Durante años tuve la sana costumbre de recopilar de vez en cuando por aquí los enlaces a los temas sobre música que iba publicando en el periódico de verdad, a modo de puentecito entre el trabajo real y estos desahogos blogueros. ¿Y a santo de qué lo retomo después de una ausencia tan larga, en mitad de este mausoleo en ruinas que es el blog? Pues la culpa es de los festivales, el Azkena y el Bilbao BBK Live: esos días se me acumulan los asuntos musicales y me he dicho que es una pena no darles un poquillo de eco aquí, con lo que resuena el eco en el vacío. La mayoría estarán solo para suscriptores, pero, dependiendo de la modalidad, a lo mejor podéis leerlos.

Ya puesto, me he remontado a finales del año pasado: tenemos por ahí la reedición del fundamental Moor Room de Cancer Moon, la entrada en el armario de YMCA, la memoria de las tribus urbanas de Bilbao, el obituario del artista y dinamizador Miguel A. García, el debut en solitario del arkestral Marshall Allen a los 100 años, una celebración psicótica de San Valentín con Ivy y Lux, la presentación de la dulce oscuridad de Verde Prato, la cumbre de músicos en Bilborock para celebrar el número 1.500 del cuadernillo Territorios, la panorámica de los festivales vascos de jazz o el frente vanguardista de Al Karpenter e Intensidades Ortega. Ya en territorio Azkena, podemos picotear el repaso al cartel, la crónica diurna de la primera jornada, el abrazo eléctrico de Dinosaur Jr., el vistazo a Trashville con las gafas de Juanito Wau, el perfil de John Fogerty y la reseña de su gran celebración sobre el escenario, un répor sobre la desaparición del manic Richey, la batalla entre estribillos y lluvia del concierto de los galeses, el pub que montó Laurie Wright en la Virgen Blanca, el viaje en el tiempo de Richard Hawley y los sermones de ira y destrucción de PiL. Y, si saltamos al BBK Live, nos topamos también con la inevitable crónica diurna de la primera jornada, las lecciones del profesor Jarvis con Pulp, el milagro silencioso de Jessica Pratt, el agradecido macarreo de Amyl and the Sniffers, las charlas con fans de Kylie Minogue (de ahí viene su desconcertante foto con caganer independentista) y su concierto en la discoteca de los sueños. Y acabamos, ya que estamos en verano, de verbena con el euskalmex de Puro Relajo, cuyo nombre es un espléndido plan de vacaciones.

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Post tags: Azkena Rock Festival, Bilbao BBK Live, Cancer Moon, Kylie Minogue, lecturas, Puro Relajo

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Qué cosas. El jueves publiqué en el periódico de papel un reportaje sobre el cincuenta aniversario del álbum de debut de Black Sabbath, que ayer apareció reproducido en un diario amigo, y resulta que en esos tres días de plazo un dato se había quedado anticuado. Contaba yo cómo la estética de aquel disco había tenido su importancia a la hora de convertirlo en una referencia mítica: la portada de la mujer misteriosa frente al molino de Oxfordshire ampliaba de alguna manera la música e inspiraba lo que podríamos llamar videoclips mentales. Y decía que, sorprendentemente, la identidad de la modelo había caído en el olvido, más allá de la vaga idea de que se llamaba Louise.

Pues bien, acaban de rescatarla de ese limbo. Rolling Stone publicó el propio jueves un reportaje en el que participa Louisa Livingstone, aquella joven que prestó su imagen inquietante al disco de Ozzy y compañía. El fotógrafo Keith MacMillan (más conocido entonces por su seudónimo Marcus Keef) explica que la eligió porque era muy menuda y hacía que «todo lo demás pareciera grande». Y la propia Louisa rebusca en sus recuerdos de aquella madrugada en la que llevaron a cabo la sesión y cuenta cómo se tuvo que levantar a eso de las cuatro de la mañana y cuánto frío pasó. «Recuerdo a Keith con hielo seco, lanzándolo a un estanque cercano, pero no funcionó muy bien y utilizó una máquina de humo». Sin embargo, no logran disipar del todo uno de los eternos debates acerca de la foto: ¿hay un gato negro en manos de la modelo? Keith MacMillan recuerda que llevó un minino, prestado por un amigo, pero la modelo no logra dar con ningún gato entre sus recuerdos. Ah, Louisa pasó tantísimo frío porque no lleva nada debajo de la túnica, ya que la idea inicial para la portada era un poco menos modosita: «Estábamos haciendo cosas un poco más atrevidas, pero decidimos que no funcionaban. Cualquier tipo de sexualidad se alejaba de ese ambiente de presagio».

A Louisa Livingstone no le va mucho el heavy, pero hace música electrónica con el nombre de Indreba. Es una cosa relajante, atmosférica y soñadora, pero también podría servir para que las brujas se relajen después del sabbath.

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Post tags: Black Sabbath, Indreba, lecturas, Louisa Livingstone, portadas

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Foto: Alejandro García (EFE)

Lo contaba ayer The New York Times: a Ryuichi Sakamoto, el músico japonés afincado en la Gran Manzana, le encantaba la comida que servían en un restaurante (también japonés) de Murray Hill, pero su música ambiental le resultaba muy difícil de soportar. En particular, algunas selecciones de canción brasileña se le hacían inaguantables, como una tortura sonora, hasta el punto de que una tarde se tuvo que marchar. El bueno de Sakamoto escribió al encargado del establecimiento para explicárselo, comparando su cocina con una villa palaciega de Kioto y su música con la Trump Tower, y se ofreció a encargarse él mismo de la selección. Sin cobrar, claro, y también sin incluir temas de ninguno de sus proyectos. Desde entonces, el Kajitsu puede presumir de contar con playlists estacionales confeccionadas a medida por uno de los músicos más importantes de Japón.

Sakamoto le confiesa al periodista que la tarea le resultó más complicada de lo esperado. Al principio, optó por una selección de ambient, pero al escucharla en el restaurante se dio cuenta de que el tono predominante era demasiado oscuro. La lista actual, muy pianística, incluye atmósferas neoclásicas de sospechosos habituales como Jóhann Jóhannsson o Nils Frahm, pero no elude nombres más intimidantes, como Aphex Twin o el mismísimo John Cage, y también pasa por el jazz (Thelonius Monk, Yusef Lateef…), el ambient (Brian Eno con Cluster, Chihei Hatakeyama…) o esa música brasileña que sí le gusta a Ryuichi (Gal Costa, Naná Vasconcelos…). Ojalá se extendiese la costumbre y todos los músicos con buen gusto apadrinasen algún local hostelero o comercial, porque yo también prefiero escuchar piezas como esta de Arvo Pärt (de la lista de Sakamoto, que el diario ha hecho disponible en Spotify) que sufrir con Vaina loca o Duro y suave.

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Post tags: Arvo Pärt, lecturas, playlists, Ryuichi Sakamoto

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La semana pasada, con ocasión del Record Store Day, puse a unos cuantos músicos en el brete de elegir un disco que les ha marcado y contar por qué. Les recomiendo el resultado, porque hubo respuestas muy entretenidas que, además, reflejan cómo funcionaba lo de descubrir música en los tiempos anteriores a internet: en sus relatos aparecen expositores giratorios de casetes, discos comprados en el Eroski o etiquetitas con la fecha (que solemnizaban el disco mensual para el que llegaba el presupuesto). Al hacer un reportaje de este tipo, resulta inevitable preguntarse qué respondería uno mismo, y creo que mi selección tendría que repartirse de manera equitativa entre los dos discos que adornan el post. Sé que no son lo más cool del mundo (¡un disco de madurez de una estrella progresiva y un recopilatorio de un grupo reciclado al mainstream!), pero me parece que de verdad son los más importantes en mi vida y los que más peso han tenido en mis gustos.

Ahora me doy cuenta de que los dos funcionaron igual, porque comparten un rasgo esencial a pesar de su escaso contacto estilístico: la cara A es muy distinta de la cara B, y en ambos casos yo los compré por uno de esos lados (el B) y acabé enganchado sin remedio al otro, que resultó iluminador y me dejó huella. Crises fue mi primer disco, me hice con él a los 12 o 13 años porque me gustaban mucho las canciones pop que cantaba Maggie Reilly: en realidad eso lo supe después, porque mi cándido y desinformado yo de entonces daba por hecho, un poco absurdamente, que la voz correspondía al tal Mike Oldfield. Yo quería Moonlight Shadow y me encontré con una cara A ocupada íntegramente por los veinte minutos de Crises, la típica suite más o menos instrumental de Mike Oldfield, que pronto empecé a reproducir más a menudo que las cinco canciones del reverso. Y ya he contado que con Standing On A Beach, el recopilatorio que The Cure sacaron en 1986, me ocurrió lo mismo: lo compré por In Between Days y Close To Me, los dos hitos con los que la banda había completado su reconversión en coloso pop, pero poco a poco me fue fascinando esa cara A que abarcaba desde el punk anómalo de Killing An Arab hasta las tinieblas siniestras y rituales de The Hanging Garden, es decir, los cuatro primeros álbumes de Smith y sus muchachos.

¿Qué me enseñaron? Me imagino que con Crises me di cuenta de que había formatos interesantes más allá de la canción, además de adquirir una tolerancia duradera hacia la ambición instrumental y formal. Y Standing On A Beach funcionó como un puente perfecto (o un túnel, quizá) desde la radiofórmula de los 80 hasta el punk, el post-punk y la oscuridad, un término comodín que lo mismo me sirve para Godflesh o Big Black que para Einstürzende Neubauten o Lustmord. También me temo que la suma de ambos, ese itinerario que marcan, me volvió un aficionado muy poco rockista, al contrario que los que se destetaron en esto de la música con sonidos más auténticos. Ahí les va Crises, el tema, que seguramente es la cara de vinilo que más veces he escuchado en mi vida. Recuerden que, en su momento, solo tenía otra opción: el otro lado del disco.

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Post tags: años 80, discos, ego, lecturas, Mike Oldfield, The Cure

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Medio mundo está hablando estos días de la entrevista de Vulture a Quincy Jones, y lo cierto es que lo merece: el veteranísimo músico y productor, a punto de cumplir los 85, se despacha a gusto sobre cuestiones como Marlon Brando («se follaba cualquier cosa, se habría follado un buzón»), John Coltrane (sostiene que todas sus supuestas innovaciones estaban ya en un libro de Nicolas Slonimsky que siempre llevaba consigo), el asesinato de Kennedy (fue cosa del mafioso Sam Giancana y él lo sabe a ciencia cierta) o los Beatles («eran los peores músicos del mundo»). El hombre se ceba especialmente con el bueno de Ringo, un «gran tipo» que se tiró tres horas tratando de grabar un arreglo de batería que, después, un músico de jazz solucionó en quince minutos. «Ringo dijo: ‘Pues no ha quedado tan mal’. Y yo le dije: ‘Claro, cabrón, porque no eres tú’».

Por supuesto, también habla de Michael Jackson, y le acusa de plagiar más o menos descaradamente a todo bicho viviente. Aquí llegamos a lo que más me ha interesado a mí de la entrevista, porque soy así de anormal: como ejemplo de esa propensión de Michael al robo, Quincy Jones comenta que las bases de Billie Jean salen del State Of Independence de Donna Summer. Pero ocurre que ese tema es una versión: el original es de Jon & Vangelis, nada menos, y está incluido en su álbum de 1981 The Friends Of Mr Cairo. El parecido es muy relativo, pero al escucharlo se entiende perfectamente el parentesco que invoca Jones. «Las notas no mienten», argumenta él. Y qué quieren, me ha hecho mucha gracia ese vínculo inesperado entre mi canción favorita de Michael Jackson y un tema de Vangelis y Jon Anderson, a quienes trato de reivindicar siempre que puedo.

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Post tags: entrevistas, Jon & Vangelis, lecturas, Michael Jackson, plagios, Quincy Jones, Vangelis

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Ponerse a confeccionar una lista de los sonidos más irritantes de la música es una empresa osada. Lo sé porque algunos de mis ruidos favoritos (la voz de Mark E. Smith, los chirridos de The Jesus And Mary Chain, los samples caseros de Sigue Sigue Sputnik) molestan inexplicablemente a buena parte de la humanidad. La BBC se ha lanzado audazmente a ello y ha elaborado un catálogo de diez de esos sonidos que sirven de «barrera de acceso» a ciertas músicas: cautivan a los fans, mientras los demás los perciben como si fuesen «uñas sobre una pizarra».

En la selección aparecen algunos ruidos que no me molestan especialmente: los alaridos al estilo death metal suenan con cierta frecuencia en mi casa, poseo un bonito ukelele y he desarrollado bastante tolerancia hacia los solos masturbatorios de guitarra, algo que en mi juventud me revolvía las tripas y el oído interno. En otros casos, el problema me parece más bien de dosificación y oportunidad: el autotune (esa afinación artificial de la voz que hizo popular Cher y se ha vuelto omnipresente) no me molesta especialmente, a menos que se aplique a algún engendro de reggaetón romántico e hiperglucémico, y la pedal steel guitar me parece agradable a menos que tenga que escucharla como instrumento solista durante hora y media, en cuyo caso, más que irritarme, me sedará plácida e irremediablemente. Menos mal que en la lista figuran dos de mis monstruos personales. Uno son los parlamentos de los raperos al comienzo de las canciones, esas parrafadas con las que intentan simular que están improvisando en una ronda callejera. Y el otro, el otro, es el horror definitivo: el slap bass, esa técnica percutiva para tocar el bajo que la BBC compara con «eructos de rana» y que tiene su ejemplo más terrorífico en este caballero del vídeo de abajo y su grupo, Level 42. Para mí, este es el sonido de las pesadillas.

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Post tags: BBC, Cher, lecturas, Level 42

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Y Bowie continuaba: «La música misma se va a convertir en algo parecido al agua corriente o la electricidad. La situación viene a ser ‘aprovecha estos últimos pocos años porque nada de esto volverá a ocurrir. Mejor te preparas para hacer un montón de giras, porque eso es lo único que va a quedar’. Es muy estimulante. Pero, por otro lado, no importa si lo consideras estimulante o no, porque es lo que va a suceder».

Cualquier excusa es buena para escuchar algún clásico de Bowie, aunque te salga como introducción un anuncio de Don Limpio o cualquiera de estas publicidades que cuela Vevo/YouTube. Lo hacen por simple amor a la música, para que, después, Life On Mars suene todavía más mágica…

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Post tags: copyright, David Bowie, entrevistas, lecturas

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Tiempo después, el periódico Riverfront Times ha logrado por fin que Moe conteste por correo electrónico algunas preguntas acerca de este asunto. Y Moe, a la que siempre imaginamos reservada y un poco timorata, se vuelve a revelar como una encendida polemista y una ferviente anti-Obama, aunque no queda tan claro si es de derechas -asegura que ha votado toda la vida a los demócratas- o uno de esos espíritus independientes del rock que en algunos temas tiran por esas veredas, al estilo de Neil Young. Cuando le preguntan si ha sido siempre conservadora, responde: «Para ser honesta, nunca presté atención a qué diablos pasaba. Por eso votaba siempre a los demócratas. Mi filosofía era y es que todos los políticos son embusteros, vagos y tramposos. Tomo decisiones asunto por asunto. Soy más independiente que conservadora o liberal. No estoy de acuerdo con todos los de ninguno de los dos lados, y creo que cualquiera que diga que él sí lo está es un bobo o un maldito mentiroso». Y añade: «Cualquiera que me conozca sabe que no soy una idiota, una racista, una nazi. Cualquiera que me conozca sabe que tengo miedo a volar, miedo a los bichos, pero no tengo miedo a decir lo que pienso». Y termina comentando que, en su momento actual, no le queda tiempo para la música: «Cuido a mi nieto de ocho años y es un trabajo a tiempo completo». Les dejo con la Venus de las pieles, lo que tocaba la abuela hace cuarenta y tantos años.

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Post tags: lecturas, Moe Tucker, Tea Party, The Velvet Underground

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Pero la noticia que más me ha gustado viene de los Proms, el ciclo de música clásica: en el estreno de Hammered Out, una pieza del compositor Mark-Anthony Turnage, buena parte de la audiencia se quedó bastante pasmada porque lo que oían les recordaba mucho a Single Ladies, de Beyoncé. La semejanza es relativa, como pueden apreciar en el vídeo de abajo, pero ya se han hecho hasta mash-ups. Otros espectadores, claro, ni se inmutaron, porque seguramente no sabrán siquiera quién es esa Beyoncé. «Sonaba como gospel para una gran orquesta -dice el crítico del Sunday Telegraph- y, aunque no estoy familiarizado con la música de Beyoncé, la obra ciertamente tenía un estribillo muy pegadizo».

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Post tags: Beyoncé, lecturas, Morrissey, Peter Saville, Reino Unido

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Cuando aún estaba en Roxy Music, Graham empezó a darles fuerte a los psicotrópicos, en aventurada mezcla con un cóctel duro de espiritualidad oriental: “Estaba en una encrucijada en mi vida. Andaba muy metido en los sufis. El budismo, el hinduismo, el yoga kundalini, el yoga raja, el yoga hata, el cristianismo”, recuerda ahora. En medio de tipos fantásticos como el Ferry maquillado o el Brian Eno de las boas y los atuendos estrafalarios, resulta que el raro de verdad era el bajista, que permaneció fiel a un modo de vida poco convencional: en la entrevista repasa episodios como sus dos intentos de suicidio, su periodo en una escuela sufi de India o su arresto en Marruecos por robar en las oficinas de una compañía aérea. Y lamenta que los caminos que abría aquel desinhibido primer disco de Roxy Music no llegaran a explorarse, desbancados por la autopista del mainstream: “Todo el mundo sabe lo que es Roxy Music -analiza-. Pero lo que podría haber sido, lo que muy posiblemente debería haber sido, es algo que puede ser investigado por otros músicos jóvenes utilizando Roxy Music como un punto de partida”. Pinchen aquí para escuchar Re-Make/Re-Model, la canción que abría el álbum, que parece que los amigos de EMI no quieren que se inserte.

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Post tags: Graham Simpson, lecturas, Roxy Music

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