Desde que se grabó en los estudios Monument Records, en Nashville, Tennesse, esta canción, que narra la admiración del cantante hacia una mujer bonita que va caminado y sus dudas sobre si estará tan sola como él mismo, había sido un éxito, pero alcanzó su verdadera dimensión cuando fue elegida como tema central de la banda sonora del filme de Garry Marshall, llevándose incluso el Grammy a la mejor interpretación vocal pop de 1991.

Sin embargo, no sería justo ocultar que esta balada ya había llegado en los sesenta al corazón de cualquiera que la escuchara. Gracias, sin duda, a la voz de Roy Orbison y a su habilidad para alabar la belleza de la mujer.

LETRA

Chica linda que caminas por la calle
chica linda, del tipo de las que me agrada encontrar
no creo que seas de verdad, eres un espejismo
nadie puede verse tan bien como tú…

Misericordia, piedad
chica linda, no me la perdones, no me dejes sin nada
chica linda, no puedo ser de mucha ayuda, pero mira…
que te veas tan primorosa, tanto como tú lo puedes ser… como tú sabes ser

Tú estas sola al igual que yo
detente, para un momento
hablemos, charlemos…
chica linda, bríndame tu sonrisa…
sí, sí, sí

Mira hacia donde estoy, mírame
dime que te quedarás conmigo…
porque te necesito, te trataré bien
ven conmigo nena, sé mía esta noche…

No pases de largo
no me hagas sufrir
no te alejes. Está bien
si así quieres que sea, está bien
creo que me iré a casa, es tarde
tal vez mañana por la noche, pero espera…

Qué es lo que veo…
¿ella vuelve caminando hacia mi?
sí, viene caminando hacia mi…
oh, oh, chica linda

VERSIONES

‘Pretty woman’ ha sido utilizada por muchos otros artistas. Entre ellos JOHN FOGERTY y BRUCE SPRINGSTEEN durante un concierto.

También el rey ELVIS PRESLEY rindió un homenaje a esta canción y a Roy Orbison.

Es peculiar la interpretación que ofrecieron los rockeros de VAN HALEN.

El 23 de abril de 1936 nació en Vermon ROY KELTON ORBISON. Este influyente cantante y compositor se hizo dueño de una carrera que se extendió cuatro décadas, aunque fue en los cincuenta y en los sesenta cuando logró más repercusión por medio de baladas sobre amores perdidos, melodías rítmicamente complejas, su voz de tres octavas, sus gafas oscuras que trataban de minimizar sus graves problemas de vista y el uso del falsete.

Canciones como ‘Only the lonely’, ‘Oh, pretty woman’ o ‘Crying’ dieron a ‘The Big O’ un estatus de clásico del rock y atrajeron la admiración de las nuevas generaciones de artistas, como The Beatles, que le eligieron para compartir una gira por Estados Unidos.

En los noventa protagonizó un renacimiento gracias a su participación en The Traveling Wilburys junto a George Harrison, Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty y el batería Jim Keltner. En el esplendor de su madurez, murió el 6 de diciembre de 1988 en su Tennessee natal. Ese mismo año fue elegido para formar parte de forma póstuma del Salón de la Fama.

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Ahora debería continuar escribiendo de ‘Nine to five’ como canción, pero no puedo resistirme a introducir en este texto algunos asuntos candentes de nuestra sociedad en estos momentos y que vienen a cuento con la temática de esta obra musical.(...)
Read the rest of Dolly Parton – Nine to five (De nueve a cinco) (1,136 words)

Me refiero al empleo y a sus condiciones. ‘De nueve a cinco’ es el horario laboral habitual en Estados Unidos, impensable en nuestro entorno, donde se sabe cuándo empieza tu jornada, pero raras veces se conoce cuándo finaliza. Un título más español podría ser ‘De antes de las 9 a vete a saber cuándo’.

La crisis ha servido para acrecentar las tradicionales precarias condiciones del mercado laboral hispano y algunos empleadores –me niego a designarles como empresarios– se aprovechan de ello. Eso, por una parte. Por la otra, las mujeres siguen siendo las más damnificadas en este hábitat. Además de contar con peores remuneraciones, más de treinta años después de ‘Nine to five’, el sexismo sigue presente en su trabajo.

Para vencer esta situación desde 1973 en Estados Unidos funciona una organización también llamada ‘9 to 5’. Lucha por conseguir un mejor trato para la población femenina en el lugar de trabajo. Aquí esa idea ni siquiera ha sido planteada. Su germinación parece imposible en el actual escenario socioeconómico, donde tener un puesto de trabajo parece que te convierte en un afortunado y al mismo tiempo te invalida para reivindicaciones.

Satisfecha por hoy mi vena contestaria, volvamos a este tema musical, que, además de aparecer en la película a la que nos hemos referido, forma parte de un musical de teatro que obtuvo también gran éxito en Broadway casi tres décadas después. Su representación en ambas facetas artísticas fue muy taquillera. También la televisión acogió una serie basada en ‘De 9 a 5’.

La canción compuesta por Dolly Parton, y arreglada y producida por Gregg Perry, fue nominada sin éxito a los Oscar y a los Grammy, donde sí obtuvo los galardones al mejor tema country y a la mejor interpretación femenina. Sin embargo, donde cosechó verdadera repercusión fue entre el público y durante muchos años fue considerado el himno reivindicativo de quienes trabajaban en las miles de oficinas que asfaltan los rascacielos estadounidenses.

Fue número uno en su tierra y Dolly Parton se convirtió en la segunda americana que lo conseguía tras Jeannie C. Riley, que lo hizo en 1968. A este lado del Atlántico no tuvo tanto éxito, quizá porque reflejaba una visión muy americana del mundo laboral. Asimismo, ha sido incluida en la lista del centenar de temas fundamentales del cine confeccionada por el American Film Institute.

También el videoclip promocional de ‘9 to 5’ tenía mucho de cinematográfico, ya que al ritmo del tecleo de una máquina de escribir intercalaba imágenes de la película con otras de la interpretación que Parton y su banda realizaban del tema.

La canción a la que hoy nos referimos ha sido habitualmente confundida con otra que popularizó Sheena Easton. Inicialmente ambas se titularon ‘De nueve a cinco’, pero la cantante escocesa tuvo que renombrarla como ‘Morning train’ porque Parton poseía los derechos del título para el territorio norteamericano.

Mientras el tema que hoy analizamos habla de mujeres trabajadoras, ‘Tren de la mañana’ de Easton hace referencia a una chica enamorada que espera en casa todo el día el regreso del trabajo de su marido.

Me caigo de la cama y tropiezo hasta la cocina,
me sirvo una taza de ambición,
bostezo, me estiro e intento despertar a la vida

Salto a la ducha y la sangre comienza a circular,
fuera, en la calle, el tráfico empieza a rodar,
lleno de gente como yo,
en el trabajo, de nueve a cinco.

Trabajando de nueve a cinco,
qué manera de ganarse la vida
sobreviviendo justo, justo,
te cogen todo y te no dan nada

Usan tu mente,
y nunca te dan reconocimiento
suficiente para volverte loco si les dejas

De nueve a cinco, por servicio y lealtad,
Pienso que merezco una promoción justa
quiero seguir adelante,
pero el jefe no parece dispuesto a dejarme
algunas veces juraría que ese hombre me tiene manía

Te permiten soñar sólo para ver tus sueños hechos pedazos
estás a un solo peldaño en la carrera a ser jefe
pero tienes sueños que él nunca te va a quitar

En el mismo barco con un montón de amigos,
esperando al día en que tu barco zarpe,
y la marea se va a dar la vuelta,
y todo se va a poner de tu parte

De nueve a cinco,
te tienen donde quieren
hay una vida mejor,
y tu sueñas con ella, ¿no?

Es un juego de hombres ricos,
no importa cómo lo llamen,
y tú gastas tu vida metiendo el dinero en su cartera

De nueve a cinco,
qué manera de ganarse la vida
sobreviviendo justo justo,
te cogen todo y no te dan nada.

VERSIONES

La veterana cantante francesa RENÉE MARTEL ofreció la versión gala de la historia en 1981.

El mismo año la sueca KIKKI DANIELSSON, que formó parte del grupo eurovisivo Chips, también se fijó en este tema.

http://youtu.be/VUFuwnh78VQ

El tema de Dolly Parton recaló con éxito en tierras escandinavas, donde también la banda de punk sueca MILLENCOLIN se apropió de él.

En el cine, además de en la película ‘Como eliminar a su jefe’, de cuya banda sonora formó parte, ‘9 to 5’ apareció en las escenas iniciales de ‘The love guru’, de 2008, cantada por el personaje principal interpretado por MIKE MYERS acompañado por un sitar.

En la famosa serie ‘SESAME STREET’, ‘Los teleñecos’ en España, Polly Darton cantaba ‘One to five’.

DOLLY PARTON es un prodigio de la naturaleza musical que desde su Sevierville natal, en Tennesse, conquistó el panorama musical country estadounidense amparada por lapasión artística que heredó de su familia y que ejercitaba en la iglesia.

A los 12 años comenzó a interpretar algunos temas country en radio y televisión, y un año después ya grabó su primer disco y componía para otros artistas.

Vivió rodeada de pobreza hasta que se casó con Carl Dean, empresario del asfalto, quien impulsó su carrera. En los años siguientes llegaron los primeros éxitos, sobre todo ‘I will always love you’, tema por el que se interesó Elvis Presley, aunque el rey del rock nunca llegó a grabarlo porque no se alcanzó un acuerdo a la hora de repartir los derechos.

La fama mundial le llegó en la década de los ochenta del pasado siglo, cuando coqueteó con el pop por medio de canciones como la que hoy analizamos u otras como ‘Here you come again’, que vendió más de un millón de discos. Por entonces, también se especializó en fructíferos dúos y tríos musicales. Al mismo tiempo, compatibilizaba su carrera musical con intervenciones en películas.

Incansable, alcanzó el nuevo siglo cargada de energía y cosechó Grammys con su regreso al country con las canciones ‘The grass is blue’ y ‘Little sparrow’.

En la actualidad, con casi setenta años, sigue en los escenarios, en los platós y en la televisión. Aún le sobra fuerza.

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La muerte de Holly en un accidente de aviación dejó huérfanos a The Crickets, que se vieron obligados a seguir en solitario su carrera. Fue entonces cuando recuperaron la canción que hoy analizamos. Salió al mercado en 1960, sin mayor éxito. Ni siquiera consiguió clasificarse entre las primeras cuarenta plazas del hit parade estadounidense.(...)
Read the rest of Leo Sayer – More than I can say (Más de lo que puedo decir) (885 words)

Pero, por esos caprichos de la vida imposibles de explicar, dos décadas después, concretamente en 1980, el cantautor británico Leo Sayer quiso dar su visión de esta obra y la convirtió en uno de los grandes éxitos del milenio pasado. Arrasó en todo el mundo el año en que se publicó y, como ocurrió en España, en el siguiente ejercicio. Fue un rotundo éxito, manteniéndose cinco semanas en el número dos de la lista Billboard. Igual posición alcanzó en la lista británica. Por supuesto, fue disco de oro.

Sayer, que ya gozaba de un reconocido prestigio en el mundo del pop de ambos lados del Atlántico, quería dar un giro a su carrera mediante un disco que realizara nuevas lecturas de éxitos antiguos. En ello estaba cuando una mañana vio en televisión un anuncio en el que aparecía la canción –en versión de Bobby Vee– a la que hoy nos referimos. «Entré en una tienda por la tarde, compré el disco y la grabé esa misma noche», declaró hace un tiempo a una revista especializada.

‘More than I can say’ es de esas composiciones que pretenden dejarnos claro que a veces las palabras no bastan para expresar nuestros sentimientos. Se quedan cortas. Ocurre casi siempre cuando tratamos de describir el amor. «Te quiero más de lo que te puedo decir», podría ser la frase que resume esta filosofía.

Esta canción también ha inspirado, según sostienen algunos críticos, a Police, que incluyó alguna de sus notas en la parte del coro de ‘Every breath you take’, publicada un par de años más tarde que la ‘More than I can say’ de Sayer.

Oh, oh, oh, oh, sí
te quiero más de lo que puedo decir
te querré el doble mañana
oh, te quiero más de lo que puedo decir

Te echo de menos cada día
¿por qué la vida tiene que estar llena de tristeza?
te quiero más de lo que puedo decir
¿por qué no sabes que te necesito demasiado?

Ah, ¡vamos, dímelo por favor, lo tengo que saber!
¿quieres hacerme llorar?
¿soy yo tan sólo otro chico más?

Oh, oh, oh, oh, sí
te quiero más de lo que puedo decir
te querré el doble mañana

Oh, te quiero más de lo que puedo decir
te quiero más de lo que te puedo decir
te quiero más de lo que te puedo decir.

VERSIONES

Obligado es fijarse en primer lugar en la interpretación primitiva de ‘More than I can say’, obra de THE CRICKETS. Deliciosa.

Tampoco está mal la revisión firmada en 1961 por BOBBY VEE, al que también hemos hecho referencia más arriba. Producto típicamente melódico para las adolescentes de los sesenta.

El veterano grupo de pop-rock británico THE SHADOWS realizó una versión instrumental en 1981.

Los mexicanos de LOS BABY’S la tradujeron al castellano bajo el título ‘Vives en mi ser’.

También Bobbysocks!, Sammy Kershaw, June Lodge, Lawrence Ng Wai Kok, Mark Haze o Dozi & Ghapi incorporaron ‘More than I can say’ a su repertorio.

La carrera del británico LEO SAYER (Shoreham, 1948) comenzó en los sesenta, década en la que corrió grandes riesgos para triunfar. Llegó incluso a disfrazarse de payaso para actuar en la calle. El éxito le llegó a mediados de los setenta a base de baladas, pasó al olvidó a finales de la década con la irrupción del pop y volvió a la actualidad en los ochenta.

Sus inicios, aún en época escolar, bebieron de la influencia de artistas como Buddy Holly, Elvis Presley o Bob Dylan. Aprendió a tocar el órgano y la armónica mientras participaba en diversos grupos locales hasta que en 967 decidió dar el salto a Londres.

En la capital pronto se introdujo en el mundo del arte, codeándose con músicos, pintores o poetas del Soho y Kensington. La aventura no fue muy bien y se vio obligado a volver a casa, donde comenzó a trabajar en una fábrica de coches.

Su pasión musical y sus composiciones las compartió con el grupo Patches. Fue entonces cuando conoció al músico y agente Dave Courtney y al productor Adam Faith. A partir de ese momento el triunfo acompañó su caminar, ya en solitario.

Temas como ‘The snow must go on’, ‘One man band’, ‘Long tall glasses’ o ‘Moonlighting’ le hicieron un hueco en las listas británicas gracias a su estilo de voz peculiar y su alegre personalidad. Por aquellos tiempos las apariciones en televisión fueron constantes.

Su año mágico fue 1976, cuando pasó a trabajar con el productor Richard Perry y dio el campanazo con el single discotequero ‘You make me feel like dancing’, que consiguió otro número uno en Reino Unido y la segunda posición en las listas estadounidenses. La conquista definitiva del mercado americano se produjo un año más tarde con la balada ‘When I need you’ y su participación en la serie de Los Teleñecos.

Éxitos como ‘How much love’, ‘I can’t stop loving you’ o la analizada ‘More than I can say’ le introdujeron en los ochenta, donde incluso llegó a tener su propio programa en la televisión británica. Ante las cámaras dio muestras de su simpática personalidad y su destacado talento musical.

Poco a poco, después de publicar varios trabajos que pasaron desapercibidos, Leo Sayer abandonó las grabaciones discográficas y se centró en circuitos minoritarios.

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Hablamos de un tema que insistentemente piden al veterano cantante mallorquín en todos sus conciertos. ‘Para que no me olvides’ fue, junto a ‘Si tú fueras mi mujer’, la composición que le dio gran fama y éxito como baladista. Este single marcó un antes y un después en la carrera del intérprete. Su repercusión fue tal –con el ineludible número uno del momento– que pocos serán los amantes de la música de mediana edad que no la conozcan.(...)
Read the rest of Lorenzo Santamaría – Para que no me olvides (773 words)

Fueron también muchos los que se enamoraron con el disco. Porque este bolero hecho balada ha provocado muchos estremecimientos en parejas y propiciado despliegues de arrumacos. Por ello, esta canción siempre ha formado parte de los repertorios de las numerosas orquestas que durante los estíos han recorrido la geografía festiva española. Cuando se pedía una lenta, seguro que una de las candidatas era ‘Para que no me olvides’. También era una de las canciones que se pedían a las radios para dedicársela a una novia que habíamos perdido esos veranos.

Sin embargo, resultó una obra de lenta repercusión. Según comentó recientemente Santamaría, ‘Para que no me olvides’ llevaba grabada casi una año sin que ocurriera nada, hasta que, de pronto, se dispararon las ventas sin ninguna explicación empírica. La verdad es que, como también señaló el artista balear, «por entonces todo era mucho, mucho más lento que ahora».

‘Para que no me olvides’ triunfó por su melodía de acordes mediterráneos y por el uso de la marimba y la armónica en la instrumentación, pero sobre todo por su preciosa letra, alabada a lo largo de su historia musical. Sublime composición poética que describe una amor imperturbable, tanto por el tiempo como por el desgaste. Homenajea al que sufre por amor, al que sufre por la amada o el amado, alerta sobre la injusticia del olvido…

http://youtu.be/hIIP0DN9V_k

Para que no me olvides
y me recuerdes cuando estés lejos
han sido mis caricias
nuestros abrazos nuestros besos

Para que no me olvides
y este presente en todos tus sueños
te he dado mi cariño
que es lo mas caro y mejor que tengo

Para que no me olvides
ni siquiera un momento
y sigamos unidos los dos
gracias a los recuerdos

Para que no me olvides
ni siquiera un momento
y sigamos unidos los dos
para que no me olvides

Para que no me olvides
y me dediques un pensamiento
te llegaran mis cartas
que cada día dirán te quiero

Para que no me olvides
y nuestro amor llegue a ser eterno
romperé las distancias y detendré para siempre el tiempo

Para que no me olvides
ni siquiera un momento
y sigamos unidos los dos
gracias a los recuerdos

Para que no me olvides
ni siquiera un momento
y sigamos unidos los dos
para que no me olvides

Para que no me olvides
ni siquiera un momento
y sigamos unidos los dos

VERSIONES

Casi quince años más tarde del original, ‘Para que no me olvides’ fue grabada por DYANGO y el mexicano MIJARES.

El también azteca FREDI, de ‘La academia 2’, cantó el tema el pasado año.

El maestro ANTONIO AGUILAR la interpretó en clave mariachi.

La agrupación musical del género sierreño LOS CICLONES DEL ARROYO también hizo que esta canción formara parte de su repertorio.

WILFREDO VARGAS no ofreció su visión merengue.

LORENZO SANTAMARÍA, que eligió su nombre artístico como homenaje a su localidad natal, ha sido, es y será un especialista en derretir corazones con sus baladas. Llorenç Roselló Horrach, como fue bautizado, tuvo su momento de mayor esplendor en los setenta del pasado siglo, pero ha sabido alargar su carrera hasta la actualidad, cuando rememora viejos temas para veteranos aficionados al pop más sentimental.

Paradójicamente sus primeros pasos musicales los dio en el rock, influenciado por los numerosos artistas que durante los sesenta visitaron Palma de Mallorca. Por ello, inicialmente en 1966 formó parte del grupo Z-66, que fue muy popular en aquella época con versiones de Elvis Presley o Chuck Berry y que compartió tablas incluso con Jimi Hendrix y Wilson Pickett.

Fue en 1971 cuando el balear comenzó a cantar como solista, cambiando totalmente de estilo. Alternando los escenarios con trabajos como presentador de televisión o actor romántico, tuvo su primera repercusión discográfica con ‘Canto al amor’, una adaptación de la Sinfonía número 8 de Franz Schubert. Luego llegó ‘Rosie’. Pero el éxito de masas tardó seis años en producirse. Lo hizo con dos números uno: ‘Para que no me olvides’ y ‘Si tú fueras mi mujer’.

Sin embargo, en 1978 hizo un nuevo guiño al rock con el disco ‘Quise ser una estrella del rock & roll’, que fracasó porque tanto el público como su discográfica le habían encasillado ya como baladista. En 1980 Lorenzo Santamaría volvió al romanticismo con ‘Bailemos’, pero con la nueva década su éxito se fue reduciendo. Por ello, probó grabando en catalán, un idioma que, lógicamente, redujo la repercusión de su obra.

Desde entonces ha sabido sobrevivir con dignidad. Con pocas, pero selectas, producciones llenas de recuerdos y vivencias, y que todavía evidencian su estilo personal y su voz.

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Durante las horas de soledad con las que estaba obligado a convivir en el transcurso de sus giras, aburrido, comenzó a hojear una revista. En ella se encontró con la fotografía de la pequeña Caroline, dulce, inocente, angelical hasta en el sepelio de su padre. Ella fue la musa.(...)
Read the rest of Neil Diamond – Sweet Caroline (Dulce Carolina) (1,149 words)

La incógnita quedó resuelta con motivo del cincuenta cumpleaños de la vástago de JFK. Neil Diamond se lo comunicó a ella misma tras interpretar el tema vía satélite. «Estoy feliz de habérmelo sacado de encima y habérselo dicho. Nunca he hablado sobre esto. Siempre pensé que tal vez se lo diría a Caroline cuando coincidiéramos en algún lugar. Pensé que le daría vergüenza, pero ella se sorprendió y realmente la noté feliz», aseguró Diamond aquel día, una vez puesto fin a su hermético silencio.

El tema más popular de Neil Diamond siempre fue más que una canción. Hace muchos años que alcanzó la categoría de himno para millones de personas, aunque los más jóvenes la descubrieron al ser incluida en la banda sonora de la película ‘Beutiful Girl’. Bajo la producción de Tom Catalano y del propio autor, inicialmente no constituyó un bombazo y el single que lo presentaba frenó su ascenso en el número cuatro de la lista de éxitos estadounidense, pese a vender un millón de copias. Sin embargo, a medida que maduraba supuso un gran éxito internacional.

Su tono in crescendo y el atractivo del estribillo hacen que se preste mucho a ser cantada en grupo, por lo que es habitual en las celebraciones anglosajonas. Evoca alegría y dulzura. Dentro de su estructura simple, es redonda, euforizante, capaz de salvar el día a cualquiera.

Recientemente, tras los atentados de Boston, Diamond decidió ceder a las víctimas los beneficios que generara ‘Sweet Caroline’ desde aquel momento. La canción es considerada un himno no oficial de la ciudad y en ella, una vez conocida la acción filantrópica del neoyorquino, las ventas se incrementaron en casi un 600%.

Donde empezó no lo sé
pero me doy cuenta
de que está creciendo

Fue en la primavera,
y la primavera
se convirtió en verano

Quién habría pensado
que tú vendrías
manos, manos, tocándose
alcanzando, tocándome
tocándote, dulce Carolina

Los buenos tiempos nunca
parecieron tan buenos
y empiezo a creer
que los buenos tiempos
nunca lo fueron

Pero ahora miro la noche
y no parece tan solitaria
nosotros la llenamos
con nuestra presencia

Y cuando hiero
el dolor corre por mis hombros
cómo puedo herir
cuando estoy contigo

Cálidos, tocando,
cálidos alcanzando,
tocándome, tocándote
dulce Carolina

Los buenos tiempos nunca
parecieron tan buenos
y empiezo a creer
que los buenos tiempos
nunca lo fueron
Oh, no, no
dulce Carolina

Los buenos tiempos nunca
parecieron tan buenos
y empiezo a creer
que los buenos tiempos
nunca lo fueron
dulce Carolina

VERSIONES

‘Sweet Caroline’ ha sido grabada por intérpretes muy diferentes. FRANK SINATRA incrementó la cotización de la obra con una revisión de gran calidad.

ELVIS PRESLEY le dio su característico toque country de Las Vegas.

Otro cantante histórico como ROY ORBISON supo también reconocer las posibilidades del tema.

Más moderna, por supuesto, es la revisión de U2.

JULIO IGLESIAS la ofreció a la audiencia hispanoparlante.

También la han cantado Velvet Revolver, Andy Williams, David Archuleta, Bobby Womack, Waylon Jennings, Bert Kaempfert, Chet Atkins, Ray Conniff, The Mike Curb Congregation, The Drifters, Ray Anthony, Ferrante & Teicher, Bobby Goldsboro, The London Philharmonic Orchestra, Al Martino, Hugo Montenegro, Billy Vaughn, The Ventures, Lawrence Welk, Dave Matthews Band, Mark Salling, Jonas Brothers o Me First and the Gimme Gimmes.

La canción ‘Sweet Caroline’ es muy popular en eventos deportivos norteamericanos. Es famosa la interpretación que protagonizan los seguidores de béisbol BOSTON RED SOX. El encargado de la megafonía, Amy Tobey, la incorporó en 1997 al repertorio que se interpreta en Fenway Park porque uno de los empleados del estadio había sido padre de una niña a la que decidieron llamar Caroline. Desde entonces los espectadores la usan para animar cada partido porque se ha convertido en el himno oficial. El propio Neil Diamond la interpretó en una ocasión desde el campo de juego.

Caroline Kennedy, pese a que nació en Nueva York, es seguidora de los Red Sox porque se crió en un lugar llamado Brookline, cerca de Boston. Acude a presenciar sus encuentros varias veces al año, cuando sus ocupaciones como dmbajadora de los Estados Unidos en Japón se lo permiten.

Tras el atentado contra la maratón de Boston el tema de Neil Diamond cobró especial relevancia al sonar en todos los campos de béisbol del país como homenaje a las víctimas. También los participantes de la maratón de Salt Lake City, sólo una semana después del suceso, la cantaron al inicio de la prueba.

La película ‘BEAUTIFUL GIRL’, dirigida en 1996 por Ted Demme se desarrolla alrededor de ‘Sweet Caroline’, con el momento más álgido en la escena en que todos los personajes la cantan mientras rememoran viejos tiempos. Un instante para recordar.

NEIL DIAMOND es, con permiso de Bob Dylan, el cantautor estadounidense con mayor prestigio. Su carrera se ha prolongado durante cinco décadas, llegando hasta la actualidad y dejando atrás una cosecha de innumerables creaciones en forma de otros tantos discos. Integrante de la llamada ‘generación de oro’ de la canción del país de las barras y las estrellas, su personal modo de interpretar, su carisma sobre los escenarios y su voz inconfundible han deleitado a millones de amantes del pop relajado con temas como el mencionado ‘Sweet Caroline’, ‘Song Song Blue’, ‘Cracklin Rosie’, ‘I’m Glad You’re Here with Me Tonight’, ‘Girl, You’ll Be a Woman Soon’, ‘Cherry Cherry’, ‘Red, Red Wine’, ‘September Morn’, ‘Love on The Rocks’, ‘America’ , ‘Hello Again’, ‘Delirious Love’ o ‘Home before Dark’, entre otras muchas. Todos dotados de un aire reflexivo bajo un manto de sorprendentes arreglos orquestales.

Neoyorquino de nacimiento, su aventura musical comenzó cuando en su decimosexto cumpleaños le regalaron una guitarra y unas clases para aprender a tocarla. Anhelaba contar con ese instrumento desde que el histórico Pete Seeger, recientemente fallecido, visitara su escuela. Sin embargo, una beca le encaminó hacia los estudios de Medicina. Pero en la universidad el veneno de la canción acabó por hacer efecto y abandonó la carrera cuando le faltaban seis meses para obtener la diplomatura.

Corría el año 1965. Inicialmente se dedicó sólo a componer, llamando pronto la atención de los prestigiosos productores Jeff Barry y Ellie Greenwich. Su obra ‘I’m a Belliever’ llegó al número uno interpretada por The Monkees en 1966, además de escribir también para Cliff Richards o Lulu. Desde entonces su trayectoria profesional ha sido imparable, presidida por grandes premios como los Grammy o los Globo de Oro, además de haber protagonizado la gira más taquillera de un solista.

Es obligado reseñar asimismo sus incursiones en el cine, con bandas sonoras de películas como ‘Juan Salvador Gaviota’ (1973) o ‘El cantor de jazz’ (1980).

Sin embargo, en muchas ocasiones, Neil Diamond ha sido injustamente tratado y criticado por la excesiva dulzura de sus temas románticos. Canciones que ahora son himnos que perduran, que nunca te abandonan y que incluso son parte de tu propio ser.

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El tema original llegó a Estados Unidos de la mano de otro histórico crooner, Paul Anka, que por 2.000 dólares compró los derechos de la obra de François tras escucharla durante unas vacaciones en la tierra de los galos. Cambió su letra y hasta rehízo la música para transformarla en la obra que alcanzó la trascendencia que hoy goza. El canadiense, consciente de su potencial, se lo ofreció a Sinatra durante una cena en Florida y el italonoamericano acabó por redondear el producto con su garganta. La transacción se cerró por 40.000 dólares. Ahora es imposible calcular el dinero que obtuvo Sinatra con su explotación. Millones y millones.(...)
Read the rest of Frank Sinatra – My Way (A mi manera) (1,326 words)

‘My Way’ dio a Sinatra algo más que dinero. Por aquella época atravesaba uno de los momentos más duros de su carrera por el auge del rock, la estelar irrupción de The Beatles y la eclosión musical de los sesenta unida al movimiento hippy. Dicen que incluso llegó a barajar la posibilidad de retirarse. «Me salgo del negocio, estoy harto de esto», confesó a Anka, según desveló éste en una entrevista de 2007. Afortunadamente no lo hizo. Se apoyó en el sonido melódico de ‘My Way’, algo más moderno del que era habitual en su repertorio inicial, para volver a lo más alto. Ya nunca más se bajó del trono.

Aunque ‘My Way’ jamás estuvo en los puestos de cabecera de las listas de éxito de 1969 –cuando salió al mercado–, sí se ancló en ellas durante más de un año. Desde entonces la creación más representativa y emblemática de La Voz es considerada una de las creaciones musicales más hermosas de todos los tiempos. Todos conocemos ‘My Way’, todos hemos intentado entonarla alguna vez, todos reconocemos su calidad y hasta todos, aunque no lo admitamos en público, nos hemos visto alguna vez emocionados por sus notas.

Porque es la banda sonora de la historia de la música contemporánea siempre estará ahí por mucho que los años pasen. La trascendencia de este icono y su conversión en un símbolo musical y cultural en todo el mundo son tales que el Gobierno soviético de Mijaíl Gorbachov se refería a su política de no intervencionismo en los asuntos internos de los demás miembros del Pacto de Varsovia como la ‘doctrina Sinatra’, cada uno a su manera.

Aunque la composición primitiva de Claude François se refería a la reciente ruptura sentimental del artista con la también cantante France Gall, la adaptación de Anka versa acerca de un hombre que reflexiona sobre su vida con un amigo cuando se acerca a la muerte. Nos habla de opciones y del modo de decidir sobre ellas. A lo largo de nuestra existencia estamos obligados a elegir entre muchas alternativas. Cada una marca nuestro futuro. Cada determinación nos obliga a definirnos y escoger nos lleva a avanzar en nuestra evolución personal.

La vida es tan fácil como difícil, pero se convierte en muy complicada si nos engañamos a nosotros mismos. Las cosas podemos contarlas con mil verbos, pero el relato más válido es siempre el que realizas a tu manera. Los desafíos hay que resolverlos con nuestros propios medios. ‘My Way’, por tanto, es un culto a la personalidad. La ‘doctrina Sinatra’ exige ser también uno mismo cuando llega la hora de afrontar dificultades. ‘My way’ no deja de ser un ejercicio de autoayuda que apuesta por el valor de seguir un camino propio.

Y ahora el final está aquí,
y entonces enfrento el telón
mi amigo, lo diré sin rodeos,
hablaré de mi caso, del cual estoy seguro

He vivido una vida plena,
viajé por todos y cada uno de los caminos
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Arrepentimientos he tenido unos pocos
pero igualmente muy pocos como para mencionarlos
hice lo que debía hacer
y lo hice sin exenciones

Planeé cada programa de acción,
cada paso cuidadoso a lo largo del camino
y más, mucho más que esto,
lo hice a mi manera

Sí, hubo oportunidades,
estoy seguro que lo sabían,
cuando mordí
más de lo que podía masticar

Pero al final,
cuando hubo duda,
me lo tragué todo y luego lo dije sin miedo
lo enfrenté todo y estuve orgulloso,
y lo hice a mi manera

He amado, he reído y llorado
tuve malas experiencias, me tocó perder
y ahora, que las lágrimas ceden,
lo encuentro tan divertido

Pensar que hice todo eso
y permítanme decir, sin timidez,
‘oh, no, oh, no, a mí no, yo sí lo hice a mi manera’

Pues, ¿qué es un hombre? ¿qué es lo que ha conseguido?
si no es a sí mismo, entonces no tiene nada
decir las cosas que realmente siente
y no las palabras de alguien que se arrodilla

Mi historia muestra que asumí los golpes
y lo hice a mi manera

Sí, fue a mi manera

VERSIONES

Sinatra canta ‘My Way’ como nadie, pero son muchos los que, sin éxito, han tratado de emularle. De hecho se dice que es una de las canciones más versionadas de la historia. Sin embargo, La Voz será muchas veces imitado, pero nunca igualado.

Justo parece empezar con la canción original francesa que inspiró el tema que analizamos. Recordemos que la interpretó CLAUDE FRANÇOIS en 1967, bajo el título ‘Comme d’abitude’.

También parece obligado incorporar la adaptación que hizo PAUL ANKA. El canadiense la grabó hasta tres veces: en 1996 haciendo dúo con Gabriel Byrne para la película ‘Mad Dog Time’, en 1998 junto a Julio Iglesias y en 2007 con Jon Bon Jovi.

Entre quienes interpretaron ‘My Way’ asimismo estuvo el gran ELVIS PRESLEY.

http://youtu.be/emSUMawB3Wo

La argentina ESTELA RAVAL, antigua voz de Los Cinco Latinos, asegura que fue la primera en grabar el tema en castellano en 1970. Lo tituló ‘A mi modo’.

Por último, veamos cómo ANDRÉS CALAMARO convirtió la canción en un reggae.

La lista de los que han interpretado la composición de François-Anka es interminable. He aquí algunos nombres: Radiohead, Ray Coniff, Celine Dion, Gipsy Kings, Tom Jones, Pearl Jam, Il Divo, Charles Aznavour, Ana Gabriel, Aretha Franklin, Arturo Sandoval, Barry Gibb, Bert Kaempfert, Banda Toro, Bethelem, Björn ‘Speed’ Strid, Bertín Osborne, Cacho Castaña, Carlos Torres Vila, César Costa, Cheo Feliciano, Christopher Lee, Cliff Richard, El noi del sucre, Florent Pagny, Franck Pourcel, Frankie Laine, Glen Campbell, Green Day, Greta Keller, Joan Baez, José Carreras, José José, Kalimba Marichal, Kanye West, Khaled, Los del Fuego, Los Panchos, Los Piratas, Luciano Pavarotti, María Marta Serra Lima, Manolo Muñoz, Michel Sardou, Mireille Mathieu, Mika Nakashima, Nana Mouskouri, Nina Hagen, Nina Simone, Northern Kings, Paska, Paul Potts, Pearl Jam, Plácido Domingo, Pocho La Pantera, Polysics, Raphael, Richard Clayderman, Robbie Williams, Sandro, Sex Pistols, Shane MacGowan, Shirley Bassey, Sid Vicious, Siempre Así, Simon Cowell, The Strokes, Tom Jones, True Symphonic Rockestra, Vicente Fernández…

El mundo de la PUBLICIDAD ha recurrido en numerosas ocasiones a ‘My Way’. Como ejemplo, este anuncio de un vehículo.

http://youtu.be/OrIRuWUTNuI

FRANCIS ALBERT SINATRA es, junto a Elvis Presley, el solista que más popularidad alcanzó a lo largo del siglo XX. Aunque lo mejor de su carrera lo ofreció en los años cuarenta y cincuenta, su trayectoria profesional se extendió hasta prácticamente su muerte, en 1998. Grabó más de 1.300 canciones y participó en medio centenar películas, además de recibir multitud de premios y homenajes, entre los que se cuentan diez Grammy, el Premio de la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación y la Medalla de la Libertad del Gobierno estadounidense. Como actor destacó por su gran actuación en la película ‘De aquí a la eternidad’, con la que obtuvo el Óscar al mejor actor de reparto en 1953.

‘La Voz’ nació en 1915 en Hoboken, New Jersey, en el seno de una humilde familia de origen italiano. Inicialmente actuó como cantante de orquestas como las de Harry James y Tommy Dorsey, hasta que a finales de los treinta se convirtió ya en ídolo gracias a su voz melódica y los temas románticos que interpretaba. En los cuarenta comenzó a compaginar la música con el cine a través de un camino paralelo que prolongó hasta prácticamente su fallecimiento a causa de un ataque al corazón.

Durante su carrera lideró el célebre grupo de crápulas Rat Pack, formado por Sammy Davis Jr., Dean Martin, Peter Lawford, Shirley MacLaine, Angie Dickinson o Joey Bishop. Además fue colega de algunos de los mafiosos más célebres del momento.

Canciones como ‘My Way’, ‘Strangers in the Night’, ‘New York, New York’ o ‘I”ve got You under my Skin’ son reconocidas mundialmente y forman parte del acerbo cultural de todos los amantes de la música.

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El proyecto ‘Graceland’ surgió de una vieja cinta de casse tte de los Boyoyo Boys titulada ‘Accordion jive hits volume II’, cargada de ritmos típicos de las calles de Soweto, que llegó a manos de Paul Simon y que escuchaba en su coche durante un viaje a la mítica residencia de Elvis Presley. Fue esa música la que le llegó a viajar hasta Sudáfrica para abrir la puerta por la que la influencia de la música africana penetró en el mundo del pop occidental.

Simon, por encima del bien y del mal al ser convertido en divo por su éxito superlativo gracias al dúo que conformó con Art Garfunkel, se atrevió a experimentar en ese campo, consciente de que el riesgo era alto, pero también sabedor de que su condición de dios le permitiría sobrellevar un fracaso.

Ocurrió en 1986. ‘Graceland’ fusionó los sonidos sudafricanos (mbaqanga y mbube) con el pop norteamericano para crear un tema perfecto. Contó con la participación de artistas del continente pobre con raíces zulúes o xhosa como la cantante Miriam Makeba, el trompetista Hugh Masekela, el guitarrista Ray Phiri, el bajista Bakithi Khumalo o el coro Ladysmith Black Mambazo, y cosechó un éxito imprevisto que le llevó a vender más de catorce millones de copias en todo el mundo. Por supuesto fue número uno en todo el planeta.

Además de suponer un desafío al apartheid, la aventura de Simon creó un producto inolvidable, ambicioso y vanguardista que supo combinar temáticas típicamente de la Gran Manzana con ritmos tribales tras reformular patrones métricos y estructurales hasta conformar canciones como la que hoy destacamos. Un culto al contraste entre la poesía del americano y la contundencia de quienes le acompañaron.

Bajo la producción de Roy Halee, un concienzudo trabajo que contó con la participación de más de cincuenta músicos alumbró la gestación de una canción que tuvo que luchar inicialmente contra quienes creyeron que, con Nelson Mandela aún en la cárcel, el proyecto de Paul Simon insuflaba vida al régimen racista de Pretoria.

Entre los críticos estaban la ONU y por el Congreso Nacional Africano, que estimaban que suponía romper el boicot cultural que se mantenía a la administración afrikaner. Pero el posicionamiento favorable de la célebre presentadora estadounidense Oprah Winfrey, de raza negra, abrió el camino hacia la aceptación universal. Según el genio estadounidense, ‘Graceland’ puso rostro a las víctimas del apartheid.

La letra en ningún caso realiza alusiones directas al conflicto político. Se limita a ofrecer símbolos e imágenes del continente africano, de pequeños pasajes de vida, situaciones, desigualdades y penurias, siempre enfocadas desde la introspección. En ‘Graceland’ nos habla de una peregrinación de olvidados que van hacia su tierra prometida.

‘Graceland’ supone un mensaje a la unión de los pueblos. El descubrimiento de un nuevo musical y la creación de lazos entre diversas culturas tras encontrar puntos comunes y fundir las diferencias hasta demostrar que la música es una forma de comunicación universal.

http://youtu.be/h6fS_7Yp0hY

El delta del Mississippi estaba reluciente
como si fuese la guitarra de América 
Estoy siguiendo el curso del río 
por la carretera
atravesando la cuna de la guerra civil 

Voy a Graceland 
Graceland 
En Memphis, Tennessee 
Voy a Graceland 

Jóvenes sin blanca y peregrinos con sus familias 
vamos a Graceland 
mi compañero de viaje tiene nueve años
es el hijo de mi primer matrimonio 
pero tengo razones para creer 
que los dos seremos recibidos 
en Graceland 

Ella se vuelve para decirme que se va 
como si no lo supiese
como si no conociese mi propia cama 
como si nunca me hubiera dado cuenta de 
la forma en que se apartaba el pelo de la frente 

Y me dijo que el amor perdido 
es como un roto en tu corazón 
todo el mundo ve que estás hecho añicos 
todo el mundo ve que sopla un frío viento en tu corazón

Voy a Graceland 
Memphis, Tennessee 
Voy a Graceland 
Jóvenes sin blanca y peregrinos con sus familias 
Vamos a Graceland 

Mis compañeros de viaje
son fantasmas y portales vacíos
estoy mirando a los fantasmas y a los huecos
pero tengo razones para creer
que todos seremos recibidos
en Graceland

Hay una chica en New York
que se llama a sí misma el trampolín humano
y a veces cuando estoy mal, 
o caigo en la melancolía, me digo
¡Oh, esto es lo que ella quiere decir!
Quiere decir que estamos rebotando hacia Graceland

Y me doy cuenta de que el amor perdido
es como un roto en tu corazón
Todo el mundo ve que estás hecho añicos 
todo el mundo ve que sopla un frío viento en tu corazón

Graceland, en Graceland
Voy a Graceland
por razones que no puedo explicar
Hay una parte de mí que quiere ver
Graceland

Y quizás esté obligado a defender
cada amor, cada final
o quizá ya no tenga que defender nada ya
quizá tenga una razón para creer
que todos seremos recibidos 
en Graceland

VERSIONES

DANNIEL ROSSEN, miembro de la banda rockera norteamericana Grizzly Bear, firmó una interpretación peculiar de ‘Graceland’ con el propio Simon.

Los canadienses de HEY ROSETTA! interpreton ‘Graceland’ en directo en el Chicago Music Exchange de 2012.

GOTYE & THE LITTLE STEVIES también recurrieron al tema y lo cantaron al estilo country.

THE TALLEST MAN ON EARTH realizó un cóver peculiar en 2010.

Otros artistas también han ofrecido su versión. Por ejemplo Hot Chip, El Vez, Casiotone for the Painfully Alone o el veterano WILLIE NELSON.

PAUL SIMON es cantante, productor, compositor y hasta actor. El dúo mágico de voces angelicales Simon & Garfunkel le erigió como una de las figuras más trascendentales del pop, ya desde los años sesenta del pasado siglo. No se le considera un artista cualquiera. El mismo se confiesa extraño, dotado de un aire de desesperación de quien busca un lugar en el mundo y aún no lo ha encontrado. Pese a ello ha constituido una influencia constante para mucha gente que ha hecho de la música su vida.

Tras abandonar definitivamente al rubio de su pareja –A Garfunkel hay quien en España se confunde con el divulgador Eduardo Punset– y varios discos en solitario con canciones con incuestionable éxito como ‘Late in the evening’, ‘Me and Julio down by the schoolyard’, o ‘Mother and child reunion’, no fue difícil para él romper barreras.

En 1985 Simon decide dar un giro a su carrera y, ya con 44 años, empieza a oír de todo para reinventarse con alma de sudafricano. El éxito y la polémica fueron tales que su nueva fama eclipsó a la pasada.

La repercusión de ‘Graceland’ le costó a Simon problemas para reemprender su camino tras aquella experiencia. Lo consiguió, aunque hasta los noventa no supo desembarazarse de la sombra de aquel proyecto. Miró hacia Brasil y la Amazonia hasta que un directo brutal desde Central Park de Nueva York supuso probablemente el punto más alto de su carrera.

El esfuerzo de los últimos años fue tal que volvió a casa para descansar. Ahora sólo abandona su hogar en contadas ocasiones, aunque su discografía sigue creciendo.

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Rock y guitarra son sinónimos y Chuck Berry fue el primero que lo demostró. Pionero en una corriente denostada en sus inicios, el hoy octogenario compositor e intérprete de Missouri sorprendió al mundo del blues, al que estaban condenados a circunscribirse los músicos negros, con una introducción en este tema de un riff inicial inspirado en un solo del guitarrista Louis Jordan empleado en la canción ‘Ain’t that just like a woman’, de 1947.

El mensaje de ‘Johnny B. Goode’ nos traslada al sueño americano de un joven músico que trata de avanzar pese al lastre que supone su pobreza y su color, negro evidentemente. Una guitarra es su única arma y es la destreza que demuestra con ella la que le llevará al éxito.

Al parecer en las primeras versiones, nunca publicadas, hablaba específicamente de un niño negro, pero para ganarse el mercado se optó por una versión más difusa en cuanto al tema racial.

Berry nunca aclaró en tema, pero parece claro que la letra está inspirada en su propia vida, aunque también parece recoger retazos de las experiencias de su pianista Johnny Johnson y los problemas con el alcohol de sus baquetas. Se dice que Chuck siempre recriminaba a Johnson su excesos con la frase ‘Johnnie be good’ (Johnnie sé bueno) y que de ahí nació la canción. Paradójicamente en la grabación del tema quien estuvo a los teclados no fue Johnson sino Lafayette Leake. Otros dicen que Goode es un homenaje al lugar donde nació el mítico rockero.

La gran repercusión de esta canción llevó a Berry a escribir dos réplicas que dan continuidad a la historia: ‘Bye bye Johnny’ y ‘Go, go, go’, que jamás gozaron de la aceptación de la primera entrega.

Está canción considerada como una de las maravillas de la humanidad, fue incluida en la sonda espacial Voyager para que las civilizaciones que puedan existir fuera de nuestro planeta puedan degustar también a Chuck Berry. El apoteósico, histórico, irrepetible e inolvidable sonido que salió de su guitarra lo justifica.

Es un lujo que tantos años después de que saliera al mercado los aficionados a Chuck podamos disfrutar de esta obra de arte con la misma frescura que cuando se escribió. Es atemporal.

En lo profundo de Louisiana, pegado a New Orleans
más allá de los bosques, entre las verdes praderas
permaneció en una cabaña hecha de troncos y tierra
un chico de pueblo llamado Johnny B. Goode
que nunca aprendió a escribir ni a leer demasiado bien
pero que podía tocar la guitarra como si hiciera sonar una campana

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Él solía acarrear su guitarra en un saco de yute
y sentarse a la sombra de un árbol al lado de las vías del tren
Ah, el maquinista le vio sentado en las sombras
tocando con el ritmo que llevaban las máquinas
La gente pasaba y se paraba a decir:
¡¿Dios mío, ese chico de pueblo puede tocar así?!

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.

Su madre le contó: «Algún día serás un hombre»
y serás el líder de una gran vieja banda
mucha gente vendrá de muy lejos
para escucharte tocar música mientras se pone el sol
quizás algún día veas tu nombre escrito en grandes neones
diciendo: «Johnny B. Goode, esta noche»

Vamos, vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, vamos, Johnny, vamos
vamos, Johnny B. Goode.»

VERSIONES

Han sido múltiples los cantantes que han interpretado ‘Johnny B. Goode’. Muchos sostienen que es la canción más versionada de la historia junto a ‘Yesterday’ de The Beatles. La cantó incluso el rey ELVIS PRESLEY.

Otro genio de la guitarra como JIMI HENDRIX no pudo evitar imitar al dios.

También AC/DC incorporó la canción a su repertorio.

http://youtu.be/hV11HRcbCJU

Y hasta el popero ELTON JOHN.

Los Beatles, grandes admiradores de Chuck Berry, incluyeron varias de sus canciones en sus primeros pasos discográficos. Y JOHN LENNON llegó a hacer un dueto con el guitarrista negro.

Grandiosa la interpretación del mito con BRUCE SPRINGSTEEN y su E Street Band.

http://youtu.be/-2CdjOX8kas

Entre los que firmaron covers nos encontramos a The Beatles, The Rolling Stones, B.B. King, Led Zeppelin, Prince, Andrés Calamaro, Judas Priest, Beach Boys, Six Pistols, AC/DC, Johnny Winter, Aerosmith, Bad Religion, BB King, Bill Haley & His Comets, The Carpenters, Dio, Dr. Feelgood, Green Day, The Grateful Dead, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Lynyrd Skynyrd, Men at Work, Motörhead, Carlos Santana, Slade, Stray Cats, Johnny Winter, etcétera

Para la generación de los ochenta ‘Johnny B. Goode’ fue dada a conocer por la película ‘REGRESO AL FUTURO’, donde el protagonista Marty McFly (Michael J. Fox) canta en un baile de instituto celebrado en 1955. Uno de los miembros de la banda, llamado Marvin Berry, telefonea a su primo Chuck durante la actuación para que escuche la canción. Desde entonces todos todos sabemos que el rockero copió a McFly.

http://youtu.be/8BelLyEPGcs

A CHUCK BERRY (Saint Louis, 1926), actualmente una leyenda viva del rock, le costó poder vivir de la música. Tuvo que trabajar en varias fábricas y limitarse a satisfacer sus ansias musicales con actuaciones en pequeños bares de St. Louis, donde versionaba temas de Nat King Cole y Muddy Watters, artistas predecesores que ejercieron una gran influencia artística en su formación de blues.

Por fin, en 1955 se lanzó a la aventura para buscar un futuro en el rock. Se trasladó a probar suerte a Chicago y en la ciudad del automóvil llevaron sus primeras grandes canciones como ‘Roll over Beethoven’ gracias al contacto que mantuvo con Muddy Waters. Dos años más tarde se había ganado ya un prestigio que le llevó a ser invitado a tocar junto a Carl Perkins, Everly Brothers y Buddy Holly.

En 1957 llegó Rock ‘n’ roll music’, otro de sus clásicos, y en 1958 ‘Johnny B. Goode’, aunque realmente la compuso tres años más tarde. Siguieron ‘Route 66’, ‘Maybellene’, ‘Come on’, ‘School day’, ‘Carol’, ‘Sweet little sixteen’, ‘Menphis Tennessee’, ‘Reelin’ and rockin’, ‘Around and around’, ‘Little Queenie’, ‘Too much monkey business’… Todas fueron y son obras maestras. Las aderezaba con su famoso baile del pato, que causó furor incluso entre la población blanca.

De ahí a la eternidad. Si Elvis era el rey, Berry era el dios del rock. Hasta John Lennon lo dijo: «Si al rock and roll hubiera que ponerle un nombre, ese sería Chuck Berry». La también mítica revista ‘Rolling Stone’ le colocó en el escalón número cinco de la historia de la música moderna sólo por detrás The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones. Ni siquiera una condena de cárcel que le apartó de la música durante cinco años pudo eclipsarle.

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Una combinación de acordes simples con el clásico riff de guitarra y una letra sencilla inspirada en la vida despreocupada en los vapores que navegaban por el Mississippi a través del estado de New Orleans deparó uno de los mejores temas de toda la carrera de la banda californiana. Hoy sigue sonando como el primer día.

Hay quien quiso ver en su lírica un alegato en contra de las drogas, buscando alusiones a la marihuana. Sin embargo, este argumento cayó cuando los propios miembros de la Creedence se mostraron a favor del consumo de estupefacientes.

Al margen de opiniones subjetivas, lo cierto es que esta obra de arte es ideal para cualquier momento de cualquier vida. «A veces escribo palabras para las canciones porque suenan bien para cantar. A veces, quien las escucha no entiende lo que estoy cantando porque estoy más concentrado en cantar, divirtiéndome con el sonido de las palabras mientras salen de mi boca», explicó en su día Fogerty y pocos le entendieron. El paso del tiempo tampoco ha ayudado a aclararnos su mensaje.

El principio el título previsto era ‘Rollin’ down the river’, pero finalmente se optó por ‘Proud Mary’ en honor al buque en el que se inspiró Fogerty, Al parecer inicialmente se fijó en una lavaplatos, pero a medida que avanza la creación el tema acabó por navegar por el caudaloso río estadounidense. De hecho, fue escrito n un barco a vapor, realmente bautizado como ‘María Isabel’.

Llegó a lo más alto de las listas. Pero no sólo tuvo el apoyo del público. Incluso el propio Bob Dylan dijo que ‘Proud Mary’ fue la mejor canción publicada ese año. Lo cierto es que su repercusión fue tal que el cuarteto llegó a ser cabeza de cartel en el festival de rock de Woodstock, donde compartieron escenario con las mejores bandas de rock del momento .

Dejé un buen trabajo en la ciudad
Trabajaba para el patrón todo el día y la noche
Y nunca desperdicié ni un minuto de sueño
Para preocuparme en cómo son las cosas

La gran rueda sigue girando
El Proud Mary sigue humeando
Rodando, rodando, rodando en el río

Lavo muchos platos en Memphis
Bombeo mucho combustible en Nueva Orleans
Y nunca ví el lado bueno de la ciudad
Hasta que di un paseo por la embarcación reina del río

La gran rueda sigue girando
El Proud Mary sigue humeando
Rodando, rodando, rodando en el río

Si vienes para acá al río
Puedes apostar que encontrarás a gente que vive
No tienes que preocuparte si no tienes dinero
La gente del río es feliz cuando da

La gran rueda sigue girando
El Proud Mary sigue humeando
Rogando, rogando, rogando en el río

VERSIONES

‘Proud Mary’ a lo largo de sus más de cuarenta años de vida ha sido interpretada por un centenar de artistas distintos. Muy gospel fue la firmada por IKE Y TINA TURNER. Ganó el Grammy en 1972.

La diosa del rock volvió a grabarla ya con 70 años.

El rey ELVIS PRESLEY también la valoró como para incorporarla a su repertorio.

BEYONCÉ la interpretó en el homenaje a Tina de 2009.

http://youtu.be/Yp2C-Se1ys8

El mismo año GLEE firmó una revisión.

Curioso fue también que la cantara LEONARD NIMOY, el Spock  de ‘Star Trek’.

El gran SOLOMON BURKE cantó ‘Proud Mary’ de forma paralela a la Creedence.

Incluso STATUS QUO la grabaron.

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL estuvo intregrada por John Fogerty –vocalista, guitarrista principal y compositor–, su hermano Tom –guitarrista rítmico–, Stu Cook –bajista– y Doug Clifford –batería–, que en su corta existencia como conjunto marcaron una huella imborrable e influyeron en varias de las generaciones que les siguieron por el camino del rock. Su nombre fue tomado de Creedence Nuball, un amigo de Tom Fogerty, y de un anuncio publicitario de la cerveza Clearwater.

Constituyeron la mejor respuesta americana a The Beatles, a los que incluso en alguna ocasión lograron desplazar con su sonido ‘swamp rock’, un subgénero caracterizado por el funky, el bajo de soul y letras que recogen el folklore del sur y la vida en las zonas de alrededor del Mississippi, Nueva Orleans, o áreas rurales como el Bayou.

Dejaron de existir en 1972 cuando la fuerte personalidad del mayor de los Fogerty necesitó expandirse. El líder comenzó su carrera en solitario. Cook  y Clifford formaron la Creedence Clearwater Revisited y se dedicaron interpretar en giras los antiguos temas. En varias ocasiones se habló de reunificación, pero nunca se produjo. La muerte de Tom Fogerty en 1990, víctima del sida, supuso ya el toque de gracia al supergrupo.

Desde 1968 a 1972 llenaron el ambiente musical estadounidense con grandes canciones como ‘Susie Q’, la referida ‘’Proud Mary’ ,‘Bad moon rising’, ‘I put a spell on you’, ‘Lodi’, ‘Green river’, ‘Commotion’, ‘Down on the corner’ o ‘Fortunate son’.

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Y junto a él pude encontrar una serie de discos, todos singles, que había comprado mi madre por aquello de que el tocadiscos, muy caprichoso él, no sonaba sin vinilos. Y entre ellos estaba uno de Micky, que cantaba ‘El chico de la armónica’.

A Micky lo conocía ya, porque era habitual en las dos únicas cadenas de televisión que teníamos por aquella época, pero la canción para mí era una novedad, a pesar de que tenía ya varios años de existencia. ‘El chico de la armónica’ salió al mercado en 1972 y se convirtió en la canción del año, naturalmente sólo en España.

Este tema fue escrito por Fernando Arbex para Micky a su llegada a la discográfica RCA. La combinación de compositor e intérprete dio en el clavo de forma inesperada, ya que ‘El chico de la armónica’ era un tema lento que nació en una época en la que el pop que prosperaba era más intrascendente.

Lo cierto es que la balada triunfó instantáneamente, incluso en media Europa. La fama que alcanzó fue tal que hasta el propio Elvis Presley se fijó en ella. El rey del rock, que era de la misma compañía, pidió permiso para incorporar a su repertorio una versión en inglés. Lo consiguió, aunque no se sabe si se llegó a grabarla.

A dónde vas, solitario en la ciudad.
A dónde vas, caminando sin hablar.

Escucha, al muchacho tocar
esa triste canción,
pero nadie se vuelve.

Escucha, como toca al pasar
esa triste canción,
con su armónica de amor…
para ti, para mí

A dónde vas, ojos tristes al mirar.
A dónde vas, sin amigos sin hogar.

Escucha, al muchacho tocar
esa triste canción,
pero nadie se vuelve.

Escucha, como toca al pasar
esa triste canción,
con su armónica de amor…
para ti, para mí

VERSIONES

Tratando de aprovechar el éxito inicial de ‘El chico de la armónica’, Micky grabó una versión inglesa titulada ‘THE MOUTH ORGAN BOY’.

En un disco en el que rescata canciones de cuando él todavía no había nacido, el también eurovisivo DANIEL DIGES le atreve con ‘El chico de la armónica’.

La gran cantante alemana de origen griego VICKY LEANDROS la cantó con su habitual sensibilidad.

Miguel Ángel Carreño, o sea MICKY o el hombre de goma, es un madrileño que desde 1943 cumple años con total puntualidad cada 20 de octubre. Hijo de un diplomático asturiano y de una alemana, su infancia marcada por los constantes viajes de su padre le sirvió para aprender otros idiomas y ver opciones musicales todavía desconocidas en España.

Por ello, cuando regresó a casa, resultó un adelantado con más conocimiento del ambiente musical extranjero que sus colegas del momento. Se introdujo de inmediato en el grupo Micky y Los Tonys, con el que triunfó primero con versiones de temas extranjeros y clásicos españoles, y luego mediante composiciones propias. La banda grabó en total alrededor de treinta singles y cinco LP’s,

A la vista de los setenta Micky da el salto como solista y con la ayuda de Fernando Arbex -antiguo componente de Los Brincos- firmó un contrato con la multinacional RCA, con la que consiguió éxitos menores como ‘Mary, Mary, Maria’ hasta la llegada de ‘El chico de la armónica’, que le permite cruzar la frontera europea. Luego llegan ‘Soy así’, ‘La leña’, ‘Bye bye fraeulein’ y ‘Enséñame a cantar’, un tema con el que representó a España en Eurovisión sin repercusión en el certamen -noveno lugar-, pero muy reconocido en España.

De ahí en adelante su fama declinó y su carrera, aunque sobrevivió, fue cada vez más marginal, intercalando en su vida musical papeles teatrales, radiofónicos y televisivos, para demostrar que es un showman por excelencia. Ahora se dedica a contentar a nostálgicos.

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