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Canción de la semana: ‘Máquina que no para’

Carlos Benito — Sun, 26 Feb 2023 10:38:33 +0000

Lo primero que he tenido que hacer esta semana ha sido superar mis temores y recelos: siento un miedo cerval por las reuniones productivas de mis ídolos musicales, ese momento alarmante en el que deciden añadir algún disco nuevo a lo que ya era un corpus cerrado y a veces perfecto. Y aquí tiene que aparecer por fuerza la palabra Pixies. Admito que esa desconfianza mía por las segundas o terceras partes hace que a veces juzgue sus frutos con demasiada severidad. Así que, cuando supe que Surfin’ Bichos iba a sacar canciones nuevas, reconozco que no lo celebré como otros fans: el grupo albaceteño representa una parte muy importante de mi vida (también, ya lo he dicho alguna vez, una gran contrariedad, porque ojalá el rock español hubiese seguido por aquellos senderos que trazaban ellos, Lagartija Nick, Los Bichos, Cancer Moon y demás criaturas de finales de los 80, y no por ese rollo ramplón que hoy llaman indie) y consideraba la decepción casi inevitable. Pero, qué bien, esta vez no: han bastado unos segundos para que Máquina que no para me haya hecho sentirme un perro feliz. En una versión un poco achuchada, ahí está la banda de siempre, con su lírica anatómico-trascendente, su ánimo turbio, sus arranques rabiosos y sus esenciales coros. Señores bichos, su efervescente admirador está en el suelo.

Lo segundo que he tenido que hacer esta semana ha sido repasar los polvorientos archivos de Evadidos. Si no fuese por un asunto de fechas, Surfin’ Bichos habrían tenido ya canción de la semana. De hecho, si no fuese por las inconmovibles normas del blog, bien podrían haber tenido diez o doce. Pero no: hemos tenido a Fernando Alfaro en solitario con su camisa hawaiana y a Chucho con su corazón roto y brillante (otra reunión, sí), pero nada de Surfin’ Bichos, así que allá vamos, como si no hubiesen pasado treinta años.

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¡Resucitó el abuelo!

Carlos Benito — Mon, 12 Sep 2016 18:29:41 +0000

Eso de que un grupo se reúna después de unos cuantos años y decida grabar canciones nuevas suele inspirarme un incómodo malestar. Hay casos, como el de los Pixies, que casi me hacen sentirme enfermo: pueden ponerse a la cola y llamarme fundamentalista si quieren, pero detesto que una banda que cerró su historia con brillantez decida sabotear su legado a base de añadidos mediocres. Pero, ya que están a la cola, pueden llamarme también contradictorio y todo lo que se les ocurra, porque aquí estoy, tan contento, escuchando los primeros frutos de la reunión de mis muy admirados Grandaddy. Se me ocurre, como disculpa, que el líder del grupo californiano, Jason Lytle, ha logrado mantener un nivel admirable en su carrera posterior, sea en solitario, al frente de Admiral Radley o a medias con Aaron Espinoza, por citar tres formatos que han tenido por aquí su correspondiente canción de la semana. Grandaddy también la tuvieron, aunque fuese después de muertos, y la regla de no repetir nunca artista me ha impedido dar ese trato honorífico al que probablemente es mi tema favorito del repertorio de este hombre.

El caso es que, diez años después de su disolución, Grandaddy han difundido dos temas del que va a ser su próximo álbum. Se titulan Way We Won’t y Clear Your History y suenan a purito Grandaddy de corazón melancólico. Abajo les va uno, el más brioso, y aquí tienen el otro, una de esas baladas como de maquinaria obsoleta que siempre han bordado.

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Hermanos de sangre

Carlos Benito — Thu, 09 Feb 2012 17:01:52 +0000

Me he dado cuenta de que The Jesus And Mary Chain es uno de los grupos que más a menudo menciono en el blog, la mayor parte de las veces como referencia cómoda cada vez que aparece algún nuevo artista propenso a ensuciar el pop con distorsión y feedback. Me encantaría haber estado presente en alguno de sus primeros conciertos, cuando se retiraban tras hacer un estruendo de mil demonios durante quince minutos. Claro que eso lo digo ahora, con la perspectiva de más de dos décadas: supongo que en aquel momento no me habría hecho ninguna gracia pagar una entrada para ver a una panda de borrachos indolentes acoplando las guitarras. Al poco tiempo, el grupo de los hermanos Jim y William Reid limpió sus canciones de chirridos y se volvió más profesional en su directo, aunque sus conciertos seguían teniendo un componente importante de imprevisibilidad, porque, bueno, siempre podía ser que acabasen pegándose sobre el escenario. «William y yo no podemos evitar discutir, por una pinta de cerveza o por lo que sea. Prácticamente podemos matarnos el uno al otro por una taza de café. A veces ha sido bastante desagradable. Pero, como somos hermanos, siempre podemos reconciliarnos: creo que seguramente no podríamos ser amigos jamás, pero nos queremos como hermanos», declaró una vez Jim Reid, que tiene otra cita mítica sobre el tema: «Después de cada gira queríamos matarnos. Y, al final de la última, lo intentamos».

Los hermanos, tras unos años sin dirigirse la palabra, han vuelto a juntarse, o al menos se han comunicado lo suficiente para concertar una minigira. The Jesus And Mary Chain anunciaron ayer cuatro conciertos en Estados Unidos: tras su separación en 1999, solo se habían reunido brevemente en 2007. Dice la nota de prensa que el grupo escocés es ahora «una perfecta combinación del nihilismo incendiario de sus comienzos y su posterior perfección musical». Sería bonito presenciarlo, así que a ver si se aguantan el uno al otro durante un tiempito y vienen a tocar y recaudar por aquí cerca.

Ah, The Jesus And Mary Chain también son noticia porque se ha editado un disco solidario, cuyos beneficios ayudarán a la lucha contra el cáncer de mama, en el que once bandas interpretan el Just Like Honey de los Reid. Sí, las once tocan la misma canción. Aquí pueden escuchar el resultado, pero, como entremés para el empacho, les cuelgo la hermosa baladita original…

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Los cajones de Queen

Carlos Benito — Fri, 28 Oct 2011 10:16:47 +0000

Ya lo dijo el padre Cesáreo Gabaráin Azurmendi, nacido en Hernani, en esa canción suya que suelen entonar las fuerzas armadas para homenajear a sus caídos: la muerte no es el final. Y, desde luego, no lo es en este eterno retorno que domina la escena musical. Nos hemos acostumbrado a que todos los grupos se junten: vuelven los Stone Roses, los hermanos Reid se dirigen la palabra y avisan de que The Jesus & Mary Chain se reactivará cualquier día… Vamos, que uno escucha a Bono diciendo que U2 pueden disolverse el año que viene y piensa ya en la reunión de dentro de cinco o diez años, con gira mundial que batirá todos los récords de recaudación y de delirio colectivo. Lo que ya parece un poquito el colmo es que Brian May y Roger Taylor estén «rebuscando en viejos cajones» (la expresión es suya, de verdad) para encontrar material destinado a un álbum «nuevo» de Queen cantado por Freddie Mercury, de cuya muerte se van a cumplir veinte años este noviembre. ¿Qué les puede quedar traspapelado por ahí? Me imagino que cualquier maqueta que aún suene valdrá, sobre todo si tenemos en cuenta que ya editaron un disco post-mortem con pistas que había dejado grabadas el vocalista. Y, si se les agota el filón, siempre pueden probar con las psicofonías.

O también pueden recurrir a este señor, Marc Martel. Que le graben con algún radiocasete viejo, de esos que tendrán guardados en los famosos cajones, y lo cuelen como reliquia magnetofónica de Mercury.

http://youtu.be/NyC77mlkyXA

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37 años de retraso

Carlos Benito — Wed, 31 Aug 2011 17:53:55 +0000

De todos los discos que salen en este final del verano, uno de los más curiosos es Barfly, de Rocket From The Tombs, ya que en cierto modo se ha demorado 37 años. La banda de Cleveland tuvo una existencia efímera, ocho meses repartidos entre 1974 y 1975, pero se convirtió en eso que llaman un grupo seminal, con perdón: de sus cenizas nacieron los tensos y experimentales Pere Ubu –unos tipos, se lo aseguro, capaces de irritar incluso a amigos de oído muy tolerante– y los punkies nihilistas Dead Boys. De hecho, cada uno de esos proyectos acabó grabando algunas canciones de la banda original, cuyo legado quedó en forma de registros bastante cutres en directo y maquetas de local de ensayo. «Tocaban como si no hubiera mañana. No había mañana», evoca la nota de prensa de su nuevo disco.

Claro, hablamos de nuevo disco porque Rocket From The Tombs se han reunido. Lo hicieron en 2003 y, en vista de que la llama se reavivaba, regrabaron sus nuevos éxitos en un directo de estudio, ante el asombro de algunos, que comprobaron cómo su Sonic Reducer rivalizaba perfectamente con la versión canónica de los Dead Boys. Pero lo que editan el 12 de septiembre, Barfly, son canciones nuevas que representan una especie de debut aplazado. «Estos hombres son feos y viejos –elogia la compañía– y no se han suavizado en ningún sentido». Entre las canciones incluidas en el álbum figurará una nueva interpretación de este I Sell Soul que lanzaron en sencillo el año pasado y que, lo sé, puede disgustar profundamente a quienes no soportan la voz de David Thomas. A mí me encantan las dos cosas, canción y voz.

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El gran silencio

Carlos Benito — Mon, 30 May 2011 13:06:00 +0000

Me encantan esos artistas que, a lo largo de su carrera, son capaces de pasar de un extremo a otro: gente como Battiato, que en los 70 creaba sofocantes ambientes electrónicos y, una década después, bailoteaba espasmódico al son de Centro de gravedad permanente y demás éxitos de pop subjetivo. Otro personaje de esa galería de raros es Simon Fisher Turner, autor de uno de mis discos fetiche de los 80 bajo el sobrenombre de The King Of Luxembourg. Lo descubrí un poco tarde, como casi todo: recuerdo que el vinilo de Royal Bastard me costó 150 pesetas en una tienda de saldos de Pamplona. Lo compré sin saber de qué iba, por la portada y la pinta general, y me encontré un artefacto extraño de pop colorista, fantasioso, desinhibido, casi kitsch, con una instrumentación y una voz anómalas, que contenía versiones de gente como los Monkees, Television Personalities o P.I.L.

Pero el Rey de Luxemburgo supone la excepción dentro de la carrera de Simon Fisher Turner, a quien suelen llamar SFT para abreviar. El tipo, con marcada tendencia a la vanguardia, compuso las bandas sonoras de varias películas de Derek Jarman y ahora ha asumido la tarea de poner música a The Great White Silence, el metraje que documenta la dramática expedición antártica que encabezó hace un siglo el capitán Scott. Rodada por el fotógrafo Herbert Ponting y ahora restaurada, la película recoge el tramo inicial del fatal viaje en imágenes de gran belleza, pero plantea un reto evidente: si le pones música, ya no hay gran silencio blanco. «Me gusta el silencio, pero es muy difícil utilizarlo cuando te han encargado hacer música, no silencio», resume el compositor en esta entrevista con Ken Hollings. Lo que se ha podido ver del resultado tiene un aspecto fantástico y, desde luego, no puede estar más lejos de la gracia mundana del Rey de Luxemburgo.

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Nuevas maniobras

Carlos Benito — Fri, 08 Oct 2010 10:59:00 +0000

Siempre me ha encantado el hecho de que una vez llegase a triunfar de forma masiva un grupo llamado Maniobras Orquestales en la Oscuridad. Díganlo en voz alta: ¡Maniobras Orquestales en la Oscuridad! Ese nombre y canciones con títulos como Electricidad, Ingeniería genética o Telégrafo podrían arrastrar a cualquiera hasta los abismos del underground más minoritario, pero en los 80 pasaban estas cosas: Orchestral Manoeuvres In The Dark, la OMD, vendieron discos como rosquillas y todavía suenan con asiduidad en las emisoras nostálgicas, emparedados entre Jennifer Rush y Paul Young. Eran raritos hasta en la procedencia, porque venían de la península de Wirral, una lengua de tierra con Gales a un lado y Liverpool al otro, y su éxito se mantuvo robusto durante buena parte de la década, aunque a partir del quinto disco la calidad fue bajando y ese ramalazo experimental que tenían, heredero de la electrónica dura de los 70, se desvaneció por completo.

El caso es que la OMD (¿por qué se diría siempre con el artículo en femenino, como la Velvet?) está de vuelta tras catorce años de ausencia. Los dos líderes, Paul Humphries y Andy McCluskey, recuerdan en una interesante entrevista con The Quietus cómo, cuando ellos empezaron, ni siquiera existía una escena electrónica en el Reino Unido: «Ahora que todo aquello vuelve a estar de moda, parece haber una idea ligeramente equivocada sobre la música electrónica y los 80 (…). No había escena. Nosotros nos creíamos los únicos que hacían esto y escuchaban música alemana, y nos movíamos por Liverpool y Human League estaban en Sheffield y Daniel Miller en Londres. Nos horrorizamos cuando descubrimos su existencia». Los chicos de la OMD manifiestan un profundo desdén por los nuevos románticos —y por esas «terribles noches de los 80 que celebran los peores aspectos de la década»—, achacan la defunción de su grupo al britpop, que volvió la mirada hacia los 60, y sostienen que el mejor pop comercial de los últimos años ha salido de Estocolmo, donde «todos los escritores y productores de pop son antiguos heavies». Les cuelgo History Of Modern part 1, uno de los temas más pegadizos de su nuevo álbum: a los más viejos de la casa les habrían bastado las cinco notas de teclados que abren la canción para reconocer al grupo.

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La resurrección de los cisnes

Carlos Benito — Tue, 12 Jan 2010 18:20:00 +0000

Pocos nombres se ajustan tan poco al sonido de un grupo como el de los Swans, los Cisnes neoyorquinos. Con ese apelativo, uno se imagina un conjunto de neofolk con querencias medievalistas, o quizá un proyecto de techno emplumado y fantasioso, pero, desde luego, no el pozo de oscuridad casi impenetrable que caracterizó a la banda en su primera época. Y, sin embargo, su fundador (Michael Gira, un sujeto físicamente enorme y espiritualmente temible) asegura que eligió el nombre con toda la intención: «Los cisnes son criaturas de aspecto bello y majestuoso con un carácter realmente feo», ha explicado el tío. Allá por comienzos de los 80, los Swans definieron un sonido único y extremo: lento, sufriente, como un holocausto de tonos graves y letras obsesivas que, a oscuras, llegaba a dar miedo. Aunque Gira siempre dijo que sus influencias eran fundamentalmente punk, sus canciones equidistaban del rock alternativo de la época (Sonic Youth, la no wave y demás compañeros de viaje), el metal más vanguardista (está claro que Godflesh, por ejemplo, los escucharon con aprovechamiento) y la música industrial (esa repetición inmisericorde conecta con Throbbing Gristle y demás monstruos).

Los Swans se disolvieron en 1997 y Michael Gira se dedicó a sus Angels Of Light y a su sello Young God, con bellas carpetas de cartón como la que se ve en el vídeo de abajo (es lo único que se ve, en realidad). El MySpace de la banda llevaba mucho tiempo encabezado por la frase «Swans are dead», pero esta semana ha cambiado a «Swans are not dead», porque han resucitado y anuncian álbum y gira. Así que, para prepararse, déjense despedazar por los cisnes en su clásico Young God, una cosita jovial: «Cuando llevo puesta tu carne, me amo a mí mismo», dice.

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Lo nuevo de ABBA

Carlos Benito — Thu, 07 May 2009 21:06:00 +0000

Vale, el título tiene trampa: no son ABBA, porque hay que quitar la A de Agnetha y la A de Anni-Frid, pero sí se trata de la primera colaboración en más de quince años de las dos bes que constituían el núcleo del nombre y también el núcleo del cuarteto sueco en sí, esos dos magos de la canción llamados Benny Andersson y Björn Ulvaeus. Resulta que Andersson es propietario de un hotel en Estocolmo –entre otras muchas cosas, porque esta gente ganó su dinerín– y decidió componer una canción para que la grabasen los empleados, entre los que parece haber muchos aficionados a la cosa coral. Ulvaeus se enrolló y escribió la letra para este Second Best To None que les cuelgo abajo, que no pasará a la historia pero constituye una buena noticia: las últimas informaciones sobre Ulvaeus habían sido poco alentadoras, ya que, según se ha dicho, sufre graves pérdidas de memoria y ni siquiera recuerda hitos como la victoria de ABBA en Eurovisión.

Ahora, damos paso a la publicidad. Ya saben: en Estocolmo, Hotel Rival.

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Zeppelin sin piloto

Carlos Benito — Thu, 06 Nov 2008 09:55:00 +0000

Me temo que al final habrá que enunciar un principio científico que rece más o menos así: todo grupo mítico de rock que se reúne después de un tiempo acaba, con perdón, cagándola. El proceso suele empezar con un concierto, un único y excepcional concierto, un concierto historiquísimo, que sirve más que nada para comprobar si les queda algún fan capaz de desplazarse hasta una sala, y en cuanto ven que la cosa funciona y da dividendos acaban cayendo en la inconsciencia y la locura: se ponen a grabar material nuevo que hunde su legado como un humillante lastre (véase, por ejemplo, a los Stooges), se ponen a girar sin reparar en que les falta algún miembro de cierta relevancia (véase, por ejemplo, a los Riders On The Storm esos que vinieron al Bilbao Live) o, en una pirueta de avariciosa temeridad, hacen ambas cosas (véase, por ejemplo, a los Queen encabezados por Paul Rodgers). Led Zeppelin tienen la intención de sumarse a esta última categoría, aunque bueno, mejor me corrijo, porque lo de Led Zeppelin es mucho decir: Jimmy Page, John Paul Jones y Jason Bonham han confirmado su propósito de salir de gira y, si se tercia, grabar material nuevo sin Robert Plant, aunque todavía no está claro si se harán llamar Led Zeppelin o si les dará corte. El anuncio ha disparado las cábalas sobre la identidad del cantante sustituto: que si Steven Tyler, que si Chris Cornell, que si Sammy Hagar, que si el tío que vocea en Alter Bridge, que si Dave Grohl, que si Jack White… “No tiene sentido buscar otro Robert -ha puntualizado John Paul-. Eso lo puedes sacar de un grupo tributo, pero nosotros no queremos ser nuestro propio grupo tributo”.

Yo, sinceramente, no acabo de entender el encanto de escuchar las canciones de Led Zeppelin interpretadas por el guitarrista, el bajista y el hijo del difunto batería de Led Zeppelin junto a un vocalista que ni siquiera se parezca al de Led Zeppelin, pero bueno… ¡hay tantas cosas que no comprendo en el mundo moderno! Eso sí, anda por ahí gente bastante más radical. Jack Bruce, cantante y bajista de los también míticos Cream, se ha despachado a gusto sobre el asunto en la revista Classic Rock: “Todo el mundo habla de Led Zeppelin y han tocado un puto concierto, una puta birria de concierto, mientras que Cream tocó durante semanas conciertos de verdad, no sólo una birria como la que hicieron los Zeppelin, con las canciones bajadas a tonos más graves. Nosotros tocamos todo en las claves originales. Jodeos, Zeppelin, sois una mierda. Siempre habéis sido una mierda y nunca seréis otra cosa. Lo peor es que la gente se cree la mierda que le venden. Cream es diez veces más banda que Led Zeppelin”. Después puntualizó que sólo bromeaba, para acto seguido añadir (bromeando, claro) que “Jimmy Page no es Eric Clapton”, que “el único tipo decente en Led Zeppelin está muerto” y que “en Gran Bretaña no puedes criticar a la Reina ni a Led Zeppelin”. Mmmmm, para ganar credibilidad, yo ficharía a este tipo como vocalista.

Con ustedes, Kashmir, 1979…

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