‘Por debajo de la mesa”, original de Armando Manzanero, es, tal vez, la canción que mejor refleja el idilio entre ambos astros mexicanos. Convertido en menos de veinte años en un clásico del género que nunca pasará de moda y en uno de los temas imprescindibles de Micky, el single llegó al mercado discográfico en 1997, como avance del exitoso álbum ‘Romances’, que Warner Music distribuyó y publicitó mundialmente.

Si tuviera que elegir un adjetivo para calificar ‘Por debajo de la mesa’ quizás optaría por sensual. Despierta la imagen de lo que nos imaginanos pero no conocemos. Puro deseo al son de los violines y de una impecable ejecución del oboe en la introducción.(...)
Read the rest of Luis Miguel – Por debajo de la mesa (921 words)

Los arreglos en la orquestación y la dirección musical a cargo del desaparecido Bebu Silvetti, junto con la garganta y la elegancia interpretativa de Luis Miguel, dieron el brillo que precisaba esta genial composición de Manzanero, construida sobre un romanticismo a flor de piel. De cualquier forma, ‘Por debajo de la mesa’ es una obra que prueba empíricamente que el instrumento musical mas preciado es la voz.

La salida al mercado de ‘Por debajo de la mesa’ topó inicialmente con las críticas negativas de la prensa musical, pero no opinó así el público y los seguidores de Luis Miguel, que se lanzaron en avalancha a las tiendas de discos para comprarlo.

Finalmente, obtuvo también numerosos galardones. Además fue nominada a canción pop del año en Estados Unidos, donde alcanzó el número uno en la lista latina de la prestigiosa revista Billboard.

No podría ser de otro modo. La combinación garantizaba el éxito. Un gran compositor, la mejor voz de los últimos tiempos que ha dado México; y un bolero único, de esos que jamás pasará de moda, aseguraban un producto excepcional. Y así fue. Nació ‘Por debajo de la mesa’, ejemplo evidente de que las baladas servivirán mientran haya dos personas enamoradas. Poco más de tres minutos bastan para hacer sufrir y soñar al mismo tiempo.

Manzanero, como autor, cosechó el premio anual Lo Nuestro y el Premio América gracias a este poema con música de fondo. Perfección desde la letra hasta el arreglo. Manos, roces, pies traviesos… son las imágenes que nos evoca nuestra mente cuando escuchamos su melodía. ¿Quién no quisiera vivir una historia así? El amor es un arte y Manzanero lo domina. El maestro lo considera su creación favorita, como confesó en varias ocasiones.

Definitivamente, se tiene que amar para poder sentir plenamente esta canción.

VÍDEO

Filmado en blanco y negro, tiene como escenario un famoso restaurante neoyorquino que retrocede varias décadas para retratar el ambiente de los locales de los años cuarenta. Pareja guapa, cantante atractivo, música encandiladora… Ingredientes que garantizan el cielo.

Pero el trasfondo es otro. Generemos polémica. ¿No es ‘Por debajo de la mesa’ un himno a la infidelidad? ¿Un relato de un amor prohibido? De esos que se viven con intensidad, pero que nunca tienen final feliz. Placer y sufrimiento en igual medida.

Vean las imágenes. Las miradas cómplices y sutiles de Luis Miguel con la mujer de la mesa. Ella intercambia un mensaje con el artista solamente escrito con los ojos. Él le corresponde. Deseo expresado con elegancia. Ella parece dispuesta a dar un paso más, pero, por contra, no permite que su pareja se insinúe a la camarera. Los celos duelen, pero no nos damos cuenta de que también dañan cuando el perjudicado es otro.

LETRA

Cada frase de ‘Por debajo de la mesa’ transmite un sentimiento profundo y cargado de sentimientos. Nuestra alma sufre un movimiento telúrico con cada expresión, escrita por Manzanero con una sutilidad tan sensual como carnal.

Por debajo de la mesa acaricio tu rodilla
y bebo sorbo a sorbo tu mirada angelical
y respiro de tu boca esa flor de maravilla
las alondras del deseo
cantan, vuelan, vienen, van

Y me muero por llevarte
al rincón de mi guarida
en donde escondo un beso
con matiz de una ilusión
se nos va acabando el trago
sin saber, qué es lo que hago
si contengo mis instintos

Oh! Jamás te dejo ir

Y es que no sabes lo que tú me haces sentir
si tu pudieras, un minuto estar en mi
tal vez te fundirías
a esta hoguera de mi sangre
y vivirías aquí, y yo abrazado a ti

Y es que no sabes lo que tú me haces sentir
que no hay momento, que yo pueda estar sin ti
me absorbes el espacio
y despacio me haces tuyo
muere el orgullo en mí
y es que no puedo estar sin ti

VERSIONES

Obligado es escuchar ‘Por debajo de la mesa’ en la voz de su propio autor. En esta grabación podemos escuchar a MANZANERO directo. Su escasa voz es, por contra, pura dulzura.

Los españoles TAMARA Y MONCHO conformaron pareja para dotar a este bolero de un toque flamenco. Disparidad de estilos, disparidad de edades. El resultado, peculiar en este homenaje al género realizado en 2012.

SUSANA ZABALETA revisó en 2006 el tema de Mazanero, quien le acompañó al piano y compartió su voz con la soprano y actriz mexicana.

El joven DANIEL LAZO, ganador de la primera temporada de La Voz Perú, basó gran parte de su triunfo en la interpretación de esta canción.

BERTÍN OSBORNE, de actualidad televisiva, incluyó la composición de Manzanero en una recopilación de 2007.

BIOGRAFÍA

Sin duda, la comparación es arriesgada, pero hay muchos que consideran a LUIS MIGUEL como el Frank Sinatra de habla hispana. Lo cierto, es que el mexicano ha trabajado mucho para labrarse un prestigio en el mundo de la canción.

Ahora, cuando ya han pasado algunos años desde que aquel joven adolescente diera sus primeros pasos dentro de la canción, el Sol de México, con ya 46 años (Puerto Rico, 1970), es con todo merecimiento unos de los cantantes latinoamericanos más populares de la historia.

Micky, nacionalizado mexicano desde su niñez, podría ser calificado como un tenor que interpreta música popular. Poseedor de una técnica vocal envidiable, rentabiliza como nadie el diafragma y el pulmón para extraer notas musicales inverosímiles.

Lleva sobre los escenarios desde los 10 años y desde entonces no ha hecho salvo desarrollar su talento.

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Y entre ellos destacó Petula Clark, una de las reinas de la generación beat que lo mismo luchaba contra la guerra de Vietnam –a través de su única arma, la música– que trataba de transmitir –estrofa a estrofa- su espíritu de liberación. Cumplió al pie de la letra la frase de Ghandi que aseguraba: «Sé el cambio que quieres ver en el mundo».(...)
Read the rest of Petula Clark – Downtown (Centro de la ciudad) (1,681 words)

La vocalista rubia aterrizó en España con el mayor hit de su historia, titulado ‘Downtown’ y cargado de mensajes subliminales. Inicialmente fue distribuido en formato EP (Extended play) –un single de cuatro canciones–, junto a los temas ‘Thank you’, ‘Baby it’s me’ y ‘True love’. Esta composición nos sedujo de inmediato, como ya había ocurrido el año anterior en Gran Bretaña –donde fue número uno–, el resto del continente y Estados Unidos. Aquí también alcanzó el puesto más alto en la lista de éxitos, para mantener ese liderato durante tres semanas y permanecer hasta treinta y una en el hit parade español.

Es que la obra del productor Tony Hatch era perfecta para aquel emergente mundo pop al que Petula Clark llegó algo talludita, ya con 32 años. ‘Downtown’ disponía de buenos arreglos, basados en la fórmula de las ‘murallas de sonido’, al tiempo que se erigía sobre crescendos sustentados por violines, trompetas y coros celestiales que construían una melodía penetrante. Sólo hacía falta una dulce voz que pusiera la guinda y la inglesa disponía de ella.

El flechazo ente ‘Downtown’ y Clark fue inmediato. Pero ocurrió cuando ya Hatch, que había trabajado con The Searchers y el propio David Bowie, estaba a punto de arrojar la toalla después de que la diva británica rechazara antes una treintena de sus composiciones. Sin embargo, el tema que hoy analizamos le encantó. El productor, por contra, estimaba que el tono de rhythm and blues de la canción tampoco sería aceptado. Era la última bala que tenía en la recámara y con ella dio en la diana.

‘Downtown’ fue grabada en cuatro idiomas en los estudios Pye, cerca del barrio londinense de Marble Arch, en octubre de 1964. En la sesión participaron Bobby Graham, batería de Big Jim Sullivan and the Breakaways, y los guitarristas Vic Flick y Jimmy Page. Hatch tocó el piano.

El resultado de ese trabajo desembocó en una creación que, si se presenta, seguro hubiera ganado de calle la Eurovision de aquellos tiempos, justo antes de la llegada de la música disco a mediados de los setenta. Goza de todas las condiciones necesarias para triunfar en los festivales, gracias a una receta que incluía dosis de pop suave, mucha aportación orquestal y toques de soul. Todo aderezado con la calidad vocal de Petula Clark.

Unas semanas después la canción salió al mercado y fue escuchada por el ejecutivo de Warner Bros, Joe Smith, a quien cautivó hasta el punto de que adquirió los derechos para Estados Unidos, donde Petula acabó vendiendo tres millones de copias y obtuvo un Grammy. En 2004, la británica fue incluida en el Grammy Hall of Fame.

LETRA

Sobre la letra cuenta Petula Clark que cuando llegó al estudio de grabación aún no estaba terminada, por lo que se improvisó a última hora. Por ello, finalmente se optó por buscar un tema recurrente, que fuera ambiguo y pudiera dar lugar a diferentes interpretaciones. En principio parece que hace referencia a la bondades que ofrece el centro de las grandes ciudades para adormecer los problemas personales.

Ya se sabe, dónde encontrarte más sólo que rodeado de gente. Allí todos caminan ensimismados y no detectan los problemas de los demás. Para el autor, la mejor forma de combatir la soledad y la tristeza es ir al centro de las ciudades, siempre rebosantes de luz, color y alegría.

Eso en la versión original, porque en las distintas grabaciones realizadas en alemán, francés o italiano el mensaje deriva dependiendo de las necesidades dialécticas y métricas del correspondiente idioma, pasando a hablar del reencuentro con un amor pasado, la amistad… o cualquier otra reformulación.

Cuando estés solo
y la vida te haga sentirte solitario,
siempre puedes ir al centro de la ciudad,
cuando tengas preocupaciones,
todo el ruido y las prisas
parecen remediarse, lo sé, en el centro

Tan sólo escucha la música
del tráfico en la ciudad,
quédate un rato en la acera
donde los letreros de neón son bonitos
¿cómo te lo puedes perder?

Las luces son mucho más brillantes allí,
puedes olvidar todos tus problemas,
olvidar todas tus responsabilidades e irte
al centro,
las cosas serán geniales cuando estés
en el centro,
no hay lugar mejor, seguro,
el centro,
todo te está esperando

El centro

No te quedes a las puertas
y permitas que tus problemas te rodeen,
hay películas en el centro,
tal vez tú conozcas
algunos pequeños lugares para ir donde
nunca cierran en el centro

Tan sólo escucha el ritmo
de una suave bossanova,
estarás bailando con ellos, también,
antes de que termine la noche,
feliz de nuevo

Las luces son mucho más brillantes allí,
puedes olvidar todos tus problemas,
olvidar todas tus responsabilidades e irte
al centro,
donde todas las luces son brillantes,
el centro,
te está esperando esta noche,
el centro,
vas a estar bien ahora

El centro,
el centro,
el centro,
el centro

Y tal vez encuentres a alguien estupendo
que te ayude y te comprenda,
alguien como tú
y que necesite una mano tierna
que lo guíe en el camino

Así que, tal vez te vea allí,
podemos olvidarnos de todos nuestros problemas,
olvidar todas nuestras responsabilidades e irnos
al centro,
todo será genial cuando estés
en el centro,
no esperes un minuto más,
el centro,
todo te está esperando

El centro (el centro),
el centro (el centro),
el centro (el centro),
el centro (el centro)…

VERSIONES

El impacto de esta canción fue de tal tamaño que casi todos los grandes intérpretes la incorporaron a sus respectivos repertorios. El gran FRANK SINATRA, ‘La voz’, como siempre, la bordó.

Una legión de yeyés, masculinos y femeninos, devoraron esta canción. Entre ellos Los Mustang, Lita Torelló, Francisco Heredero, Dyango, Michel, Magda, Los Waldos, Los Cisnes Rojos, Jorge, Los Tres Sudamericanos, Las Hermanas Benítez, Los Pájaros Locos, Los Pekes, Renata, Los Sirex y GELU. Esta última fue quizá la que más rédito obtuvo en las listas con su remake, bajo el título ‘Chao chao’ y con una letra diametralmente distinta que habla de playa, mar y amor, los tres componentes ineludibles en un tema destinado a ser consumido en verano.

Los británicos B-52 sorprendentemente incluyeron ‘Downtown’, aunque como relleno, en su álbum de debut. Corría el año 1979 cuando, en mi opinión, machacaron la obra. Loquísimos. Sin palabras.

Por supuesto, la televisión vio pronto el potencial de ‘Downtown’. Son muchas las series que la han incorporado a sus bandas sonoras. En la tercera temporada de la popular ‘PERDIDOS’ suena cuando Juliet se quema haciendo unas magdalenas.

En el cine, entre otras muchas películas, aparece en la producción ‘INOCENCIA INTERRUMPIDA’, cantada por Winona Ryder y Angelina Jolie.

CÓMIC

La canción ‘Downtown’ da también título al primer cómic protagonizado por niños con síndrome de Down, una obra de Noël Lang y Rodrigo García publicada en 2012 y enfocada a las más de 34.000 personas que sufren esta discapacidad intelectual en España.

Blo, uno de los protagonistas junto a Miguelote, Bibi, Ruth y Benjamín, tiene como obsesión llevar siempre consigo el vinilo del ‘Downtown’ de Petula Clark.

BIOGRAFÍA

PETULA CLARK no sustentó su éxito en ese nombre tan peculiar. No. La artista británica más prolífica –de hecho lo certifica el libro Guinness– caminó siempre amparada por su calidad vocal y esa forma tan particular de interpretar temas que destacaron dentro de la ‘ola inglesa’, como el mencionado ‘Downtown’ o ‘My love’, piezas que contribuyeron a cambiar la música pop.

Sally Olwen Clark, como fue bautizada, llegó a este mundo el 15 de noviembre de 1932 en Epsom, dentro del condado inglés de Surrey. Nació en el seno de una familia de artistas y ello ineludiblemente le condujo muy joven hacia el teatro, participando en diferentes producciones. En octubre de 1942, con 9 años y en plena Segunda Guerra Mundial, debutó en la radio mientras asistía a un programa de la BBC con su padre, con la intención de enviar un mensaje a un tío destinado en el extranjero.

La emisión se retrasó por un ataque aéreo y durante el impasse el productor pidió que alguien entretuviera al público asustado. Petula se ofreció y dio una representación muy aplaudida. A partir de ahí, repitió su actuación más de quinientas veces para la audiencia de la BBC, en programas diseñados para entretener a las tropas.

Al mismo tiempo, recorrió el país con otra niña, Julie Andrews, llegando a actuar ante el rey George VI y Winston Churchill. Por aquel entonces fue denominada la Shirley Temple inglesa y, ya con 13 años, se pasó al cine, para atesorar una larga filmografía.

No fue hasta los 28 años cuando se afianzó su brillante carrera musical. ‘Sailor’ (1960) le dio su primer número uno en una década en la que encadenó un éxito tras otro. Por esta época dio también el salto al continente tras varios recitales en París, donde conoció a Claude Wolf, directivo de la discográfica Vogue. Se casó con él en el pueblo de Bourg La Reine –en lenguaje coloquial algo así como ‘cepíllate a la reina’– y decide afincarse en Francia, plataforma de su lanzamiento europeo e internacional, con constantes apariciones en famosos programas de variedades estadounidenses como ‘Ed Sullivan Show’ o ‘Dean Martin Show’.

Incluso, en 1968, la NBC invitó a Clark a protagonizar su propio especial, donde, en plena guerra de Vietnam, interpretó un tema pacifista a duo con Harry Belafonte. Tuvo ofertas de otras cadenas para establecerse en Los Ángeles pero optó por criar a sus hijos en Europa, aunque viajó constantemente a Estados Unidos para realizar conciertos, siempre con el cartel de completo.

Fue entonces cuando comenzó a cantar en francés y a componer sus propios temas, sobre todo para bandas sonoras cinematográficas.

La carrera de Petula Clark se ha extendido siete décadas, en las que ha vendido más de 70 millones de discos en todo el mundo. Su nombre ha quedado grabado para siempre en la memoria del pop femenino de los sesenta.

No se retirará nunca. Con 83 años sigue grabando, con una voz que, lejos de sonar a la de una anciana, es aún fresca.

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Durante las horas de soledad con las que estaba obligado a convivir en el transcurso de sus giras, aburrido, comenzó a hojear una revista. En ella se encontró con la fotografía de la pequeña Caroline, dulce, inocente, angelical hasta en el sepelio de su padre. Ella fue la musa.(...)
Read the rest of Neil Diamond – Sweet Caroline (Dulce Carolina) (1,149 words)

La incógnita quedó resuelta con motivo del cincuenta cumpleaños de la vástago de JFK. Neil Diamond se lo comunicó a ella misma tras interpretar el tema vía satélite. «Estoy feliz de habérmelo sacado de encima y habérselo dicho. Nunca he hablado sobre esto. Siempre pensé que tal vez se lo diría a Caroline cuando coincidiéramos en algún lugar. Pensé que le daría vergüenza, pero ella se sorprendió y realmente la noté feliz», aseguró Diamond aquel día, una vez puesto fin a su hermético silencio.

El tema más popular de Neil Diamond siempre fue más que una canción. Hace muchos años que alcanzó la categoría de himno para millones de personas, aunque los más jóvenes la descubrieron al ser incluida en la banda sonora de la película ‘Beutiful Girl’. Bajo la producción de Tom Catalano y del propio autor, inicialmente no constituyó un bombazo y el single que lo presentaba frenó su ascenso en el número cuatro de la lista de éxitos estadounidense, pese a vender un millón de copias. Sin embargo, a medida que maduraba supuso un gran éxito internacional.

Su tono in crescendo y el atractivo del estribillo hacen que se preste mucho a ser cantada en grupo, por lo que es habitual en las celebraciones anglosajonas. Evoca alegría y dulzura. Dentro de su estructura simple, es redonda, euforizante, capaz de salvar el día a cualquiera.

Recientemente, tras los atentados de Boston, Diamond decidió ceder a las víctimas los beneficios que generara ‘Sweet Caroline’ desde aquel momento. La canción es considerada un himno no oficial de la ciudad y en ella, una vez conocida la acción filantrópica del neoyorquino, las ventas se incrementaron en casi un 600%.

Donde empezó no lo sé
pero me doy cuenta
de que está creciendo

Fue en la primavera,
y la primavera
se convirtió en verano

Quién habría pensado
que tú vendrías
manos, manos, tocándose
alcanzando, tocándome
tocándote, dulce Carolina

Los buenos tiempos nunca
parecieron tan buenos
y empiezo a creer
que los buenos tiempos
nunca lo fueron

Pero ahora miro la noche
y no parece tan solitaria
nosotros la llenamos
con nuestra presencia

Y cuando hiero
el dolor corre por mis hombros
cómo puedo herir
cuando estoy contigo

Cálidos, tocando,
cálidos alcanzando,
tocándome, tocándote
dulce Carolina

Los buenos tiempos nunca
parecieron tan buenos
y empiezo a creer
que los buenos tiempos
nunca lo fueron
Oh, no, no
dulce Carolina

Los buenos tiempos nunca
parecieron tan buenos
y empiezo a creer
que los buenos tiempos
nunca lo fueron
dulce Carolina

VERSIONES

‘Sweet Caroline’ ha sido grabada por intérpretes muy diferentes. FRANK SINATRA incrementó la cotización de la obra con una revisión de gran calidad.

ELVIS PRESLEY le dio su característico toque country de Las Vegas.

Otro cantante histórico como ROY ORBISON supo también reconocer las posibilidades del tema.

Más moderna, por supuesto, es la revisión de U2.

JULIO IGLESIAS la ofreció a la audiencia hispanoparlante.

También la han cantado Velvet Revolver, Andy Williams, David Archuleta, Bobby Womack, Waylon Jennings, Bert Kaempfert, Chet Atkins, Ray Conniff, The Mike Curb Congregation, The Drifters, Ray Anthony, Ferrante & Teicher, Bobby Goldsboro, The London Philharmonic Orchestra, Al Martino, Hugo Montenegro, Billy Vaughn, The Ventures, Lawrence Welk, Dave Matthews Band, Mark Salling, Jonas Brothers o Me First and the Gimme Gimmes.

La canción ‘Sweet Caroline’ es muy popular en eventos deportivos norteamericanos. Es famosa la interpretación que protagonizan los seguidores de béisbol BOSTON RED SOX. El encargado de la megafonía, Amy Tobey, la incorporó en 1997 al repertorio que se interpreta en Fenway Park porque uno de los empleados del estadio había sido padre de una niña a la que decidieron llamar Caroline. Desde entonces los espectadores la usan para animar cada partido porque se ha convertido en el himno oficial. El propio Neil Diamond la interpretó en una ocasión desde el campo de juego.

Caroline Kennedy, pese a que nació en Nueva York, es seguidora de los Red Sox porque se crió en un lugar llamado Brookline, cerca de Boston. Acude a presenciar sus encuentros varias veces al año, cuando sus ocupaciones como dmbajadora de los Estados Unidos en Japón se lo permiten.

Tras el atentado contra la maratón de Boston el tema de Neil Diamond cobró especial relevancia al sonar en todos los campos de béisbol del país como homenaje a las víctimas. También los participantes de la maratón de Salt Lake City, sólo una semana después del suceso, la cantaron al inicio de la prueba.

La película ‘BEAUTIFUL GIRL’, dirigida en 1996 por Ted Demme se desarrolla alrededor de ‘Sweet Caroline’, con el momento más álgido en la escena en que todos los personajes la cantan mientras rememoran viejos tiempos. Un instante para recordar.

NEIL DIAMOND es, con permiso de Bob Dylan, el cantautor estadounidense con mayor prestigio. Su carrera se ha prolongado durante cinco décadas, llegando hasta la actualidad y dejando atrás una cosecha de innumerables creaciones en forma de otros tantos discos. Integrante de la llamada ‘generación de oro’ de la canción del país de las barras y las estrellas, su personal modo de interpretar, su carisma sobre los escenarios y su voz inconfundible han deleitado a millones de amantes del pop relajado con temas como el mencionado ‘Sweet Caroline’, ‘Song Song Blue’, ‘Cracklin Rosie’, ‘I’m Glad You’re Here with Me Tonight’, ‘Girl, You’ll Be a Woman Soon’, ‘Cherry Cherry’, ‘Red, Red Wine’, ‘September Morn’, ‘Love on The Rocks’, ‘America’ , ‘Hello Again’, ‘Delirious Love’ o ‘Home before Dark’, entre otras muchas. Todos dotados de un aire reflexivo bajo un manto de sorprendentes arreglos orquestales.

Neoyorquino de nacimiento, su aventura musical comenzó cuando en su decimosexto cumpleaños le regalaron una guitarra y unas clases para aprender a tocarla. Anhelaba contar con ese instrumento desde que el histórico Pete Seeger, recientemente fallecido, visitara su escuela. Sin embargo, una beca le encaminó hacia los estudios de Medicina. Pero en la universidad el veneno de la canción acabó por hacer efecto y abandonó la carrera cuando le faltaban seis meses para obtener la diplomatura.

Corría el año 1965. Inicialmente se dedicó sólo a componer, llamando pronto la atención de los prestigiosos productores Jeff Barry y Ellie Greenwich. Su obra ‘I’m a Belliever’ llegó al número uno interpretada por The Monkees en 1966, además de escribir también para Cliff Richards o Lulu. Desde entonces su trayectoria profesional ha sido imparable, presidida por grandes premios como los Grammy o los Globo de Oro, además de haber protagonizado la gira más taquillera de un solista.

Es obligado reseñar asimismo sus incursiones en el cine, con bandas sonoras de películas como ‘Juan Salvador Gaviota’ (1973) o ‘El cantor de jazz’ (1980).

Sin embargo, en muchas ocasiones, Neil Diamond ha sido injustamente tratado y criticado por la excesiva dulzura de sus temas románticos. Canciones que ahora son himnos que perduran, que nunca te abandonan y que incluso son parte de tu propio ser.

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Su formación jazzista no le impidió que, en la década de los ochenta, cuando ya contaba con casi sesenta años, se introdujera con desparpajo en la música de baile con mucho éxito gracias a la producción de Jacques Morali y Henri Belolo, que también trabajaban con Village People, Patrick Juvet o The Ritchie Family.

El gran estandarte de esa incursión fue ‘This is my life’, que se hizo con un sitio constante en las radiofórmulas de todo el planeta. Su voz peculiar y su imagen no ayudaban mucho en aquellos momentos de culto a la belleza, pero el talento supo imponerse.

Su popularidad también llegó a España, donde estuvo en los lugares más altos de las listas de éxitos y donde actuó por primera vez en 1986 para participar el programa de variedades ‘Entre amigos’, dirigido y presentado por José Luis Moreno. También ‘This is my life’ fue utilizada por Televisión Española para conformar la banda sonora de un reportaje sobre Fórmula Uno que tuvo mucha aceptación, a pesar de que todavía Fernando Alonso no había llegado a ese mundo.

Su repunte profesional se basó en gran medida en el éxito que esta canción tuvo en el público gay, a lo que ella correspondió con actuaciones gratuitas para recaudar fondos para la lucha contra el sida. Como ocurrió a lo largo de toda su vida, esta mujer volvió a adelantarse a su tiempo al apoyar a los portadores de la enfermedad, considerada una lacra de la que la mayoría de los artistas huía con pavor.

¿Y el mensaje que nos traslada ‘This is my life’? Creo que es un ejercicio de reafirmación personal después de ver morir un amor que fue tan intenso como maléfico. La vida continúa y ella es capaz de vivirla si él. Dolerá, pero ya dolía antes, cuando todavía la relación existía. Es mejor caminar con un dolor que se curará que estar quieto con otro que no tiene remedio.

Pase lo que pase, nuestra vida es nuesta y la debemos vivir como queremos y con quien queremos. La vida es corta y hay que sentirla al máximo. Como decía el gran Sinatra en ‘My way’, es mejor hacer las cosas a nuestra manera. Siendo tú mismo, auténtico, fiel a tus principios, aunque siempre respetuoso con las ideas de los demás.

http://youtu.be/IHxcwbKB1MQ

Tú, tú puedes salir por la puerta
pensando que ganaste la guerra,
pero yo no estoy llevando la puntuación

Yo, yo estoy acostumbrado a este juego
gane o pierda es lo mismo,
siempre pierde alguien,
¡qué pena!

Deja de pensar que eres el mejor,
lanzaste los dados y no has ganado nada
no vas a tener una segunda oportunidad conmigo,
no es tan difícil de ver

Cada vez que me has hecho una jugada
te la pasé sin darle importancia,
porque sabía que yo tenía una jugada más alta,
así que enterate

Ésta es mi vida, ¿qué le voy a hacer?
La puedo vivir muy bien sin ti
Sin tus traiciones, sin tus sonrisas,
sin tus brazos ni tus ideas horribles

Ésta es mi vida, ¿qué le voy a hacer?
la puedo vivir perfectamente sin ti
Ésta es mi vida y sólo mía,
y si te vas, puedo vivirla por mí misma

Te crees que hiciste una ruptura limpia,
cuando sólo pensaste en tu propio bien,
no lo volverás a sentir otra vez

Yo, yo puedo ver cómo te vas,
sin ningún trozo de mi corazón,
sin dolor, sólo una sonrisa

Me gustaría decirte que ya te avisé,
pero ya no tiene sentido, nunca lo sabrás
Cuántas veces he intentado en vano alejar de mí el dolor
Comienzo por pensar que ya eres mi pasado,
nosotros dos no podíamos durar,
Este amor nuestro no estuvo bien planeado, entérate.

Ésta es mi vida, ¡qué le voy a hacer!
puedo vivirla muy bien sin ti
Sin sus sonrisas, sin tus ofensas,
sin sus brazos ni tus horribles ideas
Ésta es mi vida, ¡qué le voy a hacer!

VERSIONES

DJ PEDRO actualizó ‘This is my life’ en 2011.

EARTHA KITT, cantante y actriz con gran prestigio en Estados Unidos, fue una gran desconocida en Europa a pesar de que sus primeros pasos profesionales los dio en el Viejo Continente con el Dunham Dance Group, llegando incluso a actuar en 1948 frente a la familia real británica en Londres y protagonizando un show personal en el club nocturno Carrols de París.

Hija de una madre soltera de Carolina del Sur –su padre era blanco–, su infancia fue muy dura y a los ocho años tuvo que ser enviada a Harlem a vivir con una tía. En Nueva York descubríó que lo suyo era el espectáculo. Unos pasos titubeantes le obligaron a marchar a la Europa de postguerra acompañando a las tropas estadounidenses.

A su regreso, descubrió el mundo del cine gracias al contacto con figuras como Orson Welles, Nat King Cole o Sidney Poitier, que también la introdujeron en Broadway. Pero su mayor popularidad llegó gracias a la televisión y la serie ‘Batman’, en la que en los años sesenta encarnó a Catwoman. Fue la primera mujer afroamericana en interpretar ese papel. Su carrera fue premiada con dos Emmy, entre otros galardones.

Luego en los ochenta probó suerte y la obtuvo, con la música disco y canciones como ‘Where is my man?’, ‘I don’t care’, ‘This is my life’ o ‘I love man’. En el pasado ya había triunfado como temas como ‘Gatúbela’, ‘Je cherche un homme’, ‘C’est si bon’, ‘Let’s do it’, ‘My heart belongs to daddy’ y, sobre todo, ‘Santa Baby’.

Después de la exitosa experiencia con el pop volvió al jazz. Cantó en más de cien países hasta que en 2008 murió en Conneticut de un cáncer de colon a la edad de 81 años.

El carácter indómito forjado durante las estrecheces que pasó en su niñez hizo que siempre viviera acompañada por la polémica. Incluso fue vigilada por la CIA y su participación en los medios estadounidenses fue boicoteada tras sus duras críticas a la Guerra de Vietnam durante una cena de gala en la Casa Blanca con el presidente Lyndon B. Johnson.

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Con el mar de fondo, el inglés Richard Hawley nos ofreció en 2005 esta joya descomunal con ritmo romántico, infinito e imperecedero que nos permite protagonizar un vuelo hacia el paraíso que agota todo nuestro aliento.

‘The ocean’ es ya un himno que conocí gracias a esa casualidad que tan generosa ha sido siempre en mi vida. Me deslumbró inmediatamente y sigue haciéndolo cada vez que escucho sus notas.

El tema más representativo de la carrera de Hawley estremece con cada ola que llega a su costa, tejiendo notas, poesía, música… Su guitarra derrama lirismo melancólico con textura de los años cincuenta, regalándonos una gran canción de amor.

Oímos a Hawley en ‘The ocean’ y recordamos al malogrado Buddy Holly, al también fallecido Roy Orbison. Nos dejamos mecer por su voz y nos acurrucamos tapados por una manta en forma de puro pop de cámara. Con una estructura que roza la perfección, su ritmo creciente nos depara un comienzo lento y tranquilo para culminar con una armonía tan sencilla como perfecta. Todo ello traducido por una voz que invita a cerrar los ojos y a degustar esta ambrosía.

‘The ocean’ se refiere a un paraje de la localidad natal del cantante, la ciudad inglesa de Sheffield. Allí las parejas se citan en busca de ese amor que tanto ansían y que no terminan de encontrar.

Me llevas hacia abajo, hacia el océano 
Me llevas hacia abajo, junto al mar 

Sabes que es mucho tiempo, 
Siempre me dejas la lengua atada 
Y todo este tiempo es para nosotros 
Te quiero
 
Me llevas hacia abajo, hacia el océano 
El mundo está muy bien, por el mar 
Sabes que esta vez es de verdad 
Ayuda al corazón a sanar 
Sabes que rompe el sello del talismán que daña 
Y así me miras y la necesidad 
El espacio que significa tanto para mí 

Me llevas hacia abajo, hacia el océano 
Nuestro mundo está muy bien, por el mar 
Sabes la forma en que se encuentra en la vida, es muy difícil estar a la altura 
Así que por qué sigue vestido con su traje de luto 
Supongo, supongo 

Me llevas hacia abajo, hacia el océano 
No me dejes abajo, junto al mar 
El océano 
Aquí viene la ola, aquí viene la ola 
Aquí viene la ola, por el mar 
El mar …

VERSIONES

Interpretación en directo durante LIVE AT FIB FESTIVAL de 2008.

RICHARD HAWLEY ha conseguido en un lapso de tiempo muy corto pasar de ser un vecino desconocido de Sheffield a dejarnos un legado de cinco discos maravillosos.

A pesar de que su prestigio como guitarrista estaba ya muy asentado en los años noventa del pasado siglo con grupos como Pulp o como músico de estudio de Robbie Williams o Beth Orton, realmente no alcanzó la gloria hasta que en 2001 cambió su suerte cuando empezó a grabar sus propias canciones aprovechando los minutos que sobraban de una sesión contratada en un estudio. Entonces empezó a convertirse en el personaje de culto que constituye en la actualidad.

Aunque inicialmente su música puede resultar complicada, dada su mezcla de rock y su estilo personal, su condición de nuevo crooner, heredero del estilo de los Frank Sinatra o Roy Orbison de los cincuenta, Y su personalidad se haN impuesto finalmente al margen de las estructuras preestablecidas. Temas como ‘Just like the rain’, ‘Born under a bad sign’ o ‘Coles corner’, sin hablar de ‘The ocean’, rozan la perfección, plasmando todas las influencia que recibió de niño de los discos de su padre y convirtiéndose en uno de los intérpretes más prestigioso de la actualidad.

Atrás quedaron sus adicciones al alcohol y a las drogas, que casi le obligaron a conformarse con ser un músico gris que tentaba a la muerte cada noche.

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Lo malo es que Carmen no realizó en los créditos ninguna referencia al compositor ruso y a su sinfonía de 1900. Posteriormente sí reconoció su fuente de inspiración, pero para entonces los derechos de autor ya habían caducado. Sin embargo, un conflicto con la Rachmaninoff Society acabó en la necesidad de citar al genio presoviético en las ediciones discográficas posteriores.

Lo cierto es que este tema de exacerbación del romanticismo, dotado también de toques deprimentes que invitan a derramar lágrimas, es una maravilla. El cantante norteamericano, con plagio o no, logró popularizar una armonía clásica que hasta entonces sólo reconocían los amantes de la música más erudita. Ése puede ser su verdadero mérito. Ahora todos podemos disfrutar de ella.

‘All by myself’ hace referencia al arrepentimiento y la soledad provocados por la soberbia por considerar que nunca precisaremos ayuda. Cuando agotamos nuestra juventud nos damos cuenta de nuestro error. Sólo el amor verdadero puede rescatarnos de la soledad, en este caso masculina. Todo adornado por Carmen con un aire lánguido y sensible.

Dicen que Eric Carmen quiso reflejar con ‘All by myself’ una experiencia personal. Quienes le conocieron por aquella época aseguran que necesitaba desesperadamente saber si la chica de la que se encontraba perdidamente enamorado correspondía a sus sentimientos. Como no se atrevía a encarar el tema de forma directa, escribió esta canción para expresar sus anhelos. 

Cuando era joven
Nunca necesité a nadie
Y hacer el amor era sólo por diversión

Esos días han pasado
Estoy viviendo solo
Pensando en todos los amigos que he conocido

Pero cuando llamo por teléfono
No hay nadie en casa
Completamente solo
No quiero estar
Completamente solo, nunca más 
Es muy difícil estar seguro

A veces me siento tan inseguro
Y el amor tan distante y oscuro
Sigue siendo la curación

Completamente solo
No quiero estar
Completamente solo, nunca más
Completamente solo
No quiero vivir
Completamente solo, nunca más

VERSIONES

Este clásico ha sido interpretado por una variedad de cantantes. La revisión más famosa corrió a cargo de CELINE DION, que la volvió a llevar al número uno en 1996.

La francocanadiense la grabó también en castellano bajo el título ‘Sola otra vez’.

FRANK SINATRA la incorporó a su repertorio nada más publicarse el disco de Eric Carmen.

La americana SHERYL CROW asimismo optó por cantarla.

http://youtu.be/xWEvgovJ4pg

En el mundo hispano LUIS MIGUEL convirtió ‘All be myself’ en ‘Perdóname’.

IL DIVO también se fijó en el tema de Eric Carmen.

http://youtu.be/3uAAOAu8X48

En el cine pudimos oír esta canción en la película ‘DIARIO DE BRIDGET JONES’. La cantante australiana JAMIE O’NEAL fue la encargada de interpretarla.

El cantante, guitarrista, teclista y compositor ERIC HOWARD CARMEN nació en Cleveland, dentro del estado de Ohio, en 1949. Tras una formación clásica en violín y piano, unas clases de guitarra le encaminaron hacia el mundo de la música ligera. Su carrera comenzó cuando tenía 18 años como vocalista y líder del grupo The Raspberries. Sus integrantes tuvieron mucho éxito con temas con claras influencias de The beatles, The Who y The Beach Boys. Vendieron millones de discos con  ‘Go all the way’ (1972).

A mediados de los setenta optó con subir a los escenarios en solitario. Fue entonces cuando surgió ‘All by myself’, acompañada de ‘Never gonna fall in love’, que ocupaba la cara B del single y que también tuvo mucha repercusión. Otro gran éxito lo constituyeron ‘Hungry eyes’ (1987) que se incluyó en la banda sonora de ‘Dirty Dancing’, y ‘Make me lose control’ (1988).

En 2005 Carmen volvió a refundar The Raspberries con la formación original de los setenta para actuar como teloneros de Bruce Springsteen.

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Su voz especial transmite sentimientos como ninguna otra. En esta canción que versionó en 1981 firmó una interpretación impecable, sin nada que envidiar a la original de Licia Morosini, que en 1958 obtuvo el segundo premio en el Festival de San Remo por detrás de ‘Nel blu di pinto di blu (Volare) de Domenico Modugno. Cuánto amor relata.

Esta composición muy sensual de Saverio Seracini y Vincenzo D’Acquisto retrata un amor indisoluble, pero nada parásito, como la propia hiedra, aunque a veces su espeso follaje ahoga a los árboles por los que trepa. ‘La hiedra’ es un bolero sofisticado que ya en 1958 vendió más de 500.000 discos.

Así abrázame mi amor
lo mismo que la hiedra 
Así que aspire tu perfume 
cual hiedra unida a ti viviré 

Vivo loca por ti en plena juventud 
Haciendo mi ilusión mayor 
Sin que nada me entregues tú 
yo mi alma te entregaré 

Así me sentirás a ti unida cual la hiedra… 
Y así en cada aliento mío 
contigo vivirá mi ilusión 

Venturoso y feliz el mundo reirá 
Y en tanto pueda hacerlo yo 
A ti me ligaré y a ti consagraré mi vida 

Vivo loca por ti en plena juventud 
Haciendo mi ilusión mayor 
Sin que nada me entregues tú 
yo mi alma te entregaré 

Así me sentirás a ti unida cual la hiedra 
Y así en cada aliento mío 
contigo vivirá mi ilusión 

Venturoso y feliz el mundo reirá 
Y en tanto pueda hacerlo yo 
A ti me ligaré y a ti consagraré mi vida 
Mi vida mi vida

VERSIONES

Gustó mucho en su época la versión de la diva Gigliola Cinquetti.

‘La hiedra’ ha sido interpretada en inglés por artistas como Yves Montand, Frank Sinatra, Doris Day, Sarah Vaughan o Cliff Richard.

Firmaron otras versiones José Luis Rodríguez ‘El Puma’, Danny Rivera, Angélica María, Caterina Valente, Cuarta Dimensión, Elvira Quintana, Fernando Álvarez, Hermanos Tuna, Javier Solís, Licia Morosine, Los Blue Notes, Los Dinners, Los Freddys, Los Tres Diamantes, Los Tres Reyes, Lourdes Rodríguez, Manolo Otero, Nana Mouskouri, Nilla Pizzi o Tony Ronald. Pero sobre todos destacaron Los Panchos, que cambiaron incluso la letra.

Paloma San Basilio nació en Madrid hace 62 años, aunque pasó su infancia en Sevilla y su adolescencia en Lugo, para volver de nuevo a Madrid, donde consiguió convertirse en una de las intérpretes más populares y prestigiosas en el ámbito de la canción melódica hispanoparlante.

La potencia de su voz, su precisión interpretativa y nitidez a la hora de vocalizar han presidido una carrera que desde 1975 ha tocado numerosos campos, desde la canción melódica y pop a los boleros hasta el rock o la canción brasileña, participando incluso en óperas rock.

En 2006 su caminar profesional fue premiado con el Grammy Latino a la Excelencia Musical, ya que su popularidad en Hispanoamérica es, cuanto menos, similar a la que vive en su país. Recientemente ha vuelto al mundo del disco con un trabajo moderno dirigido por su hija.

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Hablamos de los años sesenta del pasado siglo, cuando Ipanema era un paraíso sólo habitado por artistas. Entre ellos estaban Jobim y De Moraes, que dieron condición de diosa, de mito viviente, a una quinceañera a la que veían desde la terraza de un bar en el que degustaban un whisky. Todo ello en forma de canción con música lánguida del primero y letra insinuadora del segundo que en 1962 conquistó al mundo y desde entonces sigue en el Olimpo.

Pero todavía hoy, aquella ‘garota’ irradia elegancia y seducción a pesar de que ella, Heloisa Pinheiro de nombre real, tiene ya 66 años, cuatro hijos y tres nietas, y sólo se dedica a vender bikinis en su tienda de Río. Los años han pasado por ella y no es más que una mujer normal.

Entre las innumerables versiones de este tema que existen siempre me gustó la de ASTRUD GILBERTO, grabada por ella porque hablaba inglés. Sin embargo, la primera interpretación discográfica corrió a cargo de Pery Ribeiro. ‘La chica de Ipanema’ universalizó la bossa nova. Es una obra maravillosa, tranquila y elegante.

Mira que cosa más linda,
más llena de gracia
es esa muchacha que viene y que pasa
con su balanceo camino del mar

Niña de cuerpo dorado del sol de Ipanema
con su balanceo es todo un poema
la chica más linda que he visto pasar

Ay! ¿Por qué estoy tan solo?
ay! ¿Por qué me siento triste?
ay! La belleza que existe
belleza que no es sólo mía
que ahora pasea solita

Ooh! Vida mia si supieras
que cuando tú pasas
el mundo entero se llena de gracia
con tu balanceo camino del mar

Mira que cosa mas linda
más llena de gracia
con su balanceo camino del mar
camino del mar
camino del mar

‘La chica de Ipanema’ adquirió rango de canción internacional gracias a FRANK SINATRA, que bordó su interpretación. Con su voz eterna transmitió como nadie la inmensa carga sensual y poética de la composición de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes.

También es muy buena la versión que grabó VINICIUS CON TOQUINHO.

Existen asimismo covers en diferentes idiomas e instrumentales interpretadas por Sammy Davis J r. Cher, Sepultura, Nat King Cole, Herb Alpert and the Tijuana Bras, Madonna, Amy Winehouse, etcétera.

Algunas cantantes mujeres decidieron interpretarla cambiando el nombre por ‘The boy from Ipanema’. Es el caso de Shirley Bassey, Petula Clark, Rosemary Clooney, Ella Fitzgerald, Eartha Kitt, Diana Krall, Peggy Lee, The Supremes, Crystal Waters o Sarah Vaughan.
En español la registraron Los Tres Sudamericanos, Gloria Lasso, Los Hermanos Castro y JARABE DE PALO.

El cine no ha permanecido ajeno a ‘La chica de Ipanema’, que dio título a una película de Leon Hirszman y aparece asimismo en filmes como ‘El color del dinero’ (1986), ‘Tin men’ (1987), ‘Los fabulosos Baker Boy’s (1989), ‘Wayne’s world 2’ (1993), ‘North’ (1994), ‘Mallrats’ (1995), ‘Mrs. Winterbourn’e (1996), ‘The cable guy’ (1996), ‘The stupids’ (1996), ‘Vegas vacation’ (1997), ‘Descubriendo a Harry’ (1997), ‘Deep rising’ (1998), ‘Out of sight’ (1998), ‘Babe: pig in the city’ (1998), ‘The emperor’s new groove’ (2000), I’mpostor’ (2001), ‘Catch me if you can’ (2002), ‘Finding nemo’ (2003), ‘The vat in the hat’ (2003), ‘The life and death of Peter Sellers’ (2004), ‘Mr. & Mrs. Smith’ (2005), ‘V de vendetta’ (2005), ‘Alpha dog’ (2006), ‘The invasion’ (2007) y ‘Despicable me’ (2010).

ASTRUD GILBERTO

La cantante brasileña de bossa nova, samba y jazz Astrud Gilberto ingresó en el mundo de la música cuando se casó en 1959 con el guitarrista Joao Gilberto. Se hizo popular como principal intérprete de ‘La chica de Ipanema’ en 1963, grabada en Nueva York junto a su esposo y el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim, acompañados por el saxofonista estadounidense Stan Getz. Ella no tenía experiencia previa, pero su melosa voz bastó.

Ese éxito la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de música brasilera de todos los tiempos, haciéndose con un prestigio mundial que le ha permitido protagonizar una larga carrera artística, grabando en varios idiomas, inclusive en español, e asimismo componiendo sus propios temas una vez que se separó de Joao Gilberto.

Durante los últimos años Astrud Gilberto ha sabido compaginar su condición de cantante con su introducción en el mundo de la pintura. También ha protagonizado numerosas campañas a favor del respeto de los derechos humanos.

Actualmente se encuentra semiretirada y su actividad musical se limita a algunas contadas presencias en los escenarios.

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