La música de America siempre fue muy estadounidense, comparable a la de Kansas o Eagles. Quizá por eso su lanzamiento en Europa pasó casi desapercibido. Por contra, al otro lado del Atlántico, pese a que fue vetada por algunas emisoras de radio por sus supuestas referencias al consumo de drogas, esta canción llegó al número uno y obtuvo el disco de platino al ser el single más vendido de 1972.

Sin duda fue un disco sublime que llenó los bolsillos de America –también hoy sus derechos suponen ingresos muy importantes– y que le colocó al frente del rock originario de la costa oeste gracias a su estilo depurado basado en guitarras acústicas que recuerdan mucho a Crosby, Stills, Nash & Young.

‘A horse with no name’ nos narra un viaje al desierto para hallar orígenes, pasado y raíces. Todo un ritual místico-surrealista escrito por Dewey Bunnell para describir el vuelco hacia nosotros mismos que en alguna ocasión todos nos hemos visto obligados a realizar cuando nos sentimos un caballo sin nombre que no sabe hacia donde caminar. Nadie nos comprende en esos momentos y somos nosotros mismos los que tenemos que encontrar el camino pese a que nos sintamos solos en el mundo.

Metafóricamente hace alusión al éxodo del pueblo comanche y realmente podría ser también una introducción en el ácido. Al parecer la inspiración llegó de un viaje que Bunnell realizó para visitar a sus familiares de Arizona, donde el mismo desierto que cabalgó John Wayne le dejó maravillado.

Ambiente bucólico y hechizante, y voces puras sumaron el mayor logro de la historia del conjunto, jamás superado por otras obras futuras, también de gran calidad pero carentes de la magia de ‘ A horse with no name’. Al oírla todos cabalgamos sin rumbo determinado, buscando la felicidad perdida.

Al principio del viaje, admiraba toda la vida
Había plantas, pájaros, rocas y cosas
había arena, colinas y anillos
lo primero que hallé fue el zumbido de una mosca
y el cielo sin nubes
el calor era insoportable y el suelo estaba seco
pero el aire estaba lleno de sonidos

He atravesado el desierto en un caballo sin nombre
se estaba bien fuera de la lluvia
en el desierto puedes recordar tu nombre
porque no hay nadie que te cause dolor

Tras dos días bajo el sol del desierto
mi piel comenzó a ponerse roja
tras tres días bajo la diversión del desierto
vi el cauce de un río
y la historia habló de un río que corría
entristecí al creer que estaba muerto

Entiende, fui al desierto en un caballo sin nombre
se estaba bien fuera de la lluvia
en el desierto puedes recordar tu nombre
porque no hay nadie que te cause dolor

Tras nueve días, dejé al caballo correr libre
porque el desierto se convirtió en mar
había plantas, aves, rocas y cosas
había arena, colinas y anillos
el desierto es un océano con vida bajo él
y un perfecto disfraz encima
bajo las ciudades, hay un corazón de tierra
al que el hombre no mostrará amor

Entiende, fui al desierto en un caballo sin nombre
se estaba bien fuera de la lluvia
en el desierto puedes recordar tu nombre
porque no hay nadie que te cause dolor

VERSIONES

La banda danesa de rock DAD (DISNEYLAND AFTER DARK) grabó una revisión en 1987.

http://youtu.be/x91cfcxPKaE

El cantante electrónico austriaco FLORIAN NORWATH también realizó una incursión sobre ‘Un caballo sin nombre’.

JAMES BLUNT asimismo la cantó en un concierto que ofreció en Francia.

GRIMBERG lo incorporó en su repertorio años más tarde.

AMERICA nació en Gran Bretaña pero puede ser considerado un grupo angloestadounidense, ya que dos de sus componentes originarios –Gerry Beckley y Dan Peek– eran norteamericanos, hijos de militares destinados en bases de las Fuerzas Aéreas del Pentágono en Inglaterra. Dewey Bunnell era el único aborigen de las islas.

Se juntaron en el colegio en 1967 bajo el nombre inicial de Daze of London, pero finalmente optaron por América, que erróneamente se atribuye a la nación de la que provenía dos de ellos cuando realmente hacía referencia a una máquina de discos de aquella época.

Bajo la dirección de George Martin, el famoso productor de The Beatles, pronto se convirtieron en teloneros de bandas como Pink Floyd, The Who o de Elton John, y se hicieron con un contrato que le permitió debutar discográficamente en 1971 con el éxito que ‘A horse with no name’.

Sus siguientes trabajos, pese a no reducir la calidad, ya no alcanzaron la fama del primer disco. En 1977 se convirtieron en un dúo tras el abandono de Dan Peek para abrazar la fe cristiana e intentaron abordar nuevos sonidos, pero sólo lo consiguieron parcialmente.

Su repercusión decayó aunque puntualmente sacaban nuevos discos con los que sólo lograban atraer a sus viejos y fieles seguidores.

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Rock y guitarra son sinónimos y Chuck Berry fue el primero que lo demostró. Pionero en una corriente denostada en sus inicios, el hoy octogenario compositor e intérprete de Missouri sorprendió al mundo del blues, al que estaban condenados a circunscribirse los músicos negros, con una introducción en este tema de un riff inicial inspirado en un solo del guitarrista Louis Jordan empleado en la canción ‘Ain’t that just like a woman’, de 1947.

El mensaje de ‘Johnny B. Goode’ nos traslada al sueño americano de un joven músico que trata de avanzar pese al lastre que supone su pobreza y su color, negro evidentemente. Una guitarra es su única arma y es la destreza que demuestra con ella la que le llevará al éxito.

Al parecer en las primeras versiones, nunca publicadas, hablaba específicamente de un niño negro, pero para ganarse el mercado se optó por una versión más difusa en cuanto al tema racial.

Berry nunca aclaró en tema, pero parece claro que la letra está inspirada en su propia vida, aunque también parece recoger retazos de las experiencias de su pianista Johnny Johnson y los problemas con el alcohol de sus baquetas. Se dice que Chuck siempre recriminaba a Johnson su excesos con la frase ‘Johnnie be good’ (Johnnie sé bueno) y que de ahí nació la canción. Paradójicamente en la grabación del tema quien estuvo a los teclados no fue Johnson sino Lafayette Leake. Otros dicen que Goode es un homenaje al lugar donde nació el mítico rockero.

La gran repercusión de esta canción llevó a Berry a escribir dos réplicas que dan continuidad a la historia: ‘Bye bye Johnny’ y ‘Go, go, go’, que jamás gozaron de la aceptación de la primera entrega.

Está canción considerada como una de las maravillas de la humanidad, fue incluida en la sonda espacial Voyager para que las civilizaciones que puedan existir fuera de nuestro planeta puedan degustar también a Chuck Berry. El apoteósico, histórico, irrepetible e inolvidable sonido que salió de su guitarra lo justifica.

Es un lujo que tantos años después de que saliera al mercado los aficionados a Chuck podamos disfrutar de esta obra de arte con la misma frescura que cuando se escribió. Es atemporal.

En lo profundo de Louisiana, pegado a New Orleans
más allá de los bosques, entre las verdes praderas
permaneció en una cabaña hecha de troncos y tierra
un chico de pueblo llamado Johnny B. Goode
que nunca aprendió a escribir ni a leer demasiado bien
pero que podía tocar la guitarra como si hiciera sonar una campana

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Él solía acarrear su guitarra en un saco de yute
y sentarse a la sombra de un árbol al lado de las vías del tren
Ah, el maquinista le vio sentado en las sombras
tocando con el ritmo que llevaban las máquinas
La gente pasaba y se paraba a decir:
¡¿Dios mío, ese chico de pueblo puede tocar así?!

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Su madre le contó: «Algún día serás un hombre»
y serás el líder de una gran vieja banda
mucha gente vendrá de muy lejos
para escucharte tocar música mientras se pone el sol
quizás algún día veas tu nombre escrito en grandes neones
diciendo: «Johnny B. Goode, esta noche»

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.»

VERSIONES

Han sido múltiples los cantantes que han interpretado ‘Johnny B. Goode’. Muchos sostienen que es la canción más versionada de la historia junto a ‘Yesterday’ de The Beatles. La cantó incluso el rey ELVIS PRESLEY.

Otro genio de la guitarra como JIMI HENDRIX no pudo evitar imitar al dios.

También AC/DC incorporó la canción a su repertorio.

http://youtu.be/hV11HRcbCJU

Y hasta el popero ELTON JOHN.

Los Beatles, grandes admiradores de Chuck Berry, incluyeron varias de sus canciones en sus primeros pasos discográficos. Y JOHN LENNON llegó a hacer un dueto con el guitarrista negro.

Grandiosa la interpretación del mito con BRUCE SPRINGSTEEN y su E Street Band.

http://youtu.be/-2CdjOX8kas

Entre los que firmaron covers nos encontramos a The Beatles, The Rolling Stones, B.B. King, Led Zeppelin, Prince, Andrés Calamaro, Judas Priest, Beach Boys, Six Pistols, AC/DC, Johnny Winter, Aerosmith, Bad Religion, BB King, Bill Haley & His Comets, The Carpenters, Dio, Dr. Feelgood, Green Day, The Grateful Dead, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Lynyrd Skynyrd, Men at Work, Motörhead, Carlos Santana, Slade, Stray Cats, Johnny Winter, etcétera

Para la generación de los ochenta ‘Johnny B. Goode’ fue dada a conocer por la película ‘REGRESO AL FUTURO’, donde el protagonista Marty McFly (Michael J. Fox) canta en un baile de instituto celebrado en 1955. Uno de los miembros de la banda, llamado Marvin Berry, telefonea a su primo Chuck durante la actuación para que escuche la canción. Desde entonces todos todos sabemos que el rockero copió a McFly.

http://youtu.be/8BelLyEPGcs

A CHUCK BERRY (Saint Louis, 1926), actualmente una leyenda viva del rock, le costó poder vivir de la música. Tuvo que trabajar en varias fábricas y limitarse a satisfacer sus ansias musicales con actuaciones en pequeños bares de St. Louis, donde versionaba temas de Nat King Cole y Muddy Watters, artistas predecesores que ejercieron una gran influencia artística en su formación de blues.

Por fin, en 1955 se lanzó a la aventura para buscar un futuro en el rock. Se trasladó a probar suerte a Chicago y en la ciudad del automóvil llevaron sus primeras grandes canciones como ‘Roll over Beethoven’ gracias al contacto que mantuvo con Muddy Waters. Dos años más tarde se había ganado ya un prestigio que le llevó a ser invitado a tocar junto a Carl Perkins, Everly Brothers y Buddy Holly.

En 1957 llegó Rock ‘n’ roll music’, otro de sus clásicos, y en 1958 ‘Johnny B. Goode’, aunque realmente la compuso tres años más tarde. Siguieron ‘Route 66’, ‘Maybellene’, ‘Come on’, ‘School day’, ‘Carol’, ‘Sweet little sixteen’, ‘Menphis Tennessee’, ‘Reelin’ and rockin’, ‘Around and around’, ‘Little Queenie’, ‘Too much monkey business’… Todas fueron y son obras maestras. Las aderezaba con su famoso baile del pato, que causó furor incluso entre la población blanca.

De ahí a la eternidad. Si Elvis era el rey, Berry era el dios del rock. Hasta John Lennon lo dijo: «Si al rock and roll hubiera que ponerle un nombre, ese sería Chuck Berry». La también mítica revista ‘Rolling Stone’ le colocó en el escalón número cinco de la historia de la música moderna sólo por detrás The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. Ni siquiera una condena de cárcel que le apartó de la música durante cinco años pudo eclipsarle.

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Esta preciosa composición dedicada por el cantante Neil Sedaka a su compañera de clase, novia de entonces y también intérprete Carole King es una muestra destacable de ese pop amable influido por el doo wop que nos ofreció este intérprete de Nueva York a pesar de contar con un registro de tenor. Ella le correspondió más tarde con el tema ‘Oh, Neil’.

Pero aquel amor fue efímero porque Carol King algunos años más tarde se decidió por James Taylor, otro gran cantante y compositor con el que protagonizó varias giras hasta que en el camino de él se cruzó Carly Simon. Ella se consoló con Gerry Goffin y  Charles Larkey, del grupo Myddle Class.

http://youtu.be/WvD-9SIrhnE

Oh! Carol
loco estoy por ti,
y si me dejas,
que será de mí,

Oh¡ Carol
por tu amor lloré,
si no me quieres yo me moriré.

Nunca llegaré a querer a otra,
por que te amo a ti.
Y que no piensas,
ya jamás partir

‘Oh Carol’ es una de las canciones más versionadas del mundo pop. Es peculiar la protagonizada por el rey del rock francés JOHNNY HALLIDAY.

En España la incorporaron a su repertorio el DÚO DINÁMICO o KARINA.

También ofrecieron sus puntos de vista LOS GLOBETROTTERS o BLUE DIAMONDS.

Neil Sedaka nació en Brooklyn en 1939 y pronto destacó por su habilidad como intérprete de piano. Ya en la adolescencia tenía un gran prestigio como compositor que trabajaba para muchos reconocidos artistas de La Gran Manzana. 

Con raíces judío sefardís túrquicas y judío askenazís fue animado por su familia para que interpretara sus propias composiciones. Contratado por la multinacional RCA, protagonizó una cadena de éxitos en los años sesenta del pasado siglo. Son tremendamente conocidos temas como ‘Calendar Girl’, ‘Happy birthday sweet sixteen’ o ‘Breaking up is hard to do’.

Pero pronto se vio perjudicado por la invasión británica capitaneada por The Beatles y su popularidad comenzó a declinar, con lo que volvió a trabajar para los demás, colaborando con Tom Jones, Andy Williams, Peggy Lee, David Cassidy, Abba, Elton John, Tony Christie o The Captain and Tennille.

Posteriormente volvió a los escenarios, aunque el éxito discográfico no volvió a repetirse a los niveles de años anteriores. Actualmente sigue cantando regularmente, aunque dentro de circuitos alejados de las actuaciones de masas.

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Así descubrimos que el llamado Joe Cocker transalpino era poseedor de una de las voces más destacadas del panorama musical europeo. Pronto también valoraron su potencial artistas consagrados como Bono, Eric Clapton, Sting, Elton John, John Lee Hooker o Stevie Wonder, que colaboraron en algunas de sus canciones. Asimismo el divo Luciano Pavarotti se dignó a rozarse con Zucchero y su mezcla de música soul y blues.

En ‘Senza una donna’ canta a la tristeza que siente un hombre que camina errante sin descubrir el amor. Lo hace con una descripción que acaricia el alma y la traspasa con su voz rota. Para muchos fue uno de los mejores temas románticos de los ochenta, dotado de una delicada sensibilidad que triunfó en los distintos idiomas en que se interpretó el tema. Destacable es asimismo un grandioso solo de guitarra.

«Esta composición nació en una etapa difícil de mi vida. Me estaba separando de mi mujer e imaginaba un mundo sin ella ¿Quién me prepararía la comida? De golpe fue un éxito en todo el mundo», explicó durante una gira por Argentina el propio Zucchero (azúcar) con su imagen perenne, totalmente vestida de negro y coronada con su característico sombrero ya inconfundible

Yo siento que estoy gastando el tiempo… ¿Como estás?
Fuiste con él; ahora vuelves a verme… ¿Y qué tal?
Pero aquí, yo miro el mar
y ya ves: hasta me hice la comida

Aunque haya una herida más,
no voy a asustarme por vivir
Sin una mujer
no más pena, y sin dolor.
Sin una mujer

Voy a empezar mañana
Sin una mujer
es mi tortura y placer
Sin una dama, ja! Mejor así
No aceptaré
que quieras sobornarme

No insistas
Debes buscar un poquito más al fondo (del corazón)
Sí, aún lo tienes
Mi amor incandescente
mírame (mírame) ja, está ardiente

Aunque haya una herida más,
no voy asustarme por vivir
sin una mujer
no más pena, y sin dolor.
Sin una mujer

Voy a empezar mañana
Sin una mujer
es mi tortura y placer
Sin una dama, ja! mejor así

Y aquí miro el mar inmenso
y no se cuál es mi objetivo
Aunque haya una herida más,
no voy asustarme por vivir

Zucchero también grabó el tema EN CASTELLANO.

Para el mercado anglosajón se realizó EN INGLÉS ‘Without a woman’.

En 1991 PAUL YOUNG pidió a Zucchero grabar juntos una versión a dúo.

Recientemente SERGIO DALMA ha publicado ‘Senza una donna- Estoy bien así’, una revisión más que digna.

ZUCCHERO –nombre que le puso uno de sus maestros– Fornaciari es natural de un pequeño pueblo de escasamente mil habitantes incrustado en la Toscana, donde el rockero formó sus primeros grupos de rhythm y blues armado con una guitarra.

Algunas participaciones y éxitos en los tradicionales festivales veraniegos italianos le dieron la posibilidad de acceder al mundo del disco en 1983. Varios intentos sin demasiado éxito precedieron a la llegada de ‘Senza una donna’, el tema que le consagró y le permitió protagonizar una gira junto a Joe Cocker y Miles Davis.

Posteriormente, una vez adquirido el rango de estrella internacional, también actúo con Eric Captan y forjó una firme carrera con trabajos de gran calidad, reconocidos en todo el mundo.

En 1992 incluso aparece junto a los miembros de Queen en el concierto de tributo a Freddie Mercury en el estadio Wembley de Londres y consigue vender tres millones de copias con un álbum que recopila sus mejores obras.

Giras mundiales le permiten ya ser reconocido en todo el planeta, circunstancia que se apuntala con la publicación de ‘Baila (sexy thing)’, que, al igual que ‘Senza una donna’, fue número uno en infinidad de países. Su carrera sigue firme e incluso cuenta ya con continuación en la figura de su hija Irene Fornaciari, una gran voz que ya ha destacado en los escenarios con temas mayormente compuestos por su padre.

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