El otro día entrevisté a Eric Jiménez con ocasión de los conciertos de Lagartija Nick en Vitoria (el sábado pasado) y Bilbao (el viernes que viene), que también van a servirle para hacer un par de firmas de su autobiografía (lo tienen a las 18.30 horas del viernes en la Elkar de Iparraguirre). Ya saben que el libro de marras, Cuatro millones de golpes, no solo repasa su carrera musical como batería de Lagartija y Los Planetas, y antes de eso de KGB, sino que cuenta con pelos y señales una vida atípica y anómala, repleta de detalles curiosos (se metió a la Falange con 10 años para tocar el tambor en la banda, se casó a los 16…) y de excesos temerarios (lo de Lagartija deteniendo la furgoneta en los pasos a nivel, para fumarse un porro encima de las vías, me ha parecido particularmente demencial). Como suele ocurrir en las entrevistas para el periódico de papel, me vi obligado a cercenar unas cuantas respuestas por razones de espacio, y entre ellas hay una que quiero repescar por aquí, porque me hace mucha gracia y, además, trata una cuestión que me obsesiona desde hace tiempo.

Le iba a preguntar yo a Eric por la injusticia que, a mi juicio, se comete con Lagartija Nick, que merecen una relevancia mucho mayor que la que se les suele reconocer. Ni siquiera tuve que terminar la pregunta: «Con Lagartija se comete una injusticia total. La mayoría de la gente los conoce por Omega, del que no digo nada malo, pero es que hablamos de una banda que suena como las que se veían en los 70 en el CBGB. Lo que pasa es que en España somos muy catetos. Cuando Lagartija Nick empezó a hacer música trallera, a los tralleros no les gustó porque las letras eran intelectuales. ‘Aquí no habla de la Policía, suena bien pero no mola porque no lo entiendo’, decían. Y, para los que entendían las letras, la música era ruido. En vez de sumar públicos, se quedaba en tierra de nadie. Ahora es un grupo de culto, respetado porque tiene un gran directo, y también porque algunos intelectuales han asumido la distorsión y algunos alternativos han aprendido a leer».

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No resulta muy fácil vender un libro como Playing The Bass With Three Left Hands. A ver cuántos son los listos capaces de situar a su autor, Will Carruthers, en la historia del rock: ¿veo alguna mano levantada por ahí? Y lo peor es que, una vez que te aclaran de quién se trata, tampoco es que surja un interés acuciante por conocer sus recuerdos: Carruthers es un tipo que tocó el bajo durante año y medio en Spacemen 3, el grupo británico de los 80 especializado en una especie de psicodelia minimalista y letárgica, y después también estuvo algo más de un año en Spiritualized, la secuela más popular de los hombres espaciales. Carrerón, ¿verdad? Yo me considero relativamente fan de Spacemen 3, pero es una banda tan marcada por sus dos líderes que, lo reconozco, nunca he llegado a poner nombre ni cara a sus escuderos.

Y el caso es que el libro me ha gustado un montón, como historia de un tipo inadaptado que se ve de pronto en medio de una banda de inadaptados. Spacemen 3 (maestros en el difícil arte de repetir una sola nota más allá de toda resistencia lógica) son un grupo vinculado de manera indisociable y casi obsesiva a las drogas: su famoso eslogan venía a significar «tomando drogas para hacer música con la que tomar drogas», que en inglés queda aún más viciosamente circular, y un colega les aportó una versión alternativa, que decía «tomando drogas para que otros no tengan que tomarlas». La dieta química de la banda protagoniza buena parte del libro: al principio pensé que lo de tocar el bajo con tres manos izquierdas sería una metáfora para la falta de pericia, pero se refiere a que, en alguna actuación bajo los efectos del LSD, Carruthers realmente se veía tres manos izquierdas. En esos casos, según recomienda con aplomo de experto, la auténtica suele ser la que queda en medio. Hay más anécdotas descacharrantes: en uno de sus conciertos más celebrados, editado en disco como Dreamweapon: An Evening Of Contemporary Sitar Music, el intoxicado bajista se dio cuenta al terminar de que había tenido el ampli apagado durante toda la actuación. Pero tampoco faltan pasajes de escalofrío, como el debut del autor con la heroína nada más incorporarse a Spacemen 3.

El libro descubre una cara del negocio que no suele llegar al papel: el lado cutre de tocar en una banda influyentísima, mitiquísima, admiradísima por los críticos, pero que en realidad ganaba cuatro duros. Hay un momento de impacto tragicómico, cuando, tras dar en Londres uno de los últimos conciertos de Spacemen 3, pasan un rato confraternizando con ilustres como los Butthole Surfers y, después, vuelven a Rugby en furgoneta y a Will lo dejan en su domicilio, que es la casa de su madre, donde se echa a dormir en su cama de la infancia.

Y ahora… The time is right to start thinking about a little… revolution!

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Me daba un poco de pereza La chica del grupo, la autobiografía de Kim Gordon, y tardé en ponerme a leerla. Soy relativamente fan de Sonic Youth y les he seguido de manera intermitente, con disfrute variable pero con una admiración duradera por su tendencia a explorar e incomodar, y aun así no tenía la impresión de que su historia sirviese como materia prima ideal para un volumen de memorias. Y, para colmo, el libro llegaba justo después de que Kim se divorciase de Thurston Moore tras un matrimonio de veintisiete años, en un desenlace agrio e inesperado que también puso fin a la banda: las reseñas, inevitablemente, se centraban en el morbillo cotilla de saber cómo había vivido Kim la traición de su marido, esa relación de Thurston con otra mujer que acabó desbaratándolo todo.

Y es verdad que la ruptura se convierte, cómo no, en uno de los ejes del libro, escrito desde la nueva vida que a Kim le ha llegado por sorpresa, pero lo que más me ha gustado e interesado no es eso. Tampoco el apartado estrictamente artístico, que a veces incurre de manera un poco cansina en eso que los anglosajones llaman namedropping, una monótona procesión de figurones más o menos ilustres con los que Kim ha colaborado, en su faceta de música o en la de creadora plástica. Para mí, lo valioso del libro es la manera en la que Kim Gordon, siempre tan dura y reservada, se aleja de su imagen clásica y de los estereotipos de las estrellas del rock: a lo mejor soy raro, pero me han encantado los capítulos iniciales, dedicados a sus padres y al hermano esquizofrénico que se dedicó a humillarla durante tantos años, y a lo largo de todo el libro brillan especialmente los pasajes en los que Kim desvela su asombro íntimo ante el paso rapidísimo del tiempo y los cambios de un mundo que siempre está convirtiéndose en otro. La mayoría de los roqueros no suelen acercarse siquiera a su capacidad de reflejar con palabras las cosas importantes de la vida. Y hablando de tiempo: a Kim, que tiene ya 63 años, le tocó estar en contacto con dos escenas que parecen separadas por un abismo: el hippismo californiano (y su estrepitosa decadencia) y la no wave neoyorquina, además de amadrinar más tarde el grunge.

Acabemos con dos porciones de trivia tonta que yo desconocía. A finales de los 70, Kim estuvo saliendo con Danny Elfman, que habría de convertirse en afamado compositor de bandas sonoras, y parece que recuerda con mucho afecto aquel noviazgo juvenil. Y me ha encantado enterarme de que el perro de Kim se llama Merzbow, en homenaje a este ruidoso caballero.

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Empecé a leer las Biodiscografías de Iban Zaldua con la desconfianza que suele inspirarme la combinación de rock y literatura: estaré equivocado, como en casi todo, pero la irrupción del rock en un contexto de ficción me parece muchas veces forzada, como si los escritores se dejasen llevar por las ganas de exhibir sus claves culturales y se distrajesen de la lógica de su obra. Pero en este caso las claves culturales son el punto de partida, porque el autor guipuzcoano utiliza cuarenta y tantos discos que significan algo para él a modo de plataforma de despegue para otros tantos textos breves, en los que esos discos asumen de alguna manera el protagonismo: el lector desprevenido comienza el libro creyendo que va a encontrarse una sucesión de estampas biográficas, algo así como un dietario musical, y después se va dando cuenta de que esos pedazos de vida tienen pinta de ser imaginarios, total o parcialmente, y de que conviven con otros relatos de ficción desatada, donde los discos se trasladan a contextos inesperados e incluso desconcertantes. El resultado me parece un éxito, que unas veces descoloca y otras reparte codazos de complicidad.

Una de las citas que abren el volumen, editado en castellano por Páginas de Espuma, es aquella frase de John Peel sobre los vinilos en la que decía que “la vida tiene ruido de fondo”, y la periodista Elena Cabrera lleva la cosa más lejos en el posfacio al afirmar que “la música tiene un ruido de fondo, que es la vida”. Y de eso van los cuentos, de vida con música de fondo y de música con vida de fondo, y de seres humanos que a menudo dan más importancia a las canciones que a los hechos, tan bruscos y tan obtusos: muchos personajes son el equivalente musical a eso que en literatura llaman letraheridos, personas que enfocan el mundo a través de sus discos favoritos, gente -al fin y al cabo- tan normal como ustedes y como yo, al menos en eso. No les voy a destripar el contenido, porque llevo toda una vida despotricando contra las sinopsis y no es cuestión de incurrir ahora en ese error, pero tengo que mencionar que en el listado de discos aparecen algunos que también son muy importantes para mí (el Movement de New Order, el The Top de los Cure, el Hatful Of Hollow de los Smiths, el Floodland de The Sisters Of Mercy, el primero de The House Of Love…), que en los cuentos se recupera una manera perdida de vivir la música (ay, esas casetes grabadas, esos vanos intentos de ligar a través de discos y cintas, esos cuentagotas de información de la era previa a internet) y que el adicto al rock no puede evitar identificarse con algunas situaciones, como esas discusiones apasionadas, bizantinas y bastante cómicas sobre asuntos como cuál es el mejor álbum progresivo de la historia. Ejem, hasta aparecen algunas frases que yo he dicho más de una vez: me entró la risa al leer que Hatful Of Hollow es el mejor disco de los Smiths, pese a tratarse de una recopilación de grabaciones para la BBC y un par de sencillos, y que quien lo niegue no merece llamarse auténtico fan del grupo. Y me entró la risa porque enuncia una gran verdad, uno de los dogmas centrales de mi biodiscografía.

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Hacía tiempo que quería profundizar un poquito en la figura de Peter Perrett, el líder de The Only Ones, así que me puse muy contento al saber que se reeditaba en versión actualizada The One & Only, la biografía publicada en 1996 por Nina Antonia. Los tienen a los dos juntos en la foto de arriba, de ese mismo año. Acabé de leer el libro el pasado fin de semana y he terminado sabiendo bastante más, pero también reafirmando el conocimiento basado en cuatro tópicos que tenía antes, porque Perrett es una de esas figuras que sirven como modelos casi arquetípicos de una manera de entender y vivir el rock. Su perfil químico, de hecho, excede la idea previa que suele manejarse sobre él: todos damos por hecho que es uno de los grandes consumidores de drogas de la historia del rock (y el guitarrista John Perry, con ese hueco abierto en su Stratocaster para transportar sus provisiones, le secundaba gustoso), pero el libro muestra cómo Perrett estaba metido de lleno en el lado delictivo del asunto y era un traficante que iba mucho más allá del trapicheo circunstancial y callejero. También se confirma su proverbial tendencia a lo letárgico, con esos retrasos de varias horas que sus compañeros de banda daban por hechos: Antonia cuenta con detalle el caso de una Peel Session a la que todos fueron llegando con demora calculada, para desesperación del ingeniero de sonido, pero aun así sus estimaciones se quedaron cortas y Perrett se presentó el último, cuatro horas y media tarde. Y John Perry relata aquella vez que hizo dos visitas a su casa, separadas por un plazo de seis semanas, y se lo encontró sentado en el mismo rincón del suelo: no se había afeitado, llevaba la misma ropa y no parecía haberse movido, pero había crecido el montón de papel de plata a su alrededor.

Me ha sorprendido la cantidad de nombres de la aristocracia del rock que tuvieron contacto directo con The Only Ones, un grupo que parecía destinado a comérselo todo y se disolvió en una nebulosa opiácea. Por el libro asoma de pronto gente como David Bowie, Marc Bolan, Robert Plant, Freddie Mercury, Keith Richards (iba a producirles, y resulta tragicómico el encuentro de Perrett y el stone para tocar juntos, que degeneró en un festín de drogas), los Who, Malcolm McLaren o, por supuesto, Johnny Thunders, hermano espiritual de nuestro protagonista en sus hábitos, en su estética decadente y también en cierto planteamiento anacrónico para aquellos tiempos de punk. Y, hablando del punk, en cierto momento sale Sid Vicious, que daba la lata a Thunders para que le dejase tocar con él y Perrett en The Living Dead: lo consiguió en un concierto, pero, como en realidad no tenía ni idea de manejar debidamente un bajo, se lo desconectaron del ampli. No se dio cuenta de que no sonaba nada hasta la cuarta canción.

Llama mucho la atención la singular organización doméstica de Peter Perrett, que durante un tiempo convivió en la misma casa con su esposa, la paciente y eterna Zena, y su amante, la posesiva y tempestuosa Lucinda. A la segunda está dedicada esta canción que les cuelgo, una de mis favoritas de los Only Ones. El libro, por cierto, reivindica las versiones que grabaron para las Peel Sessions, menos frágiles que las oficiales, y creo que tiene toda la razón. Escuchemos la maravillosa música de Perrett, Perry y compañía.

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He aprovechado mi semanita de vacaciones de Pascua para leer Pequeño circo, la historia oral del indie que ha publicado Nando Cruz en la editorial Contra. Cuando anuncié mi propósito, por cierto, mi señora entendió que iba a meterme entre pecho y espalda una historia oral del hindi, el idioma, y no crean que una opción le parecía mucho menos apetecible que la otra. La verdad es que yo mismo me resistía a afrontar un empeño de novecientas y pico páginas, porque daba por hecho que un montón de los artistas incluidos en el tocho me iban a traer sin cuidado, o incluso me iban a dar grima y acidez de estómago, pero al final me lo he pasado muy bien, he aprendido bastantes cosas y, en cierto modo, he acabado revisitando también una parte de mi vida.

Porque supongo que este libro está dirigido a las personas que, de un modo u otro, vivieron esta parte de la historia musical española, y también me imagino que la mayoría llegará a la última página sin grandes revoluciones en su manera de valorar eso que llaman indie. A mí, lo que me gusta de verdad es lo que podríamos denominar preindie, ese santoral vicioso y viciado en el que entran Los Bichos, Cancer Moon, Lagartija Nick, Corcobado y Surfin’ Bichos, y después de eso solo seguí con auténtica devoción a Family (si es que su exigua discografía da para hablar de seguimiento) y a Penelope Trip (que son los de la foto de arriba). El libro me ha hecho revivir con una nostalgia inesperada y agridulce aquellas escuchas colectivas de Disco Grande, en nuestro piso de estudiantes sin cuarto de estar ni televisión, aguantando con estoicismo e indiferencia a grupos que se habían colocado bautismos como Long Spiral Dreamin’ o My Criminal Psycholovers. Nunca logré entender que, existiendo Los Bichos o Lagartija, a alguien le pudiesen gustar Usura, ni tampoco que fans de los Pixies y My Bloody Valentine se deshiciesen en elogios hacia el Mi hermana pequeña de Los Planetas, pero seguramente es una malformación mía.

Ya sé que estoy hablando más de mí que del libro, pero creo que Pequeño circo acaba teniendo mucho de revisión generacional y de comparación entre la propia juventud y las ajenas. Un servidor ha acabado escamándose un poco y reafirmando su rencor de clase ante tantos padres abogados y tantas familias que mandaban a los críos a Londres, pero también me he reconocido en las palabras de Fernando Alfaro (Surfin’ Bichos) sobre la obligación de imaginarse la música de la que leías, por la imposibilidad de acceder a los discos, o en el recuerdo que hace Tito Pintado (Penelope Trip) del importantísimo «lenguaje de las carpetas» en los institutos de la época. Más allá de las mil rencillas entre los protagonistas de la historia, la mar de entretenidas, hay anécdotas jugosas como la de Eric Jiménez (Lagartija Nick, Los Planetas) casándose a los 16 y bailando con la novia el Killing Moon de Echo & The Bunnymen, o la de Javier Corcobado firmando los cedés promocionales con frases de belleza brutilla que inmediatamente le suponían el veto en las emisoras. De los balances finales, coincido, cómo no, con los negativos, como el de Pedro Vizcaíno, de Grabaciones en el Mar: «No creo que haya ningún legado. El 95% de lo que se editó entonces no tenía ningún valor. O, perdón, no ha aguantado el paso del tiempo. Descartar un 95% no es mucho exagerar, ¿no?».

En ese niágara de voces y palabras que es el libro, para mí destacan poderosamente dos narradores vivaces y divertidos, Antonio Luque (Sr. Chinarro) y David Rodríguez (Bach Is Dead, Beef, La Bien Querida, etc.), y parece proceder de una realidad paralela el discurso de J (Los Planetas). «El indie es un movimiento cultural superimportante en España que ha hecho consciente a mucha gente de lo que pasaba a su alrededor. Y esta era su finalidad», sostiene el tío, tan desconcertante como si hablase en hindi.

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Si les cansan las saetas y las bandas de cornetas y tambores, pueden complementar ese régimen sonoro de Semana Santa con un poco de violín funerario, que les aportará diversidad sin romper el tono general. El compositor británico Rohan Kriwaczek se ha convertido en el principal historiador de esta forma musical prácticamente olvidada, que durante mucho tiempo tuvo una presencia casi cotidiana en su país: en su libro An Incomplete History Of The Art Of The Funerary Violin, Kriwaczek relata cómo en el siglo XVII «cada ciudad, incluso cada pueblo, contaba con su propio violinista funerario, normalmente a tiempo parcial y encargado también del puesto de carpintero y fabricante de ataúdes». El Gremio de Violinistas Funerarios se fundó en 1580, con su lema nullus funus sine fidula (algo así como ningún funeral sin violín), y Kriwaczek cita como último representante de esta tradición a Niklaus Friedhaber, que falleció en 1915. Hoy resulta muy raro que se interpreten las piezas de autores que fueron célebres en su día, como el imponente Hieronymous Gratchenfleiss.

Estooooo… ¿recuerdan que la semana pasada iniciamos una pequeña serie de mistificaciones histórico-musicales, verdad? La culpa fue de H&M y de sus bandas inventadas, tan rematadamente falsas como el violín funerario (jamás existió esa tradición) y todos sus representantes. Kriwaczek publicó su libro hace nueve años y ni siquiera su editor sospechó que se lo había inventado todo, hasta que el New York Times se puso en contacto con él para preguntarle por el tema. La tarea de nuestro travieso estudioso sigue hoy en día: a través de la web del Gremio de Violinistas Funerarios, que él mismo preside, se ofrece para tocar en sepelios y comercia con partituras y cedés. La cuestión es que la música (que supongo compuesta por él mismo) suena hermosa y evocadora, con una mezcla de aspereza folk, abandono romántico y desesperación gótica, como en esta Sombría coquetería de la muerte. A mí, de verdad, no me importaría que un tipo lúgubre con sombrero la tocase en mi funeral.

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La participación de Deborah, protagonista a su pesar del himno Love Will Tear Us Apart, ha dotado de cierto interés añadido a los artículos de presentación del libro, en los que ella está evocando al primer Ian que conoció: nos hemos acostumbrado a ver a Joy Division con esa estética suya tan sobria y gris, como de la RDA, pero Deborah evoca a un Ian que «llevaba maquillaje de ojos, vaqueros ceñidos y una cazadora de piel sintética». Por lo visto, el hombre también tenía la costumbre de cargar con una bolsa de plástico en la que transportaba sus escritos, algo que siguió haciendo cuando Joy Division empezaron a despuntar. Deborah se muestra convencida de que a su marido le ajustaba mucho mejor el traje de literato que el de rockero: «Crecimos viendo programas de pop en la tele –ha declarado al Guardian–. La faceta de estrella del rock era parte de aquella era y la poesía se consideraba pasada de moda. Ponerle música parecía una progresión lógica, pero no creo que la fama y la vida en la carretera fuesen mucho con él. Creo que habría seguido escribiendo aunque no quisiese actuar más y, a los 40 o los 50, probablemente habría escrito un libro estupendo».

Así que esto es la permanencia…

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Márquez (ya saben, fundador de Kaka de Luxe, Paraíso y La Mode) arranca su recuento en octubre de 1977, cuatro años antes, con la disolución del colectivo La Liviandad del Imperdible y la decisión de fundar un grupo de punk. Leyéndole, uno se da cuenta de que los protagonistas centrales de la Movida eran cuatro gatos, revueltos en una maraña de filias y fobias: los mismos nombres, muchas veces citados sin apellidos, van reapareciendo en distintos proyectos, a menudo saboteados por aquella lata del servicio militar. Lo más suculento, por supuesto, son las valoraciones de El Zurdo, que brotan de la experiencia inmediata y no de la cavilación historicista. De Nacha Pop, a los que cataloga entre los «grupos sanos», escribe: «Nacha son un grupo de triunfadores con un panorama dorado por delante hasta que sus fans les pidan -caso posible- algo de lo que carecen en absoluto: imaginación». A Christina Rosenvinge, entonces con Ella y los Neumáticos, la fulmina con una frase asesina: «Su rubiez y arianidad no logran suplir su falta de dominio de las cuerdas vocales». Entre los rockeros reciclados a la modernidad, llama la atención una evaluación muy positiva: «Burning ha sido precursor, honesto y sin apuntarse a modas, de la nueva ola en cuanto fenómeno de ruptura». Y, para terminar este repaso apresurado, a mí me han hecho mucha gracia las opiniones sobre Trastos («el que no le gusten Trastos… es un anormal») y Mamá, a quienes describe con «barbas, melenas y aspecto freaky». Ya sé que freaky, en 1981, remitía a la contracultura de los 60, pero yo no había visto emplear el adjetivo con esa soltura tan de hoy.

Música moderna ha estado descatalogado demasiados años, pero La Fonoteca y Libros Walden lo reeditaron a finales de 2013, con prólogo de José Manuel Costa y fotos de Miguel Trillo y Javier Senovilla, y acaban de lanzar una segunda edición. Así que ya saben, están a tiempo. Les dejo con un vídeo de Márquez repasando un fragmento de Música moderna para La edad de oro.

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Pero todo eso quedará oscurecido por la revelación de que no tuvo su primera relación seria hasta los treinta y tantos años, cuando se lio (odio que no esta palabra no lleve tilde) con Jake Owen Walters. Él lo dice de otra manera, claro: «Por primera vez en mi vida, el eterno ‘yo’ se vuelve ‘nosotros’». Según especifica el Guardian, Morrissey no aclara en ningún momento si fueron amantes al estilo convencional, pero sí habla de habitaciones compartidas, de su cabeza «sobre la tripa desnuda de Jake» y de Jake llevándole el té al baño. «Jake y yo ni buscábamos ni necesitábamos otra compañía», escribe. La verdad es que nunca he sentido mayor interés por saber si Morrissey es gay o hetero, porque sus letras de inadaptación y deseos frustrados son igualmente universales en cualquier caso, pero algunos llevan décadas discutiendo sobre ese detalle. Ah, se me olvidaba decir que, lógicamente, Morrissey también habla de los Smiths (en realidad, considerando al personaje, tal vez la puntualización no sea tan lógica). Dice: «El sonido de los Smiths despega con progresión meteórica: una batería como ráfagas de bombas, acordes explosivos, líneas de bajo combativas y, por encima de todo, yo soy libre como un halcón para pintar el lienzo como desee. Es un regalo de Jesucristo».

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