Su segundo single, ‘Never gonna give you up’, le catapultó en 1987 a la condición de estrella, alcanzando el número uno en Gran Bretaña y en otros dieciséis países europeos. Algo inhabitual. Pero, durante los siguientes años confirmó su idilio con el público, conquistando éxito tras éxito. Hoy incluso, casi treinta años después de su llegada al mundo músical, aún mantiene el récord de haber sido el único solista masculino que ha colocado sus primeros ocho singles en el top ten de Reino Unido.(...)
Read the rest of Rick Astley – Never gonna give you up (Nunca te abandonaré) (1,379 words)

Este artista sorprendió al demostrar que, tras una imagen cuasi infantil, con tupé pelirrojo y rostro imberbe, era poseedor de una profunda voz que encandiló al público amante del dance-pop gracias a una colección de canciones pegadizas. Sin duda, también influyó en la atracción que generó su imagen de niño bien, a menudo vestido con americanas y vaqueros de cintura alta. Todo constituyó una mezcla que le llevó a vender millones de copias. «Aquella canción cambió mi vida completamente y es algo que en su momento no aprecias», comenta en la actualidad el inglés.

Toda su obra relata amor y desamor, y nada más. Jamás se ha introducido en ningún otro tema más exigente, pero la fórmula ha funcionado siempre. Para muchos este intérprete es representante de las horteradas de los ochenta, pero para otros es un genio que sabe rentabilizar sus virtudes. De cualquier manera, sí es cierto que Astley no ha sabido renovarse.

‘Never gonna give you up’ es de esos temas que hacen sentir bien desde sus primeras notas. No hay ningún mensaje profundo en su desarrollo, no incluye tampoco apuestas innovadoras, ni se puede decir que quisiera abrir nuevas vías musicales. Habla de fidelidad y compromiso, temáticas quizá demasiado manidas en la música. Hay que tratarlas muy bien para no caer en tópicos.

No obstante, quizá por los recuerdos que nos trae, siempre se escucha con agrado. Hay quien dijo que era la obra ideal para explicar a los extraterrestres como fueron los ochenta en la Tierra. Es que hablamos de un icono de esa década. No eres de este mundo si nunca has escuchado esta canción, que no falta en los descansos de los espectacúlos deportivos británicos y estadounidenses.

La canción que hoy analizamos fue compuesta, arreglada y producida por el trío británico formado por Mike Stock, Matt Aitken y Pete Waterman, conocidos también por el acrónimo SAW y expertos en la explotación de la batería electrónica y los sintetizadores. Autores de más de cien canciones que entraron en el top 40 de las listas de éxitos de su país, han vendido cuarenta millones de álbumes y logrado ganancias de alrededor de cien millones de euros.

Stock, Aitken y Waterman también trabajaron para Kylie Minogue. De hecho algunos detractores de Astley sostienen que él canta como ella, pero a menos revoluciones. Estos críticos con la carrera del inglés son los mismos que incluyen a ‘Never gonna give you up’ en la lista de las peores canciones de los ochenta.

Cuando ‘Never gonna give you up’ y su intérprete parecían definitivamente olvidados, sólo ya útiles para recopilaciones nostálgicas y programaciones de cadenas de radio que sólo miran hacia el pasado, una broma de internet devolvió a la actualidad a Rick Astley y a su creación más afortunada. Juntos volvieron a convertirse en un fenómeno gracias a un ‘rickrolling’ de 2007.

Esta’travesura virtual’, que consiste en poner un enlace trampa ofreciendo supuestas noticias de gran interés pero que en realidad redirige al videoclip del hit de Astley, constituyó la resurrección del británico. En dos días la grabación en YouTube fue vista por más de trece millones de personas. Ocurrió en torno al 1 de abril de aquel año-Día de los Inocentes en Estados Unidos-. Luego se repitió en distintos momentos y con diferentes excusas. Por ejemplo, críticas a la iglesias de la cienciología. Incluso, un estudiante introdujo la letra de la canción en un trabajo de física cuántica.

«Me ha hecho mucho bien. Mucha gente conoce esa canción por aquello y estoy seguro de que ayudó a mi carrera en muchos sentidos», respondió Astley en una reciente entrevista. Lo cierto es que su presencia en los escenarios se multiplicó y desde entonces es reclamado constantemente desde distintas partes del mundo. Por ejemplo, fue la estrella de las fiestas del orgullo gay celebradas en Madrid en julio. El pasado mes ha protagonizado asimismo una gira por varias plazas musicales de España.

El vídeo, sencillo, muestra las nulas habilidades de Rick para bailar. Además, en él podemos comprobar la crueldad que atesora el paso del tiempo, que, casi treinta años después de la producción, nos recupera imágenes pasadas de moda. La grabación dirigida por Simon West nos presenta a un sonriente Astley que interpreta ‘Never gonna give you up’ en varios lugares, a veces acompañado por bailarines.
En poco más de tres minutos y medio resume la estética ochentera.

No somos extraños al amor
conoces las reglas y yo también
un compromiso total es en lo que estoy pensando
no obtendrías esto de ningún otro tipo
sólo quiero decirte cómo me estoy sintiendo
debo hacerte entender que

Nunca te dejaré
nunca te defraudaré
nunca saldré corriendo para abandonarte
nunca te haré llorar
nunca diré adiós
nunca diré una mentira para lastimarte

Nos conocemos hace tanto tiempo
tu corazón ha estado herido
pero eres demasiado tímida para decirlo
pero ambos sabemos lo que has estado pasando
conocemos el juego y lo jugaremos

Y si me preguntas cómo me estoy sintiendo
no me digas que eres demasiado ciega para no darte cuenta

VERSIONES

Como ‘Never gonna give you up’ parece que inspira todo tipo de innovaciones en la red, no podemos obviar el mashup -una forma de integración y reutilización virtual- que reúne a Rick Astley, AVICII, CHUMBAWAMBA Y JOHN TRAVOLTA bajo el título de ‘Tubthumping’.

El italiano adicto al eurobeat KEVIN JOHNSON -Davide Budriesi, de nombre real- es uno de los muchos que se han atrevido a reinterpretar este tema.

Bajo el pseudónimo de THE RICKROLLERZ, varios productores londinenses de dance publicaron en 2008 una mezcla house.

En el mundo hispano el productor y cantautor ecuatoriano JIMMY TAMAYO cantó también ‘Nunca te dejaré’.

La televisión ha recurrido a este tema en numerosas ocasiones, bien en su faceta publicitaria bien en diferentes series. El propio Astley destacó la inclusión de su tema franquicia en ‘MAD MEN’.

RICHARD PAUL ASTLEY (Newton-le-Willows, Merseyside, Gran Bretaña, 1966) dio sus primeros pasos en el seno del grupo de soul FBI, especialista en versiones de The Beatles y The Shadows. Fue en una de sus actuaciones cuando fue descubierto por el productor musical Pete Waterman, quien se lo llevó a Londres para ponerlo bajo la tutela del trío de productores Stock, Aitken y Waterman en los estudios de PWL.

Tras un período de aprendizaje corto dio el salto al mundo del disco con el single ‘When you gonna’, que pasó por las tiendas sin que ningún aficionado reparara en él. El siguiente, ‘Never fonna give you up’, ya en 1987, le convirtió en lo que hoy es. Su gran éxito tuvo continuidad en sucesivos trabajos como ‘Whenever you need somebody’, ‘Together forever’ o ‘Take me to your heart’, además de en colaboraciones con Elton John, Art of Noise, Ann Dudley o la estrella del gospel Andrae Crouch. Incluso fue nominado a los Grammy como mejor artista novel.

Su halo de fama decreció con el final de la década de los ochenta, cuando se separó de Stock, Aitken y Waterman para dirigir personalmente su carrera con moderado éxito gracias a ‘Cry for help’ (1991) y ‘Hopelessly’ (1993). Luego llegó una época de silenció hasta que en 2001 lanzó al mercado el ábum ‘Keep it turned on’, en el que apostó por sonidos más tecno y discotequeros. Cuatro años más tarde protagonizó un nuevo giro creativo para apostar por versiones de canciones clásicas de soul.

En 2006 decidió tomarse un descanso para dedicarse a su vida familiar y componer para el cine, donde creó la banda sonora de ‘ Cashback’, protagonizada por su pareja, Lene Bausager.

Regresó en 2008 al aprovechar la oportunidad de reverdecer laureles brindada por el ‘rickrolling’ antes mencionado. Ofreció conciertos por todo el mundo al volver al frente musical después de un amplio período de inactividad. Esta broma del destino le ofreció un nueva ocasión de llegar a público de nuevas generaciones, paradójicamente, como tótem de la canción protesta.

Rick Astley editó sus últimos singles en 2010 (‘Lights out’) y en 2012 (‘Superman’). Luego se ha dedicado a ofrecer conciertos, ya que sostiene que ahora es allí donde realmente debe residir la música, frente al público.

Si tuviéramos que resumir su carrera en números bastaría decir que ha vendido cuarenta millones de discos, entre álbumes y singles.

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Sus autores –James T. Taylor y Ronald Bell– escribieron la canción sin otro fin que el musical, pero siempre se ha creído que ‘Celebration’ se creó para dar la bienvenida a 52 rehenes americanos que permanecieron 444 días atrapados en la Irán del ayatolá Jomeini. De cualquier manera, la composición pronto trascendió de cualquier objetivo y se convirtió en un clásico del funk-dance y en una de las obras más conocidas del conjunto afroamericano, derivando finalmente en la condición de himno.(...)
Read the rest of Kool & the Gang – Celebration (766 words)

La obra a la que hoy dedicamos esta combinación de letras y palabras puede ser calificada, sobre todo, de optimista, de esas nacidas para celebrar algo, porque junto a ella nos llegarán pensamientos positivos, como los que de niños nos recomendaban en la película ‘Peter Pan’.

Ese don de aunar buenas vibraciones también ha hecho que ‘Celebration’ sea utilizado hasta en el mundo de la política. El demócrata Walter Mondale fue el primero en reconocer esta virtud y usó este tema en la campaña presidencial de 1984. Veinticinco años después fue elegido para celebrar la victoria de Barack Obama.

‘Celebration’ también influyó en el posterior devenir de Kool & the Gang, que desde este éxito olvidó en cierta manera sus raíces funk y soul para adentrarse en el sonido pop y disco, aunque sin desdeñar nunca el rhythm and blues, tan bien acoplado al rango vocal de J.T. Taylor y a la instrumentación genética del grupo norteamericano.

Fue también ‘Celebration’ el tema que introdujo a la banda en la corriente comercial que hasta entonces se le había negado. Por fin supo conectar con las nuevas generaciones, necesitadas de una válvula que les permitiera evadirse de la vida cotidiana, celebrando simplemente la llegada del buen tiempo, del viernes anunciador del fin de semana o de unas vacaciones.

Celebrando buenos tiempos, ¡vamos! (a celebrar)
celebrando buenos tiempos, ¡vamos! (a celebrar)

Hay una fiesta por aquí
una celebración que nunca acabará
así que trae tus buenos tiempos y tu risa también
celebraremos contigo tu fiesta

¡Vamos, ahora!

Celebración
vamos todos a celebrar y pasarlo bien
celebración
vamos todos a celebrar y pasarlo bien

Es tiempo de unirnos
depende de ti que te guste

Todos, el mundo entero.
¡vamos!
es una celebración

Celebrando buenos tiempos, !vamos!
es una celebración.
celebrando buenos tiempos, !vamos!
vamos a celebrar

Lo vamos a pasar muy bien esta noche
vamos a celebrar, está bien
lo vamos a pasar muy bien esta noche
vamos a celebrar, está bien.

Nena
lo vamos a pasar muy bien esta noche (celebración)
vamos a celebrar, está bien.
lo vamos a pasar muy bien esta noche (celebración)
vamos a celebrar, está bien.

Celebrando buenos tiempos, !vamos! (a celebrar)
celebrando buenos tiempos, !vamos! (a celebrar)
es una celebración
celebrando buenos tiempos, !vamos! (a celebrar)

Vamos a celebrar los buenos tiempos esta noche
porque todo va a estar bien
vamos a celebrar
celebrando los buenos tiempos, !vamos!

VERSIONES

La diva australiana KYLIE MINOGUE se apropió de ‘Celebration’ en 1992.

Cinco años antes el grupo neozelandés DRAGON protagonizó una revisión que pasó sin pena ni gloria.

El colectivo musical BRAZILIAN SOUND CLUB firmó con mucho decoro su visión personal del tema que hoy analizamos.

Como curiosidad podemos ofrecer la visión en tiempo de swing que realizó THE FAT DADDG PUSSYCAT ORCHESTRA del clásico de Kool & the Gang. Deliciosa.

En el séptimo arte esta canción fue interpretada por ALIEN GONZOS para la película de 1999 ‘Muppets from space’.

KOOL & THE GANG nació en 1964 cuando el bajista y cantante Robert ‘Kool’ Bell formó la banda en Jersey City junto a su hermano Ronald –saxo tenor–, Robert Mickens –trompeta–, Michael Ray –trompeta–, Clifford Adams –trombón–, Amir Bayyan –teclados–, Otha Nash –voz e instrumentos de viento–, Charles ‘Claydes’ Smith –guitarra– y George Brown –batería–.

Desde sus primeros pasos ya dio muestras de su calidad orquestal y vocal, aunque en sus años iniciales de vida cambió de nombre en varias ocasiones, con abundantes cambios en la formación. Fue en 1969 cuando definitivamente se presentaron con su denominación actual, justo cuando firmaron con la discográfica De-Lite.

Ya por aquella época era una banda reconocida por crítica y público gracias a su rhythm and blues con influencias funky y jazzísticas, adquiriendo cada ver mayor popularidad, pero sin obtener un éxito espectacular. Éste llegó en 1980 con ‘Celebration’.

Para ello supieron aprovechar el boom de la música disco de los setenta. De hecho participaron en la grabación de la banda sonora de la película ‘Fiebre del sábado noche’, en la que interpretaron el tema ‘Open Sesame’. Su carrera despegó coincidiendo con la llegada de James T. Taylor, quien aunó esfuerzos con el productor Eumir Deodato.

Fue entonces cuando se hicieron con el prestigio y la fama de la que hoy gozan tras haber vendido más de setenta millones de discos a nivel mundial, conquistando los mercados internacionales y convirtiéndose en una de las mayores atracciones de la música negra. La clave de su éxito reposa también en su espectáculo escénico y en acertada combinación de la música bailable y de la de calidad.

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La bella actriz quedó escandalizada, pero aún así, a regañadientes, accedió a grabarla un año más tarde. El resultado fue considerado demasiado atrevido para ella y se negó a su difusión comercial temiendo que pudiera dañar su imagen.(...)
Read the rest of Jane Birkin y Serge Gainsbourg – Je t’aime moi non plus (Te amo… yo tampoco) (1,037 words)

No llegó a plasmarse en un disco. Sólo unos pocos privilegiados tuvieron acceso a la interpretación, porque incluso emisoras como la BBC se negaron a difundirla. Por supuesto, estaba prohibida en España. Fue en 1986 cuando por fin se pudo comprar, con la aprobación de BB y con fines benéficos.

Gainsbourg y Bardot rompieron poco más tarde su relación secreta, ya que la diva estaba casada. A la vida del enfant terrible galo llegó entonces la joven actriz británica Jane Birkin y fue ella la que registró finalmente la versión que salió al mercado a principios de 1969, cosechando un gran éxito y un escándalo aún de mayor dimensión.

Esta especie de conversación entre dos amantes mientras practican sexo y se acercan al punto culminante entre susurros y gemidos, para terminar con la incendiaria sugerencia de un orgasmo femenino, salió a la calle justo cuando el mundo occidental protagonizaba una revolución sexual paralela a la permisividad y la promiscuidad nacidas en el movimiento hippy y el mayo del 68 francés.

Fue acogida por entusiasmo con los sectores más progresistas de la sociedad y con una mezcla de pánico y estupor por los más conservadores y católicos, que la consideraron pornográfica. Hasta el Vaticano realizó un comunicado que aconsejaba a los creyentes que huyeran de este tema como del demonio.

Esta indignación moral ayudó a las ventas –sólo en Francia se distribuyó un millón de copias–. Sin embargo, desdeñando las ganancias económicas, el sello Fontana, que publicó inicialmente el tema, sucumbió a la presión y decidió no sacar una segunda edición.

Los nuevos vinilos fueron prensados por el sello independiente Major Minor, que aprovechó la demanda provocada por su ausencia temporal de las tiendas de discos para llevar ‘Je t’aime moi non plus’ a los hit parade y alcanzar casi inmediatamente el número uno de las listas en muchos países.

También en las británicas, donde siempre lo han tenido muy difícil las canciones del otro lado del Canal de la Mancha. Pero ‘Je t’aime moi non plus’ quizá se benefició de que en su letra se hablaba poco en francés. Más bien se hablaba poco. Porque prácticamente es instrumental y la mayoría de las representaciones vocales se limitan a los jadeos. Para Reino Unido también se cambió el título, optándose por ‘Love at first sight’ (Amor a primera vista).

Lenta, delicada… ‘Je t’aime moi non plus’ se introduce en nuestros oídos de la mano de unos compases que despiertan la líbido, alcanzando su momento más álgido cuando llega el órgano Wurlitzer, auténtica estructura ósea de este himno erótico a nivel mundial que en casi cuatro minutos y medio condensa dosis irrefrenables de pasión.

El mago de las mezclas fue Michel Colombier, que más tarde trabajó con Madonna. Se le acusó de inspirarse para la instrumentación en la canción franquicia de Procol Harum ‘Con su blanca palidez’. Los arreglos corrieron a cargo de Arthur Greenslade en el estudio Barclay de París.

El título se inspira en una frase atribuida al genial pintor español Dalí, que en cierta ocasión dijo: «Picasso es español, yo también. Picasso es un genio, yo también. Picasso es comunista, yo tampoco».

La canción se convirtió en película en 1976, dirigida por el propio Gainsbourg y protagonizada, por supuesto, por Jane Birkin.

Te amo, te amo
sí, te amo
no mas que yo…
oh mi amor…
como la ola irresoluta

Yo voy, voy y vengo
entre tus caderas
voy y vengo
entre tus caderas
y me retengo…

Te amo, te amo,
oh, sí, yo te amo…
no mas que yo…
oh mi amor
tú eres la ola, yo la isla desnuda

Tú vas, tu vas y vienes
entre mis caderas…
tú vas y vienes
entre mis caderas
y yo te retengo…

Te amo, te amo,
oh, sí, yo te amo…
no mas que yo…
oh mi amor
como la ola irresoluta

Yo voy, voy y vengo
entre tus caderas
voy y vengo
entre tus caderas
y yo me retengo…

Tú vas, tú vas y vienes
entre mis caderas…
tú vas y vienes
entre mis caderas
y yo te retengo…

Te amo, te amo,
oh, Sí, yo te amo…
no mas que yo…
oh mi amor
el amor físico, es un callejón sin salida

Yo voy, voy y vengo
entre tus caderas
voy y vengo
entre tus caderas

Yo voy y vengo,
yo me retengo…
no! Ahora vienen
ahh… ahhh…

Te amo
te amo
sí, te amo
yo ahora ya no

Oh, mi amor
como la ola indecisa

VERSIONES

Por supuesto es obligatoria conocer la primera grabación que realizaron Gainsbourg y BRIGITTE BARDOT.

El productor GIORGIO MORODER y DONNA SUMMERrecuperaron este tema en 1978, con los aires de discoteca que dominaban aquella época.

Para el mercado latino CHAYANNE y NATALIE convirtieron ‘Je t’aime… moi non plus’ en ‘Exxtasis’.

En 2012 MADONNA interpretó la obra durante una actuación en el Olympia de París.

Para la publicidad KYLIE MINOGUE cantó esta composición erótica en 2003.

SERGE GAINSBOURG y JANE BIRKIN formaron pareja hasta 1980. El compositor francés era un hombre revolucionario, valiente y, sobre todo, provocador. Llevaba años creando buenos temas para otros artistas, mujeres como Nana Mouskouri, Petula Cark o Juliette Greco. Pero, sin embargo, el gran público no le conocía porque su irracionalidad asustaba a las discográficas, que apostaron por Johnny Hallyday.

Birkin llegó a París en pleno Mayo del 68 para rodar la película ‘Slogan’. Tenía 20 años, pero ya era famosa por ser la primera intérprete con desnudo frontal en una película comercial. En la Ciudad Luz conoció a Gainsbourg. Y pronto rivalizaron con John Lennon y Yoko Ono a la hora de generar polémica. Eran la bella y la bestia. Se dedicaron a disfrutar de la vida como si no hubiera un mañana.

Gainsbourg murió en 1991, a los 62 años, tras sufrir un ataque al corazón. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio de Montparnasse parisino, donde su tumba se ha convertido en un lugar de peregrinación. Birkin disfruta de una interesante vejez, sacando discos de vez en cuando. De su relación nació Charlotte Gainsbourg, que llegó a cantar con su padre la incestuosa canción ‘Lemon incest’, cuando sólo tenía 12 años. Actualmente es una prestigiosa actriz.

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Todo ello a pesar de que Lennox se recuperaba de unos nódulos en las cuerdas vocales que le impidieron emprender una gira e incluso participar en el multitudinario concierto de Live Aid. La fórmula de la comercialidad quizá se debió a que redujeron su uso habitual de sintetizadores, incorporaron ciertas gotas de blues y se apoyaron en instrumentos tradicionales como las guitarras, la trompeta o el saxo.

Inicialmente Eurythmics, también compositores de la canción, tenían destinado el tema al cantante invidente norteamericano Stevie Wonder, pero finalmente tuvieron que conformarse con que la estrella de la Motown colaborara tocando un solo de armónica que rivalizó con las cualidades vocales de Annie.

El fondo de la trama de ‘There must be an angel’ no es sencillo. Versa sobre la búsqueda personal y espiritual en los momentos en que nos encontramos sentimentalmente más débiles. En apenas un puñado de párrafos, su ánimo es intentar subir la moral y la autoestima de quienes la escuchan en esos días malos que todos tenemos de vez en cuando.

La protagonista se siente sola, pero se cree bendecida por un ángel, por multitud de ángeles que reavivan su corazón y establecen una conexión celestial con quien ella ama. Pese a la profundidad del intento se convirtió en uno de los éxitos más comerciales de la carrera de Eurythmics. De esos que provocan sonrisas inmediatas.

El videoclip se hizo muy popular. En él Dave Stewart interpreta a Luis XIV y Annie Lennox a una cantante que ha sido llevada ante el Rey Sol para entretenerle con una melodía tan bien construida.

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Entro en una habitación vacía
y de repente mi corazón retumba
es una orquesta de ángeles
y están tocando con mi corazón
debo estar hablando a un ángel

Nadie sobre la tierra podría sentirse así
estoy exageradamente feliz
debe ser un ángel
jugando con mi corazón

Y cuando creo que estoy sola
parece que hay alguien más en casa
es una multitud de ángeles
y están tocando con mi corazón

Debo estar teniendo alucinaciones
viendo a los ángeles de fiesta
podría ser esto estar reactivando
dislocando mis sentimientos?

Debe ser una desconocida ilusión
por intervención celestial
dejándome el recuerdo
de tu celestial conexión.

VERSIONES

Annie Lennox, ya roto el dúo con Stewart, firmó una revisión de corte RHYTHM & BLUES. La interpretó en directo en Londres en 2009. Sin igual.

El quinteto de rock alemán NO ANGELS supo aprovechar también la comercialidad de ‘There must be an angel (Playing with my heart)’. Llevó el tema al número uno en su país y en Austria en 2001.

KYLIE MINOGUE la canta en sus giras.

Como rareza esta interpretación que realizó el difunto tenor PAVAROTTI con Eurythmics.

La banda CELTIC WOMAN nos ha hecho llegar una versión preciosa.

Por último reseñar que en 1999 Eurythmics se reunió para cantar con el gran STEVIE WONDER.

La escocesa Annie Lennox (vocalista) y Dave Stewart (guitarrista y compositor) comenzaron su andadura musical en la vía del punk londinense a mediados de los 70. Pero evolucionaron con facilidad hacia el technopop con su primer grupo, Tourists, banda que rompieron en 1980 para fundar el dúo EURYTHMICS. Eligieron el nombre inspirándose en la palabra latina Eurythmia, cuyas raíces provienen del griego Eu (Bien o bueno) y Rythmes (ritmo),

El éxito llegó en 1983 con ‘Sweet dreams’, disco de oro, y siguió con ‘Who’s that girl?’, ‘Are made of this’, ‘Would I lie to you?’ o ‘Here comes the rain again’. Aunque fue en 1985 cuando tocaron la gloria con ‘There must be an angel’. El tema al que hoy nos referimos marcó un punto de inflexión en su carrera pasado a un estilo new wave que levemente incluso se encaminó hacia el rhythm and blues.

Toda una cadena de temas con gran repercusión les colocó frente a la década de los noventa, cuando decidieron separarse para emprender carreras en solitario. Stewart se centró en la producción, mientras que Lennox cosechó numerosos éxitos discográficos y acentuó su faceta activista solidaria.

Intermitentemente se reunieron para grabar dos discos en 1999 y 2001, y siempre corre el rumor de que resucitarán el dúo.

Eurythmics llegó a vender unos 75 millones de discos en todo el mundo. Además cosechó cuatro Grammys, dos Globos de Oro e incluso un Oscar.

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