‘Vienna’ constituyó el mayor éxito discográfico de Ultravox, coincidiendo con el período en el que la banda británica recorría el sendero musical de los ochenta de la mano del cantante y guitarrista escocés Midge Ure, que reemplazó a John Foxx en el liderato. Esta canción, publicada en otoño de 1980, fue la punta del iceberg de su popularidad europea a lo largo de toda una década, en la que derramó su influencia en las corrientes electrónicas de base sintética.

Comenzó entonces el despegue hacia la fama que se le había negado al quinteto con anterioridad. Por fin abandonó los círculos underground para llegar a un público masivo y emprender años de reconocimiento. El carácter sentimental y épico de ‘Vienna’, que surgió en pleno reinado de los nuevos románticos, amparado también en una estética barroca que recuerda al siglo XIX, se creó en un estudio de Colonia, donde Ultravox supo plasmar su creatividad en un sonido nuevo, gracias a sintetizadores más modernos y experimentales. Sin embargo, no pudo impedir la influencia del rock germanófilo que comenzaba a traspasar las fronteras de la todavía Alemania Federal.(...)
Read the rest of Ultravox – Vienna (1,079 words)

Bajo la producción de Conny Plank, los británicos combinaron el vanguardismo con una corriente pseudoclásica, mediante la utilización experimental de piano, violín, batería y guitarra, instrumentos supeditados siempre a la poderosa voz de Midge Ure. ’Vienna’ exhibe en poco más de cuatro minutos y medio unos cambios de ritmo precisos y la dicotomía que flotaba en el panorama musical europeo. Existía un debate igualado entre los viejo y lo nuevo, como ocurría también en la propia sociedad del Viejo Continente, aún contenedora de los bloques antagónicos de la Guerra Fría.

La idea de esta obra sobre la macabra noche y el despertar llegó a las mentes de los componentes de Ultravox tras visionar la película ‘El tercer hombre’, una genial historia dirigida y protagonizada por Orson Welles en la capital austriaca, la ciudad imperial por excelencia, en los años inmediatos a la Segunda Guerra Mundial. También el videoclip que sirvió de soporte a la canción siguió el estilo de Welles, siendo cuidadosamente rodado en blanco y negro por el también cineasta Russell Mulcahy. La otra gran aportación cromática se plasmó en la portada del fotógrafo holandés Anton Corbijn.

Han pasado treinta y cinco años desde entonces. Nada es igual. Todo aquello parece arcaico, todo menos ‘Vienna’, una balada que aún suena fresca, tan heroica como entonces. De pocos temas de principios de los ochenta se puede afirmar lo mismo. Casi ninguno ha alcanzado el estatus de icono atmosférico del synthpop, dominando en la esfera de los discos que envenenan por su grandilocuencia y su aire sinfónico. Sus acordes y su poder estremecedor están vigentes.

Pero regresemos a 1980. Ya entonces el tema franquicia de Ultravox fue galardonado como la mejor canción del año por los Brit Awards, los premios anuales a la industria fonográfica británica, que supo reconocer aquellos incipientes pasos del tecno-rock basado en el sonido que surgía de los sintetizadores de Billie Currie y en las programaciones informáticas de Warren Cann, a modo de una orquestación. De fuentes parecidas bebieron de forma paralela Soft Cell, Depeche Mode u Orchestral Maneouvres in the Dark (OMD).

El sonido futurista de ‘Vienna’, refinado y sofisticado –y oscuro y extraño al mismo tiempo–, supo equilibrar el carácter pegadizo de su melodía con un entramado creativo exigente, logrando llegar al público. Las estadísticas certificaron el éxito de una obra tan apabullante como imperecedera. Sólo en Reino Unido se vendieron 300.000 copias del single, que permaneció cuatro semanas consecutivas en las listas, con el número dos como escalón más alto de su ascensión. Únicamente John Lennon –quien había sido asesinado unas pocas semanas antes– y su ‘Woman’ impidieron que este tema hermosamente misterioso y melancólico, incluso abrupto, encabezara el hit parade.

LETRA

Caminamos en el aire frío
un aliento congelado en el cristal de la ventana
la mentira y la espera

Un hombre en la oscuridad en un marco de fotos
por lo tanto, místico y conmovedor
una voz que extiende la mano en un grito desgarrador
hasta que se queda contigo

El sentimiento se ha ido, sólo tú y yo
no significa nada para mí
esto no significa nada para mí
Oh, Viena.

La música está tejiendo
notas inquietantes, las cuerdas en punteo
el ritmo está llamando
sólo en la noche mientras llega la luz del día

Un silencio vacío, frío,
el calor de su mano y un cielo gris, frío
se desvanece con la distancia.

La imagen se ha ido, sólo tú y yo;
no significa nada para mí
esto no significa nada para mí
Oh, Viena.

Esto no significa nada para mí.
esto no significa nada para mí
Oh, Viena

VERSIONES

La banda austriaca KONEA RA realizó en 2014 una interpretación muy personal del éxito de Ultravox.

El oscuro grupo italiano KIRLIAN CAMERA recurrió en 1991 a este éxito para su disco ‘Todesengel. The fall of life’.

La revisión de EUGENE no desmereció al original.

El comediante inglés VIC REEVES recurrió en 1992 a una letra diferente para confeccionar un cóver satírico.

El productor norteamericano GLENN KENNEDY dio su punto de vista en 2009.

Los primeros pasos de ULTRAVOX se remontan a 1974. El cantante Dennis Leigh –que tómo el nombre de John Foxx– y el guitarrista Steve Shears decidieron formar un grupo en la ciudad inglesa de Chorley, imitando a New York Dolls y Roxy Music. Para completar la banda optaron por poner un anuncio en la revista ‘Melody Maker’. Respondieron el bajista Chris Cross y el batería Warren Cann. Así nació Tiger Lily, precursora del conjunto al que nos referimos hoy. Dos meses más tarde, una vez que el cuarteto ya había debutado en el mítico Marquee, llegó el teclista y violinista Billy Currie.

Su primer single no obtuvo ninguna repercusión, por lo que decidieron cambiar de nombre. Nació Ultravox, inmediatamente contratada por la discográfica Island, abducida por sus innovaciones electrónicas al estilo alemán de Kraftwerk. Llegaron rápido sus primeros vinilos. ‘Ultravox’ (1977), producido por Brian Eno y Steve Lillywhite, y ‘Ha! Ha! Ha!’ (1977), pasaron bastante inadvertidos pese a su calidad. Eran atípicos para la época.

La falta de éxito provocó la marcha de Shears, que fue sustituido por Robin Simon. La nueva formación registró ‘Systems of fomance’ (1978), que contaba con la producción de Conrad Plank, el legendario técnico del kraut-rock y productor de Kraftwerk. El disco tampoco fue recibido con los brazos abiertos y se produjo la descomposición de Ultravox tras la salidas de Foxx y Simon.

Pero el proyecto, que ya parecía historia, se reconstituyó con la llegada del cantante y guitarrista escocés Midge Ure. Abrazaron el techno-pop y cambiaron al sello Chrysalis, con el que por fin alcanzaron el éxito al sacar al mercado ‘Vienna’ (1980).

‘Rage In Eden’ (1981) puso fin a la colaboración con Conrad Plank. Para el siguiente trabajo –’Quartet’ (1982)– la producción corrió a cargo de George Martin, el mago que trabajó con The Beatles. Bajo su dirección grabaron, asimismo, ‘Lament’ (1984). Ambos discos fueron muy pretenciosos, pero inferiores a ‘Vienna’.

Para registrar ‘U-Vox’ (1986) Cann cedió las baquetas a Mark Brzezicki. Los malos resultados del álbum provocaron la marcha de Midge Ure. Su ausencia fue cubierta por Sam Blue, bajo cuyo liderato el grupo regresó al mercado con los mediocres ‘Revelation’ (1993) e ‘Ingenuity’ (1996) .

Para muchos Ultravox no fue nada antes de la llegada de Midge Ure y volvió a la nada después de su salida. El escocés retornó al grupo para grabar ‘Brilliant’ (2012), el epitafio de la banda.

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Un bello mundo amanece entre dos personas que se quieren. El sol se refleja en la mirada de ambos y sólo ilumina el día si están juntos. De lo contrario cae la noche de manera fulminante. Puro sentimentalismo que puede provocar el brote de más de una lágrima al ponernos a pensar lo que la mujer amada supone para el enamorado.(...)
Read the rest of Al Bano – La mañana (Mattinata) (564 words)

La música de ‘La mañana’ , que algunos erróneamente conocen como ‘La aurora’, se ve eclipsada por la inimitable voz de tenor de Al Bano, una de las más brillantes del panorama musical italiano de finales del pasado siglo. Es una composición muy exigente, cuya interpretación no está al alcance de cualquiera. Su arreglo de guitarra se hizo asimismo muy popular por aquellos tiempos.

Esta canción inmortal, este himno al amanecer, al comienzo de todo, despierta la nostalgia. La composición de Ruggiero Leoncavallo y Vito Pallavicini constituyó el primer gran éxito del transalpino. El tema data de 1904 e inicialmente constituía una canción de serenata matinal, equivalente a las conocidas ‘Mañanitas’ del folklore mexicano.

Estaba inspirado en las jarchas y las albadas de la lírica tradicional medieval, que hablaban de la llegada del nuevo día, de la luz que pone fin a la oscuridad. Inicialmente su interpretación se destinó al ámbito lírico y raro era el tenor que no la interpretaba.

La aurora su sol va pintando
al mundo cubierto de azul
despierto y es otra mañana
alegre lo mismo que tú

Hay un ruiseñor que me canta
y un carro se oye gemir
y es otra mañana que nace
y nace mi vida en ti

Y también tú igual la mañana
un sol reflejas en mi mirar
si tú no estás es todo noche
donde tú estás hay amor

Y junto a la iglesia yo paso,
no entro pues he de partir
me acuerdo que rezo yo solo
doy gracias por tenerte a ti

Y también tú igual la mañana
un sol reflejas en mi mirar
si tú no estás es todo noche
donde tú estás hay amor

VERSIONES

‘La mañana’ fue escrita expresamente para el cantante de ópera ENRICO CARUSO. Él fue el primero en grabarla, con el único acompañamiento del propio Leoncavallo.

El también desaparecido tenor canario ALFREDO KRAUS la cantó asimismo.

Más actual es la interpretación de ANDREA BOCCELLI.

E intemporal es la voz de LUCIANO PAVAROTTI.

DEAN MARTIN cantó esta peculiar versión en inglés. La titulo ‘You’re breaking my heart’. Muy bonita.

En España prácticamente sólo nos acordamos de AL BANO junto a su ex esposa Romina Power. Y, desgraciadamente, en los últimos tiempos por sus desavenencias. Pero el pseudotenor italiano tuvo una gran carrera anterior, a la que renunció para abrazar a la comercialidad del dúo.

Al Bano Carrisi, bautizado así porque durante la Segunda Guerra Mundial su padre combatió en Albania, nació en la pequeña localidad de Cellino de San Marco, cercana a Brindisi.

La andadura de uno de los grandes intérpretes románticos de la canción italiana de los sesenta comenzó en 1966 y al año siguiente ya llegó también su primer éxito con ‘Nel sole’ –fue número uno– y en 1969 se hace con un nombre en el panorama artístico de la península de la vota al participar en el festival de San Remo con ‘Pensando a te’. Otros temas como ‘Il ragazzo che sorride’, ‘La siepe’ o ‘Ave María’ gozaron también del aplauso del público.

En 1970 se casa con Romina, hija del actor estadounidense Robert Taylor, e inicia una trayectora junto a ella que se prolongó hasta su separación matrimonial en 1999 y que estuvo cargada de éxitos. Ahora vuelve a cantar en solitario. Lleva cincuenta años en escena con su voz de siempre y unos seguidores fieles.

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‘L’italiano’ no logró vencer en el histórico certamen de la canción transalpina –de hecho tuvo que conformarse con el quinto lugar tras ser eliminada en semifinales y la victoria fue para Tiziana Rivale con ‘Sarà quel che sarà’–, pero sí obtuvo un éxito inmediato en el mercado, donde su composición fue aceptada como un nuevo himno nacional. Prueba de ello es que este tema fue elegido para conmemorar la victoria de la selección de fútbol en el Mundial de 2006.

Pregunta: ¿alguien conoce la canción de Rivale? Es un claro ejemplo de cómo en muchos de estos festivales la opinión del jurado suele estar lejos de los gustos del público. ‘L’italiano’ fue la canción que más repercusión obtuvo ese año en la venta de discos y en las listas de éxitos.

El cantante de Fosdinovo ya se había encaramado al primer lugar en San Remo en 1980 con ‘Solo noi’. Se llevó un galardón que ansiaba desde hace mucho y que también después le obsesionó presentándose en varias ediciones más. Es más, quedó segundo en cinco oportunidades durante la década de los ochenta.

Cutugno destacaba en su letra su condición de italiano convencido, el orgullo de haber nacido en aquel país. Quiso gritar a los cuatro vientos su nacionalidad, al tiempo que describir las costumbres de su tierra. Metafóricamente se refirió a un presidente partisano –Sandro Pertini luchó contra Mussolini con la guerrilla– y a la invasión estadounidense durante y tras la Segunda Guerra Mundial, cuando no estaba bien visto ser patriota porque se identificaba este término con los fascistas del dictador.

Cantar a la nación italiana ha sido una tendencia a la que han recurrido bastantes intérpretes del país unificado por Garibaldi. Por ejemplo, por este blog ya pasaron Adriano Celentano y ‘Azzurro’.

Déjenme cantar
con la guitarra en la mano
déjenme cantar,
Soy un italiano.

Buen día Italia los fideos al dente
un partisano como presidente
con el stéreo en la mano derecha
y un canario sobre la ventana.

Buen día Italia con tus artistas
con tropas sobre manifestantes
con las canciones hechas con amor y corazón,
con más mujeres y menos hermanas.

Buen día Italia, buen día María,
con los ojos llenos de melancolía
buen día Dios, sabes que soy inclusive yo

Déjenme cantar
con la guitarra en mano,
déjenme cantar,
una canción lenta
déjenme cantar
porque estoy orgulloso
soy un italiano.
soy un italiano, verdadero.

Buen día Italia, que no se espanta,
con la crema para barba a la menta
con traje grisáceo sobre azul
y la movida el domingo en la televisión

Buen día Italia con el café estrecho
los zapatos nuevos en el primer cajón
con la bandera en la tintorería
y un seiscientos más de carrocería

VERSIONES

Como buen cantante italiano, Cutugno no desperdició la oportunidad de grabar EN CASTELLANO para el mercado hispano.

http://youtu.be/o40z0qJIOvM

En la gala de San Remo de este año, el artista interpretó el tema con los coros de la ARMADA RUSA.

La solista egipcia LARA SCANDAR realizó una revisión árabe de la canción.

DINAMITI DI STEFANI ha reinterpretado los grandes clásicos transalpinos y, por supuesto, se acordó de ‘L’Italiano’.

El veterano artista francés HERVÉ VILARD convirtió la composición de Cutugno en ‘Mediterranéenne’.

Los inefables personajes de ALVIN Y LAS ARDILLAS también recurrieron a la canción a la que hoy nos referimos.

Salvatore Cutugno, TOTO CUTUGNO, es mucho más que otro buen cantante italiano de voz rasgada. Es uno de los músicos más versátiles, trabajadores e insistentes de la península itálica, que además toca diferentes instrumentos como el saxo, el piano, la batería o la guitarra.

Nació en 1943 en la región de la Toscana, pero de muy joven tuvo que abandonar su casa en busca de un horizonte musical que le negaba su entorno. Se marchó a Escandinavia, a Finlandia, concretamente, donde dio sus primeros pasos profesionales en un género tan distinto al que ahora labra como el jazz, actuando en la orquesta de Guido Manusardi.

Regresó a su patria en los setenta del pasado siglo incrustado en el grupo de rock Albatros, para después introducirse en la canción romántica que invadió toda Europa con la lengua de Dante y Petrarca. Su mayor éxito lo cosechó en el festival de San Remo de 1980, que se adjudicó gracias a ‘Solo noi’. Luego siguieron otros como ‘Mia’, ‘Innamorati, innamorato, innamorata’, ‘Un’estate con te’ o la mencionada ‘L’italiano’, que le consolidaron en el mercado italiano y hispanoparlante.

Pero fue en 1990 cuando el festival de Eurovisión acogió su mayor triunfo con ‘Insieme 1992’, que le confirió trascendencia universal que le ha llevado a actuar en 36 países y a vender más de cien millones de discos.

Como compositor para otros artistas también es muy demandado, sobre todo después del éxito que logró en 1975 en Francia gracias a una versión de su tema ‘Africa’, editada por Joe Dassin con el titulo ‘L’été Indien’.

En la actualidad se dedica más a la televisión que a la música, mediante la faceta de presentador, sin desechar por supuesto su participación anual en el festival de San Remo.

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