Pero, imposiciones comerciales y convencionalismos al margen, sí, la vida es maravillosa, como nos lo cantaron los integrantes del conjunto británico Black en los estertores de los ochenta con una entonación de garganta negra en sus juveniles cuerpos blancos. Consiguieron que este tema se convirtiera en perenne, de esos que llegan a nuestras vidas por casualidad, pero que luego se quedan para siempre. ‘Wonderful Life’ se ha hecho con un sitio en la historia musical del último cuarto del pasado siglo. Fue un superéxito en su momento y es una obra genial casi tres décadas después.(...)
Read the rest of Black – Wonderful Life (Maravillosa vida) (1,227 words)

Esta edulcorada creación, que algunos diabéticos cerebrales no soportan pero que los melómanos golosos adoramos, fue publicada inicialmente en 1985 por una compañía independiente. No tuvo ninguna repercusión. Sí rompió récords dos años más tarde, cuando Black fichó por una multinacional discográfica y ‘Wonderful Life’ fue reeditada y convertida en un hit en media Europa. Su calidad fue reconocida, aunque tal vez no tanto como se merecía.

La nostalgia nos invade cada vez que escuchamos sus primeras notas, como también en nuestros corazones reviven aquellos tiempos en los éramos más jóvenes y despreocupados. A ese retorno al pasado asimismo contribuye la visión de su videoclip, grabado en blanco y negro en el paseo marítimo y en el faro de la localidad inglesa de New Brighton, en Wallasey, cerca de donde vivían los integrantes de Black. Rodado por Gerard De Thame, quien trabajó posteriormente con Sting, constituyó un guiño al neorealismo italiano y al cine clásico, una corriente que hoy nosotros hemos olvidado a pesar de que tanto nos dio y que ahora ocultamos a las nuevas generaciones al sustituir su genialidad por bodrios de acción repugnante.

‘Wonderful Life’ nació allá por 1985 de una dolorosa ruptura sentimental del líder de Black, Colin Vearncombe. «Es una de esas grandes ironías de la vida porque mi primer matrimonio se había roto de un modo irreal y yo, ante ello, terminé escribiendo canciones que, a la postre, serían de las más exitosas que jamás haya tenido en mi catálogo. Mi exesposa fue indirectamente responsable del hit y eso, ahora, me hace sonreír», aseguró Colin durante una gira realizada en 1993.

La composición nos relata una situación de soledad y la oportunidad que te da para pensar en lo necesario que es detener el ritmo para ponerse a meditar sobre la importancia de disfrutar de las cosas más simples, pero a la postre más importantes. Hablamos de mirar a nuestro alrededor y gozar del entorno, bien físico o bien humano. O sea, medicina para el alma.

Un veterano filósofo mantiene la teoría de que la primera parte de su vida el ser humano es presa de las pasiones, desde profesionales a sexuales. Y sostiene, asimismo, que una vez que, con cierta edad, nos liberamos de ellas, realmente nos percatamos de los que tenemos a mano y no sabemos valorar simplemente porque es gratuito. «Creo que la gente entiende que una vida maravillosa no significa no tener problemas, quizá lo que significa es que sabes sobrellevarlos, que eres capaz de manejarlos», según Vearncombe.

Dentro del estilo new wave que dominó el pop europeo hace ya más de treinta años, esta canción homenaje a la vida y a la libertad ha pasado por nuestras existencias dejándonos huellas. Eso sí, más o menos profundas según los casos. Invita a pensar en la soledad, en nuestros problemas y en la negatividad gratuita para finalmente desembocar en los momentos alegres de la vida cotidiana que a veces pasan inadvertidos por lamentos y prisas inútiles.

Aquí dejando mi mar de lágrimas otra vez,
la luz de esperanza vuelve a brillar,
aunque los sueños cuelgan en el aire

Las gaviotas parecen merodear el cielo,
el desenlace ya lo presienten mis ojos

Saben, se percibe como algo injusto…
pero existen milagros en todas partes

Mírenme de pie por ejemplo,
aquí con toda mi fuerza de nuevo,
firme, de frente aferrado a la vida

No hay necesidad de vivir deprisa o aislarse,
tal cual es una maravillosa, maravillosa vida

No consiste en reírse o llorar todo el día,
así sencilla la vida es maravillosa, muy grata

El sol que pega en sus ojos,
el calor que se apodera de su cabello,
parecieran ser una gran molestia,
pero es porque siguen allí sin moverse

Y necesito un amigo, oh sí,
un verdadera compañía,
que me haga feliz el resto de mis días,
no seguiré aquí lamentándome más
a pesar de todo sigo aquí de nuevo,
haciendo frente a los problemas

La vida no consiste en irse a los extremos,
así tranquila la vida es espléndida, muy bella

Sin tomarse todo en broma o ser pesimista,
con mesura la vida es maravillosa, muy buena

Necesito un amigo, claro,
necesito alguien a mi lado,
que me haga sentir bien, no más soledad

A pesar de todo mírenme aquí,
aquí de nuevo luchando,
encarando de frente, a la vida

Hay que disfrutar cada momento, sin encerrarse,
vivir porque la vida es maravillosa, muy hermosa

Para qué perder el tiempo en burlas o lamentos,
si se posee una maravillosa, maravillosa vida

VERSIONES

La melancolía de la que nos dota la voz afligida del Vearncombe, los taciturnos teclados y ese saxo nostálgico han hecho que a lo largo de su devenir haya sido habitual encontrárnos a la hermosamente triste ‘Wonderful Life’ en series de televisión, películas, anuncios, servicios públicos… Además son numerosas las versiones firmadas por otros artistas. Por ejemplo, considero genial la protagonizada por la también británica TINA COUSINS.

La cantante belga, nacionalizada canadiense, LARA FABIAN también ejercitó su maestría vocal con el tema de Black.

El italiano ZUCCHERO FORNACIERI, muy exigente a la hora de realizar cóvers, adaptó asimismo esta composición vital.

Es España fue ROSA LÓPEZ, ganadora de la primera edición de ‘Operación Triunfo’, la que se aventuró con ‘Wonderful Life’ bajo el título ‘La vida es bella’.

Por último, es justo ofrecer también la PRIMERA VERSIÓN que grabó Black, que, aunque no tuvo éxito, para algunos es superior a la que triunfó.

El dúo BLACK nació y creció con el cantante y compositor de Liverpool Colin Vearncombe como hilo conductor. La banda británica, que se completó con Dave Dix, comenzó a rodar por los escenarios en 1981 y plasmó sus iniciales trabajos discográficos en sellos independientes. No llamó la atención del público, pero sí de los cazatalentos de A&M Records, discográfica que a partir de 1986 comenzó a dirigir sus designios musicales.

Tampoco la multinacional logró dar repercusión a sus primeros singles, pero sí supo ver el potencial de ‘Wonderful Life’, que reeditó con el éxito en todo el mundo al que ya nos hemos referido, alcanzando el puesto número 3 de las listas británicas y siendo top hit en Suiza, Alemania, Reino Unido, Francia, Austria e Italia. Es su tema franquicia, por el que todos los conocemos tras vender 1,5 millones de copias en todo el mundo, aunque en Estados Unidos pasó sin pena ni gloria.

Siguieron esa senda otras trabajos como ‘Comedy’, de 1988, y ‘Black’, de 1991, momento en el que Black rompió con las discográficas para crear su propio sello independiente, Nero Schwarz. En su seno Colin, conocido como ‘el caballero de la dulce sonrisa’, ha sabido caminar también paralelo al dúo desde Irlanda, donde cultiva una doble identidad musical con álbumes en solitario con música llena de matices folk y jazz, sonidos serenos que se compaginan con nuevas obras con Black.

Además de ‘Wonderful Life’ el caminar de Black por el mundo musical nos ha dejado otros grandes temas como ‘Everything is Coming up Roses’, ‘Water on Snow’, ‘The Sweetest Smile’, ‘Any Color you Like’ o ‘Live at the Bassline’. Como anécdota cabe señalar que el dúo colaboró con DUNCAN DHU en las voces de ‘Rozando la eternidad’.

Vearncombe compagina además su talento musical con el pictórico, a través de obras en acuarela que ya le han hecho protagonizar varias exposiciones.

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Además, ‘Tarzan boy’ –conocida popularmente como ‘Kiwi y melón’– ha sido constantemente objeto de diversos remixes (Ext dance vers, Ext dub rmx, Summer edit vers, Summer mix, 1993 rmx, etcétera– que la han mantenido en la actualidad. Era asimismo habitual en las bodas, en esos momentos que todos luego queremos olvidar en los que nos atamos las corbatas en la cabeza y formamos cadenas de ridiculez. También ha sido un himno gay desde que el líder de la banda anunciara su homosexualidad.(...)
Read the rest of Baltimora – Tarzan boy (912 words)

Todo gracias al talento del músico transalpino Maurizio Bassi. Él compuso el tema y también lo interpretó, aunque fuera el irlandés Jimmy McShane quien cedió su imagen sin que de su garganta saliera una sola nota. Por lo tanto, realmente era un actor. El secreto fue desvelado años después por el productor Tom Hooker. O sea, realmente fue otro caso Milli Vanilli o Fun Fun.

Pese a la superficialidad de los temas que se trataban en este tipo de composiciones, ‘Tarzan boy’ quiso salirse del carril y con una letra cargada de onomatopeyas trató de analizar la libertad individual. La metáfora era ‘el rey de la selva’, que campaba a su aire, de árbol en árbol –grito incluido como línea melódica en el coro–, sin que nadie le impusiera normas o contradijera.

El propio McShane dijo en su momento que la canción trataba de concienciar a sus fans sobre la importancia de «ser libre y hacer todo lo que quieres. No vivir apurados, estresados ni agobiados por la ciudad, sino disfrutar del mundo como si fuera una selva». Aquí, en la jungla de la civilización, esa filosofía la recomendaban los autores para tratar de buscar la felicidad. Su empeño era complicado, pero, al menos, su sintonía sí eleva el tono vital y alegra el corazón.

Sin embargo, hay quien interpretó que la invitación de un Tarzán solitario para unirse a su jungla era realmente una convocatoria a la homosexualidad. Pero el tema fue escrito por Bassi y Naimy Hackett, muy distantes de esa tendencia sexual. Lo cierto es que esta obra hoy aún suena bien, pese a su inocencia y a una cadencia pegajosa al combinar elementos de pop, dance y música electrónica. Su grito se convierte en un exhorto perpetuo a la nostalgia de los ochenta.

Toda esta filosofía quiso expresarse en un videoclip penoso, realizado con escasos medios técnicos y menos ideas. McShane aparece bailando y cantando, enmarcado en medio de una estética de cómic. Su atuendo, muy colorista, chirría en la actualidad, pero os aseguro que en aquella época iba a la moda. Su traje holgado en blanco y café era lo más de los ochenta. Mejor no hablamos de su maquillaje.

Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh
Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh
Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh
Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh

Vida en la jungla
estoy lejos de ninguna parte
A mi bola, como Tarzán

A escondidas sigo la corriente
mientras cruzo apresuradamente el bosque
travesuras en una tarde soleada
vida en la jungla
viviendo al aire libre

Los nativos golpean, eso continúa
brillo ardiente, un fuego, el golpe, la señal en el cielo
me siento y me pregunto si el mensaje llegaría a ti

Noche a noche, dame otra,
dame otra oportunidad por la noche
dame otra, dame otra
noche a noche
dame otro, dame otro mundo

Vida en la jungla
estarás lejos de todo
estarás bien
no echarás de menos el hogar

Arriésgate
deja todo detrás de ti
ven y únete a mí
no te arrepentirás
es fácil sobrevivir

Vida en la jungla
vivimos al aire libre
todos solos como Tarzán
a escondidas seguimos la corriente
mientras cruzamos aprisa el bosque
travesuras en una tarde soleada

Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh
Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh
Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh
Oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh, oh

VERSIONES

SORAYA ARNELAS, surgida del concurso ‘Operación Triunfo’, revisó este tema en su álbum de 2006 ‘Ochenta’s’.

En castellano la interpretó el grupo argentino de cumbia LOS CLASIQUEROS.

http://youtu.be/m1S25dYebGs

En el mundo de la PUBLICIDAD ‘Tarzan boy’ fue utilizado por Coca Cola para promocionar su producto Light.

Y también recurrió a esta canción el enjuague bucal Cool Mint Listerine.

En el cine formaba parte de la banda sonora de ‘TORTUGAS NINJA 3’.

A principio de 1984 el productor musical, compositor e intérprete Maurizio Bassi se lanzó a generar un nuevo proyecto musical bajo el nombre de BALTIMORA. Tenía ideas, buenos músicos –él (teclados y voz), Giorgio Cocilovo (guitarra principal), Claudio Bazzari (guitarra rítmica), Pier Michelatti (bajo) y Gabriele Melotti (batería)–, pero le faltaba una imagen refrescante. La encontró en Irlanda. Allí conoció a Jimmy McShane, trabajador del servicio de emergencias de la Cruz Roja conocido como Rubí por la comunidad gay de Derry.

McShane estaba dotado de una gran capacidad para el baile, pero no sabía cantar. No importaba. La audiencia de aquella época no se dio cuenta y el conjunto se puso en marcha con el nombre de Baltimora.

Ya su primer disco se subió a la ola del éxito y vendió miles de copias, sobre todo gracias al éxito del single ‘Tarzan boy’. De aquel LP –‘Living in the background’– también salió otro hit como ‘Woody boogie’, que también tuvo repercusión.

En 1987 Baltimora lanzó un nuevo álbum titulado ‘Survivor in love’, que pasó bastante desapercibido y fue el último de su carrera.

El 29 de marzo de 1995 McShane falleció víctima del virus del sida. Una placa conmemorativa le recuerda en el centro de Derry.

Para entonces Bassi ya trabajaba en nuevos proyectos. De hecho, en la actualidad es un compositor reconocido, con una carrera importantísima esculpida con temas para, por ejemplo, Eros Ramazzoti.

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Tuve la suerte de conocer este disco poco después de que se publicara en Reino Unido, cuando ni siquiera había llegado a España. Se lo debo a un amigo que se crió en Inglaterra y que siempre ha constituido mi vanguardia musical. Me lo dejó y lo grabé en una cinta. Quizás entonces no lo aprecié en su justa medida, pero ahora he de admitir mi error y reconocer la grandiosidad de esta obra.

Una labor de estudio y de arreglos abrumadora generó una obra de arte que se ha convertido con el paso del tiempo en un referente del rock, un tema perfecto que cualquier autor quisiera firmar y, por supuesto, cobrar sus royalties. Su tono medio apocalíptico y desafiante persigue describir la cruda realidad del Londres de fines de los 70. Porque The Clash se nutría de los cercano, buceando en las aguas de su quehacer cotidiano, absorbiendo cuanto acontecía en sus aledaños, tanto en la música como en las letras.

Desde su salida al mercado ‘London calling’ es un emblema de lucha en todo el mundo. Envuelto en un aire post-punk y con influencias de otros estilos, la habilidad de Mick Jones y Joe Strummer lo convirtieron en un tema pegadizo y bailable que fue muy criticado por los puristas del punk. Lo tildaron de suave. Nunca pierde intensidad y hasta en nuestros días sigue dando de qué hablar.

‘London calling’ hace referencia al mensaje que usaba la BBC durante la Segunda Guerra Mundial para empezar sus programas y contactar con los distintos frentes bélicos. «Aquí Londres llamando…» decían los locutores. La composición de The Clash es una continuación de aquellos llamamientos, pero en tono reivindicativo, con un aire oscuro, casi negro, que incluso tutea con ritmos jamaicanos. A esta atmósfera de punk parcial se llegaba mediante reverbs, arreglos de guitarra al revés y líneas de bajo legendarias.

La letra, en el fondo, traslada una angustiosa llamada de socorro, por la situación económica que atravesaba la banda, endeudada en la producción del disco, sin mánager tras romper con Bernie Rhodes. Esta separación hizo que no pudieran disponer tampoco de su sala de ensayos en Camden Town. «Nunca me sentí tan parecido a un SOS», haciendo eco al sonido en código Morse de auxilio. También hacía referencia al accidente de un reactor nuclear Pennsylvania, al aumento del desempleo, conflictos raciales y el abuso de drogas.

Si cambiamos Londres, por Madrid, Barcelona o incluso nuestro Bilbao, la composición de los Clash podría retratar bien a cualquier ciudad de nuestro ahora deprimido país. Porque ‘London calling’ siempre ha sido el ritmo de la calle. The Clash se caracterizó por saber aprovechar las armas que la naturaleza le había dado, disponiendo sus recursos para descifrar cuanto sucedía a su alrededor, bien a través del punk o por medio de ritmos más evolucionados. Paradójicamente ‘London calling’ fue elegido como el tema representativo de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012.

El sencillo fue un tremendo éxito y el primero de The Clash en entrar en los hit parade. Vendió más de dos millones de copias en todo el mundo. El vídeo musical, dirigido por Letts, muestra al cuarteto interpretando la obra en un barco que surca el río Támesis bajo la lluvia.

La repercusión del tema fue tal que fueron muchos los locales musicales bautizados como ‘London Calling’. No sólo en Reino Unido. Concretamente existe uno en la capital de Colombia, Bogotá, en el que esta canción suena diariamente cuando abre y cierra sus puertas al público.

El tema ha sido usado en multitud de películas. Por ejemplo, en ‘London boulevard’, ‘Billy Elliot’, ‘Muere otro día’, de James Bond, etcétera.

Como curiosidad contar que en 2006, en plena paranoia post 11-S, un pasajero de un vuelo que partía de Londres fue detenido como presunto terrorista tras ser denunciado por el taxista que le había llevado al aeropuerto por haber estado escuchando ‘London calling’.

Londres llamando a los pueblos lejanos
ahora la guerra ha sido declarada y la batalla baja
Londres llamando al inframundo
salid de armario, vosotros chicos y chicas

Londres llamando, ahora no nos mires
La falsa Beatlemania ha mordido el polvo
Londres llamando, mira que no tenemos media hostia
excepto por el anillo de esa cosa, la porra

La edad de hielo viene, el sol se acerca
se espera el colapso, se empieza a acabar el trigo
los motores dejan de funcionar, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga y yo vivo a la orilla del río

Londres llamando a la zona de imitación
olvídalo, hermano, puedes ir a ello solo
Londres llamando a los zombies de la muerte
dejad de conteneros y respirad otra exhalación

Londres llamando, y no quiero gritar
Pero ya que estamos hablando, te vi asentir
Londres llamando, mira que no tenemos altura
excepto por ésa con los ojos amarillentos

La edad de hielo viene, el sol se acerca
Los motores dejan de funcionar, se empieza a acabar el trigo
un error nuclear, pero no tengo miedo
porque Londres se ahoga, y yo vivo a la orilla del río

Ahora entiende esto

Londres llamando, sí, yo también estaba allí
¿Y sabes lo que decían?
Bueno, algo de ello era cierto

Londres llamando a lo alto de la emisión
Después de todo esto
¿No me vas a sonreír?
Londres llamando

Nunca me había sentido tan igual, igual, igual, igual

VERSIONES

THE POGUESS y JOE STRUMMER interpretaron ‘London calling’ el día de San Patricio, patrón de Irlanda, de 1988.

DAVE GROHL, ELVIS COSTELLO, BRUCE SPRINGSTEEN y LITTLE STEVEN ofrecieron una buena revisión durante un homenaje a The Clash realizado en 2003.

http://youtu.be/DiSQIbNxjcU

El ‘boss’ BRUCE SPRINGSTEEN ha tocado muchas veces esta canción en sus conciertos. He aquí un ejemplo, durante un festival ofrecido en Hyde Park en 2009. Abrió la noche con ‘London calling’.

http://youtu.be/b4uPTV1z4pE

RED HOT CHILI PEPPERS también ha recurrido varias veces a ‘London Calling’ para elevar el tono de sus actuaciones.

La banda de punk rock & roll chilena NEUROTIKOS la tituló ‘Londres en llamas’.

Hasta FITO PÁEZ utilizó esta composición para introducir uno de sus temas.

THE CLASH comenzó allá por 1976 cultivando la planta más primitiva del punk, como hicieron también Sex Pistols o Ramones, pero conforme avanzaron en su caminar los componentes –el cantante Joe Strummer, el guitarra Mick Jones, el bajista Paul Simonon y el batería Topper Headon– evolucionaron por influencias del rock, el jazz, el ska o el reggae. Pero siempre con un mensaje imperturbable de inconformismo y ruptura con el sistema.

Su discografía inicial se dedicó a lo que calificaban de ‘política social’ y fue ‘London calling’ la obra que en 1979 colocó al cuarteto entre los grandes del momento. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul. Ese éxito elevó su exigencia y optaron por el triple álbum ‘Sandinista’ (1980) y ‘’Combat rock’ (1982), consiguiendo una fama sin igual también en Estados Unidos, donde fueron teloneros de The Who.

Headon y Jones abandonaron el grupo en 1984, siguiendo Strummer y Simonon. Con nueva formación grabaron ‘Cut the crap’ (1985). La escasa repercusión de este trabajo llevó al conjunto a desintegrarse ese mismo año. En 1999 The Clash se reunió para editar el disco en directo ‘From here to eternity’.

Joe Strummer, líder carismático, se convirtió en leyenda viva del punk rock al morir en diciembre de 2002. El resto de la banda le homenajeó al año siguiente con la publicación de ‘The essential’, que recogía los mejores temas.

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La canción escrita por Bob Geldof, líder de The Boomtown Rats, nos recuerda el caso de una joven californiana de 16 años llamada Brenda Ann Spencer, que en 1979 durante veinte minutos disparó desde la ventana de su casa a su escuela con el rifle que su padre le regaló por Navidad en vez del radiocassette que ella reclamaba.

Tras más de cincuenta tiros asesinó al director y al guarda, e hirió a otras nueve personas, entre niños y policías. Cuando se le acabó la munición fue detenida. Al ser preguntada por los motivos de la masacre se limitó a decir. «No me gustan los lunes. Sólo lo hice para animarme el día. No tengo ninguna razón más, sólo fue por divertirme».

La banda irlandesa la grabó el mismo año de la tragedia, con gran éxito en Europa, donde fue número uno en varios países. No ocurrió lo mismo en el país de las barras y las estrellas. Allí las emisoras de radio en un principio boicotearon la canción para evitar hablar de la tragedia. Geldof explicó que se enteró de la noticia del tiroteo mientras le realizaban una entrevista en una radio de Atlanta. A su lado se encontraba un telex y por él salió la información del crimen.

En el camino de vuelta a su hotel decidió que debía dedicar un tema a esa estúpida atrocidad. Primero iba a tener un ritmo reggae, pero cuando la banda regresó a Irlanda se optó por una onda new wave con el maravilloso piano de Johnny Fingers como instrumentro estrella.

De cualquier manera han sido abundantes los temas dedicados al día más duro de la semana, aunque he oído hablar de gente que también piensa que los lunes abren una gran posibilidad de comenzar algo nuevo, una esperanza. He de reconocer que yo no conozco a nadir de esa opinión.

Así de rebote, recuerdo a The Bangles y su composición de los ochenta ‘Maniac Monday’ o a The Mamas & The Papas con ‘Monday Monday’, en los setenta. Sin olvidar ‘Lunes por la madrugada’, de Abuelos de la Nada, o ‘Lunes otra vez’, de Sui Generis.

Todos comparten la misma teoría. El lunes es siempre un motivo de congoja, porque te recuerda que tienes por delante una dura semana. El tiempo ha vuelto a jugárnosla en su terror circular, el eterno retorno al odiado día del madrugón. Es difícil escapar de esa rutina.

Se le fundió el chip de silicona de su cerebro
y nadie irá a la escuela hoy
Ella va a hacer que se queden en casa

Y papá no logra entenderlo
Él siempre dijo que ella era tan buena como el oro
y el no consigue entrar en razón
porque no hay ninguna razón

¿Qué razones necesitas que te muestren?
Dime por qué no me gustan los lunes
Quiero pasarme el día entero disparando
La máquina de teletipo se mantiene limpia
mientras le teclea a un mundo en espera

Y mamá se siente tan conmocionada
el mundo de papá se desmorona
y sus pensamientos giran hacia su pequeña hija

Dulces 16, no es un lamento tan fácil
No, no es fácil admitir la derrota
Ellos no pueden ver las razones
porque no hay razones

Todo el mundo dejó de jugar en el patio
ella quiere jugar con sus juguetes un rato
Y la escuela termina temprano
y pronto estaremos aprendiendo
que la lección de hoy es cómo morir

Y le megáfono cruje, y el capitán cruje
con los problemas y los cómos y los porqués
Y él no puede ver ninguna razón
porque no hay ninguna razón

VERSIONES

La pianista y cantautora estadounidense TORI AMOS nos ofreció en 2001 una revisión mucho más suave. Su versión fue utilizada en la obra de teatro ‘Romeo and Juliet’.

http://youtu.be/Cr3E6mNRxHU

En 1995 BON JOVI y el propio Bon Geldof actuaron juntos en directo.

A TERRY WHITNEY le bastó el piano y su voz para firmar su propia interpretación.

El cuarteto británico G4 la incorporó a uno de sus trabajos discográficos en 2006.

Los punkies estadounidenses THE GROOVIE GHOULIES le metieron ritmo al tema.

‘I don’t like mondays’ apareció en la serie de televisión ‘HOUSE’, cuando el protagonista, interpretado por Hugh Laurie, la tocó al piano para un paciente con problemas cerebrales.

El grupo THE BOOMTOWN RATS estaba compuesto por el vocalista Bob Geldof, Johnnie Fingers, Gerry Cott, Garry Roberts, Pete Briquette y Simon Crowe, todos irlandeses. Su andadura se prolongó desde 1975 a 1986 dejándonos como herencia seis discos y una canción sin igual: ‘I don’t like mondays’.

Sin duda fue su tema franquicia y uno de los pocos que recordamos del quinteto, que es considerado un One hit wonder, grupo con un sólo éxito. En 2006, durante la presentación de los Premios NME, Russell Brand hizo una broma al respecto y señaló que Geldof, activista involucrado en la lucha contra el hambre en África, lleva cenando treinta años gracias a esta canción.

Pero no es del todo cierto porque The Boomtown Rats antes que ‘I don’t like mondays’ ya habían conseguido un número uno en 1978 con ‘Rat trap’ y más tarde también lograron un gran éxito con ‘Looking after no. 1’.

Gelfof fue asimismo protagonista de la película ‘The wall’, sobre la obra de Pink Floyd, pero lo que en realidad le dio la fama fue su activismo por el desarrollo de los países africanos. Incluso le llevó a ser nominado al premio Novel de la Paz. Su vocación nació cuando en su casa veía un programa especial de la BBC sobre la hambruna de Etiopía.

Entre las numerosas actividades benéficas que ha organizado en el mundo del rock está el mundialmente famoso concierto ‘Live Aid’, que se desarrolló en 1985 simultáneamente en Londres y Filadelfia.

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