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Ningún fin de semana sin música: Concierto para piano y orquesta Nº 1 de Stenhammar

César Coca — Thu, 30 Sep 2021 10:00:43 +0000

Este año se han cumplido 150 desde el nacimiento de un compositor sueco llamado Wilhelm Eugen Stenhammar. No te culpo si no has oído hablar nunca de él. Yo lo descubrí más bien por casualidad hace unos pocos años. Estamos ante un músico que al parecer alcanzó una notable celebridad en su país y algunas de sus obras, según leo por aquí y por allá, están consideradas de las mejores en su género dentro del ámbito de la música escandinava. Pianista notable, era un gran admirador de la música alemana, sobre todo Wagner y Bruckner. Pero también formaba parte de una generación que usó la música para crear identidad nacional, al estilo de Sibelius y Nielsen.

Su música es el resultado de esa combinación. La obra que hoy les propongo es un claro ejemplo. Se trata del Concierto para piano y orquesta Nº 1 (la primera de sus obras que yo escuché), escrito en 1893, cuando el compositor tenía solo 22 años. La pieza es de una gran ambición: cuatro movimientos, amplia orquestación y una duración que según las versiones se sitúa entre los 45 y 50 minutos. No faltan quienes ven la influencia de Brahms y su segundo concierto. Es evidente que no estamos ante una obra comparable en cuanto a calidad. El Segundo de Brahms (como el Primero) es un trabajo extraordinario, uno de los grandes títulos del repertorio. Stenhammar no tiene tanto talento (con independencia de que además el hamburgués completó ese monumento musical en plena madurez, con casi 50 años. Y eso también se nota). Pero que Stenhammar no sea Brahms no significa que su música no sea atractiva y tenga interés. Para nada. Puede que no estemos ante una obra de gran originalidad, pero tiene momentos muy inspirados. Disfruten.

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Post tags: brahms, música escandinava

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Ningún fin de semana sin música: Balada op. 6 de Amy Beach

César Coca — Thu, 30 May 2019 10:00:41 +0000

La recuperación de la obra de Amy Beach es uno de los actos de justicia más notables que han emprendido intérpretes, sobre todo mujeres, en los últimos años. Amy Beach fue una niña prodigio que deslumbró a quienes la conocieron por sus habilidades al piano e incluso en la composición a una edad en la que la mayoría de las criaturas lo más asombroso que hacen es un puzle de veinte piezas. Casada con un hombre mucho mayor que ella que aceptaba que diera conciertos y compusiera, pero con un entusiasmo solo mediano, pudo desarrollar su carrera tras enviudar. A raíz de una gira por Europa, a comienzos del siglo XX, consiguió una fama notable en el Viejo Continente, sobre todo gracias a la Sinfonía Gaélica, una pieza de unos 40 minutos que fue la primera en su género que publicó una mujer en EE UU.

Algunos críticos ven en su música una influencia bastante clara de Brahms. Algo que, dicho sea de paso, sirve para apreciar el buen gusto de Beach. Esta Balada op. 6 para piano apunta a esa influencia. Se trata de una obra de un romanticismo tardío, que dibuja bien las melodías y desarrolla los temas de forma notable. Estoy seguro de que van a disfrutar con esta música, que fue estrenada en 1891, cuando su autora tenía 23 años y aún no había logrado abrirse un hueco en los auditorios de su país.

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Post tags: brahms, niña prodigio, oído absoluto

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Ningún fin de semana sin música: ‘Canon’ de Pachelbel

César Coca — Thu, 13 Dec 2018 08:00:33 +0000

Hace unos cuantos años, esta obra estuvo de moda. Muy de moda. No solo es que sonara en todas las bodas (desplazando a otros clásicos de estas ceremonias, como Bach, Brahms y algunos otros), sino que fue objeto de algunos arreglos y de versiones varias, para casi cualquier instrumento y plantilla instrumental. El Canon, que de esta obra se trata, es la pieza más conocida de Pachelbel, casi diría que la única conocida por muchos aficionados. Y eso que su autor forma parte de la generación anterior a la de Bach, Vivaldi, Albinoni, Marcello y otros con la que concluye el barroco. Para el tiempo de Pachelbel, las orquestaciones y juegos instrumentales tienen ya una notable sofisticación que preludia lo que se podrá escuchar apenas unos años más tarde.

Como saben, en música un canon es una pieza en la que una voz interpreta una melodía y compases después otras voces la repiten, creando con ello un juego de ecos. Hay unos cuantos ejemplos de canon soberbios, pero ninguno tan conocido como este. Les dejo con este paseo por el barroco, antes de que entremos en la Navidad con todas sus consecuencias. Incluso musicales.

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Ningún fin de semana sin música: Serenata para cuerdas op. 48 de Chaikovski

César Coca — Thu, 27 Sep 2018 10:00:27 +0000

Existe un buen puñado de grabaciones de la Serenata para cuerdas de Chaikovski, pero se programa muy poco en sala de conciertos. Imagino que al tratarse de una obra de una cierta duración (media hora más o menos), que requiere de pocos músicos, no resulta muy adecuada para una temporada de abono de una sinfónica. Y las orquestas de cámara que circulan por el mundo suelen centrar su repertorio en un período que va del último barroco al clasicismo. Es la misma causa por la que las Serenatas de Brahms se programan igualmente muy poco.

La de Chaikovski es perfectamente reconocible dentro de su catálogo. Ahí está un intenso primer movimiento, un elegante vals en el segundo (seguramente el fragmento más célebre), una melancólica elegía en el tercero y un tema inequívocamente ruso en el cuarto. La obra está compuesta justo antes de la Obertura 1812 y del Trío escrito en memoria de Nikolai Rubinstein, su profesor y mentor. Y justo después del Capricho italiano y del (para mí, injustamente poco frecuentado) Concierto para piano Nº 2. Es decir, esta Serenata está escrita en la mitad de un fructífero período creativo.

Les dejo el tercer movimiento, que es mi favorito. Disfruten.

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Post tags: brahms, Nikolai Rubinstein

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Ningún fin de semana sin música: Concierto para violín de Goldmark

César Coca — Thu, 23 Aug 2018 10:00:22 +0000

Karl (o Károly) Goldmark es uno compositor que corre el peligro de que lo olvidemos. Nacido en lo que ahora es Hungría en 1830, su trayectoria (larga para la época pues murió con 84 años) transcurre en su mayor parte por el Romanticismo. Dicho de otra forma, coincidió con Dvorák, Brahms, Chaikovski, Grieg, Verdi y también con Liszt, aunque era unos cuantos años mayor, y otros gigantes. Su música está teñida de elementos del folclore de su país pero es algo que apenas podemos apreciar porque… sencillamente no se toca.

En vida gozó de un éxito notable gracias a dos obras, una obertura titulada Sakuntala y la ópera La reina de Saba. Poco después del estreno de esta última escribió otra partitura que hoy es prácticamente la única que se interpreta muy de vez en cuando: su Concierto para violín y orquesta Nº 1, estrenado en 1877, un año antes que el de Brahms (eran amigos) y Chaikovski y dos antes que el Dvorák. La pieza ha sido interpretada y grabada por grandes del violín de generaciones ya desaparecidas, como Nathan Milstein y Jascha Heifetz y de otras que siguen en activo, como Sarah Chang, Itzak Perlman, Hilary Hahn, Joshua Bell y Baiba Skride. De todas formas, no es fácil hallarlo en versión discográfica y más complicado aún es poder escucharlo en vivo. Les dejo con su último movimiento en la versión de Milstein. Disfruten.

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Post tags: Baiba Skride, brahms, chaikovski, Dovrák, Hilary Hahn, Jascha Heifetz, liszt, Nathan Milstein, Sarah Chang, verdi

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Ningún fin de semana sin música: Sonata en si menor de Liszt

César Coca — Thu, 02 Aug 2018 10:00:45 +0000

Para comenzar agosto, he decidido proponerles una obra gigantesca: la Sonata de Liszt, una partitura de media hora de duración que se interpreta sin interrupción y que lleva al límite a los pianistas en numerosos momentos, hasta el punto de que en el año de su estreno, 1854, fue considerada la más difícil jamás escrita para el instrumento. Luego ha habido otras que se han apropiado de ese título, algunas de ellas concebidas más o menos expresamente para poner aún más dificultades a los intérpretes que aquella, como Islamey de Balakirev o Gaspard de la nuit de Ravel.

Liszt era un pianista extraordinario que, además de una técnica casi sobrehumana, tenía una capacidad de comunicación con el público como quizá nadie nunca antes había poseído. A su manera, y seguramente compartiendo el puesto con Paganini, fue el creador del fenómeno fan, y fueron innumerables los conciertos en los que suscitó una pasión descontrolada entre quienes lo escuchaban, sobre todo entre la damas.

La sonata es una obra compleja, que no sigue la estructura habitual del género. En el momento de su estreno fue acogida con opiniones muy diversas. Wagner la elogió. Clara Schumann, esposa de Robert (a quien está dedicada, dos años antes de la muerte de este compositor, cuando ya su mente había perdido contacto con la realidad), la consideraba una sucesión de ruidos. Brahms se durmió durante la interpretación del propio Liszt en el estreno (tenía 20 años, quizá estaba cansado por haber trasnochado). Hoy sorprenden las críticas. La Sonata es una pieza maravillosa, llena de ideas sorprendentes, con momentos de enorme lirismo y arrebatos de pasión que exigen una energía desbordante de quien se atreva con ella.

Les dejo la versión de Khatia Buniatishvili. Viendo y escuchando su interpretación no parece que a ella le falte esa energía. Disfruten.

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Ningún fin de semana sin música: Concierto para violonchelo y orquesta Nº 2 de Röntgen

César Coca — Thu, 01 Jun 2017 10:00:54 +0000

Julius Röntgen es uno de esos compositores que escriben música contra los críticos de su tiempo y los aficionados más exigentes, y les da lo mismo. Y no crean que dejó un catálogo pequeño. Porque ya me dirán si lo es uno que contiene 25 sinfonías, siete conciertos para piano, tres para violín y otros tantos para el chelo, y varios más para otros instrumentos, así como una cantidad enorme de música para piano, de cámara y canciones. Amigo de Brahms, Carls Flesch y Pau Casals, y de otros compositores e intérpretes de su tiempo, no supo evolucionar su lenguaje, que quedó anclado en el de Brahms en un momento en que ya -comienzos del siglo XX- se escribía de otra manera.

Es curiosa la influencia que Casals ejerció sobre él, porque siendo Röntgen un más que aceptable pianista -tocó con Brahms a la batuta el Concierto Nº 2 de este, que tiene una gran exigencia técnica- escribió varias de sus mejores obras para el violonchelo, en forma de sonata o de concierto. Un puñado de ellas fueron escritas o dedicadas o divulgadas por Casals. Este Concierto para violonchelo y orquesta Nº 2 que hoy les propongo fue escrito para el chelista catalán y destaca por su dramática introducción, que tiene el aire de una improvisación (y así aparece indicado en la partitura). Estoy seguro de que les va a gustar.

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Ningún fin de semana sin música: Concierto para violín y orquesta Nº 1 de Bruch

César Coca — Fri, 05 Aug 2016 10:10:09 +0000

Hay compositores magníficos que se han visto perjudicados por coincidir en el tiempo de su carrera con los más grandes de la Historia. Y así es muy difícil destacar, en su tiempo y para la posteridad. ¿Imaginan lo que tuvo que ser para un músico que viviera en Viena a comienzos del siglo XIX, donde reinaba con poder absoluto un tal Ludwig van Beethoven, tratar de llamar la atención de críticos y aficionados?

Algo así le sucedió a Max Bruch, nacido en 1838 y muerto en 1920. Prácticamente tenía los mismos años que Brahms, Dvorak, Chaikovski y Grieg y era solo unos pocos años más joven que Bruckner. ¿Y cómo competir con esos gigantes? Esa es la razón de que, teniendo un puñado de partituras muy notables, se interprete más bien poco fuera de Alemania. El primer concierto para violín, las Variaciones sobre Kol Nidrei, la Fantasía Escocesa y muy poco más. Incluso un concierto para dos pianos (con un excelente arranque, de los más hermosos del repertorio) que no es un género que pase inadvertido, se perdió y solo en fecha relativamente reciente fue recuperado y puesto en circulación. Para este fin de semana les dejo el tercer movimiento del Concierto para violín Nº 1, una obra del Romanticismo tardío. Disfruten.

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Ningún fin de semana sin música: Sinfonía Nº 4 de Brahms

César Coca — Fri, 22 Jul 2016 10:00:22 +0000

Entre mis mejores recuerdos musicales está uno que les voy a contar muy brevemente. Han pasado muchos años de ello, tantos como que yo era entonces estudiante de Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid. No sé muy bien cómo pero tres amigos conseguimos entradas para uno de esos conciertos históricos en el Teatro Real, aún no recuperado como escenario operístico; un concierto con Sergiu Celibidache como director. No recuerdo la orquesta, aunque creo que era la Filarmónica de Múnich, y no tengo ni la menor idea de lo que había en la primera parte, pero permanece grabada a fuego en mi memoria la obra de segunda: la Sinfonía Nº 4 de Brahms. En aquella época, cosas de la edad, no apreciaba demasiado a este compositor. Seguramente porque creo que para ello es preciso haber escuchado mucha más música de la que yo había conocido hasta entonces. Sin embargo, la interpretación me impresionó. Seguramente por ello, comencé a escuchar esa sinfonía con frecuencia hasta el punto de convertirse durante unas semanas en un fondo musical recurrente en mi habitación. Se la dejo para este fin de semana. Primer movimiento de la Sinfonía Nº 4 de Brahms en la batuta de Sergiu Celibidache al frente de la Filarmónica de Múnich. Disfruten.

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Ningún fin de semana sin música: Danza eslava Nº 1 de Dvorák

César Coca — Fri, 10 Apr 2015 10:00:12 +0000

Antonin Dvorák escribió la primera serie de Danzas eslavas cuando tenía 37 años y aunque su catálogo de obras ya era considerable estaba aún a la espera de un éxito que lanzara su carrera. Cuando en 1878 recibió el encargo del editor Simrock –el mismo que publicaba las piezas de Brahms; de hecho, fue este quien puso en contacto a ambos–, lo primero que hizo fue estudiar a fondo las Danzas húngaras del hamburgués.

Las Danzas eslavas –hubo una segunda colección ocho años después– no toman las melodías de forma tan directa como había hecho Brahms, pero sí recogen ritmos y formas de la música popular eslava. Así se hizo repetidamente en esos años en los que la música de marcado carácter nacionalista recibió un impulso por parte de gobiernos y grupos políticos de países que acababan de conseguir su independencia o querían consolidarla fijando también una cultura con rasgos propios.
Como sucedió con las Danzas de Brahms, Dvorák compuso inicialmente sus piezas para piano a cuatro manos pero de inmediato hizo las correspondientes versiones orquestales. Se da la circunstancia de que Brahms hizo lo propio solo con unas pocas de las suyas y otras fueron orquestadas por distintos compositores, Dvorák uno de ellos.
Les dejo con la Danza eslava Nº 1, una de las más populares. Una inyección de energía para empezar este segundo trimestre del año ahora que la semana de Pascua toca a su fin.
La versión es de Seiji Ozawa al frente de la Filarmónica de Viena.

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Post tags: brahms, dvorak, nacionalismo

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