Lo cierto es que la película dirigida por James Cameron sí ha sido la más taquillera de la historia del cine, siendo premiada con once Oscar por la Academia de Hollywood. Su tema musical estrella logró una popularidad similar.(...)
Read the rest of Celine Dion – My heart will go on (Mi corazón seguirá latiendo por ti) (Titanic) (2,112 words)

Al margen de las diferentes opiniones, lo que sí es cierto es que la obra interpretada originalmente por Celine Dion sí ha superado a sus antecesoras a la hora de trasladarse de la gran pantalla a bodas, funerales, días de los enamorados, karaokes, anuncios comerciales, nanas, sonidos relajantes, fondos musicales para hacer el amor… Vale para todo. Para todo sirve como banda sonora.

Nos encontramos ante la canción ideal para aquellos que siempre han soñado con un amor de película. A ellos, seguramente, ‘My heart will go on’ les marcó la vida. De hecho, desde aquel 8 de diciembre de 1997, cuando se lanzó el single en la esfera anglosajona, la cantante canadiense de origen francés se convirtió en Afrodita, la diosa del amor. Su voz ensoñadora consiguió entrar en los corazones de millones de personas.

La apreciación no es gratuita. Viene refrendada con los fríos datos que arrojó el mercado discográfico, que convirtió a Celine Dion en la mujer que prestó su timbre al single más vendido del año. Con el tiempo, llegó a ser uno de los más difundidos de todos los tiempos. Se contabilizaron quince millones de copias dando vueltas por todo el planeta. Es, por lo tanto, la canción interpretada por una mujer que consiguió mayor repercusión. Asimismo, está incluida en la lista de composiciones más importantes del siglo XX realizada por la Asociación Americana de la Industria Discográfica y por la Academia Nacional de las Artes estadounidense.

Los hit-parade también se rindieron a su talento. ‘My heart will go on’ alcanzó el número uno en Estados Unidos, Reino Unido, Suiza, Francia, Alemania, Holanda, Suecia, Bélgica, Dinamarca, Italia, Noruega, Irlanda, Australia, Austria, Grecia, Irlanda, Finlandia y, naturalmente, España. En todos permanceció en cabeza durante semanas. Asimismo fue elegido disco del año en Bélgica, Holanda, Suecia y Suiza.

También llovieron galardones. El tema se hizo con un Oscar, un Globo de Oro y cuatro premios Grammy –disco del año, canción del año, mejor interpretación femenina y mejor tema escrito específicamente para una película o televisión–.

La obra compuesta por James Horner y dotada por Will Jennings de una letra arrebatadora, sin lugar a dudas se ha erigido con justicia como uno de los temas cinematográficos más populares de todos los tiempos. Se puede afirmar sin riesgo de error que ya forma parte de la cultura musical universal. Pocos serán los mortales que no sean capaces de identificarla nada más escuchar sus primeros acordes.

La clave de su capacidad de adicción radica, en gran medida, en los arreglos y en una melodía que cautiva de manera instantánea. Si a ello se une la interpretación de Dion, esta obra queda enmarcada en un ambiente atrapante. Sus productores –Simon Franglen, Horner y Walter Afanasieff– lograron ensamblar todas las piezas de un proyecto irrefrenable.

Pero no todo surgió como estaba previsto. La idea original de Horner –fallecido el pasado verano en un accidente de avión– no contemplaba que ‘My heart will go on’ fuese el tema principal de la banda sonora de ‘Titanic’. De hecho, su intención primitiva era utilizar la melodía como el instrumental que adornara algunas de las escenas. Fue la calidad de la letra escrita por Will Jennings la que convenció al compositor.

Tampoco hubo acuerdo a la hora de elegir la intérprete. Tras debatir sobre diferentes nombres, finalmente la discusión se acotó a Whitney Houston, Toni Braxton y Céline Dion. Las dos primeras no estaban disponibles por aquellas fechas y fue Dion quien se convirtió en ‘la voz’ de ‘Titanic’.

Sin embargo, cuando escuchó el tema en un sólo de piano a manos de Simon Franglen, la francocanadiense tampoco quiso registrar la partitura compuesta por Horner. Al final fue su manager y esposo, Rene Angelil, recientemente desaparecido, quien la convenció para grabarla en el estudio The Hit Factory, de Wallyworld, en Nueva York.

«Gracias a Dios que nadie me hizo caso en ese momento. La verdad es que, en un principio, no me gustaba la canción. No estaba segura», aseguró Dion en una entrevista concedida a un programa de la BBC. «Anteriormente había probado con otro tema para una película y la experiencia no fue buena. Pensé que era forzar la situación, pero mi esposo me motivó a hacer por lo menos un demo, que terminó siendo el tema de ‘Titanic’. Luego la he vuelto a cantar unas tres millones de veces. Es un bonito problema formar parte de un clásico y saber que vas a morir con él», dijo con tono irónico.

Quedaba por superar la traba del director de la película, James Cameron, nada partidario de que una canción sonara en los créditos finales. Temía las críticas por comercializar el final del filme. Pero él también cayó rendido ante la interpretación de Dion, quien alcanza graves que no sonarían tan mundanas en una soprano y agudos que logran resonancia sin apenas esfuerzo. Todo gracias a su excelente técnica vocal que podemos ver en el vídeoclip oficial dirigido por Bille Woodruff y que combina imágenes de ‘Titanic’ con la interpretación de Celine Dion.

La voz de la diva canadiense fue el complemento perfecto para una melodía que contenía elementos de música celta inspirados en la canción ‘Flying dutchman’ de Jethro Tull, sonidos orquestales y tonos de sintetizadores, sin olvidar la magistral inserción de los coros.

LETRA

Cada noche que pasa en mis sueños te veo,
te siento allí conmigo,
así es como sé que no me has abandonado

Más allá de los límites de la distancia
y espacios incomprensibles que nos separen,
has venido a mostrar que no existen barreras

Cerca, lejos, dondequiera que te encuentres,
creo que el corazón sigue latiendo.

Una vez más, llegas cruzando esos obstáculos
y te encuentras aquí dentro llenando mi pecho
y mi corazón te seguirá amando sin descanso

El amor puede tocarnos una sola vez en la vida
y acompañarnos por el resto del trayecto,
y jamás dejarnos hasta el fin de nuestro camino
El amor estaba presente cuando me entregué,
un tiempo de la realidad al que sigo aferrada,
y mientras tenga vida siempre seguiremos así

Vivo, o en el más allá, dondequiera que estés,
creo que al corazón no le importa eso para amar
(A qué se deberá que el corazón se comporte así)
Una vez más, en mis sueños despiertas mi fuego
y sigues aquí dentro de mis entrañas clavado,
y mi ávido corazón no se cansa de resguardarte

¡Amor estás aquí, no hay nada que temer,
porque sé que mi corazón seguirá encendido!
¡Nos mantendremos juntos, así para siempre!
¡Sabes que ocupas un lugar seguro en mi ser,
y mi corazón nunca se cansará de amarte!

La letra, aparentemente, nos relata un episodio de amor. Pero, si interpretamos algunas de las expresiones, podemos llegar a pensar que en el fondo ‘My heart will go on’ trata también de la soledad, del dolor que provoca un sentimiento que persiste y hace referencia a alguien que ya se fue. Sólo el corazón mantiene lo contrario. Su autor, Will Jennings, confesó que la había escrito desde «el punto de vista de alquien que ya en la vejez mira hacia atrás buscando revivir su pasado».

DISCREPANCIA CON KATE WINSLET

La sobrexposición soportada por ‘My heart will go on’ ha llegado a saturar los oídos de muchos amantes de la música popular. Es lo que le ocurrió a Kate Winslet, protagonista de ‘Titanic’ junto con Leonardo di Caprio. La actriz declaró hace unos años que estaba hastiada de escuchar la canción principal de la banda sonora de la película.

«Me encantaría poder decir: ‘¡Escuchen todos! ¡Es la canción de Celine Dion!’, pero no puedo. Simplemente me siento mal, me pongo seria e intento ocultar mi fastidio. Creo que no debería confesar este tipo de cosas, pero es cierto, cada vez que la oigo, siento ganas de vomitar. Dios te bendiga, Celine, pero realmente la canción me tiene harta”, afirmó Winslet.

Algunos medios de comunicación aprovecharon sus palabras para intentar generar una polémica entre la británica y Celine Dion. Pero la francocanadiense demostró estar dotada de un gran saber estar y se limitó a asegurar que ‘My heart will go on’ le dio la oportunidad de unirse «a un clásico que vivirá para siempre. Si contara las veces que la he cantado, quizá también me pondría enferma, pero sigo orgullosa de cantarla». Sobre Winslet añadió: «Si Kate se pone mala y siente ganas de vomitar cuando la escucha, me alegro de que no sea ella la que la tiene que cantar».

ANÉCDOTA

Cuando el crucero ‘Costa Concordia’ se estrelló contra las rocas en la isla italiana del Giglio el 13 de enero de 2012, con el fatal desenlace de la perdida de una treintena de vidas, en la fiesta que se celebraba a bordo en el momento del accidente sonaba ‘My heart will go on’. Faltaban tres meses para el centenario del hundimiento del ‘Titanic’.

VERSIONES

Auténtico delicatessen es la interpretación del violinista ANDRÉ RIEU. Aquí podemos verlo en un concierto ofrecido en Montenegro.

La grecogermana VICKY LEANDROS grabó en 1998 ‘My heart will go on’ en alemán, con el título ‘Weil mein herz dich nie mehr vergisst’.

KENNY G. firmó una visión instrumental de la balada basada en su tradicional saxofón y en el violín.

El grupo mexicano GUARDIANES DEL AMOR interpretó en castellano el tema que analizamos hoy. Bajo el título de ‘Mi corazón continuará’ la publicó en 2004.

Los cuatro cantantes de IL DIVO unieron sus voces para interpretar la canción en italiano. ‘Il mio cuore va’ salió al mercado en 2012 con gran repercusión.

BIOGRAFÍA

Céline Marie Claudette Dion será identificada con ‘Titanic’ el resto de, esperemos, su larga vida. Es más, muchos de sus actuales seguidores no conocen apenas nada de su trayectoria anterior. Su condición de diva y el hecho de haber vendido cien millones de álbumes en todo el mundo podrían eclipsar los primeros pasos de esta mujer nacida en Charlemagne, Quebec, el 30 de marzo de 1968.

Es la pequeña catorce hermanos. Su madre era violinista, condición que marcó el acercamiento a la música de la posteriormente estrella. De hecho, junto al resto de la familia, conformaba una banda que tocaba en clubes locales durante los fines de semana. En ella debutó como cantante a los 5 años.

A medida se cumplía años se afianzaba su voz y aprendía a controlar los tonos graves y agudos. Fue descubierta a los catorce, gracias a un tema compuesto por su madre y su hermano Michael. Grabó una maqueta, que fue enviada por correo a una dirección que encontraron en la parte de atrás de un disco del cantante francocanadiense Ginette Reno.

El cassette llegó a manos de René Angelil, quien más tarde se convertiría en mánager y marido de Celine. Éste quedó tan impresionado por su voz que la contrató para lanzar su primer álbum. Angelil incluso tuvo que hipotecar su casa para financiarlo. Se erigió como su Pigmalión y desde entonces se dedicó en exclusiva a convertirla en una estrella. Corría el año 1981.

El LP hizo que el público canadiense conociera el talento de Celine Dion. Los trabajos que llegaron a continuación, también interpretados en francés, la dotaron de reputación y la llevaron a ganar numerosos premios. Viajó a Japón, cantó para el Papa Juan Pablo II cuando visitó Montreal en 1984 y representó a Suiza en la edición de Eurovisión de 1988, imponiéndose en el certamen.

Su definitivo lanzamiento internacional tuvo lugar en 1990, cuando publicó su primer álbum en ingles. Este plástico supuso realmente el comienzo de la gran carrera de Dion que hoy conocemos. Un año más tarde interpretó la canción de la película de Disney ‘La bella y la bestia’, que le abrió las puertas de Hollywood y, desde entonces, ha sido habitual su presencia en las bandas sonoras de las grandes producciones cinematográficas.

El paso definitivo hacia la fama lo dio gracias a ‘The power of love’, tema que popularizó en 1985 Jennifer Rush y que Celine Dion versionó en 1993. Desde entonces era ya la diva que todos admiramos. ‘Falling into you’ (1996) la hizo conquistar todos los mercados y un Grammy. Tenía ganas de tomarse un descanso, pero su discográfica le urgió a grabar ‘My heart will go on’, cuyas ventas llegaron a producir 65 millones de dólares.

Desde entonces nada ha sido igual. Su popularidad ha traspasado todas las fronteras de lo imaginable. Pese a ello, sus trabajos no han bajado de calidad y sigue mostrando su profesionalidad, tanto en los estudios de grabación como en los escenarios. Su voz, grande, trágica y potente, y la inteligente selección de los temas garantizan el mantenimiento de su alto nivel durante muchos años.

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Ante todo nos encontramos con una gran canción de amor, de amor tóxico, de una trama de seducción y obsesión que nació al abrigo de la noche, escenario ideal para su desarrollo. Isaak la compuso a altas horas de la madrugada, según ha asegurado siempre. Sólo entonces, sin la cordura que garantiza el sol, afloraron sentimientos irracionales que desembocaron en un himno a la locura insomne. (...)
Read the rest of Chris Isaak – Wicked game (Juego perverso) (1,440 words)

En su letra el estadounidense nos describe varios estados de ánimo, diferentes sensaciones que van desde el enfado a la intensidad, pasando por la tensión. Pero todo sin olvidar nunca esa sensualidad húmeda que busca la luz como una liberación, como una redención.

Es un viaje evocador al infierno, con el alba como límite, que viene a asegurar que todo el mundo quiere amar a alguien. Que todos, como mínimo, soñamos con ese amor que hace que todo lo que venga después pierda interés. Eres consciente de que te romperá el corazón, de que es una gran mentira, de que serás utilizado… No obstante, te entregas a él, como un suicida romántico dispuesto a ser sacrificado por las llamas de algo que sabes efímero… Y, sin embargo, tan intenso.

Será el mensaje, será la música, quizá la sensación de ingravidez que provoca, pero lo cierto es que la voz de Chris Isaak te hace soñar, perder la racionalidad y sumirte en un nirvana en el que el amor, aunque no sea real, domina tu mente.

Incluso los más cerebrales son víctimas de este tipo de sentimientos hacia personas vampiro a las que ofrecemos nuestro cuello para ser mordido. Saltamos al vacío de forma voluntaria, sólo a cambio del placer del momento. Nuestro lado animal neutraliza el sentido común.

“Recuerdo que me llamó una chica y dijo ‘quiero ir y hablar contigo hasta que no puedas refrenarte’. Al colgar, supe que me había metido en problemas, que la palabra ‘hablar’ era un mero eufemismo y que ‘moriría’ esa noche. Pero no me negué. Mientras ella llegaba, escribí la canción. Cuando finalmente apareció en mi casa, se decepcionó porque me vio más excitado por haber compuesto el tema que por verla», relató el autor hace unos años.

Erotismo y romanticismo a partes iguales para decorar una historia de amor no correspondido contada sin igual mediante esta obra mayúscula, un tema magnético que evoca el fuego de la pasión, del deseo, de la furia, de la lujuria desatada…

El soporte melódico de ‘Wicked game’ descansa sobre una buena intro acústica que desemboca sobre una red de acordes repetitivos engarzados por el productor Eric Jacobsen. El místico solo de la Fender Stratocaster, interpretado por James Calvin Wilsey, logró un efecto sugestivo gracias a un tono sombrío que remarca la desgarradora letra y dibuja el escenario de desamor que preside este tema que ha marcado la carrera del norteamericano.

Esas notas metálicas y agudas de guitarra son inolvidables, como inconfundibles resultan también los graves del bajo y el respaldo de la batería, todos sampleados de grabaciones anteriores y luego enlazados en bucle. Todos ellos constituyen el escenario armónico que acoge la voz susurrante que desde la garganta de Isaak nos traslada su lamento.

http://youtu.be/XXmlJQN5Pm8

LETRA

El mundo ardía y nadie
podría salvarme salvo tú
es extraño lo que el deseo
puede hacer a la gente estúpida

Nunca soñé que conocería
a alguien como tú
y nunca soñé que perdería
a alguien como tú

No quiero enamorarme
(esta chica sólo va
a romper mi corazón)

No quiero enamorarme
(esta chica sólo va
a romper mi corazón)

Contigo, contigo

Qué juego perverso juegas
para hacerme sentir así
qué cosa infame haces
para hacer que sueñe contigo
qué juego perverso
qué cosa infame haces
para que sueñe contigo

No deseo enamorarme
(este mundo es sólo
para romper mi corazón)
no, deseo enamorarme
(este mundo es sólo
para romper mi corazón)

Nadie, ama a nadie.

VÍDEO

El éxito de ‘Wicked game’ no vino sólo de la mano de su gran calidad artística. En él influyó mucho sus puestas en escena audiovisuales. El videoclip oficial contribuyó en gran medida, sobre todo por la presencia en él de la top model Helena Christensen. Isaak y la danesa firmaron una de las grabaciones musicales más sexys de todos los tiempos. Inolvidables las imágenes en las que los protagonistas de esta historia se intercambian cariño en la playa.

Fue rodado en blanco y negro en Hawaii por el fotógrafo Herb Ritts, quien consiguió un clima profundamente sensual y artístico sin caer en el escándalo. Fue, sin duda, un gran trabajo, tanto a nivel de composición como visual. Logró una atmósfera hipnótica poco habitual en el género.

Por todo ello, en la edición de los premios de la cadena de televisión musical MTV de 1991 se llevó los galardones al mejor vídeo de un cantante masculino, a la mejor obra cinematográfica musical y al mejor vídeo de una banda sonora.

Existe una segunda versión del videoclip, menos conocida, dirigida por David Lynch, que incluía escenas extraídas de la película ‘Corazón salvaje’, de la que hablaremos a continuación.

CINE

‘Wicked game’ salió al mercado en 1989, pero su romanticismo rockero no logró meterse al público en el bolsillo hasta un año más tarde. Ocurrió cuando una versión instrumental del tema fue incluida por David Lynch en la banda sonora de su filme ‘Corazón salvaje’.

Lee Chesnut, director de una cadena de radio de Atlanta que estaba obsesionado con la obra del cineasta de Montana, comenzó a emitir ‘Wicked game’ de forma repetida hasta que consiguió que alcanzara el top 10 estadounidense en enero de 1991. Finalmente se quedó en el puesto número seis de la lista Billboard Hot 100.

El tema compuesto por Isaak también llegó a la gran pantalla en la producción de Brett Ratner ‘Hombre de familia’ (2000) y en la película de Ridley Scott ‘Los impostores’ (2003), ambas protagonizadas por Nicolas Cage. En el mundo de la televisión apareció en dos episodios de la serie juvenil ‘Sensación de vivir’ y también uno de ‘Melrose place’ y en otro de ‘Friends’.

Recientemente la afamada película ‘Cincuenta sombras de Grey’ también recurrió a este tema, aunque en la versión de Carolina Wallace.

VERSIONES

‘Wicked game’ ha inspirado a un sinfín de artistas de distintos géneros que se han atrevido a dar su visión.

Fue muy difundido el cóver firmado por la banda seudogótica finlandesa HIM (His Infernal Majesty). Puro metal progresivo que convirtió la obra original en algo totalmente nuevo.

Más comercial, y con mayor dosis de azúcar, es la revisión realizada por IL DIVO. La retitularon ‘Melanconia’ (Melancolía).

Fue muy bien recibida por Chris Isaak. «Estoy muy satisfecho, es una versión fantástica. Mi madre, que aprendió a hablar italiano antes que inglés y los adora, me regaló una copia», afirmó en una entrevista.

La neoyorquina LANA DEL REY dio su toque a ‘Wicked game’.

El desaparecido conjunto R.E.M. también incorporó el tema a su repertorio en directo.

Hay también versiones en alemán, sueco, suomi… y de grupos y artistas como Tangerine Dream, Blonde Addiction, Nine Lives, Pipilotti Rist, Nat Simmons, Three Days Grace, London Grammar, Corey Taylor, Paal Flaata, Final Djs o La Ley, entre muchos otros.

BIOGRAFÍA

El californiano CHRIS ISAACK (Stockton, 1956) dio sus primeros pasos profesionales en 1984 gracias a un contrato con la multinacional WEA. Su primer larga duración, que llegó al año siguiente, sirvió para que comenzara su idilio con el público, después de que dos de los temas que incluía -‘Gone ridin’ y ‘Livin’ for your lover’- llamaron la atención de David Lynch, que los incorporó a la banda sonora de su película de culto ‘Blue velvet’.

Isaak estaba condenado a entrar en el séptimo arte. Había soñado con el cine desde su infancia. De hecho, quiso ser actor hasta que se cruzó con un disco de Elvis Presley. Luego descubrió también a Jerry Lee Lewis y, definitivamente, se pasó a la música.

Pero no por ello abandonó su afición a la gran pantalla y ha sabido moverse con acierto en ambos campos. Incluso su producción musical ha sonado siempre a rock clásico, del que salía en las películas antiguas.

Casi todas sus producciones han aportado algún tema al mundo del cine y la televisión. ‘Detective privado’, la mencionada ‘Corazón salvaje’, ‘El silencio de los corderos’, ‘El pequeño Buda’, ‘Deseando libertad’, ‘Twin peaks’, ‘Friends’, ‘De la tierra a la luna’, ‘Eyes wide shut’, ‘The late late show with Craig Kilborn’, ‘Amor a quemarropa’… le han incorporado a sus créditos, bien como autor de alguna de las canciones de sus bandas sonoras o como integrante de su plantel de actores.

Y así, disco a disco, filme a filme, Isaak ha esculpido una trayectoria de calidad innegable, que le ha llevado a ser considerado un clásico del rock y del celuloide. Con más de una docena de LP’s en su bagaje encontramos, además de ‘Wicked game’, canciones imprescindibles como ‘Blue hotel’, ‘San Francisco days’, ‘Baby did a bad bad thing’ o ‘Think of tomorrow’. Actualmente sigue en activo y aún continúa diversificando su carrera.

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El tema original llegó a Estados Unidos de la mano de otro histórico crooner, Paul Anka, que por 2.000 dólares compró los derechos de la obra de François tras escucharla durante unas vacaciones en la tierra de los galos. Cambió su letra y hasta rehízo la música para transformarla en la obra que alcanzó la trascendencia que hoy goza. El canadiense, consciente de su potencial, se lo ofreció a Sinatra durante una cena en Florida y el italonoamericano acabó por redondear el producto con su garganta. La transacción se cerró por 40.000 dólares. Ahora es imposible calcular el dinero que obtuvo Sinatra con su explotación. Millones y millones.(...)
Read the rest of Frank Sinatra – My Way (A mi manera) (1,326 words)

‘My Way’ dio a Sinatra algo más que dinero. Por aquella época atravesaba uno de los momentos más duros de su carrera por el auge del rock, la estelar irrupción de The Beatles y la eclosión musical de los sesenta unida al movimiento hippy. Dicen que incluso llegó a barajar la posibilidad de retirarse. «Me salgo del negocio, estoy harto de esto», confesó a Anka, según desveló éste en una entrevista de 2007. Afortunadamente no lo hizo. Se apoyó en el sonido melódico de ‘My Way’, algo más moderno del que era habitual en su repertorio inicial, para volver a lo más alto. Ya nunca más se bajó del trono.

Aunque ‘My Way’ jamás estuvo en los puestos de cabecera de las listas de éxito de 1969 –cuando salió al mercado–, sí se ancló en ellas durante más de un año. Desde entonces la creación más representativa y emblemática de La Voz es considerada una de las creaciones musicales más hermosas de todos los tiempos. Todos conocemos ‘My Way’, todos hemos intentado entonarla alguna vez, todos reconocemos su calidad y hasta todos, aunque no lo admitamos en público, nos hemos visto alguna vez emocionados por sus notas.

Porque es la banda sonora de la historia de la música contemporánea siempre estará ahí por mucho que los años pasen. La trascendencia de este icono y su conversión en un símbolo musical y cultural en todo el mundo son tales que el Gobierno soviético de Mijaíl Gorbachov se refería a su política de no intervencionismo en los asuntos internos de los demás miembros del Pacto de Varsovia como la ‘doctrina Sinatra’, cada uno a su manera.

Aunque la composición primitiva de Claude François se refería a la reciente ruptura sentimental del artista con la también cantante France Gall, la adaptación de Anka versa acerca de un hombre que reflexiona sobre su vida con un amigo cuando se acerca a la muerte. Nos habla de opciones y del modo de decidir sobre ellas. A lo largo de nuestra existencia estamos obligados a elegir entre muchas alternativas. Cada una marca nuestro futuro. Cada determinación nos obliga a definirnos y escoger nos lleva a avanzar en nuestra evolución personal.

La vida es tan fácil como difícil, pero se convierte en muy complicada si nos engañamos a nosotros mismos. Las cosas podemos contarlas con mil verbos, pero el relato más válido es siempre el que realizas a tu manera. Los desafíos hay que resolverlos con nuestros propios medios. ‘My Way’, por tanto, es un culto a la personalidad. La ‘doctrina Sinatra’ exige ser también uno mismo cuando llega la hora de afrontar dificultades. ‘My way’ no deja de ser un ejercicio de autoayuda que apuesta por el valor de seguir un camino propio.

Y ahora el final está aquí,
y entonces enfrento el telón
mi amigo, lo diré sin rodeos,
hablaré de mi caso, del cual estoy seguro

He vivido una vida plena,
viajé por todos y cada uno de los caminos
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Arrepentimientos he tenido unos pocos
pero igualmente muy pocos como para mencionarlos
hice lo que debía hacer
y lo hice sin exenciones

Planeé cada programa de acción,
cada paso cuidadoso a lo largo del camino
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Sí, hubo oportunidades,
estoy seguro que lo sabían,
cuando mordí
más de lo que podía masticar

Pero al final,
cuando hubo duda,
me lo tragué todo y luego lo dije sin miedo
lo enfrenté todo y estuve orgulloso,
y lo hice a mi manera

He amado, he reído y llorado
tuve malas experiencias, me tocó perder
y ahora, que las lágrimas ceden,
lo encuentro tan divertido

Pensar que hice todo eso
y permítanme decir, sin timidez,
‘oh, no, oh, no, a mí no, yo sí lo hice a mi manera’

Pues, ¿qué es un hombre? ¿qué es lo que ha conseguido?
si no es a sí mismo, entonces no tiene nada
decir las cosas que realmente siente
y no las palabras de alguien que se arrodilla

Mi historia muestra que asumí los golpes
y lo hice a mi manera

Sí, fue a mi manera

VERSIONES

Sinatra canta ‘My Way’ como nadie, pero son muchos los que, sin éxito, han tratado de emularle. De hecho se dice que es una de las canciones más versionadas de la historia. Sin embargo, La Voz será muchas veces imitado, pero nunca igualado.

Justo parece empezar con la canción original francesa que inspiró el tema que analizamos. Recordemos que la interpretó CLAUDE FRANÇOIS en 1967, bajo el título ‘Comme d’abitude’.

También parece obligado incorporar la adaptación que hizo PAUL ANKA. El canadiense la grabó hasta tres veces: en 1996 haciendo dúo con Gabriel Byrne para la película ‘Mad Dog Time’, en 1998 junto a Julio Iglesias y en 2007 con Jon Bon Jovi.

Entre quienes interpretaron ‘My Way’ asimismo estuvo el gran ELVIS PRESLEY.

http://youtu.be/emSUMawB3Wo

La argentina ESTELA RAVAL, antigua voz de Los Cinco Latinos, asegura que fue la primera en grabar el tema en castellano en 1970. Lo tituló ‘A mi modo’.

Por último, veamos cómo ANDRÉS CALAMARO convirtió la canción en un reggae.

La lista de los que han interpretado la composición de François-Anka es interminable. He aquí algunos nombres: Radiohead, Ray Coniff, Celine Dion, Gipsy Kings, Tom Jones, Pearl Jam, Il Divo, Charles Aznavour, Ana Gabriel, Aretha Franklin, Arturo Sandoval, Barry Gibb, Bert Kaempfert, Banda Toro, Bethelem, Björn ‘Speed’ Strid, Bertín Osborne, Cacho Castaña, Carlos Torres Vila, César Costa, Cheo Feliciano, Christopher Lee, Cliff Richard, El noi del sucre, Florent Pagny, Franck Pourcel, Frankie Laine, Glen Campbell, Green Day, Greta Keller, Joan Baez, José Carreras, José José, Kalimba Marichal, Kanye West, Khaled, Los del Fuego, Los Panchos, Los Piratas, Luciano Pavarotti, María Marta Serra Lima, Manolo Muñoz, Michel Sardou, Mireille Mathieu, Mika Nakashima, Nana Mouskouri, Nina Hagen, Nina Simone, Northern Kings, Paska, Paul Potts, Pearl Jam, Plácido Domingo, Pocho La Pantera, Polysics, Raphael, Richard Clayderman, Robbie Williams, Sandro, Sex Pistols, Shane MacGowan, Shirley Bassey, Sid Vicious, Siempre Así, Simon Cowell, The Strokes, Tom Jones, True Symphonic Rockestra, Vicente Fernández…

El mundo de la PUBLICIDAD ha recurrido en numerosas ocasiones a ‘My Way’. Como ejemplo, este anuncio de un vehículo.

http://youtu.be/OrIRuWUTNuI

FRANCIS ALBERT SINATRA es, junto a Elvis Presley, el solista que más popularidad alcanzó a lo largo del siglo XX. Aunque lo mejor de su carrera lo ofreció en los años cuarenta y cincuenta, su trayectoria profesional se extendió hasta prácticamente su muerte, en 1998. Grabó más de 1.300 canciones y participó en medio centenar películas, además de recibir multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammy, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del Gobierno estadounidense. Como actor destacó por su gran actuación en la película ‘De aquí a la eternidad’, con la que obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto en 1953.

‘La Voz’ nació en 1915 en Hoboken, New Jersey, en el seno de una humilde familia de origen italiano. Inicialmente actuó como cantante de orquestas como las de Harry James y Tommy Dorsey, hasta que a finales de los treinta se convirtió ya en ídolo gracias a su voz melódica y los temas románticos que interpretaba. En los cuarenta comenzó a compaginar la música con el cine a través de un camino paralelo que prolongó hasta prácticamente su fallecimiento a causa de un ataque al corazón.

Durante su carrera lideró el célebre grupo de crápulas Rat Pack, formado por Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford, Shirley MacLaine, Angie Dickinson o Joey Bishop. Además fue colega de algunos de los mafiosos más célebres del momento.

Canciones como ‘My Way’, ‘Strangers in the Night’, ‘New York, New York’ o ‘I”ve got You under my Skin’ son reconocidas mundialmente y forman parte del acerbo cultural de todos los amantes de la música.

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The Moody Blues fusionó en más de siete minutos de la versión original rock, música clásica, sonidos tradicionales europeos y unos primeros pasos de la era electrónica con sus raíces de rythm and blues para ofrecernos unas noches envueltas en blanco satén que han hecho soñar a muchos a lo largo de las últimas cinco décadas. Supuso un revulsivo para un genero conceptual emergente que era difícil de extender, al tiempo que extendió el uso del mellotron –un teclado que podía simular el sonido de instrumentos de cuerda– y el traslado del peso de la melodía hacia el universo de los teclados.

Su éxito radicó en el hecho de que supo convertir aquel estilo que compartía con otros grupos en un canción accesible para el gran público y que el paso del tiempo ha demostrado inolvidable. Su impecable confección, con el grado de dulzura edulcorante muy medida y con arreglos increíbles, permitió incluso que en 1972, cinco años después de salir al mercado, volvió a ser reeditado el single con motivo del la mayor efervescencia del pop sinfónico con igual o mayor repercusión.

Basta con cerrar los ojos para transportarnos a esa noche del pasado que nos describía la banda inglesa, con la magia de sonar como algo enorme. Pero no son los instrumentos los que llegan a una potencia increíble, sino que es toda la música en sí. «Noches de blanco satén que nunca terminan, carta escritas que nunca llegan, ojos bellísimos que se van muy lejos, sentimientos que se olvidan, traiciones que se perdonan…»

Dentro de la estructura del álbum ‘Days of future passed’, empeñada en describir con la ayuda de la London Festival Orchestra el acontecer rutinario en un día cualquiera y en lo que inicialmente debía ser una nuestra versión de la ‘Sinfonía del nuevo mundo’ de Dvorak encargada por la discográfica Decca rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los nuevos estudios, ‘Nights in white satin’, escrita por Justin Hayward, nos traslada, lógicamente, a la noche con un armazón semejante a las bandas sonoras, donde la música y la narrativa tienen una descripción casi cinematográfica.

‘Night in white satin’ es la obra suprema de The Moody Blues, por la que son y serán recordados por varias generaciones y por la que también les descubrirán quienes aún no han llegado a este mundo. Sin duda, uno de los temas más pinchados, radiados, cantados y versionados de la historia.

Pero su irrupción no fue fácil, ya que su larga duración inicialmente la descalificaba para las radios y para los singles que dominaban en aquella época. Pero, contra todas las reglas de la música pop, triunfó. Hasta en Estados Unidos, más receptivos a obras sencillas. Para ellos inicialmente era muy larga y lenta. La versión original tenía una duración de 7.38 minutos. Posteriormente se lanzó la que ofrecemos hoy, que se dejó en 4.26 minutos.

Dicen que gran parte de culpa del triunfo al otro lado del Pacífico la tuvo un DJ de Seattle, que durante su turno quiso salir a fumar fuera de la cabina y puso el disco de más duración que tenía. Entusiasmo a sus oyentes.

En Europa lo tuvieron más fácil e incluso el cantautor francés Leo Ferré hizo referencia a ‘Noches de blanco satén’ en la letra de su canción ‘C’est extra’, de 1969. «Una chica que baila un tema inglés es extra. Un Moody Blues que canta de noche como un satén de blanca desposada es extra», decía.

Los propios ‘moodies’ inicialmente no fueron conscientes de lo que habían generado. En un entrevista de muchos años atrás su bajo John Lodge dijo que la primera vez que se dieron cuenta fue al escuchar un grabación realizada en la BBC antes de sacar el disco. «Estábamos tan entusiasmados…», dijo.

Noches de blanco satén, que nunca se acaban
cartas que he escrito, nunca con intención de enviar
belleza que debería haber añorado, con esos ojos, antes
simplemente qué es la verdad, ya no lo puedo decir
porque te quiero, sí, te quiero, oh, cómo te quiero

Observando a la gente, algunos de la mano
por lo que estoy pasando, ellos no lo entienden
algunos intentan contarme reflexiones que no pueden defender
exactamente lo que quieres ser, es lo que serás al final
y te quiero, sí, te quiero
oh, cómo te quiero, oh, cómo te quiero

Noches de blanco satén, que nunca se acaban
cartas que he escrito, nunca con intención de enviar
belleza que debería haber añorado, con esos ojos, antes
simplemente qué es la verdad, ya no lo puedo decir
porque te quiero, sí, te quiero, oh, cómo te quiero

Respiración profunda
la melancolía creciente
ver las luces apagarse
en cada habitación
gente que vive en hostales
mira hacia atrás y lamentan
otro día inútil
energía gastada

Amantes desapasionados
luchan unidos
el hombre solitario llora por amor
y no tiene ninguno
nueva madre levanta
y da de mamar a su hijo
los ciudadanos mayores
desearían ser jóvenes

Orbe de corazones fríos
que gobierna la noche
borra los colores
de nuestra vista
rojo es gris y
amarillo, blanco
pero nosotros decidimos
cuál es el correcto
Y cuál es una ilusión

VERSIONES

Las revisiones realizadas a lo largo de su historia de ‘Nights in white satin’ son incontables. Destacamos, por ejemplo, la firmada por ERIC BURDON AND WAR en 1970.

IL DIVO la retituló ‘Notte di luce’.

NANCY SINATRA incluyó la canción en un álbum de 1995.

En castellano tuvo cierta repercusión la ‘traducción de LORENZO SANTAMARÍA.

http://youtu.be/6fINLSyoSkQ

RAFA BLAS, ganador del concurso ‘La Voz’ incluyó en su primer disco la versión en castellano del clásico de The Moody Blues.

Entre otros muchos también interpretaron el tema Franck Pourcel, Nomadi, Dalida, Deodato, Giorgio Moroder, The Dickies, Marie Laforêt, The Shadows, Jacky Cheung, James Last and Orchestra, David Lanz, Alain Bashung, Sandra, Jennifer Rush, Mario Frangoulis, God is an Astronaut, Declan, Glenn Hughes, Tina Arenam Midnight Movies, Collide, Bettye LaVette, Los Memphis, Los Faros, Alfonso Pahino…

La banda THE MOODY BLUES estuvo integrada en su formato más clásico por Justin Hayward (guitarra), John Lodge (bajo), Michael Pinder (teclados), Denny Laine (voz), Ray Thomas (flauta) y Graeme Edge (bateria). Una composición que tenía la anormal costumbre de que todos componían y de que todos cantaban sus obras particulares.

Arrancaron su caminar en Birmingham durante 1964 basados en un rythm & blues típico de la época, pero con la incorporación de Lodge y Hayward se convirtieron en devotos de un rock ambicioso que tuvo su máxima expresión en su segundo álbum ‘Days of future passed’, considerado el primero conceptual de la historia del rock y creado junto a la London Festival Orchestra.

El éxito les permitió lanzar nuevas obras, con menor repercusión pero bien acogidas, hasta que en 1974 optaron por poner fin a su aventura, aunque puntualmente se reunieron varias veces y su producción discográfica continuó hasta 2001. No obstante, la grandeza músico-vocal de los setenta nunca más volvió a aflorar.

Últimamente han sido noticia porque han protagonizado un crucero en el que tocarán para sus fans, convertidos en pasajeros.

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Lo malo es que Carmen no realizó en los créditos ninguna referencia al compositor ruso y a su sinfonía de 1900. Posteriormente sí reconoció su fuente de inspiración, pero para entonces los derechos de autor ya habían caducado. Sin embargo, un conflicto con la Rachmaninoff Society acabó en la necesidad de citar al genio presoviético en las ediciones discográficas posteriores.

Lo cierto es que este tema de exacerbación del romanticismo, dotado también de toques deprimentes que invitan a derramar lágrimas, es una maravilla. El cantante norteamericano, con plagio o no, logró popularizar una armonía clásica que hasta entonces sólo reconocían los amantes de la música más erudita. Ése puede ser su verdadero mérito. Ahora todos podemos disfrutar de ella.

‘All by myself’ hace referencia al arrepentimiento y la soledad provocados por la soberbia por considerar que nunca precisaremos ayuda. Cuando agotamos nuestra juventud nos damos cuenta de nuestro error. Sólo el amor verdadero puede rescatarnos de la soledad, en este caso masculina. Todo adornado por Carmen con un aire lánguido y sensible.

Dicen que Eric Carmen quiso reflejar con ‘All by myself’ una experiencia personal. Quienes le conocieron por aquella época aseguran que necesitaba desesperadamente saber si la chica de la que se encontraba perdidamente enamorado correspondía a sus sentimientos. Como no se atrevía a encarar el tema de forma directa, escribió esta canción para expresar sus anhelos. 

Cuando era joven
Nunca necesité a nadie
Y hacer el amor era sólo por diversión

Esos días han pasado
Estoy viviendo solo
Pensando en todos los amigos que he conocido

Pero cuando llamo por teléfono
No hay nadie en casa
Completamente solo
No quiero estar
Completamente solo, nunca más 
Es muy difícil estar seguro

A veces me siento tan inseguro
Y el amor tan distante y oscuro
Sigue siendo la curación

Completamente solo
No quiero estar
Completamente solo, nunca más
Completamente solo
No quiero vivir
Completamente solo, nunca más

VERSIONES

Este clásico ha sido interpretado por una variedad de cantantes. La revisión más famosa corrió a cargo de CELINE DION, que la volvió a llevar al número uno en 1996.

La francocanadiense la grabó también en castellano bajo el título ‘Sola otra vez’.

FRANK SINATRA la incorporó a su repertorio nada más publicarse el disco de Eric Carmen.

La americana SHERYL CROW asimismo optó por cantarla.

http://youtu.be/xWEvgovJ4pg

En el mundo hispano LUIS MIGUEL convirtió ‘All be myself’ en ‘Perdóname’.

IL DIVO también se fijó en el tema de Eric Carmen.

http://youtu.be/3uAAOAu8X48

En el cine pudimos oír esta canción en la película ‘DIARIO DE BRIDGET JONES’. La cantante australiana JAMIE O’NEAL fue la encargada de interpretarla.

El cantante, guitarrista, teclista y compositor ERIC HOWARD CARMEN nació en Cleveland, dentro del estado de Ohio, en 1949. Tras una formación clásica en violín y piano, unas clases de guitarra le encaminaron hacia el mundo de la música ligera. Su carrera comenzó cuando tenía 18 años como vocalista y líder del grupo The Raspberries. Sus integrantes tuvieron mucho éxito con temas con claras influencias de The beatles, The Who y The Beach Boys. Vendieron millones de discos con  ‘Go all the way’ (1972).

A mediados de los setenta optó con subir a los escenarios en solitario. Fue entonces cuando surgió ‘All by myself’, acompañada de ‘Never gonna fall in love’, que ocupaba la cara B del single y que también tuvo mucha repercusión. Otro gran éxito lo constituyeron ‘Hungry eyes’ (1987) que se incluyó en la banda sonora de ‘Dirty Dancing’, y ‘Make me lose control’ (1988).

En 2005 Carmen volvió a refundar The Raspberries con la formación original de los setenta para actuar como teloneros de Bruce Springsteen.

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Ella por sí justifica el rodaje de ‘Don Juan DeMarco’, cuyo todo su metraje se ve edulcorado por la melodía en forma de balada escrita por Bryan Adams, Michael Kamen y Robert John Lange en 1995. Todos y cada uno de los minutos que dura el filme protagonizado por Johnny Deep son exaltados por una pasión amorosa plasmada mediante la actualización de un fondo barroco con visión lírica.

La aportación del guitarrista andaluz Paco de Lucía dota asimismo a ‘Have you ever really loved a woman?’ de un cierto toque flamenco para completar un cóctel de éxito que llevó a esta canción a mantenerse en el número uno de las listas estadounidenses durante cinco semanas.

Además, llegó a ser nominada al Oscar, pero no cosechó el galardón. También optó al Grammy de 1996 en la categoría de mejor canción escrita especialmente para el cine o la televisión. Tampoco lo obtuvo.

Utilizando la figura del Don Juan de la literatura española, el mejor amante del mundo, Bryan Adams consigue trasmitirnos es su creación ese sentimiento de vacío que sufren muchos hombres que han conquistado a infinidad de mujeres pero que realmente no han amado a ninguna. Siguen sin conocer lo que es el amor. Nunca han llegado a entender lo que supone ver unos ojos y perderse en ellos, ajeno al paso del tiempo.

Para amar realmente a una mujer
Para entenderla, debes conocer su profundo interior
Oír cada pensamiento, contemplar cada sueño
Y darle alas cuando ella quiera volar
Luego cuando te encuentres refugiado inevitablemente en sus brazos
Sabrás que realmente amas a una mujer.

Cuando amas a una mujer le dices que la necesitas realmente
Cuando amas a una mujer le dices que ella es la elegida
Porque ella necesita alguien que le diga que esto durará por siempre
Entonces dime ¿alguna vez has amado realmente a una mujer?

Para amar realmente a una mujer
Deja que ella te sostenga hasta que sepas como necesita ser tocada
Tienes que «respirarla», saborearla realmente
Hasta que la sientas en tu sangre
Cuando puedas ver el hijo que viene, en sus ojos
Sabrás que realmente amas a una mujer.

Cuando amas a una mujer le dices que la necesitas realmente
Cuando amas a una mujer le dices que ella es la elegida
Porque ella necesita que le digan que siempre vais a estar juntos
Entonces dime ¿alguna vez has amado realmente a una mujer?

Tienes que tener algo de fe, retenerla fuertemente
Un poco de ternura, tienes que tratarla bien
Ella estará ahí por ti, cuidando muy bien de tí
Realmente tienes que amar a tu mujer, si…
Y cuando te encuentres refugiado inevitablemente en sus brazos
Sabrás que realmente amas a una mujer.

Sólo dime, ¿alguna vez has amado realmente, pero realmente a una mujer?
Sólo dime, ¿alguna vez has amado realmente, pero realmente a una mujer?

Existe una versión en castellano que firma el mexicano PEDRO FERNÁNDEZ, que no es otro que aquel Pedrito Fernández de ‘La de la mochila azul’.

http://youtu.be/Qwix0-tDjNA

Los del IL DIVO tampoco podían dejar pasar la oportunidad. Lo titularon ‘Un regalo que te dio la vida’.

El canadiense Bryan Adams se lanzó al mundo discográfico en 1980 sin mucho éxito. No había llegado aún su momento en un mercado todavía dominado por la música de baile. Fue su segundo álbum, un año más tarde, el que consiguió llamar la atención del público.

Pero el éxito no llegó hasta 1983, cuando obtuvo su primer disco de oro y le permitió emprender una gira mundial. Poco después el disco ‘Reckless’ le convirtió en un dios del rock, llegando al número uno en Estados Unidos y Gran Bretaña.

Luego llegó ‘ Heaven’, que vendió más de un millón de copias en 1985. Un año de descanso le permitió recobrar fuerzas para relanzar una carrera que hoy sigue con la misma firmeza que cuando empezó. La compagina con su pasión por la fotografía.

Adams, además de en la música, siempre se ha interesado por la política y son habituales sus colaboraciones con Amnistía Internacional o Greenpeace, su relación con Nelson Mandela o la participación en conciertos poco recomendables, como el que ofreció en Vietnam. Se ha caracterizado siempre por su gran conciencia social, con una fuerte implicación en la lucha contra el cáncer.

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