peculiar y pegadiza es la revisión que realizó KID ROCK, mezclando hip-hop y country-rock en 1989. La tituló ‘All summer night’.

Pintoresca es, asimismo, la visión personal de la banda finlandesa LENINGRAD COWBOYS, formada a raíz de una película ‘Leningrad cowboys go to America’, del director Aki Kaurismaki. En 1994 se rodearon de miembros del coro del Ejército Rojo en la entrega anual de los premios MTV en Nueva York para hacernos reír con una interpretación tremendamente vistosa.

CINE

La presencia más recordada de ‘Sweet home Alabama’ en la gran pantalla nos lleva a la película de Robert Zemeckis ‘Forrest Gump’ (1994). Suena cuando el protagonista se encuentra con Jenny.

Hollywood es adicta al tema. Así, de pronto, la encontramos en filmes como ‘La masacre de Texas’, ‘Con Air’ –donde suena mientras Garland Greene (Steve Buscemi) define la palabra ironía a Cameron Poe (Nicolas Cage) como «un montón de idiotas bailando dentro de un avión una canción que se hizo famosa por una banda que murió en un accidente aéreo»­–, la homónima ‘Sweet home Alabama’, protagonizada por Reese Witherspoon; ‘Ocho millas’, con una versión cantada por Eminem; la terrorífica ‘The Texas Chainsaw’ o ‘Gru, mi villano favorito’, entre otras.

La televisión también ha recurrido hasta la saciedad al genial tema de Lynyrd Skynyrd. Series de culto como ‘Los Simpsons’ o ‘Malcolm in the middle’ lo han incluido en sus bandas sonoras.

ANÉCDOTA

El equipo de ciclismo profesional norteamericano Garmin –ahora Cannondale– adoptó ‘Sweet home Alabama’ para motivar a sus corredores. En cada entrenamiento en grupo suena por los altavoces del coche del director «Sweet home on a Garmin / where the boys on argyle blue» (dulce hogar en Garmin, donde están los chicos de rombos azules), en referencia al diseño del maillot de la escuadra.

LYNYRD SKYNYRD se constituyó en 1964 en torno a la figura de Ronald van Zant y en el marco de un instituto de Jacksonville, en Florida. En la siguiente década ya era uno de los principales exponentes del rock sureño. Sus siete miembros –además de Van Zant (voz y guitarra), eran Ed King (bajo), Allen Collins (guitarra), Gary Rossintong (guitarra), Leon Wilkeson (bajo), William Powell (teclados) y Robert Burns (batería)– adoptaron su nombre de una burla socarrona hacia Leonard Skinner, su temido profesor de gimnasia, que les afeaba sus largos cabellos.

Fueron descubiertos por Al Kooper, exmiembro de Blood, Sweat & Tears, cuando tocaban en un club y se los llevó a Atlanta para firmar por una pequeña discográfica. Tras una gira como teloneros de The Who, comenzaron a grabar en 1973 con buena acogida y a caminar junto al éxito gracias al tema ‘Free bird’. Pero la popularidad llegó de forma masiva al año siguiente con ‘Sweet home Alabama’. Todas sus siguientes producciones se vieron de inmediato premiadas con discos de oro.

Pero un apretado calendario de actuaciones mermó la energía del grupo y provocó el abandono de Burns y de Ed King. La banda siguió adelante con las incorporaciones de Steve Gaines y Artimys Pyle, al tiempo que incrementó su natural idilio con el escándalo, avivando su fama y la fidelidad del público a uno de los primeros grupos en sacar tres guitarras al escenario, toda una revolución en aquellos tiempos.

Lamentablemente, en octubre de 1977 el avión en el que viajaba la banda durante una gira nacional se estrelló en los pantanos de Mississippi por falta de combustible. Murieron seis personas –Van Zant, Gaines, su hermana y cantante de apoyo Cassie, el mánager Dan Kilpatrick y los dos pilotos–, quedando el resto gravemente heridos. Los supervivientes decidieron seguir adelante, aunque su carrera fue corta. En 1980 crearon Rossinston Collins Band, sin apenas éxito.

Posteriormente, la desgracia no se apartó de ellos y Allen Collins quedó paralítico en 1986 en un accidente de coche en el que murió su novia. En 1990, él mismo falleció de neumonía. Por su parte, el bajista Leon Wilkeson pereció en 2001 por causas naturales; el teclista, Billy Powell, perdió la vida en 2009 por un ataque al corazón; e incluso el batería de la primera época, Bob Burns, fue víctima fatal algo más tarde de un accidente. Probablemente ha sido el grupo con peor suerte de todos los tiempos. Tan sólo sobrevive el guitarrista Gary Rossington, que sigue al frente de la banda, aunque ya con escasa repercusión.

Junto a The Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd fue el grupo más importante del rock sureño, basando su repertorio en un estilo sustentado en el blues-rock, el country, el boogie, el honky tonk y el rock’n’roll. Todo salpimentado por raíces confederadas, finalidad reinvidicativa y lúdica.

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Poco más de tres minutos y medio de paso por el infierno bastan para disfrutar del cielo musical gracias a este satánico éxito, quizá el mejor tema de los ‘eléctricos’ liderados por los hermanos Young. La guitarra Gibson SG de Angus, el menor de los genios llegados al país continente desde Glasgow, ve como son los dedos del diablo los que rasgan sus cuerdas en uno sus riffs más populares del género, no por su complicación –sólo tres acordes–, sí por su capacidad de contagio.(...)
Read the rest of AC/DC – Highway to hell (Autopista al infierno) (1,290 words)

‘Highway to hell’ surgió de las mentes ‘angelicales’ de Bon Scott, Angus Young y Malcolm Young, pero nada más contactar con su público pecador se convirtió en un canto del averno, uno de los más concluyentes de la historia del hard rock. Parece obligado recurrir al tópico y hablar de un himno, nacido bajo la producción de Robert John Lange y con su mayor perversión en las actuaciones en directo.

La letra relata, al estilo AC/DC, el complicado camino que tuvieron que completar hasta llegar a ser escuchados por sus seguidores. Angus Young sostiene que surgió tras la pregunta de un reportero sobre las giras por la interminable Australia. «Es una jodida autopista al infierno», contestó. El resto no precisa de explicación.

Los detalles que aportó el guitarra a continuación la hacen innecesaria. La imposibilidad de conciliar el sueño en un autobús, ambientes cargados por calcetines olororos, comidas indigestas, calores sofocantes… Para Young ése era el verdadero infierno que retrata su tema franquicia.

Para su compañero Bon Scott, vocalista de la banda, ‘Carretera al infierno’ es realmente un topónimo que hace referencia a una gran pendiente –denominada Canning Highway– que nacía junto a su taberna preferida, en Perth, donde nació. Allí se situaba también una intersección que era escenario de numerosos accidentes automovilísticos.

Los saltos de Scott sobre el escenario, cabalgando sobre los acordes de ‘Highway to hell’, son aún míticos. Fue su última grabación antes de que el 19 de febrero de 1980 apareciera muerto en el asiento trasero del automóvil de un amigo estacionado en Londres.

Sin embargo, al margen de las explicaciones de Young II o Scott, si nos convertimos en exploradores del trasfondo de ‘Autopista al infierno’, también podemos encontrar un alegato a la vida. Vivir es simplemente vivir, disfrutar de una existencia en la que, como decían los gladiadores romanos, «hay que comer y beber» porque quizá mañana no estemos aquí. Los miembros de AC/DC cumplen siempre este axioma, quizá sabedores de que lo que han hecho en el más acá ya ha determinado lo que les ocurrirá en el más allá. Si hay infierno, sin duda, es allí donde irán a parar.

Aunque parece claro que las raíces de la canción que hoy analizamos las debemos buscar en la cotidianidad, algunos imaginativos críticos musicales –siempre es más fácil inventar que investigar– vincularon al quinteto con sectas de adoradores de Satán e incluso quisieron encontrar en la portada del disco, en la que podemos ver a Angus Young con cuernos y cola demoniacos, una estampa devocionaria del señor del mal.

La idea fue inmediatamente adoptada por fanáticos ultrarreligiosos que obligaron a la banda a suspender algunos conciertos programados en Estados Unidos. Incluso se llegó a asegurar que AC/DC eran las siglas de ‘AntiChrist/Devil’s Children (AntiCristo/Hijos del diablo).

Otros ahondaron en el tópico de los excesos de las bandas de rock y leyeron entre líneas que AC/DC hacía referencia en su composición a alcohol, drogas, mujeres y otros ingredientes que, para algunos, componen la pócima que te encamina directamente hacia el ardiente abismo.

Lo realmente confirmado empíricamente es que esta composición logró ventas millonarias y que se ha convertido en un ingrediente imprescindible en cualquier lista de las mejores canciones del rock.

Escuchemos la canción, que nos conducirá directamente al infierno, un lugar que, si realmente existe, debe ser parecido a un gigantesco concierto de AC/DC.

LETRA

Vida fácil, vida libre,
billete de ida únicamente
no pido nada, déjame en paz,
cojo lo que necesito por el camino.
no necesito una razón,
no necesito una rima,
no es nada que yo no haría

Estoy en marcha,
es tiempo de fiesta,
mis amigos van a estar allí también
estoy en la autopista al infierno,
autopista al infierno

No hay señales de stop,
ni límite de velocidad,
nadie va a hacer
que aminore el paso
como una rueda girando,
nadie va a molestarme

Hey Satanás, pagué mis deudas
tocando en una banda de rock
hey mamá, mírame,
estoy en camino
a la tierra prometida

Estoy en la autopista al infierno
autopista al infierno (no me detengas)
y voy hacia abajo, hasta el fondo
estoy en la autopista al infierno

VERSIONES

En España el grupo gallego SINIESTRO TOTAL firmó un cóver titulado ‘Somos Siniestro Total’, con una letra que se utilizaba como presentación.

Contundente también la revisión que llevó a cabo en 2013 el dúo de violonchelo esloveno-croata 2CELLOS, formado por Luka Šulić y Stjepan Hauser.

La banda argentina LEMMY KILSMISTER and A.N.I.M.A.L. también ha incorporado este tema a su repertorio.

El veterano cantante estadounidense BILLY JOEL se atrevió con ‘Highway to hell’ en un concierto que ofreció en el USAirways Center de Phoenix en 2014.

‘Autopista al infierno’ ha aparecido en multitud de películas, series de televisión y anuncios publicitarios, conviertiéndose en parte de la cultura popular occidental. Como ejemplo, he aquí su inclusión en ‘LOS SIMPSONS’, Al final del episodio ‘Historias de la Biblia’, la familia entra al averno bajo los acordes de la canción de AC/DC.

Malcolm Young (guitarra), Angus Young (guitarra), Mark Evans (bajo), Phil Rudd (batería) y Bon Scott (voz) constituyeron la formación inicial de AC/DC. Se unieron en Sidney en 1973, aunque casi de inmediato se trasladaron a Melbourne, siguiendo los consejos de George Young, hermano de los dos guitarras, que había pertenecido a Eeasybats, una formación de pop con relativo éxito durante aquella época.

La familia Young, procedente de Escocia, se había establecido con sus padres en Australia al comienzo de la década anterior. Al contrario que George, Malcolm y Angus apostaron por el rock, concretamente por el heavy-metal. Sí aprovecharon la experiencia de su hermano mayor en cuanto a producción, pero su sonido nada tenía que ver con el que cultivaba éste. Eligieron el nombre de AC/DC (corriente continua, corriente alterna) al ver las siglas en la máquina de coser de su hermana y considerar que simbolizaba la energía y la potencia del grupo.

Tras conseguir rendir a crítica y público en su país gracias a sus poderosas actuaciones en directo, en 1976 el quinteto dio el salto a Gran Bretaña y triunfó pese a llegar a las islas en un período musical dominado por el punk. El carisma de Bon Scott derribó todas las barreras, aunque también influyó en ello el márketing diseñado por su casa discográfica, que acertó al presentarles como ‘escolares viciosos’. De ahí la imagen que presentaban con uniforme colegial londinense, sin que faltaran los mocasines, calcetines blancos y pantalones cortos.

AC/DC estaba a punto de conseguir el estatus de gran banda rock, sobre todo por el éxito de ‘Highway to hell’, cuando se produjo la trágica muerte de su vocalista, una de las míticas desapariciones del rock. ¿Intoxicación etílica, ahogamiento por su propio vómito?, la incógnita sigue alimentando el mito. Scott llegó a su destino después de su viaje por la autopista al infierno.

Pero el grupo australiano no sólo supo sobrevivir, sino que el siguiente disco fue el que más éxito ha tenido en su carrera. ‘Back in black’ (1980) vino a demostrar que la banda podía superar la pérdida de cualquiera de sus miembros y pervivir hasta que sus integrantes se aburran. Desde entonces han pasado 35 años y ahí siguen.

Tras más de cuatro décadas de existencia, AC/DC ha vendido alrededor de doscientos millones de álbumes y se ha erigido como un referente del género. Es más, contribuyó de forma decisiva en el resurgimiento del movimiento heavy en todo el mundo.

En la actualidad, tras diferentes cambios en su formación, goza de un merecidísimo prestigio y una excelente salud. Su miembro más carismático es Angus Young, uno de los guitarristas más peculiares del rock. Su longevidad no le ha impedido convertirse en un mito viviente del rock.

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Lo cierto es que con ella, ya en solitario tras pasar antes por Cucharada y Alarma, logró llegar al gran público. Para ello contó con la ayuda de músicos neoyorquinos habituales en las grabaciones de Michael Jackson o Quincy Jones y el respaldo de la gran multinacional discográfica Sony, que justo entonces se hizo con la histórica CBS.

Hablamos de una obra maestra, de esas canciones que curan el alma. Sin embargo, la balada pilló por sorpresa hasta al propio autor, que no estaba acostumbrado a semejante repercusión. Manolo se quedó atónito al ver cómo las emisoras de radio, las televisiones y una gran parte de la población de distintas edades caían rendidas ante una faena que corría el peligro de ser boicoteada por su intrínsico nacionalismo español. Podría haber sido incluso tachado de facha.(...)
Read the rest of Manolo Tena – Sangre española (885 words)

Por ello no cabe hablar de culto a la comercialidad, al oportunismo o a la popularidad ni a fórmulas prefabricadas. Porque, según confiesa repetidamente en entrevistas, a Tena no le interesa «este tipo de éxito», sino el hecho de que sus temas «no se quedaran dentro de un cajón y llegaran a la gente. Que vengan a verme a la puerta del camerino para decirme que con ese tema se declararon a su novia. Yo creo que ése es el pago que me han dado mis canciones».

Y añade más. «Me la piden y la tengo que cantar porque no reniego de ella. La compuse como una especie de homenaje a la familia Flores, con la que estaba muy unido. El Pescadilla era la pasión gitana y Lola la sangre española, porque ella era paya. La lectura que saco es que la gente de corazón no tiene que ser de un sitio o de una etnia concretos. La canto con orgullo y sin ninguna connotación. Me parece bonita», sostiene.

Pero de cualquier manera su mente parió algo redondo, algo que aúna calidad y empatía, fruto de una reducción de visiones egocéntricas y la voluntad para aceptar la ayuda de músicos que no escatimaron autenticidad e intuición. Surgió de la nada, de sus momentos más subterráneos. «Estaba en la alcantarilla, sumido casi en la miseria física y moral», según confesó, cuando, de repente, la división hispana de Sony Music, se percató de su presencia en Miami y le propuso el contrato del que surgió ‘Sangre española’.

Y de ahí surgió el mejor fruto de las travesuras de este chico tímido y constante que comenzó a llenar estadios y plazas de toros con su literatura en forma de canción. ‘Sangre española’ fue la estrella que culminó una trayectoria intachable, que restableció su luz propia y colmó la ansiedad de su público, siempre convencido de que lo mejor de Manolo Tena estaba por llegar.

Lo hizo en forma de clásico contemporáneo, dotado de tempos suavizados por una percusión que parece jadear y por una guitarra hiriente, que introduce versos de añoranza. Pequeñas ideas engloban muchísimas variables con vientos contagiosos y ebrios en su flora rítmica. Una canción tan sencilla como etérea. Poderosa, apasionada. ‘Sangre española’ es donante universal de buenas vibraciones.

Cuando no estás, todo va mal
cuando no estás, no hay nada
cuando tú estás, me siento libre
cuando tú estás, es fácil ser ola en el mar

Paseo gitana mi sangre española
cuando estoy contigo a solas
paseo gitana mi sangre española
y el mundo en una caracola

Cuando no estás, quiero llorar
cuando no estás, la pena mi corazón encadena
cuando tú estás, no sé estar triste
cuando tú estás, tus brazos son mi libertad

Cuando no estás, pierdo el compás
siento los celos que arañan mi pecho
cuando no estás, quiero llorar
y sé que este amor ya no tiene remedio

VERSIONES

La veterana MARIA DOLORES PRADERA realizó en 1999 una sublime revisión del tema.

Otro histórico de la canción española, el ya desaparecido MANOLO ESCOBAR, también cantó ‘Sangre española’. Fue en 1996.

El propio Manolo Tena realizó una interpretación en directo junto a RAIMUNDO AMADOR en Gran Canaria.

El dúo AZÚCAR MORENO tampoco se resistió a incorporar esta canción a su repertorio.

PATRICIA VON QUILIS, especialista en reiterpretar temas de otros artistas, también ofreció su visión.

MANOLO TENA derrama arte desde que nació en Madrid el 21 de diciembre de 1952 en el seno de una familia de origen extremeño, aunque en forma de música nos la ofrece desde la adolescencia. Su niñez y su juventud fueron complicadas difíciles, como las de muchos que tuvieron que criarse en el seno de familias humildes. No quiso estudiar y desde joven se puso a trabajar: fue botones, aprendiz de imprenta, dibujante, vendedor, camarero, etcétera.

Los primeros ingresos los dedicó a hacerse con una guitarra, unos libros y escasos discos que cultivaron su creatividad. Su rebeldía la encaminó hacia la música, con canciones cargadas de sarcasmo y reivindicación social. Pasó por bandas underground como Spoonful Blues Band, colaboró con Luis Eduardo Aute o el Laboratorio Colectivos Chueca hasta que finalmente encontró cobijo en Cucharada, que dio forma a la fusión del rock and roll y teatro.

Con la desaparición de este grupo, llegó otro, Alarma!!!, marcado por el after-punk y el reggae, al estilo de The Police. Dejó obras reconocidas por el público y la crítica.

Así llegó el momento de caminar en solitario. Su primer trabajo fracasó por una fallida distribución y tuvo que volcarse en la composición para otros artistas. De su talento se beneficiaron Miguel Ríos, Ana Belén, Luz Casal, Los Secretos, Rosario, Siniestro Total y otros.

Se largó a México, a Nueva York y a Miami en busca de nuevos horizontes y, tras beber de la música caribeña y de la salsa, llegó Tomás Muñoz, vicepresidente de Sony, que le ofreció el contrato del que nació ‘Sangre española’. Entonces cambió todo y Tena, sin quererlo, se convirtió en una estrella de nivel mundial.

Ese éxito comercial no lo ha vuelto a protagonizar y quizás jamás lo vuelva a tener, pero el nivel de su obra no ha decrecido.

Mantiene una caminar con sonido propio, dejando claro por qué es parte de la historia del rock español.

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Jamás creí que nadie pudiera dedicar un tema a estos insectos, pero ellos lo hicieron, Luego descubrí que Joan Manuel Serrat también. Para esta composición Germán Coppini se dotó de un sentido del humor que yo creía imposible en él y se lanzó a la entomología para inquietarnos a todos. Eso sí, negó su enajenación: «Colecciono moscas, pero no estoy loco, ¿por qué?», sostiene su letra.

Lo cierto es que los insectos siempre han sido muy empleados en literatura y Coppini y sus rapaces en el fondo eran unos poetas, esquizofrénicos pero poetas. Este díptero es siempre utilizado como sinónimo de excremento y por ello no parece aventurado asegurar que en el fondo ‘Colecciono moscas’ es una crítica social.

Las insectos ya fueron glosados en el pasado por el escritor Dámaso Alonso en una de sus poemas más célebres. Aunque Golpes Bajos pusieron una melodía imaginativa y original para crear un producto surrealista. Dicen quienes les conocían que las drogas ayudaban a alcanzar un estado de éxtasis donde su creatividad mostraba su máxima expresión. Al final fueron víctimas de sus excesos, como el coleccionista de moscas que en los momentos finales de la canción pierde el control de los insectos y acaba por ser devorado.

El personal universo de Golpes Bajos llegó a su cénit con este tema, presentado a modo de divertida salsa. ‘Colecciono moscas’, como toda su obra, tuvo grandes adeptos y grandes detractores.

Tengo en una caja
metidas unas moscas ¿por qué?…

Tengo moscas pequeñas,
tengo moscas grandes, ¿y qué?

Las guardo a escondidas,
¿qué se imaginan en casa?
Llego del trabajo
y me dedico a observarlas

Mientras las unas parecen
volar confiadas,
las otras en cambio…
en un rincón asustadas

Mis moscas más grades
se comen a las otras, ¿por qué?
¡Mira que están locas
estas bichas tan gordas! ¿y qué?

Escenas macabras
te brinda mi caja
Festín que preparo
todas las mañanas

Estos insectos voraces
no se conforman con nada
Se roban bocados
quedándose hartas

Colecciono moscas
pero no estoy loco ¿por qué?

Han hecho astillas la caja
de lo que están engordando,
y vuelan pesadamente
dando vueltas al cuarto

Ahora soy yo el que se asusta
se han relamido mil veces
como no encuentre las llaves
van a empezar a comerme.

VERSIONES

Golpes Bajos firmó también una EDICIÓN EXTENDIDA y algo más salsera.

http://youtu.be/-tdFAkdhkgE

Hasta la fecha, que yo sepa, nadie se ha atrevido a ofrecer un cóver de este tema tan surrealista. Hace falta mucho valor.

El polifacético Germán Coppini protagonizó una carrera fuera de cualquier estándar. Cuando mejor le iba a su primer grupo, Siniestro Total, rompió con ellos para dar un vuelco a su andadura artística y formar GOLPES BAJOS. Pasó del punk divertido al más puro pop perturbado.

Sorprendieron con su disco de debut, pero su desvarío alcanzó su mayor cota en en el segundo, titulado ‘A Santa Compaña’ y cargado de temas fuera de la lógica imperante en la nueva ola musical española de principios de los ochenta, siguiendo en cierto modo una senda trazada por Radio Futura.

Su andadura fue corta, limitada por las drogas, que colapsaron su creación artística, caracterizada hasta entonces por un peculiar estilo anárquico que sorprendió a una sociedad liberada del traumático régimen franquista.

Junto con La Mode constituyeron la corriente intelectual de la movida y se encargaron de retratar la profundidad de su Galicia natal con creaciones que oscilaban entre la paranoia y el culto a Kafka.

Junto al vocalista Germán Coppini, Golpes Bajos estaba integrado por Teo Cardalda a los teclados, Pablo Novoa como guitarra y Luis García como bajista. Cardalda posteriormente tuvo éxito con Cómplices, donde demostró sus dotes como compositor junto a su pareja María Monsonis.

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Post tags: Cómplices, Dámaso Alonso, Germán Coppini, Joan Manuel Serrat, Kafka, Luis García, María Monsonis, Pablo Novoa, Radio Futura, Siniestro Total, Teo Cardalda

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