Llevo dos o tres semanas escuchando el nuevo álbum de San Kazakgascar, pero eso no me libra de seguir teniendo que comprobar que no he metido la pata cada vez que escribo el nombre del grupo. San Kazakgascar (sigamos practicando) son un grupo californiano que gira alrededor del guitarrista Jed Brewer: hay ocasiones en las que la formación se limita a él y otro tipo, pero en esta ocasión la nómina incluye nada menos que a siete músicos, con un instrumental que abarca cosas como el clarinete o el hulusi, la flauta de calabaza china. San Kazakgascar (ya está dominado) han definido su estilo en alguna ocasión como «falsa psicodelia de Oriente Medio», pero últimamente también manejan la descripción «country falso para viejos». En definitiva, hacen lo que les da la gana: este año han editado dos discos y uno son dos largas piezas de drone improvisado, mientras que el otro, el que nos ocupa, sí que se ajusta más a esa idea de psicodelia orientalizante, repetitiva y en algunos pasajes tremendamente adictiva.

«Hay canciones que suenan más a psicodelia oriental y otras que suenan menos orientales y más como la Velvet Underground, Can o lo que sea. Nunca hemos pretendido ser auténticos en ningún sentido», explicó hace algunos años el líder de la banda en una entrevista, donde también enumeraba como sus principales influencias a «Savage Republic, Sonic Youth, Om Kalthoum, Thinking Fellers Union, Thin White Rope, Camper Van Beethoven y Erkin Koray». ¡Casi nada! Este tema, cuyo título se podría traducir como Día de los Veteranos en la mesa del comedor, me tiene seriamente enganchado.

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Foto: Fredrik Bengtsson

Yo creo que no he prestado más atención a los Viagra Boys por culpa del nombre, que me parece feo de verdad, más propio de alguna banda de europop baratón y festivo o algo así. Para colmo, me los perdí por motivos laborales en el último Bilbao BBK Live, donde según el amigo Cubillo dieron uno de los mejores conciertos del festi. El caso es que el grupo sueco acaba de sacar ya en 2021 su segundo álbum y es un artefacto muy interesante de post punk, de esta variante hosca y un poco hooligan que se lleva últimamente, aunque estamos llegando a un momento en el que decir post punk equivale a no decir nada: en realidad, Viagra Boys tienen una personalidad muy marcada y bastante excéntrica, con su saxofón tozudo que a veces se escapa por lo stoogiano o por el jazz, sus teclados que puntúan las canciones con curiosos soniditos y la herencia blues que a menudo asume decididamente su tatuado vocalista. También entroncan de alguna manera con la tradición sueca de rock garajero, fibroso y divertido, que siempre ha sido una apuesta ganadora.

El disco no anda escaso de canciones brillantes, pero me temo que me voy a salir por la tangente, porque la que más me gusta de todas es la instrumental, este 6 Shooter repetitivo e hipnótico como un edificio en construcción, que se viene abajo a eso de los dos minutos y se rehace en una versión más sucia y retorcida, marcada por el saxo. La única pega, como me suele suceder con este tipo concreto de canciones, es que yo la alargaría ocho o diez minutos más.

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Foto: Bobbyspiral

Hay canciones que nos enganchan de manera irracional, casi subliminal. Se nos introducen en el subconsciente por alguna rendija, se hacen fuertes allí y se adueñan de nosotros en cuanto tenemos un momento de distracción: vamos por la calle tarareando, silbando, canturreando, sin darnos cuenta siquiera de qué es esa melodía que nos acompaña mentalmente desde que nos hemos levantado de la cama. Pues bien, yo llevo un par de semanas con el instrumental Watson’s Telescope en mi viejo radiocasete cerebral y tengo la sensación, además, de que sigue reproduciéndose como música de fondo de mi vida hasta cuando no me doy cuenta.

Lo cierto es que parece una canción especialmente indicada para ello, con esa condición tan cercana a la melodía recordada, soñada quizá, como perteneciente a otras coordenadas espacio-temporales. La firman Plone, un dúo británico (antes trío) con una trayectoria peculiar: pertenecían al entorno de Broadcast (todo aquel asunto de la hauntología, la nostalgia retrofuturista, las ensoñaciones musicales que combinaban añoranza y anticipación) y editaron un álbum en 1999, pero el segundo se quedó perdido en algún limbo puñetero y nunca llegó a salir de manera oficial. Y ahora reaparecen de pronto con sus teclados vetustos en el sello Ghost Box, una escuadra que parece diseñada especialmente para ellos. “Plone crean electrónica que es alegre y melódica sin ironía, con base en la library music, la televisión infantil y una profunda pasión por la historia de la tecnología musical”, explica su texto de presentación. Prepárense para bambolear la cabeza a los sones de Watson’s Telescope durante tres minutos y medio o, quizá, durante unos cuantos días.

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Los discos en directo nunca han sido lo mío. Si echo la vista atrás, ahora mismo solo me vienen a la cabeza dos que haya escuchado con auténtica pasión: el inevitable It’s Alive de Ramones y el The Youth Are Getting Restless de Bad Brains. Pero se da la circunstancia imprevista de que uno de mis primeros álbumes favoritos de este año es un directo, y además de una banda instrumental, que tampoco suele ser lo que más me entusiasma del mundo. Se trata de Mythic Sunship, un quinteto danés que toma su nombre de John Coltrane (Sun Ship es un disco suyo) y de Sun Ra (supongo que por su In Mythic Worlds, aunque veo que la palabrita le gustaba tanto al músico alienígena como para incluirla también en uno de los avatares de su banda). ¿Hacen jazz cósmico Mythic Sunship? Pues no, o a lo mejor sí, pero no suena como tal sino como una enérgica y libérrima expedición de krautrock bien entendido. Normalmente, invocamos el krautrock (yo el primero) en cuanto nos aparece uno de esos ritmitos motóricos tan inconfundibles, pero lo de Mythic Sunship es más bien resucitar el espíritu jazzístico de aquellos grupos alemanes y sus equivalentes de otros países europeos, para quienes el concepto convencional de canción era una simpleza que habría constreñido sus viajes siderales y psicodélicos.

En fin, Mythic Sunship ofrecieron tres actuaciones en el festival Roadburn del año pasado y de la más flamígera de las tres ha salido Changing Shapes, el álbum que acaba de editar su sello, el interesantísimo El Paraiso Records. Son cuatro temas (cinco en la edición digital) largos, intensos, feroces incluso, a mitad de camino entre la hipnosis y la destrucción total. Durante buena parte de su carrera, Mythic Sunship fueron un cuarteto, pero la incorporación de un saxofonista agresivo y stoogiano les ha aportado un plus de salvajismo y a la vez de cercanía, porque el instrumento de viento viene a servir como voz que se desgañita y engancha del cuello al oyente. La verdad es que la gracia del disco es escucharlo entero, pero, puesto a elegir, me he quedado con el tema que cierra el lote, Ophidian Rising, incluido originalmente en su disco de 2016. Buffff, un disco en directo, instrumental y con saxo, ¿quién me lo iba a decir a mí?

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Detrás de Un asiento entre Dios y sus hijos se encuentra Alder & Ash, un proyecto traducible por Aliso y Fresno (dos maderas utilizadas en la fabricación de instrumentos de cuerda, imagino que también de violonchelos) que sirve de máscara artística al esquivo quebequés Adrian Copeland. El hombre, que según veo por ahí también es chef vegano, lo mismo toca a Bach que se lía con su pedal de loops y crea estas acongojantes y absorbentes expediciones sonoras, reunidas en dos álbumes: el recién estrenado se titula Clutched In The Maw Of The World y busca «purgar demonios con una paleta sonora destructiva y perturbadora», alejada de la relamida belleza de tantas composiciones neoclásicas para chelo. El propio artista reconoce su propósito de tirar anzuelos hacia escenas como el noise, el doom o el black metal, una vocación hacia la brutalidad ecuménica que aplaudimos desde aquí.

Ah, todo lo que suena es chelo.

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Al fin y al cabo, esta sección se llama canción de la semana, así que las piezas que la protagonizan suelen atenerse al formato convencional de canción, con su minutaje más o menos breve y su estructura más o menos tarareable. Pero hay un montón de música que se queda fuera de esas coordenadas, por mucho que estiremos de ellas para despojarlas de su previsibilidad y su antipático rigor, y esta semana vamos a prescindir del molde habitual y nos vamos a hacer una escapadita de diez minutos y medio por la obra de Mary Lattimore, una arpista estadounidense que amplía con efectos electrónicos las posibilidades de su instrumento de 47 cuerdas. Mary, que ha colaborado con gente como Jarvis Cocker, Sharon Van Etten, Meg Baird, Kurt Vile o Thurston Moore y ha formado parte de proyectos como The Valerie Project (miren, hablamos de ellos por aquí), acaba de mudarse de Filadelfia a Los Ángeles, un cambio de escenario que conmemora recopilando a modo de álbum seis composiciones grabadas entre 2011 y 2016.

El tema que abre la recopilación es este Wawa By The Ocean, que empieza con aire de canon clásico y después juega con una melodía sencilla y repiqueteante, que se llena de ecos y va acercándose al oyente y apartándose de él. De alguna manera, el tratamiento electrónico potencia las cualidades ensoñadoras que siempre se han atribuido al arpa, ya saben, del salón en el ángulo oscuro y de su dueño tal vez olvidada, silenciosa y cubierta de polvo y tal y tal. Pero no se asusten y déjense llevar por esta música paciente que, pese a su tono contemplativo, está dedicada a una tienda abierta las 24 horas.

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Frances Castle es una ilustradora británica que hace seis años puso en marcha una interesante aventura: un sello pequeñito, Clay Pipe Music, que persigue «lanzar cedés y elepés bellamente diseñados e ilustrados, en esta era de descargas anónimas». En la nómina de la primorosa discográfica figura una artista muy admirada en este blog, la vocalista de folk Sharron Kraus, pero nuestra canción de la semana está firmada por el propio proyecto musical de Frances Castle, bautizado como The Hardy Tree. El nombre tiene mucho que ver con las obsesiones de la autora: el árbol de Hardy es un viejo fresno situado junto a una iglesia londinense y rodeado por cientos de lápidas dispuestas en apretados círculos concéntricos. Resulta que, a mediados del siglo XIX, las obras del ferrocarril obligaron a desmantelar parte del cementerio de St. Pancras, y el joven empleado al que encargaron trasladar los restos decidió salvar las estelas fúnebres con ese curioso arreglo. Se trataba de Thomas Hardy, que acabaría convirtiéndose en uno de los novelistas más importantes de la literatura inglesa.

Frances Castle se inspira en el pasado, los rincones secretos, la inexorable transformación urbana, y a esos conceptos ha dedicado el segundo álbum de The Hardy Tree, en el que retrata musicalmente «edificios y áreas de Londres que ya no existen», a modo de «lamento por un Londres más viejo y más extraño que está siendo rápidamente olvidado». No hace falta conocer ninguno de los lugares retratados en sus trece instrumentales para dejarse llevar por la melancolía y la belleza misteriosa de los Moog y los mellotrones de Castle, que en algunos pasajes conviven con grabaciones de campo de campanas o mercados: es música artesanal y libre de poses e ironías. La portada, como todas las que hace Castle, también es preciosa (lo de arriba es un detalle de la ilustración) y el vinilo va en color azul en la primera edición y en amarillo en la segunda: la verdad es que me da pena poseerlo como vulgar descarga anónima.

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Leo en una nota de prensa de su discográfica que el guitarrista danés Nicklas Sørensen es conocido, sobre todo, por la psicodelia más o menos improvisada de su grupo Papir, a los que confieso no haber escuchado jamás hasta hace un rato. Pero el texto puntualiza que, pese a su reputación como músico durillo, nuestro hombre de hoy también admira profundamente a referentes alemanes como Michael Rother (el de Neu! y Harmonia) y Manuel Göttsching (el de Ash Ra Tempel), dos especialistas en utilizar la guitarra con estrategias alejadas de las prácticas convencionales del rock. Y, desde luego, nadie pondría esa afirmación en duda al escuchar Solo 1, el tema que abre su álbum de debut en solitario, casi siete minutos en los que guitarras de consistencia líquida fluyen sobre unas bases hipnóticas, en un éxtasis directamente emparentado con aquellos maestros del krautrock más contemplativo. La música de Sørensen, comparable en los pasajes menos rítmicos a aquel disco de Noveller que tan loco me volvió el año pasado, es de esas que podrían no terminar nunca: si algún día les condenan a escuchar una canción en bucle sin descanso, este Solo 1 no sería mala opción.

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Hay álbumes que da pena despiezar en canciones. Son, cómo diría yo, discos oceánicos, o quizá cósmicos, en los que gran parte del impacto consiste precisamente en perderse a través de su inmensidad, en abandonarse a cierto espíritu contemplativo y dejarse llevar con la confianza de que el viaje va a continuar sin sobresaltos. El de Noveller es de esos, hasta tal punto que, al llegar al final, uno siente la necesidad de apretar el play de nuevo para no caer bruscamente a este mundo sólido, bruto y antipático. Yo me he tirado tardes enteras escuchándolo en repeat, como si me hubiese quedado a vivir en ese Fantastic Planet, que es el título tras el que se oculta el universo hipnótico diseñado por esta mujer.

Porque Noveller es el nombre de guerra que usa la chica de la foto, Sarah Lipstate, cuando se centra en su actividad de guitarrista. Nuestra protagonista, repartida entre Nueva York y Austin, se dedica también a dirigir cortos y crear instalaciones artísticas. Como música, ha colaborado con ilustres de la vanguardia estadounidense (Carla Bozulich, Lee Ranaldo, JG Thirlwell, Ben Frost, Rhys Chatham, Glenn Branca…) y ha formado parte de Cold Cave y Parts & Labor, aunque su gran especialidad consiste en crear paisajes sonoros con su guitarra eléctrica, en solitario. «Lipstate emplea una paleta sonora tan rica que desafía al oyente a entender cómo puede alojarse en un solo instrumento manejado por una única intérprete», dicen en su sello, y tienen razón. Lo que siento es que el disco no se edita hasta finales de mes, así que solo puedo ofrecerles un fragmento, este absorbente Into The Dunes. Tómenselo como un viaje de cercanías por el cosmos.

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Hay discos que llegan como caídos del cielo. Uno de mis álbumes preferidos de este año es el último de los canadienses Timber Timbre, favoritos de esta casa (y de otras) que merecen mucha más repercusión, porque su folk gótico, cinematográfico y envolvente da sopas con honda a muchos colegas de más renombre. El caso es que, dentro de ese disco, me fascinó desde el principio el tema instrumental Resurrection Drive Part II, pese a que el cantante Taylor Kirk siempre ha sido la espina dorsal del grupo: la música se emancipaba ahí de la voz y nos transportaba en un viaje nocturno, sugerente y un poco inquietante. Yo no tendría ningún problema en pasar horas enteras escuchando esa pieza.

Y, de pronto, resulta que Simon Trottier y Olivier Fairfield, escuderos de Kirk en Timber Timbre, tienen su propio proyecto consagrado a los instrumentales, que realmente viene a ser una extensión de ese corte que me entusiasmaba. Se hacen llamar Last Ex y su origen está en un proyecto fallido del grupo nodriza: su banda sonora para la película de terror Last Exorcism II, finalmente desechada. Los dos compinches de Last Ex han desarrollado aquellas composiciones en un álbum enigmático, reverberante y atmosférico, con sus ritmos alemanes y sus teclados italianos, que además incluye la primera parte de la gloriosa Resurrection Drive, como si fuese una precuela que despeja incógnitas. En realidad, se trata de uno de esos discos que conviene escuchar enteros, explorando todos sus rincones, pero he decidido seleccionar el corte Girl Seizure. ¿La razón? Fundamentalmente, que le han hecho este bonito vídeo, capaz de transformar toda esa carga misteriosa en un auténtico mal viaje.

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Post tags: Canadá, canción de la semana, instrumentales, Last Ex, Timber Timbre

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