The Moody Blues fusionó en más de siete minutos de la versión original rock, música clásica, sonidos tradicionales europeos y unos primeros pasos de la era electrónica con sus raíces de rythm and blues para ofrecernos unas noches envueltas en blanco satén que han hecho soñar a muchos a lo largo de las últimas cinco décadas. Supuso un revulsivo para un genero conceptual emergente que era difícil de extender, al tiempo que extendió el uso del mellotron –un teclado que podía simular el sonido de instrumentos de cuerda– y el traslado del peso de la melodía hacia el universo de los teclados.

Su éxito radicó en el hecho de que supo convertir aquel estilo que compartía con otros grupos en un canción accesible para el gran público y que el paso del tiempo ha demostrado inolvidable. Su impecable confección, con el grado de dulzura edulcorante muy medida y con arreglos increíbles, permitió incluso que en 1972, cinco años después de salir al mercado, volvió a ser reeditado el single con motivo del la mayor efervescencia del pop sinfónico con igual o mayor repercusión.

Basta con cerrar los ojos para transportarnos a esa noche del pasado que nos describía la banda inglesa, con la magia de sonar como algo enorme. Pero no son los instrumentos los que llegan a una potencia increíble, sino que es toda la música en sí. «Noches de blanco satén que nunca terminan, carta escritas que nunca llegan, ojos bellísimos que se van muy lejos, sentimientos que se olvidan, traiciones que se perdonan…»

Dentro de la estructura del álbum ‘Days of future passed’, empeñada en describir con la ayuda de la London Festival Orchestra el acontecer rutinario en un día cualquiera y en lo que inicialmente debía ser una nuestra versión de la ‘Sinfonía del nuevo mundo’ de Dvorak encargada por la discográfica Decca rentabilizar los nuevos aparatos estéreo de los nuevos estudios, ‘Nights in white satin’, escrita por Justin Hayward, nos traslada, lógicamente, a la noche con un armazón semejante a las bandas sonoras, donde la música y la narrativa tienen una descripción casi cinematográfica.

‘Night in white satin’ es la obra suprema de The Moody Blues, por la que son y serán recordados por varias generaciones y por la que también les descubrirán quienes aún no han llegado a este mundo. Sin duda, uno de los temas más pinchados, radiados, cantados y versionados de la historia.

Pero su irrupción no fue fácil, ya que su larga duración inicialmente la descalificaba para las radios y para los singles que dominaban en aquella época. Pero, contra todas las reglas de la música pop, triunfó. Hasta en Estados Unidos, más receptivos a obras sencillas. Para ellos inicialmente era muy larga y lenta. La versión original tenía una duración de 7.38 minutos. Posteriormente se lanzó la que ofrecemos hoy, que se dejó en 4.26 minutos.

Dicen que gran parte de culpa del triunfo al otro lado del Pacífico la tuvo un DJ de Seattle, que durante su turno quiso salir a fumar fuera de la cabina y puso el disco de más duración que tenía. Entusiasmo a sus oyentes.

En Europa lo tuvieron más fácil e incluso el cantautor francés Leo Ferré hizo referencia a ‘Noches de blanco satén’ en la letra de su canción ‘C’est extra’, de 1969. «Una chica que baila un tema inglés es extra. Un Moody Blues que canta de noche como un satén de blanca desposada es extra», decía.

Los propios ‘moodies’ inicialmente no fueron conscientes de lo que habían generado. En un entrevista de muchos años atrás su bajo John Lodge dijo que la primera vez que se dieron cuenta fue al escuchar un grabación realizada en la BBC antes de sacar el disco. «Estábamos tan entusiasmados…», dijo.

Noches de blanco satén, que nunca se acaban
cartas que he escrito, nunca con intención de enviar
belleza que debería haber añorado, con esos ojos, antes
simplemente qué es la verdad, ya no lo puedo decir
porque te quiero, sí, te quiero, oh, cómo te quiero

Observando a la gente, algunos de la mano
por lo que estoy pasando, ellos no lo entienden
algunos intentan contarme reflexiones que no pueden defender
exactamente lo que quieres ser, es lo que serás al final
y te quiero, sí, te quiero
oh, cómo te quiero, oh, cómo te quiero

Noches de blanco satén, que nunca se acaban
cartas que he escrito, nunca con intención de enviar
belleza que debería haber añorado, con esos ojos, antes
simplemente qué es la verdad, ya no lo puedo decir
porque te quiero, sí, te quiero, oh, cómo te quiero

Respiración profunda
la melancolía creciente
ver las luces apagarse
en cada habitación
gente que vive en hostales
mira hacia atrás y lamentan
otro día inútil
energía gastada

Amantes desapasionados
luchan unidos
el hombre solitario llora por amor
y no tiene ninguno
nueva madre levanta
y da de mamar a su hijo
los ciudadanos mayores
desearían ser jóvenes

Orbe de corazones fríos
que gobierna la noche
borra los colores
de nuestra vista
rojo es gris y
amarillo, blanco
pero nosotros decidimos
cuál es el correcto
Y cuál es una ilusión

VERSIONES

Las revisiones realizadas a lo largo de su historia de ‘Nights in white satin’ son incontables. Destacamos, por ejemplo, la firmada por ERIC BURDON AND WAR en 1970.

IL DIVO la retituló ‘Notte di luce’.

NANCY SINATRA incluyó la canción en un álbum de 1995.

En castellano tuvo cierta repercusión la ‘traducción de LORENZO SANTAMARÍA.

http://youtu.be/6fINLSyoSkQ

RAFA BLAS, ganador del concurso ‘La Voz’ incluyó en su primer disco la versión en castellano del clásico de The Moody Blues.

Entre otros muchos también interpretaron el tema Franck Pourcel, Nomadi, Dalida, Deodato, Giorgio Moroder, The Dickies, Marie Laforêt, The Shadows, Jacky Cheung, James Last and Orchestra, David Lanz, Alain Bashung, Sandra, Jennifer Rush, Mario Frangoulis, God is an Astronaut, Declan, Glenn Hughes, Tina Arenam Midnight Movies, Collide, Bettye LaVette, Los Memphis, Los Faros, Alfonso Pahino…

La banda THE MOODY BLUES estuvo integrada en su formato más clásico por Justin Hayward (guitarra), John Lodge (bajo), Michael Pinder (teclados), Denny Laine (voz), Ray Thomas (flauta) y Graeme Edge (bateria). Una composición que tenía la anormal costumbre de que todos componían y de que todos cantaban sus obras particulares.

Arrancaron su caminar en Birmingham durante 1964 basados en un rythm & blues típico de la época, pero con la incorporación de Lodge y Hayward se convirtieron en devotos de un rock ambicioso que tuvo su máxima expresión en su segundo álbum ‘Days of future passed’, considerado el primero conceptual de la historia del rock y creado junto a la London Festival Orchestra.

El éxito les permitió lanzar nuevas obras, con menor repercusión pero bien acogidas, hasta que en 1974 optaron por poner fin a su aventura, aunque puntualmente se reunieron varias veces y su producción discográfica continuó hasta 2001. No obstante, la grandeza músico-vocal de los setenta nunca más volvió a aflorar.

Últimamente han sido noticia porque han protagonizado un crucero en el que tocarán para sus fans, convertidos en pasajeros.

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Pero lo cierto es que fue una canción que rompió sus moldes, consiguiendo el apoyo del público en 1981, año en el que escaló a los lugares más elevados de las listas de éxitos mundiales. De hecho constituyó su single más vendido. Nos quiso representar una llegada desde el futuro gracias a una máquina del tiempo para darnos un concierto de música clásica interpretado por una banda de rock and roll de los años cincuenta.

El tema fue apoyado por un videoclip que innovó desde su primera escena gracias a un presupuesto estratosférico a pesar de que fue filmado parcialmente en blanco y negro, a imagen de las viejas películas de Hollywood.

El mensaje por contra era de lo más terrenal, de lo más humano. El grupo británico nos invitaba a agarrarnos a nuestros sueños cuando la realidad nos traicionaba. A aferrarnos a ellos cuando vemos partir el barco del amor sin que nosotros estemos a bordo. A confiar en ellos cuando nuestro corazón está roto. A soñar mientras el tiempo transcurre y aparece un nuevo hombro sobre el que llorar.

Como curiosidad cabe señalar que en su letra, lógicamente escrita en inglés, se incluyó un verso en francés, que básicamente venía a repetir el primero de la canción. Con el experimento lograron una de sus mejores canciones. Lo mejor de la ELO llegó en su mejor momento.

Hmm …. agárrate fuerte a tus sueños 
Sí … agárrate fuerte a tus sueños 
Cuando ves que el barco parte
Cuando sientas que tu corazón se está rompiendo 
Agárrate fuerte .. oh .. a tus sueños 

Hmm …. es ya mucho tiempo desde que se ha ido 
El tiempo pasa y pasa
Cuando necesites un hombro para llorar 
Cuando estés harto de tratar de remontar
Agárrate fuerte a tus sueños 

Cuando estés tan deprimido que no puedas levantarte
Y cuando quieras tanto, pero no tengas suerte
Cuando te sientas rechazado y nadie te entiende
Mi sueño más grande es no defraudarte
Una y otra vez puedes

Accroches-toi un reve tonelada 
Accroches-toi un reve tonelada 
Quand tu vois ton bateau Partir 
Quand tu senta ton coeur sí briser 
Accroches-toi un reve tonelada 

Cuando estés tan deprimido que no puedas levantarte
Y cuando quieras tanto, pero no tengas suerte
Cuando te sientas rechazado y nadie te entiende
Mi sueño más grande es no defraudarte
Una y otra vez puedes
Sí …. agárrate fuerte a tus sueños
Sí …. agárrate fuerte a tus sueños

Cuando ves las sombras caer
Cuando escuches al frío viento llamarte
Agárrate fuerte a tus sueños 
Ooh sí… Agárrate fuerte a tus sueños

VERSIONES

En el mundo de la PUBLICIDAD y LA TELEVISIÓN ‘Hold on tight’ ha sido muy utilizado. Por ejemplo, en una campaña realizada para fomentar el consumo de café.

También la marca automovilística japonesa HONDA recurrió al tema de ELO para promocionar un modelo.

La serie infantil ‘ALVIN Y LAS ARDILLAS’ realizó su versión en 1982.

La banda británica formada en Birmingham en 1971 dedicó la primera parte de su andadura a emular las grandes interpretaciones del rock clásico, pero poco a poco evolucionó hacia una música más sinfónica hasta conseguir finalmente una sonoridad electrónica propia y peculiar.

Bajo el liderato de Jeff Lynne la ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA fue sumando éxitos, especialmente en Estados Unidos, llegando a su nivel más alto de influencia con ‘Hold on tight’. Los primeros ochenta acogieron sus mejores momentos y a mediados de la década protagonizaron importantes diferencias que llevaron a su separación en 1986. Sin embargo, algunos de los músicos de la primera época intentaron prolongar el invento con el nombre de The Electric Light Orchestra Part II. Fracasaron.

Ya a lo largo de su historia, la ELO había sufrido continuos cambios de formación, rotando un gran número de músicos, siempre bajo la estrella de Jeff Lynne. Juntó a sus compañeros en 2001 para publicar un trabajo que tampoco funcionó pese a contar con colaboraciones de George Harrison y Ringo Starr.

En 2010 se reunieron integrantes del grupo como Mik Kaminski, Louis Clark, Eric Troyer, Phil Bates, Gordon Townsend y Glen Burtnick para ofrecer algunos conciertos por América Latina con motivo del cuarenta aniversario de la salida al mercado de su primer disco.

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