Lo he comprobado varias veces, porque no me lo creía, y resulta que es así: Joy Division nunca han tenido canción de la semana en el blog. Sí que ha pasado por esta sección una canción titulada Joy Division, pero al grupo de Ian Curtis y compañía, una de las dos bandas que con más fuerza marcaron mi adolescencia y por lo tanto mi vida, nunca he llegado a repescarlo en este rincón del blog. Este parece un buen momento: el lunes se cumplen cuarenta años del suicidio del vocalista y, por esas cosas de la conmemoración, me he pasado una parte importante de la semana escuchando su obra breve pero inagotable. No llega a tres horas y dura para siempre. De verdad que Joy Division me siguen pasmando a estas alturas, porque es asombroso que cuatro tipos de Mánchester tirando a gañanes, sin tener mucha idea de cómo se tocaba un instrumento, diesen forma a dos discos tan maravillosos como Unknown Pleasures y Closer (más las otras maravillas que no están incluidas en ninguno de los dos, claro). Es una música seca, sugerente, que suena fría y cortante y, a la vez, vulnerable y cargada de dolor. Es una cosa tremenda. A la vez, fue una chiripa casi milagrosa que Joy Division estuviesen desde el principio tan bien arropados para dar forma al mito: no sé qué habría sido de su sonido sin la producción marciana y certera de Martin Hannett, ni sé qué habría sido de su posteridad sin los diseños elegantes y misteriosos de Peter Saville. ¡Si hasta la mayor parte de sus fotos (y no solo las del esteta Anton Corbijn) parecen cargadas de poesía, en ese blanco y negro de belleza monástica!

Joy Division me acompañan desde los 15 o 16 años, cuando me compré Closer gracias a una lista de lo mejor de los 80 que publicó Rockdelux bastante antes de que acabaran los 80, y me resulta dificilísimo escoger una canción favorita. Al final, después de darles unas cuantas reproducciones a todas ellas, mi lista se ha reducido a tres, todas ellas de Closer: Heart And Soul, Twenty Four Hours y esta Passover con la que me he quedado al final. Es una de las canciones más reconcentradas y austeras de un grupo esencialmente reconcentrado y austero, con esos versos iniciales que tuvieron que sonar terribles cuando se editó el álbum, un par de meses después del suicidio de Curtis: “Esta es la crisis que sabía que tenía que llegar, / destruyendo el equilibrio que había mantenido”.

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Miro a Disintegration, que hoy cumple treinta años, y me doy cuenta de lo viejitos que nos hemos ido haciendo juntos. Lo del disco favorito siempre es un reduccionismo un poco injusto, pero supongo que, si tuviese que elegir un solo álbum para escuchar solo eso el resto de mi vida, tendría que ser Disintegration, el disco en el que The Cure depuraron su fase oscura de principios de los 80 y lograron destilar lo mejor de sí mismos. Recuerdo perfectamente cuando me lo compré, en el Discoclub de la calle Doctores Castroviejo de Logroño, y también guardo en la memoria la sensación de la primera escucha: la mayoría de mis discos preferidos no me gustaron al principio, y ese vínculo con ellos se robusteció de alguna manera por el esfuerzo de salvar la distancia que nos separaba de partida, pero el efecto de Disintegration fue inmediato y arrasador. Lo de la canción favorita también es siempre una ocurrencia un poco boba, pero, si tuviese que elegir un solo tema para escuchar solo eso el resto de mi vida, tendría que ser Plainsong, el primer corte de Disintegration, bellísimo pasaje hacia un mundo donde las emociones se acentúan y se poetizan. Y no hablo solo de los sentimientos positivos, porque Disintegration, la canción, es una de las composiciones de ruptura más intensas y tremendas del rock.

Me pongo hoy Disintegration (acabo de hacerlo, ahora mismo estoy entrando poco a poco a través de Plainsong) y me remite en parte a aquellos veranos eternos y aquellas inseguridades infinitas de la primera juventud, pero al efecto nostálgico se le superpone la validez que este disco sigue teniendo en mi vida. Es un refugio, como toda la música que importa, y también una especie de cristal (como ese velo traslúcido de la portada) a través del que se ven las cosas de otra forma, más chula y mejor.

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Post tags: aniversarios, The Cure

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El caso es que me he refugiado en el pasado. No me acusen de nostálgico, porque en realidad se trata de un pasado que yo no viví como oyente activo: en noviembre de 1978, hace cuarenta años, yo tenía 7, aunque reconozco que el final de los 70 y el comienzo de los 80 se ha acabado convirtiendo en mi periodo favorito de la historia del rock. Aun así, un repaso a la primera quincena de aquel mes me ha sorprendido por la cantidad de música interesante que se publicó. Y me he dicho ‘qué caramba, vamos a poner unos cuantos vídeos’ de álbumes lanzados en aquellas dos semanas. Van seis, todos británicos…

Y dejo fuera otros discos de aquella quincena que no son santo de mi devoción (por ejemplo, el Jazz de Queen) o que ni siquiera he escuchado (como el primero de Midnight Oil). Me dirán ustedes que seguro que los cuarentones de noviembre del 78 abominaban de toda aquella horda de punks, siniestros, nuevaoleros y demás. Y yo les responderé como Ariana: thank u, next.

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Post tags: aniversarios, Ariana Grande, discos, Kate Bush, Siouxsie And The Banshees, The Clash, The Jam, The Police, X-Ray Spex

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Hoy publico en nuestra revista online para suscriptores (si lo son, pinchen aquí) un reportajito sobre el disco, muy peculiar por su marcada influencia del music hall, que podría emparentarlo con los Kinks más cabareteros, y el uso abundante de instrumentos tan inesperados como la tuba. Tiene una fama atroz, pero he decir que a mí me ha gustado mucho: me enganchó desde la primera canción, ese Uncle Arthur que cuenta la historia de un treintañero incapaz de irse de casa de su madre. ¿He dicho ya que, además, las letras son todas estupendas?

Ahí les va, por si no lo han escuchado nunca. O por si les apetece revisarlo, claro.

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Post tags: aniversarios, David Bowie, discos de debut

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Estoy en esa etapa de la vida en la que muchas cosas importantes cumplen treinta años. Hoy mismo es el aniversario de Kiss Me Kiss Me Kiss Me, probablemente el álbum de The Cure que más veces he escuchado. Esa insistencia tiene una explicación fácil: yo me enganché a la banda británica con el recopilatorio Standing On A Beach, que ocupa el lugar inmediatamente anterior en su discografía, así que Kiss Me Kiss Me Kiss Me fue el primer disco suyo que disfruté en su momento, no en diferido. Pero también se le puede buscar una explicación más elaborada: Kiss Me Kiss Me Kiss Me es un doble álbum asombrosamente variado, inagotable, repleto de rincones que hacen interesantes las escuchas repetidas.

Cuando se habla de la obra maestra de Robert Smith y compañía se suele señalar (yo mismo lo hago siempre) a Disintegration, el siguiente a este, en el que depuraron sus oscuridades de principios de los 80. O, si no, se acude directamente a ese periodo más tenebroso y se elige el turbador y sociópata Pornography. Por Kiss Me Kiss Me Kiss Me siempre se tiende a pasar un poco por encima, aunque creo que resulta perfectamente defendible como pieza cumbre de su carrera y, desde luego, representa mejor que esos otros dos la variedad de registros que -en contra de lo que afirma el tópico- caracteriza a los Cure. Las dos primeras canciones sirven como muestra: el disco se abre osadamente con The Kiss, un holocausto de psicodelia rabiosa que parece supurar veneno («ojalá estuvieses muerta», concluye la letra), y sigue con Catch, una miniatura juguetona y serena sobre una chica del pasado. A partir de ahí, en el disco caben la fiebre oriental de If Only Tonight We Could Sleep o la desfachatez funk de Hot Hot Hot!!!, el pop parisino de How Beautiful You Are («nadie conoce ni ama nunca a nadie», dice ahí Smith) o la arquetípica melancolía made in The Cure de A Thousand Hours. En realidad, lo único que pretendo con esta enumeración apresurada y un poco chorra es animar a que lo escuchen, tan estupendo a sus treinta años, aunque antes pueden dedicar minuto y medio a aquella legendaria entrevista en TVE.

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Post tags: aniversarios, años 80, The Cure

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Lo cuenta la NPR en un reportaje para celebrar que, ayer, el álbum cumplió cincuenta años. Satlof, a quien apodan Mr Bananas, es el orgulloso propietario de prensados en mono, versiones promocionales y, por supuesto, todo tipo de portadas alternativas, con plátano y sin plátano, aunque le faltan los carísimos acetatos. «Sí, es algo obsesivo, pero, de alguna manera, cada uno de ellos es una obra de arte de Warhol. Y cada uno es único por el tratamiento que le han dado los anteriores dueños», explica, enamorado de esas huellas, garabatos e incluso boquetes que dan cuenta de la azarosa historia de cada ejemplar. Lo curioso es que, pese a tener en casa cientos de copias de la carpeta original, en la que el plátano se podía pelar, Satlof nunca se ha dado el gusto de quitarle la pegatina a ninguna de ellas. Mi hija, en cambio, sintió la imperiosa necesidad de hacerlo cuando tenía 3 años con la caja Peel Slowly And See, donde se había retomado aquella bonita ocurrencia bananera: esperemos que, al menos, eso le haya creado un vínculo de por vida con canciones tan maravillosas como esta.

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Post tags: aniversarios, coleccionismo, Nico, The Velvet Underground

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Siempre he envidiado a las personas con buena memoria: esos amigos que te cuentan una anécdota del colegio en la que tú mismo intervienes, aunque no guardes el menor recuerdo, y te aportan tantos pormenores que llegas a sospechar que te están tomando el pelo. Y, al final, van y rematan su alarde con un coqueto «era martes», con la misma seguridad que si hubiese sucedido anteayer. Al hablar de música también ocurre: hay cabezas prodigiosas capaces de evocar el setlist de un concierto al que asistieron hace diez, veinte, treinta años, auténticas máquinas del tiempo que acumulan chascarrillos y detalles hasta hacer que te avergüences, porque tú también estuviste allí y desperdiciaste la ocasión de recordar. A mí la genética me ha dado una memoria de mala calidad, con enormes agujeros, que no sirve para retener el grano menudo de la vida. Y esa debilidad mía hace que, cuando pienso en el concierto que más me marcó, mi evocación no vaya mucho más allá de las sensaciones (gloriosas, reveladoras, de verdad inolvidables) que suscitó en mí.

Era 1991 y yo estaba estudiando en Pamplona. La historia del rock español atravesaba un momento bastante especial, con la agonía de las estrellas de los 80 y la aparición de activas células de resistencia alternativa, y la capital navarra era un puesto de observación excepcional para asistir a ese relevo tan prometedor y, finalmente, tan frustrado. A lo largo de los cinco años de carrera (entonces Periodismo tenía aún cinco cursos, no me explico cómo diablos hacían para llenarlos) pudimos asistir a unos cuantos conciertos representativos del recambio generacional y estilístico: recuerdo a Lagartija Nick en Reverendos, con esa hipnosis ruidosa y deslumbrante a la que me he mantenido leal hasta hoy; recuerdo a Jugos Lixiviados en el Donegal, con su herrumbre cacharrera a lo Pussy Galore, tan molesta para algunos que un espectador directamente los desenchufó; recuerdo al cantante de La Secta pasándome entre las piernas en el Replicante, poseído por la descarga de electricidad del inicio del concierto. Pero, por encima de todos, estaban Los Bichos y estaba su líder, Josetxo Ezponda, que era de Burlada pero lo mismo habría podido ser de Nueva York, de Perth o de Júpiter.

A Josetxo nos lo cruzábamos por la noche, en nuestros bares: desde el Bodegas Riojanas, donde empezábamos siempre la ronda, hasta el Plural, donde a veces la acabábamos. Lo mirábamos a la vez con admiración y prevención, con la misma prudencia hechizada con la que se contempla a un extraño arácnido: con los ojos pintados, vestido siempre como para salir al escenario, Josetxo era un rey del glam a tiempo completo, deslumbrante y a la vez envuelto en un halo oscuro. Como buen dandi decadente, sabía hacer un show del mero hecho de beber, de fumar o simplemente de estar. A veces me pedía tabaco –calculo que abordó en alguna ocasión a todos los vecinos de Pamplona– y yo me limitaba a disculparme con torpeza, acobardado por ese contacto directo que rompía de alguna manera las leyes naturales del espectáculo: Josetxo siempre estaba en otra dimensión, pertenecía a otra dimensión. Era, en fin, una estrella del rock que por algún irreparable error cósmico había nacido en un pueblito navarro.

Su grupo, Los Bichos, era como él, una criatura rara, difícil de encuadrar en un tiempo y un espacio, en la que Josetxo volcaba sus pasiones musicales y su estética exquisita y meticulosa. Sus discos cautivaban por el contenido y por el envoltorio, también obra suya. El primer álbum, Color Hits, salió en 1989, el año que yo llegué a Pamplona, aunque en aquel momento no llegué a disfrutar de la preciosa portada: me lo grabó en cinta un compañero de clase, Eduardo, y me deslumbró aquella colección en la que Josetxo había reproducido el complejo puzle de sus obsesiones, tan alejado del mimetismo tribal de otros artistas. El segundo, In Bitter Pink, se editó en el 91 y me lo compré en doble vinilo, con esas carpetas interiores repletas de la caligrafía de brujo de Josetxo, y lo cierto es que me sigue dejando con la boca abierta hoy en día, un cuarto de siglo después: ahí dentro hay delicadeza y exceso, hay derroche de creatividad y personalidad, hay cultura, hay toneladas de talento y hay también algunos de los mejores solos del rock español, gracias a la orfebrería cristalina y la naturalidad desarmante del guitarrista Charly. Era fan entonces y soy fan ahora, con ese entusiasmo un poco tontaina que es una de las pocas cosas que, con suerte, uno logra preservar de su primera juventud.

Solo logré ver a Los Bichos en directo una vez: el 19 de diciembre de 1991, y si tengo la fecha tan clara es gracias a la costumbre de Josetxo de hacer constar el año en su obra gráfica, incluidas las invitaciones para aquella rock and roll party gratuita. Eran unas cartulinas de color rosa, primorosas, tan alejadas de la vulgaridad como el propio grupo, y ni siquiera recuerdo bien cómo las conseguimos nosotros (Jose, Rafa y yo), aunque después resultó que también se podía entrar sin ellas. El concierto se celebraba en el bar Subsuelo, en plena Plaza del Castillo, el típico sitio que jamás habíamos pisado, con un cartel que completaban unos compinches habituales: The Pleasure Fuckers, la banda de punk rock encabezada por la inabarcable humanidad del bilbaíno Kike Turmix, con quienes Los Bichos protagonizaron también un par de comentadas actuaciones en la sala Ilargi de Lakuntza. Lo cierto es que Kike y Josetxo componían una extraña pareja, ya que con uno se podían hacer tres o cuatro cuerpos para el otro, y tuvimos la impresión de que ellos mismos bromeaban sobre su radical discrepancia física antes del concierto. También nos pareció –asistíamos a la prueba de sonido con atención, entrenando los sentidos ante la inminencia de un gran momento– que no habían decidido hasta entonces quién iba a tocar primero y que a Turmix no le agradó mucho la encomienda de abrir fuego. Lo hizo, de todas formas, con la entrega de siempre, arremetiendo con la panza contra el mundo y supurando rabia primaria, maniaca, animal. Estrenaron una canción, Blood Sausage: lo sé porque mi amigo Jose acertó exactamente cuándo y cómo iba a vociferar las palabras del título (lo cierto es que, ejem, tampoco era tan difícil) y Turmix le miró un poco mosca, como preguntándose cómo podía corearla si jamás la habían tocado antes.

De Los Bichos solo me quedan flashes, que a menudo sirven para constatar el empeño con el que nuestro cerebro desecha lo importante y se queda con lo anecdótico. Un rato estuvimos en primera fila, echando las cabezas coreográficamente hacia atrás cada vez que Josetxo hacía un ademán con su instrumento, porque amenazaba con estamparnos el clavijero en nuestras jetas pasmadas. Otro rato quedamos relegados a segunda fila, detrás de un entusiasta que nos azotaba repetidamente con el pelo y pedía a gritos a Josetxo que le regalase su Super-Fuzz (o quizá fuese un Big Muff, ahí se me cruza el recuerdo con el título del disco de Mudhoney), el pedal con el que su guitarra se metamorfoseaba y envolvía las canciones en un ruido eléctrico de motosierra. Hemos preservado en nuestro archivo mental el que seguramente fue el momento más tranquilo y mágico del concierto, una versión del Pale Blue Eyes de la Velvet que nos sonó a gloria, pero tampoco se nos ha borrado el más intenso: la intervención en un tema de Norah Findlay, la guitarrista de los Fuckers, que acabó derribada por el suelo entre ruido de vasos rotos, encarándose con Josetxo como si fuesen unos Pimpinela psicóticos y muy peligrosos. En aquel concierto experimenté, como nunca antes y contadas veces después, esa suma de fascinación, imprevisibilidad y riesgo que, para mí, define el mejor rock en directo, pero aplicada además a un repertorio mayúsculo y libre, de fulgores cegadores y oscuridades venenosas, que a espectadores como nosotros nos abría un montón de puertas por las que descubrir nuevas maravillas. Hubo calor, alma y ruido, como exige la letra de una de sus canciones. Resultó que el tipo del pelo cardado y las chorreras con el que nos codeábamos en los bares era una estrella aún más grande de lo que nos habíamos imaginado.

Aquella noche en el Subsuelo adquirió para mí una consistencia mítica, que no hizo más que agigantarse con los años. Ya no pude asistir a más conciertos de Los Bichos, que se separaron en el 92. Sí vi a Josetxo en solitario, con su guitarra y su caja de ritmos regalada, en actuaciones abruptas de las que los fans salíamos con el viejo fuego reavivado, pero también con un regusto melancólico: el rey bicho se había retirado a su agujero y cada vez mostraba menos ganas de regresar al mundo, aunque muchos seguíamos fantaseando con que un día recuperaría el hambre de hacer música. En 2001 falleció su cómplice de siempre, el bajista Asio. En abril de hace tres años, encontraron muerto a Josetxo en su piso de Burlada, y solo entonces nos resignamos a que su silencio fuese definitivo.

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Post tags: aniversarios, conciertos, Los Bichos, Pamplona

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Este fin de semana se conmemoraba el 40º aniversario del lanzamiento de Anarchy In The UK, la vitriólica e histórica canción de los Sex Pistols, y buena parte del interés por la efeméride se centraba en comprobar si Joe Corré llevaba finalmente a cabo sus planes de celebración. Corré es hijo de la ilustre pareja formada por Malcolm McLaren, maquiavélico mánager de los Pistols, y la diseñadora Vivienne Westwood, y también cuenta con su parcelita personal de celebridad en su calidad de fundador de la firma de lencería Agent Provocateur. Como ya contamos por aquí en primavera, a Corré no le ha hecho nada de gracia que el aniversario redondo del punk se convierta en una gran ceremonia social, con exposiciones en museos y discursos de autoridades: ese punk digerido y regurgitado por el sistema le daba mucho asco, así que anunció que el 26 de noviembre, fecha en que se lanzó la canción de marras, iba a prender fuego a su colección de memorabilia punk, valorada en unos cinco millones de libras. Diez, según las estimaciones más generosas.

Y lo ha hecho, sobre una barcaza en mitad del Támesis, adornada con unos maniquíes de David Cameron, Boris Johnson y George Osborne. En la pira han ardido discos raros, carteles únicos y objetos personales como camisas de John Lydon o un muñeco de Sid Vicious. También se ha chamuscado un poco la propia reputación de Corré, que en su ambición por aparecer como el más punk del mundo ha quedado, a ojos de muchos, como un chiquillo caprichoso que solo piensa en su satisfacción. El mismísimo Lydon se ha referido a él como «un puto egoísta experto en lencería» y, al igual que otros muchos, ha abogado por que, en lugar de quemar el precioso material, lo vendiese y destinase los beneficios a fines solidarios. Glen Matlock, el bajista pistoliano, tampoco ha aplaudido exactamente la hoguera purificadora: «Joe no es el anticristo, es un idiota», ha resumido. Pero él sigue en sus trece: «El punk se ha convertido en otra herramienta de márketing para venderte algo que no necesitas. Es la ilusión de una elección alternativa, el conformismo con otro uniforme», ha argumentado.

Corré (al fin y al cabo, un niño pijo del punk que tenía 9 años en el 76) se muestra convencido de que su padre habría encontrado «hilarante» la iniciativa, pero no tengo yo tan claro que a McLaren le hubiese complacido desprenderse tontamente de unos cuantos milloncejos. Recordemos una de las citas de papá: «No me importa si los grupos saben tocar la guitarra o no. Quiero que digan algo. Pero, sobre todo, quiero que produzcan dinero. Montones de él». Claro que otra posibilidad es que el hijo haya heredado el talante embaucador del padre y que, en realidad, la barcaza solo contuviese cuatro chucherías.

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Post tags: aniversarios, Joe Corré, John Lydon, Londres, Malcolm McLaren, punk, Sex Pistols

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Yo pensaba (de leídas, siempre de leídas) que Arc era una especie de Metal Machine Music, un fuck off chirriante y amorfo sin mucho que disfrutar más allá del ruido y la disonancia. Algunos de ustedes me dirán que les encanta ponerse el Metal Machine Music de Lou Reed a la hora del desayuno, pero creo que ya nos entendemos: el caso es que no, que descubro a estas alturas que Arc es una pieza musical meditada, sugerente y nada excesiva, una especie de suite que demanda del oyente cierta paciencia pero en ningún momento aspira a apabullarle. Contiene momentos de evidente belleza, sobre todo los versos ocasionales de Love And Only Love y Like A Hurricane que salpican la composición, e incluso, como apunta el ilustre fan Julian Cope, esconde un breve pasaje humorístico en el que la banda se abandona a un ritmillo juguetón y a continuación se oye a Young pedir perdón. El propio artista definió Arc como «new age metal» y lo comparó con la película Viaje alucinante, por la idea de que durante 35 minutos nos miniaturizamos y nos aventuramos en el interior de un gigantesco acorde. Entiéndanme, no se parece a ninguna otra cosa de Neil Young e incluso se puede discutir si es o no es rock, pero a mí me ha gustado mucho. Ah, si son suscriptores, pueden leer este reportajito que le dediqué la semana pasada en Musi-K.

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El mes pasado se me pasó conmemorar el treinta aniversario del que, seguramente, es el disco más importante de mi vida. No se esperen una gran revelación o una muestra de exquisito gusto, porque el disco más importante de mi vida es un recopilatorio: en mayo de 1986 se editó Standing On A Beach, en el que The Cure repasaban su primera década, desde el pop-punk de Killing An Arab hasta el pop-pop de Close To Me, pasando por las oscuridades, las tecnificaciones y los jugueteos intermedios. Mi yo de 14 años lo compró por el final de la segunda cara, la apoteosis comercial, pero acabó enganchado irremediablemente a la primera, y creo que aquel álbum (reproducido hasta la extenuación, como era habitual en aquella época de paga escasa) decidió y orientó mis gustos posteriores. Una curiosidad: el viejo que aparecía en la icónica portada, de la que tienen un detalle arriba, era un pescador jubilado de Rye llamado John Button. Vamos a escuchar Charlotte Sometimes y seguimos debajo.

El caso es que dentro de un par de días cumple treinta años otro disco importante en mi juventud y, al menos, quería traerlo por aquí, para estremecernos todos juntos por el paso del tiempo. Se trata de The Queen Is Dead, que ha quedado como el álbum canónico de The Smiths. Lo cierto es que yo prefiero Meat Is Murder y, sobre todo, la recopilación de sencillos y grabaciones radiofónicas Hatful Of Hollow, pero a todo eso llegué retrospectivamente: descubrí a los Smiths con The Queen Is Dead y, concretamente, con su primer sencillo, que me sigue fascinando igual que entonces, cuando lo escuché por primera vez en Los 40 Principales. A lo mejor es que la sigo oyendo con los mismos oídos impresionables, pero Bigmouth Strikes Again me sigue pareciendo una canción tremendamente anómala: todo lo que hace Johnny Marr me suena distinto a otros guitarristas, pero más todavía en este tema, y recordemos que, en la letra, a Juana de Arco se le funde el walkman en la hoguera. Ah, la voz aguda y rara del fondo, aunque esté acreditada a una tal Ann Coates, es el propio Morrissey en versión trucada, y también hace coros Kirsty MacColl, aunque tengo la impresión de que lo suyo se limita al uh, uh que acompaña al solo de guitarra.

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